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photo : jak e dar we n
The ÂŤElement PerspectiveÂť project highlights iconic photographers
documenting
skateboarding
and
the
lifestyle that surrounds it. The story continues to unfold each season as a new installment of tees are released, creating an ongoing gallery of compelling imagery.
@jakedarwen @elementeUroPe @elementbrand
e l e m e n tbr a n d . c o m
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TH E R OAM LYT E UL TRA LIG HT “ST EP-I N” COM MUT ER WITH FR EE FLE XIN G ME SH UPP ER CO MIN G S OON
UNITED BY FATE ES T. AUSTRALIA 1994
WWW.GLOBE.TV FOLLOW @GLOBEBRAND
Š2014 Vans Inc. Photo: Taylor Bonin
TOTAL× LOOK× BRIXTON WWW.BRIXTON.COM PHOTO: CECILIA ALVAREZ-HEVIA MODEL: EDUARDO G.MON
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TOTAL× LOOK×CONVERSE WWW.CONVERSE.ES PHOTO: CECILIA ALVAREZ-HEVIA MODEL: JAVIER TUYA
A SHER PACE Y & M A XIMILIA N T Y N A N I PHoTogR APH Y bY EM VIELLE # off THE w ELLwoRNPATH I NoRTH CoA S T NE w S oU TH wA LES I AUS TR A LIA
DIS TRIbU Y E EN ESPA 単 A . INDUSNow . INDUSNow@INDUSNow.CoM . +3 4 935 86 0 415
W W W.RHY THMLIVIN .COM
REEF×TOTAL× LOOK WWW.REEF.COM PHOTO: CECILIA ALVAREZ-HEVIA MODEL: ISRAEL GARCÍA LOCALIZACIÓN ESPACIO EL INVERNADERO MADRID
SQUIR E Featured in Bengal Tortoise
DANNY FULLER Through The Eyes Of Chris Straley RAEN.COM
CARHARTT WIP×TOTAL× LOOK WWW.CARHARTT-WIP.ES PHOTO: CECILIA ALVAREZ-HEVIA LOCALIZACIÓN ESPACIO EL INVERNADERO MODEL: ADRIAN HUERTA DE TRENDMODELS
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www.carhartt-wip.com Photography by Joshua Gordon, artwork by Tim Head
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TOTAL× LOOK×GLOBE WWW.GLOBE.TV PHOTO: CECILIA ALVAREZ-HEVIA MODEL: ALEJANDRO ALONSO
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TOTAL× LOOK×TWOTHIRDS WWW.TWOTHIRDS.COM PHOTO: LUIZA LACAVA MODEL: EDUARDO ROMAN DE UNIKO MODELS
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TOTAL× LOOK× RHYTHM WWW.RHYTHMLIVIN.COM PHOTO: CECILIA ALVAREZ-HEVIA MODEL: AITANA M DE TRENDMODELS Y AMAR HERNANDEZ
TOTAL× LOOK×ELEMENT PHOTO: CECILIA ALVAREZ-HEVIA MODEL: JAVIER TUYA Y ANA GARCÍA SOL WWW.ELEMENTBRAND.COM
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VANS ×TOTAL× LOOK WWW.VANS.ES PHOTO: CECILIA ALVAREZ-HEVIA MODEL: ANA COBAIN Y ISMAEL BENI DE TRENDMODELS LOCALIZACIÓN ESPACIO EL INVERNADERO MADRID
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WWW.VOLCOM.COM WWW.MARSHALLAMPS.COM WWW.POLERSTUFF.COM
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WWW.VISSLA.ES
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WWW.VANS.ES WWW.LONGISLANDLONGBOARDS.COM
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T. EVA VILLAZALLA
Es realmente difícil escribir de algo que se siente tan adentro. Algo que significa el aire que se respira, el reto, el crecimiento, la intuición, la sorpresa y la belleza de ver un pensamiento convertido en imagen y en palabras que no eres tú quién las expresa. Cumplimos diez años y este ejemplar que editamos es el número 100. lamono empezó como un pensamiento en familia. Y así ha seguido, reteniendo la energía de todos los que la han hecho así de grande, en todos sus procesos. Cuando tuvimos que pensar en el tema que ocuparía esta edición sólo dos palabras se me pasaron por la cabeza, como un pensamiento fugaz que apretaba con toda la fuerza de su dimensión: THANK YOU. Gracias a Nightsungroup por la apuesta, a eleesppaccio y bang-bang studio por poner todo el amor de los comienzos, a Cristian Pascual por la fuerza de las ideas, a Núria Rius por lo afinado de su criterio, a Natalia Brovedanni por brillar, a Hernan Verdinelli por la paciencia, a Luisa Unda por poner orden y a todos los que hicieron de nuestros inicios una aventura maravillosa, incluyendo al team de Byloa que nos llevaron a México con los artistas Lolo y Btoy y sin saberlo dispararon aún más nuestra energía. La lista de agradecimientos es tan larga que necesitaría una revista entera para enumerarlos a todos, desde los colaboradores que volcaron y vuelcan toda su pasión en el proyecto como a los artistas que nos hacen pensar y crecer un poco más. Me gustaría aprovechar esta pequeña editorial para, además de hacer un repaso a las portadas que han hecho de cada edición un documento único, agradecer de corazón la confianza que han puesto las marcas en nuestro proyecto desde el principio y esos festivales y proyectos con los que caminamos de la mano y sentimos como nuestros: Sonar, In-edit Beefeater, Bright Tradeshow… lamono es un pensamiento de Anthya Tirado, una mano de Antonella Sonza, el corazón de Julio Amores, la mirada de Luiza Lacava, la perseverancia de Josep Manel Sicart, las locuras de Bea Salas, la fortaleza de Xavi Ocaña, la inocencia de Vicky Navarro, la valentía de Alexandru Costin, la visión de Marina Morell, la ejecución de Gabriel di Martino y la explosión de Barbara Esteban, entre otros muchos que han pasado y están aún dejando en nuestras páginas la resaca de su creatividad expresada sin límites. Lo que empezó como una aventura a la que tildábamos de experimento, es hoy un contenedor que guarda un trozo de la energía de todos nosotros y que se resume en un viaje que se hace desde el pensamiento. Gracias a todos los que nos acompañáis o nos habéis acompañado en el trayecto. lamono no es más que vosotros mismos. It is truly hard to write about something one feels so deep inside. Something that means the air you breathe, the challenge, the growth, intuition, surprise and beauty of seeing a thought made image, expressed in someone else’s words. We are turning 10 and this very edition is number 100. lamono began as a family idea. And so has it been, retaining the energy of all of those who have made it as big as it is today, in all of its processes. When we started thinking about the topic that would cover this edition only two words crossed my mind, a fleeting idea with the strength of all its dimension: THANK YOU. Thanks to Nightsungroup for the bet, to eeleesppaccio and bang-bang studio for putting all of the love during the beginning, to Cristian Pascual for the strength of the ideas, to Núria Rius for her refined criteria, to Natalia Bovedanni for shining, to Hernan Verdinelli for the patience, to Luisa Unda for putting everything in order and to everyone who turned our beginning into a wonderful adventure, including the Byloa team who took us to Mexico along with artists Lolo and Btoy and without realising they triggered our energy even more. The list of names to thank is so long I would need an entire magazine to name them all, from collaborators who have thrown themselves into this and still do, to the artists who make us think and grow a bit more. I would like to use this small edition to, apart from going through the covers that have made each edition a unique document, deeply thank for the trust brands have put in our project from the beginning, as well as to those festivals and projects we walk hand in hand with and in already feel as our own: Sonar, In-edit Beefeater, Bright Tradeshow… lamono is Anthya Tirado’s thought, Antonella Sonza’s hand, Julio Amores’s heart, Luiza Lacava’s look, Josep Manel Sicart’s perseverance, Bea Salas’s madness, Xavi Ocaña’s strength, Vicky Navarro’s innocence, Alexandru Costin’s bravery, Marina Morell’s vision, Gabriel di Martino’s execution and Barbara Esteban’s explosion, among many others who have passed by and are still leaving traces of their creativity hungover on our pages, once expressed without limits. What started as an adventure we regarded as experiment is today a container keeping a piece of the energy of all of us and which can be summed up in a trip made from our heads. Thanks to all who walk or have walked by our side throughout this journey. lamono is nothing but yourselves.
#THANKYOU100 32
#1 DECEMBER 2003
4. INOCUO DESIGN
8. ROUGH ATTITUD
1. NURIA RIUS
2. SANTIAGO TAQCCETI + SUSANA LABORDE
3. BANG BANG
5. BANG BANG
6. DAVID FOLVARI
7. LA DIVA
9. EVA AMISEN
10. FREAKLÜB
11. ATMA
12. DENVER
13. MISS VAN
16. RINZEN
17. 11COLLECTIVE
14. CLYTON BROTHERS
18. YUKO SHIMIZO
15. KIMU
19. ROUGH ATTITUDES
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21. CATALINA ESTRADA
22. SOSAKU
23. GASTON LIBERTO
24. BANG BANG
25. HIROSHI SHIMAMURA
26. NEREA POZO
27. J. M. POZO
28. MICHA HIRT
29. ENRIQUE RADIGALES
30. ALMUDENA HUNDURO
31. VICTOR CASTILLO
32. JONAS LIVEROOD
33. BTOY + LOLO
34. MIKE SWANEY
35. KIMU
36. TWIN SISTERS
37. ROOPE ALHO
38. EL DIMITRY
39. JORDI EROLA
40. SANDRA SUY
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41. SERGIO MORA
42. ANIMAL BANDIDO
43. GIORGINA CIOTTI
44. BC*BRUTA
45. ALEX CEBALL
46. ÁLVARO (MISTERIO) BARCALA
47. OLIVIA
4. INOCUO DESIGN
49. JUJU’S DELIVERY
50. SITIO MÚJICA
51. FEFE TALAVERA
52. BERBERECHO PRODUCTIONS
53. I LOVE DUST
54. ARYZ
55. XIAMA
56. MOMO
57. DAN MAY
58. DAVE DECAT
59. TARA DOUGANS
60. KRISTY WRITTEN
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61. ERLA MARIA
62. JEAN DELAYE
63. ANA CABELLO
64. MARTA CERDA
65. MARCOS CABRERA
66. MARISA TEXTOR
67. DARIA MAKAROVA
68. ARON WIESENFELD
69. CARLA FUENTES
70. LUKE RAMSEY
71. SOCATOBA
72. ROGIER DE BOEVÉ
73. RICARDO FUMANAL
74. ORTICANOODLES
77. MARIO HUGO
78. RACHEL CALDWELL
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75. JORGE TELLAECHE
79. JOHN CASEY
76. DILLY
80. MERVE MORKOÇ
81. SCOTT MARR
82. CARMEN ORTIZ
83. NICOLETTA CECCOLI
84. JANA JEANS
NEW FORMAT MARCH 2013
85. LAURIE LIPTON
86. CHRIS MARS
87. DIKA BEAR
89. IACEK KACZYNSKI
90. ZORAN NOVA
91. RON ENGLISH
92. BRENDAN DANIELSSON
93. BRIAN DONELLI
94. DAVID FOLVARI
95. ASIS PERCALES
96. JEROME ROMAIN
97. TIMBER
98. VALERIU MLADIN
99. ANDREW POMMIER
100.
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THE WATERS OF OUR TIME, BROOKLYN, NY, 1979
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Thomas Roma Dos vidas, una mirada y Brooklyn de fondo T: LORENA PEDRE
The Waters Of Our Time es una réplica casi exacta de The Sweet Flypaper of Life, el libro al que el escritor Langston Hughes y el fotógrafo Roy DeCarava dieron vida en el año 1955. Como fan absoluto de DeCarava y tras décadas guardando el libro en su memoria, Thomas Roma decidió hacerle un merecido homenaje a lo que consideraba una gran obra maestra que había quedado en el olvido. Así, tras un duro trabajo de revisión y recopilación de imágenes ha conseguido crear, junto a su hijo Giancarlo, uno de los libros fotográficos más bellamente realizados en los últimos años. Cada fotografía, cada palabra, cada detalle de su narración entrecruzada y protagonizada por su mujer e hijo no hacen más que demostrar, una vez más, el gran talento de uno de los mejores fotógrafos que ha dado Brooklyn a lo largo de su historia. Con todo ello, no es de extrañar que The Waters Of Our Time haya sido nombrado uno de los mejores libros de fotografía por la revista Time en la primavera-verano de este año. ¡En nuestro número especial 100 sólo podemos decir Thank You Thomas! The Waters Of Our Time is an almost exact replica of The Sweet Flypaper of Life, the book writer Langston Hughes and photographer Roy DeCarava gave birth to in 1955. As DeCarava’s complete fan and three decades after keeping the book in his memory, Thomas Roma decided to pay homage to what he considered a forgotten masterpiece. After a hard job of image revising and gathering he managed to create, along with his son Giancarlo, one of the most beautifully made photography books of the last few years. Each photograph, each word and each detail of an intertwined narration starred by his wife and son do nothing but prove, once more, the huge talent of one of the best photographers Brooklyn has seen grow throughout its history. All in all, no wonder The Waters Of Our Time has been regarded as one of the best photography books by Time magazine this year’s spring-summer season. On our number 100 special edition we can only say Thank You Thomas!
www.thomasroma.com 39
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DEAR KNIGHTS AND DARKHORSES, 2004
Empezaste tu carrera laboral trabajando en Wall Street. ¿Cómo fueron esos años y por qué decidiste dejarlo? Empecé a trabajar en Wall Street cuando tenía 17 años. Era mi primera experiencia fuera de Brooklyn y fue estupendo, de hecho, coincidió con el día de mi cumpleaños. Hacía el trabajo de los hombres adultos y me trataban como a tal. Daba la casualidad que era bueno en mi trabajo y disfruté de él. Sin embargo, cuando tenía 19 años y medio tuve un grave accidente de coche. Me fracturé el cráneo. Fue durante el periodo en el que estaba en rehabilitación cuando descubrí la fotografía, aunque en realidad es una historia mucho más larga: volví al trabajo después de un año y medio, y por mucho que disfruté del tiempo que pasé en la Sala de Inversiones de Wall Street, me perdí toda la vida que sucedía mientras tanto ahí fuera. Hay que entenderlo, en invierno, por ejemplo, llegaba al trabajo de noche, dentro no teníamos ventanas, y cuando volvía a salir se había vuelto a hacer de noche otra vez. Durante ese periodo hubo protestas contra la guerra de Vietnam, manifestaciones estudiantiles justo delante de nuestras puertas de Wall Street y algo se agitó en mí. La fotografía parecía ser una forma de salir al mundo. En ese momento no entendía esto en toda su magnitud, ya que estaba sucediendo, pero ahora, mirándolo con perspectiva, tiene mucho más sentido. Yo sabía cuánto amaba mi trabajo allí, para mí no había otra cosa y precisamente por eso valía la pena correr el riesgo y alejarse. Después de eso, ¿cómo acabaste convirtiéndote en fotógrafo profesional? Lo curioso es que nunca me convertí en fotógrafo profesional. Pensé que lo iba a ser, pero nunca llegué a hacerlo. Sólo llevaba sin trabajo unas semanas cuando me ofrecieron ser profesor ayudante y técnico de cuarto oscuro en el Pratt Institute, una escuela local de arte e ingeniería en Brooklyn. Allí me sumergí en la vida de lo que solíamos llamar “los fotógrafos serios”. Es decir, los fotógrafos que entendían que la fotografía era un gran esfuerzo personal. Y aunque muchos de ellos eran fotógrafos “profesionales”, estaban mucho más interesados en tratar de tener una vida en la fotografía haciendo su propio trabajo que en hacer fotografías por encargo. Desde 1983 también has sido profesor de fotografía en la Universidad de Yale, en la Universidad de Fordham, en The Cooper Union y en la Escuela de Artes Plásticas, y en 1996 te convertiste en el director del Programa de Fotografía en la Escuela de Arte de la Universidad de Columbia. ¿Qué te aporta el proceso de enseñar? Todos estos años he tenido la suerte de ser profesor de fotografía en el nivel más básico, lo que llamamos “Foto I.” En ese sentido, siempre estoy enseñando a los estudiantes que empiezan a descubrir la fotografía. Es como estar siempre en las primeras semanas y meses de una historia de amor, me mantiene realmente en contacto con el por qué me comprometí conmigo mismo para ser ante todo fotógrafo. Has retratado la vida en Brooklyn como nadie, con una mirada sincera, cercana y natural. ¿Crees que el hecho de construirte tus propias cámaras ha ayudado a lo que consigues transmitir con tus fotografías? He respondido a esta pregunta de diferentes maneras y algunas de mis respuestas han sido más ciertas que otras. La verdad es que yo simplemente quería construir una cámara para poder hacer exactamente lo que quería, y nada más. Lo mínimo indispensable. Las cámaras que existían alrededor de 1971 y 72, cuando empecé a construir la primera, ya eran capaces de hacer muchas cosas, tenían muchas características que yo no estaba interesado en usar. Mi apego a mi cámara no se diferencia en nada del apego que siente un músico por su instrumento. Gran parte de la mirada de mis fotos creo que tiene que ver más con el hecho de que uso una película de formato
medio que tiene una escala de grises muy larga, con una longitud focal que hace un poco de gran angular (algo así como una lente de 40 mm en una cámara de 35mm). Además, esto se une al hecho de que la lente que utilizo no es tan nítida como las lentes modernas, en estas últimas, cuando vemos las fotografías podemos observar que en las transiciones fotográficas hay un proceso gradual al pasar de las cosas más nítidas a las menos, no un cambio abrupto. Aún así desde 1991 utilizas una cámara de medio formato oneof-a-kind que también construiste tú mismo. ¿Tiene algo especial esta cámara que no tenga ninguna otra del mercado? Sí, es cierto. Después de 20 años construyendo cámaras en 1991 hice una que creía que no se podía mejorar. Desde entonces la he estado usando (casualmente lleva el nombre de mi hijo, que también nació en 1991). La gran mejora de esta cámara sobre las anteriores que había estado utilizando, y había hecho, es el visor. Se trata de un visor óptico bright-line sin reducción, es decir, que me muestra el mundo que estoy mirando a tamaño natural, por lo que soy capaz de mantener los dos ojos abiertos para ver las cosas que están dentro y fuera del marco. The Waters Of Our Time es tu 13ª monografía. En ella tu hijo ha tenido un peso fundamental. ¿Cómo ha sido trabajar mano a mano con él? Mi hijo es hijo único, a pesar de que mi esposa y yo tuvimos muchos otros embarazos fallidos. Creo que precisamente eso contribuyó a lo cerca que siempre hemos estado. Es esencial entender que no sólo he observado su corta vida, él también ha observado la mía y por eso creo que tiene el conocimiento necesario para escribir lo que escribió y ser mi compañero en un relato de ficción, en una autobiografía de mi vida. Pero preguntabas “¿cómo fue trabajar tan cerca?”. En realidad yo le proporcioné una maqueta del libro, le di una copia de The Sweet Flypaper of Life y le dije que tenía que escribir utilizando la voz de una mujer y llenando los espacios en blanco entre las fotografías. Nosotros realmente no trabajamos juntos, fue una colaboración que a veces se describe como hacer una película a la inversa, es decir, yo le di todos los materiales visuales y él tuvo que imaginar las palabras, la narración. La letra de la canción que se ejecuta a través del libro proporciona la banda sonora. Tu libro The Waters Of Our Time es una réplica del que comentas, The Sweet Flypaper of Life escrito por Langston Hugles y con fotos de Roy DeCarava. El tamaño, el número de páginas, de imágenes, de palabras en el título de la portada y hasta la fuente. ¿Por qué este libro? ¿Por qué una réplica tan exacta? No recuerdo exactamente cuando compré mi primera copia de The Sweet Flypaper Of Life, pero fue en algún momento a principios o mediados de la década de 1970. Yo ya había visto fotografías de Roy DeCarava. La primera vez que puse los ojos en él, me llamó la atención lo humilde que era, humilde de la manera más atractiva y hermosa. Me encantó la idea de comenzar la historia en la portada, saber que con sólo mirar el libro los autores ya se habían comprometido con hacerte ver lo que había dentro. Sin embargo, cuando lo abrí me di cuenta de que las palabras y las imágenes no estaban a la misma altura, pero de alguna manera eran iguales en peso, en la gravedad. Nunca había visto nada igual, no había nada parecido. Guardé en mi mente hacer algo igual. Hace poco supe que la retrospectiva de Roy DeCarava y mi exposición “Ven Domingo” estaban expuestas al mismo tiempo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Me sentí muy conectado con él y decidí hacerle un homenaje directo, tan directo como pude en todos los sentidos. El título The Waters Of Our Time proviene de la canción Follow de Jerry Merrick, la cual has comentado en alguna ocasión que sueles
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THE WATERS OF OUR TIME, BROOKLYN, NY, 1972
No me cansaré de dar las gracias a John Szarkowski, él tomó en serio mis fotografías antes de tomarme en serio a mí
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utilizar en tus clases. ¿Qué importancia tiene la música en tu vida y en tu obra? ¿Y esta canción en concreto? Creo que la música es el arte de todo el mundo, todo el mundo tiene una canción favorita, todo el mundo tiene una lista de reproducción, todo el mundo recuerda la música que estaba escuchando en diferentes momentos de su vida. Me siento como si siempre tuviera una canción danzando por mi cabeza, o tal vez más de una. Empiezo cada semestre con una canción de Dinah Washington, Look to the Rainbow, como algo que creo que mis estudiantes deberían estar pensando de inmediato y termino el semestre con Follow - la versión cantada por Richie Havens (que también es de Brooklyn). Pero creo que la letra lo dice todo, responde a por qué esa canción. No me gustaría decirlo con otras palabras. La fotografía de la portada, por su parte, proviene del primer rollo que utilizaste en una cámara que construiste en 1972. ¿Cómo fue el proceso de selección y elección entre las 38.000 fotografías que tenías desde la década de 1970? Normalmente, en primer lugar, trato de imaginar qué hacer con un montón de fotografías de 11”x14”, así que tengo que ver miles de ellas. Una vez hecho, me decido por algunos años de mi trabajo que tengo ganas de ver en las hojas de contacto. Así me ocurrió con las 38.000 que tenía para este libro, repasando todas las hojas de contactos que miré y las 8 fotografías por rollo que tenía cada una de ellas. Después de hacer una edición de cerca de 500 fotografías que quería tener en cuenta para el libro, reduje el número y empecé a tratar de darles sentido.
Esa mujer es Anna, tu esposa, y en el libro también aparecen fotografías de tu hijo Giancarlo. Sin embargo, ninguno de los dos se representan a sí mismos. ¿Utilizar fotografías que les habías hecho a lo largo de los años era la manera más certera de retratar una historia en la que se muestra el paso del tiempo en sus personajes? Estás absolutamente en lo cierto. Sí, a la gran mayoría de las personas que he fotografiado en mi vida sólo lo he hecho una vez, pero tenía todos estos años de fotografías de dos personas, por eso tenía sentido utilizarlas. El personaje masculino, Giancarlo, que aparece por primera vez en la página 3 se hace más y más joven según el libro avanza. Y Anna, que aparece por primera vez un poco más tarde, hace justo lo contrario, se hace más y más mayor, ambos en perfecto orden cronológico. Sí, es sobre el paso del tiempo, pero también sugiere algo acerca de la memoria fotográfica. En el libro, texto e imágenes coexisten como iguales haciendo, así, la narración realmente fluida y fácil. Sin embargo, el final está abierto a muchas interpretaciones. ¿Por qué? La esperanza que teníamos era que estábamos haciendo algo lo suficientemente denso y complejo que podía soportar múltiples lecturas e interpretaciones. Quiero decir, hemos querido hacer un libro que merece una segunda o tercera o incluso más lecturas. Las palabras no son títulos de las imágenes ni las fotografías ilustran las palabras, éste es un libro que hay que volver a revisar de vez en cuando para que traiga una verdadera recompensa a su lector.
¿Por qué decidisteis enfocar también el libro desde el punto de vista de una mujer? La principal razón fue porque era lo que Langston Hughes hizo en The Sweet Flypaper of Life. Además, también me sentí atraído por la idea de desaparecer tanto como fuera posible de la experiencia del espectador/lector con el libro.
El número 100 de nuestra revista es un homenaje a toda esa gente que nos ha apoyado durante todos estos años. En tu caso, si tuvieras que darle las gracias a alguien que haya sido un pilar fundamental para ti en tu faceta profesional. ¿Quién sería? En mi vida profesional sería John Szarkowski. Él tomó en serio mis fotografías antes de tomarme en serio a mí.
You started your career working on Wall Street. What were those years like and why did you decide to leave it? I started working on Wall Street when I was 17 years old and it was my first experience outside of Brooklyn and it was a great one (in fact, it was on my 17th birthday). I was doing the job of grown men and I was treated like one of them and I happen to be good at it and enjoyed my work. When I was 19 ½, I got into a bad car accident and fractured my skull and while I was re-cooperating, I discovered photography. It is actually a long story – I went back after a year and a half, and as much as I loved my time on the trading floor, I missed all the life that was going by outside. You have to understand, in the wintertime I would arrive at work and it was still dark, the building had no windows, and then by the time the workday was over it was dark again. During that time, there were protests against the Vietnam War, student demonstrations right outside our doors on Wall Street and something stirred in me. Photography seemed to be a way out into the world. I didn’t completely understand this as it was happening, it makes much more sense in retrospect. I knew as much as I loved my work there, there was something else and it was worth taking a chance by walking away.
Since 1983 you have also been professor of photography at Yale University, at Fordham University, at The Cooper Union and at the School of Visual Arts, and in 1996 you became the Director of Photography Program at Columbia University School of the Arts. What gives you the process of teaching which do not other aspects of your life? I’ve been fortunate all these years to mostly teach photography on the most basic level, what we call “Photo I.” In that sense, I am always working with students who are just discovering photography. It’s like always being in the first weeks and months of a love affair and it keeps me in touch with why I made the commitment myself to be a photographer in the first place.
Later on, how did you become a professional photographer? Funny thing is, I never really became a professional photographer. I thought I would be but I never got around to it. I was only unemployed a few weeks when I was offered a job to be a kind of teaching assistant and darkroom technician at Pratt Institute, a local art and engineering school in Brooklyn. There, I became immersed in the lives of what we used to call “serious photographers.” That is, photographers who understood photography to be a serious personal endeavor. And although many of them were “professional” photographers, they were much more interested in trying to have a life in photography doing their own work, rather than making photographs on assignment.
You have portrayed life in Brooklyn like no one else. With a sincere, close and natural look. Do you think the fact that you make your own cameras yourself has helped get what you convey with your photos? I have answered this question in different ways and some of my answers are more true than others. The simple fact was that I wanted to make a camera to do exactly what I wanted it to do, and nothing else. The bare minimum. Even cameras that were around in 1971 and 72, when I first started building my first camera, were able to do many things, they had many features that I wasn’t interested in using. My attachment to my camera is not unlike a musician’s attachment to his instrument. Much of the look of my pictures I believe has to do with the fact that I use medium format film which has a very long grey scale, a focal length that is only slightly wide angle (something like a 40mm lens on a 35mm camera), and the fact that the lens that I use is not so sharp, certainly not as sharp as modern lenses are so that as the sharpest thing in the photograph transitions to things that are less sharp, it is a gradual, not abrupt shift, the way we see in photographs made with more modern optics. Still since 1991 you use a medium format camera one-of-a-kind, also built by yourself. Does this camera have something special
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THE WATERS OF OUR TIME, BROOKLYN, NY, 1973
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FOUND IN BROOKLYN, BROOKLYN, NY 1981
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THE WATERS OF OUR TIME, BROOKLYN, NY 1991
I can’t thank John Szarkowski enough, who took my photographs seriously before he took me seriously
that no other on the market has? Yes, it is true. In 1991 I made a camera that I believed I couldn’t improve upon, this was after 20 years of making cameras. I’ve been using it ever since (it is named after my son who was also born in 1991). The great improvement of this camera over the previous ones I had been using (and made) is the viewfinder which is a bright-line optical viewfinder with no reduction, that is it shows me the world I’m looking at life size and I am able to keep both eyes open to see things coming in and out of the frame. It is my own design and I’ve only made a few, for my own use. “The waters of our time” is your 13th monograph. Your son has quite some relevance here. What has it been like working closely with him? My son is an only child, although my wife and I many unsuccessful pregnancies, which I think contributed to how close we are. It is essential to understand that I have not only observed his life up close, he’s observed mine and I believe that provided the insight necessary to write what he did, which is a companion to a fictional, autobiographical account of my life. But you asked “ how was it working closely?” – actually I provided him with a mockup of the book, I gave him a copy of “The Sweet Flypaper of Life” and told him he had to write in the voice of a woman, and it had to fill in the white spaces between the photographs. We didn’t really work together, it was a collaboration that he sometimes describes as making a movie in reverse, that is I provided him with all the visual materials and he had to imagine the words/the narrative. The lyrics of the song which run through the book provide the soundtrack. The book “The waters of our time” is a replica of the one you mention, “The Sweet Flypaper of Life” by Langston Hugles and photos of Roy DeCarava. The size, number of pages, images, words in the title on the cover as well as the typo. Why this book? Why such an exact replica? I don’t remember exactly when I bought my first copy of “The Sweet Flypaper of Life” but it was sometime in the early or mid 1970s and had already seen Roy DeCarava’s photographs. When I first laid eyes on it, I was struck by how humble it was, humble in the most compelling and beautiful way. I loved that the story began on the cover, that just looking at it you were already committed to knowing what was inside. When I opened it up and realized that the words and the pictures did not quite match up, but were somehow equal in weight, in gravity. I had never seen anything like it, there was nothing like it. I had kept it in my mind to do something just like it. I knew Roy DeCarava and his retrospective and my exhibition “Come Sunday” were at the Museum of Modern Art, NY at the same time. I felt really connected to him and I decided to do a direct homage, as direct as I could in every way. The title, “The waters of our time”, comes from the song “Follow” by Jerry Merrick, which you once mentioned to usually use for your classes. How important is music for your life and your work? And this particular song? I believe music is everyone’s art, everyone has a favorite song, everyone has a playlist, everyone remembers the music that was playing at different times in their life. I feel as though I always have a song running through my head, or perhaps more than
one. I begin every semester with a Dinah Washington song “Look to the Rainbow,” as something I think my students should be thinking about right off the bat and I end the semester with “Follow” – the version sung by Richie Havens (who is also from Brooklyn). But I think the lyrics says it all, answers why that song. I’d hate to say it in less good words. The cover photograph, meanwhile, comes from the first roll you used in a camera you built in 1972. How was the process of selection and election among 38,000 photographs that you had from the 1970s? Well, first, try to imagine that I make a lot of 11”x14” workprints so I have thousands of those to look at. And then I decided for some years of my work I would look at the contact sheets. That is how I came up with that number, thinking of all the contacts sheets I looked at and each one having 8 pictures on a roll. After I made an edit down to about 500 photographs that I wanted to consider for the book, I reduced them in size and started trying to lay them out. Why did you decide to also focus the book from the point of view of a woman? The main reason was because it was what Langston Hughes did in “The Sweet Flypaper of Life” and also, I was also attracted to the idea that I disappear as much a possible from the viewer/reader’s experience of the book. That woman is Anna, your wife, and the book also shows pictures of your son Giancarlo. However, none are represented by them. Is using photographs that you had taken of them over the years the most certain way to portray a story where time is displayed in your characters? You are absolutely correct. Yes, the vast majority of the people in my life, I have only photographed once but I find myself with all these years of photographs of two people and it made sense to use them. The male character (Giancarlo) who first appears on page 3 gets younger and younger as the book progresses. And Anna who first appears somewhat later than that, does the reverse, gets older and older, both of them in perfect chronological order. Yes, it is about the passage of time but also suggesting something about memory photographically. In the book, text and images equally coexist, hence making the story a smooth and easy read. The end is however open to many interpretations. Why is that? The hope was that we were making something dense enough and complex enough that it could withstand multiple readings and multiple interpretations. I mean, we wanted to make a book that deserved a second or third or beyond reading, not words as captions to pictures or pictures illustrating words but rather a book that rewarded being picked up from time to time. The number 100 of our magazine is a tribute to all those people who have supported us over the years. In your case, if you had to thank someone who has been a mainstay for you in your professional life, who would it be? In my professional life, that would be John Szarkowski who took my photographs seriously before he took me seriously. 47
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THE WATERS OF OUR TIME, BROOKLYN, NY, 2007
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Rune CHRISTENSEN LIFE MADE PATTERN T: LAIA ANTÚNEZ
Estampados, tatuajes, cuerpos semidesnudos y rostros cubiertos con pasamontañas. Lo que a primera vista podría parecer un simple compendio de elementos pertenecientes a la estética más hipster cambia de sentido al hablar con Rune Christiensen, un artista danés que ha recorrido gran parte del mundo buscando la inspiración, dejándose sorprender por los colores, los lugares y las tradiciones que ha conocido. Un artista que viene del graffiti y que continúa pintando a mano para hablarnos del sentimiento de pertenencia al grupo, para reflexionar sobre la importancia de saber lo que somos y de dónde venimos. Porque, a diferencia de lo que pueda parecer, sus figuras no se esconden sino que buscan mostrar sus historias y dar a conocer su verdadero yo. Experiencias e historias que, tal y como nos recuerda el artista a través de los tatuajes, nos acompañarán inevitablemente a lo largo de nuestra vida. Una vida que para él se podría resumir en algo tan simple como viajar y seguir pintando. Patterns, tattoos, half-naked bodies and faces hidden behind balaclavas. What at first sight could look like a simple abstract of elements belonging to a hipster aesthetics has a whole different meaning when talking to Rune Christensen, a Danish artist who has been across the world looking for inspiration, letting himself be surprised by the colours, places and traditions he has seen. An artist coming from graffiti and who keeps painting with his hand to communicate the sense of belonging to a group, to reflect about the importance of knowing who we are and where we come from. Because, untrue though this may seem, his figures don’t hide but they seek to show their stories and spread their real self. Experiences and stories which, as the artists reminds through his tattoos, will inevitably walk with us throughout our lives. A life which for him could be summed up as something as simple as carrying on travelling and keeping painting.
www.runechristensen.dk
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ME INSPIRAN MIS PENSAMIENTOS Y EMOCIONES Y TRATO DE ELEGIR LAS POSICIONES DEL CUERPO QUE DE ALGUNA MANERA AYUDAN A REPRESENTAR ESTAS EMOCIONES
Rune Christensen es un artista autodidacta y trotamundos. Si tuvieras que presentarte, ¿qué más añadirías a esta definición? Diría que también soy un soñador confuso.
arte que ponen en la vida diaria es increíble. Asimismo, ellos también visten cada día los colores de su tribu para demostrar de dónde vienen.
Tus ilustraciones suelen mostrar mujeres que ocultan sus rostros detrás de pasamontañas y sus cuerpos detrás de tatuajes. ¿Por qué existe en tu obra esta voluntad constante de “esconder”? Para mí las máscaras y los tatuajes en realidad representan el hecho de mostrar tu verdadero yo. Son una representación visual de nuestras experiencias o de nuestra “historia vital”. El uso de máscaras sociales y culturales es mi manera de decir que una persona tiene muchas “caras” o “máscaras” diferentes. Por ejemplo, en mis viajes he visto tribus que utilizan estampados diferentes para mostrar el grupo al que pertenecen. Lucen sus colores y estampados tribales en su cara o en su cuerpo para mostrar de dónde son. También me atrae el hecho de que cuando el rostro está cubierto se hace difícil comprender o entender lo que la persona que hay detrás de la máscara está pensando o sintiendo. Tal vez esto es porque a veces, a mí mismo, me lleva demasiado tiempo conseguir interpretar a la gente.
¿Qué rol juegan los patterns en tus ilustraciones? Cuentan la historia de lo que eres y de dónde perteneces. Todos llevamos la ropa para mostrar a qué “tribu” pertenecemos: punks, hippies, hipsters; lo que sea. Los estampados son para mí sólo una manera de decir que todos elegimos ser parte de una “tribu”. En Perú los científicos siguen investigando sobre la ropa de los Incas. Las telas están llenas de estampados y diseños que los científicos creen que contienen algún tipo de lenguaje o significado codificado. Para mí los patterns y la ropa son una forma de comunicar, también en la vida moderna.
¿Una cara cubierta con un pasamontañas puede realmente llegar a ser expresiva? Creo que sí. Te permite pensar en quién, en qué y en por qué. En tu página de Facebook, vemos que en tus últimos trabajos los pasamontañas empiezan a desaparecer y empezamos a percibir parte de la cara de tus figuras. ¿A qué se debe este cambio? De nuevo tiene que ver con la idea de que la gente usa diferentes máscaras según el contexto social. Todos tratamos de intercambiar con éxito nuestras diferentes máscaras, por ejemplo, nuestra máscara profesional y de trabajo, la máscara que utilizamos mientras estamos bebiendo con amigos y así sucesivamente. Además, después de viajar por China, me fijé en que la gente siempre llevaba esas máscaras de hospital para evitar enfermedades y el efecto de la contaminación, y eso me sirvió de inspiración. ¿Por qué tus figuras suelen aparecer danzando o en posiciones prácticamente contorsionadas? ¿Qué tipo de historias nos quieren transmitir? Me inspiran mis pensamientos y emociones y trato de elegir las posiciones del cuerpo que de alguna manera ayudan a representar estas emociones. A veces es el baile, otras es la sensación de flexión hacia atrás, fundiéndote en ti mismo, en busca de tu verdadero yo, o simplemente la representación de cómo la gente tiende a reflejarse o compararse con los demás. Hablábamos de pasamontañas, cuerpos semidesnudos y tatuajes. Tus más características señas de identidad. Pero no podemos olvidarnos de los patterns, de los elementos gráficos y del uso del color. ¿En qué te fijas para crear estos estampados? Viajar es sin duda mi mayor inspiración en la vida. Los colores de la India y Nepal y de los templos budistas e hindúes explotaron en mi mente la primera vez que estuve en esta región del mundo. En mi último viaje a América del Sur me inspiraron mucho los tejedores de los Andes, el
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¿Qué vinculación tienes con el mundo del tatuaje? ¿Llevas alguno? En tus ilustraciones, ¿tienes predilección por reproducir algún estilo de tatuaje o creas el tuyo propio? Los tatuajes que aparecen en mis pinturas y dibujos pretenden mostrar los hábitos de una persona, la historia de su vida. Todos llevamos nuestras historias con nosotros a lo largo de nuestra trayectoria. En psicología, la metáfora para hablar de los hábitos es la de una mochila que siempre llevas contigo mismo. Elijo mostrar esta idea a través de los tatuajes. Es sólo otra manera de contar una historia, de la misma forma que la humanidad lo ha estado haciendo durante mucho tiempo. Por lo que a mí respecta, llevo bastantes tatuajes. Además tengo algunos amigos y miembros de mi familia que son tatuadores. Me gusta el estilo de tatuajes old school, y lo uso en mis pinturas. Mientras viajas, ¿sigues pintando?¿Cómo combinas tus viajes con el trabajo cotidiano? He hecho pinturas y dibujos mientras viajaba, además de que realicé un montón de murales en América del Sur. Acabo de hacer un viaje de dieciocho meses, así que supongo que para mí la vida cotidiana es realmente estar viajando. Actualmente, ¿puedes vivir de tu arte o lo complementas con algún otro trabajo? Trabajo un poco en otras cosas a parte de mi arte, más que nada para salir de mi estudio. Ganarse la vida con el arte puede ser un constante arriba y abajo. Para mí, ahora mismo es más arriba que abajo, ¡así que es genial! Tu mayor deseo para este año que acaba de empezar es... Sólo quiero seguir viajando en la vida, mental y físicamente. Y empujar mi arte tan lejos como pueda. Un viaje pendiente... Estambul en primavera y Canadá en verano, y tal vez un viaje por carretera en Alaska. Para terminar, en este número lamono celebra su décimo aniversario y, para ello, plantea un tema central simple y conciso: Thank you. Es lo que le queremos decir a todos los artistas que habéis colaborado con nosotros. ¿A quién te gustaría darle las gracias? Quiero agradecer a la revista esta oportunidad y a mi familia y amigos su apoyo a lo largo del camino.
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I’M INSPIRED BY MY THOUGHTS AND EMOTIONS AND I TRY TO CHOOSE BODY POSITIONS THAT SOMEHOW REPRESENT THESE EMOTIONS
Rune Christensen is a self-taught artist and globetrotter. If you had to introduce yourself, what else would you add to this definition? I would say that I am also a confused dreamer. Your drawings often show women hiding their faces behind balaclavas and their naked bodies behind tattoos. Why is there in your work this constant desire to “hide”? To me the masks and tattoos actually represent showing your true self. They are a visual representation of our experiences or ‘life story’. Using social masks and cultural masks is my way of saying one person has many different “ faces” or “masks.” In my travels I’ve seen tribes use patterns to show which group they belong to. You wear your colors and tribal patterns on your face/body showing where you’re from. I also like that when the face is covered it is hard to understand or figure out what the person behind the mask is thinking or feeling. Maybe this is because I sometimes have a hard time with reading people myself. A face covered with a balaclava can really become expressive? I think so. It allows you to think, who, what and why. On your Facebook page, we see that in your last works, balaclavas start to disappear and begin to perceive part of the face of your figures. What’s the reason of that change? It is again to do with the idea that people wear different masks given the social context. We all try to successfully switch between our different masks, for example, our professional/at work mask, drinking with buddies mask and so on. Also, after travelling through China I got inspired by the people always wearing these kind of hospital masks for sickness and pollution. Why your figures often appear dancing or in contortioned positions? What kind of stories strive to tell us? I’m inspired by my thoughts and emotions and I try to choose body positions that somehow represent these emotions. Sometimes it is dancing, sometimes it’s the feeling of bending over backwards, melting into yourself in search of your true self, or just how people tend to mirror or compare themselves with others. We talked about balaclavas, half-naked, tattooed bodies. Your most characteristic hallmarks. But we can’t forget patterns, graphic elements and the use of colour. What inspires you to create these prints? Travelling for sure is my biggest inspiration in life. The colors of India and Nepal and the Buddhist and Hindu temples blew my mind the first time I visited this region of the world. On my last trip to South America I was very inspired by the weavers of the Andes mountains, the art work that they put in to daily life
was amazing. Also, they wear tribe colors everyday to demonstrate where they come from. What role do patterns play in your paintings? They tell the story of who you are and where you belong. We all wear clothing to show what “tribe” we belong, to punks, hippies, hipsters… whatever. The patterns for me are just a way of saying we all choose to be part of a “tribe”. In Peru scientists are still doing research on the Incas clothing. The fabric is filled with patterns and designs that scientists believe contains some kind of coded language or meaning. To me patterns and clothing is a way of communicating, also in modern life. What connection do you have with the tattoo world? Are you tattooed? In your illustrations, do you have a predilection for reproducing a certain tattoo style or create your own style? The “tattoo” work in my paintings and drawings is showing a person’s habits or life story. We all carry our stories with us throughout our life. In psychology the metaphor for habits is a backpack you always carry with yourself. I choose to show this through tattoos. It is just another way to tell a story like mankind have been doing for a very long time. I am myself pretty tattooed. I have a few buddies and family members that are tattoo artists. Personally I like old school tattoo style, and also use this in my paintings. While you’re traveling, do you still paint? How do you combine your travels with your daily work? I have done paintings and drawings while on my trips plus I did a bunch of murals in South America. I just did a 18 month trip, so I guess daily life for me is actually travelling. Can you currently live off your art or do you complement it with some other work? I work a little bit next to my art, mostly just to get out of my studio space. Making a living off of art can be up and down. Right now it’s more up than down for me, so that’s great! Your biggest wish for this year that has just begun is... I just want to keep travelling in life, mentally and physically. And push my art as far as I can. A pending trip... Istanbul in the spring and Canada in the summer, maybe a road trip to Alaska Lastly... in this issue, lamono magazine celebrates its tenth anniversary and for this raises a simple and concise theme: Thank you. It’s what we want to say to all the artists who have collaborated with us. Who would you like to thank? I want to thank the magazine for this opportunity and my family and friends for their support along the way.
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DAY TRIPPERS Photos by Juliette Cassidy INSTAGRAM @JULIETTECASSIDY JULIETTECASSIDY.TUMBLR.COM MODELO: RIVER LIANA ALL CLOTHES: AMERICAN APPAREL, VINTAGE
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T: ANTONELLA SONZA
Ed Templeton HACIENDO HISTORIA
Para describir la figura de Ed Templeton como artista y skater, hay que empezar tomando la parte por el todo. Hay demasiadas aristas: en los 90s, fue uno de los pros que introdujo los trucos de freestyle en la escena skate que se cocía en las calles. Además, fue por aquel entonces, al ver la tabla de Mark Gonzales llena de gráficos hechos por él mismo, cuando empezó a arder en él la llama del arte (y de lo que sería más tarde Toy Machine, su marca de skates ilustrados). Considerado un icono y uno de los skateboarders más influyentes de todos los tiempos, ahora contempla la vida a través de su objetivo, más allá de los trucos, los viajes y las competiciones. Su último libro, Wayward Conditions, coincidió con su retirada oficial del skate y el comienzo de una nueva etapa: la de hacer fotografías sin tema, la de dedicarle tiempo a pintar y la de cuidar aun más su empresa. Toda una personalidad imprescindible sin la que la historia del skate no puede ser contada. Y esta entrevista es nuestra particular manera de darle las gracias. When describing Ed Templeton’s figure as an artist and skater, the parts need to be considered as a whole. There are just too many facets: during the 90s, he was one of the pros to introduce freestyle tricks within the skateboarding scene for the first time in the streets. Also, around those times, it was when he saw Mark Gonzales’s board full of graphics made by himself that Templeton felt the need to make art –and what would later on be Toy Machine, his own illustrated skateboards brand. Regarded as an icon and one of the most influential skateboarders of all times, he now contemplates life through his objective, far beyond the tricks, trips and competitions. His latest book, Wayward Conditions, coincided with his official retirement from skateboarding and involved the beginning of a whole new era: photographic without a concrete topic, devoting time to his painting and catering even more for his company. A hugely essential personality without whom the history of skateboarding cannot be told. This interview is our particular way of saying thank you.
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La presentación oficial de tu último libro, Waynard Conditions, significó tu retirada del skateboarding. ¿Cómo es tu vida después de tantos años como pro skater? Bueno, no fue el libro lo que precipitó mi retirada, sino la pierna que me rompí hace dos años. Mi vida no ha cambiado mucho excepto en que patino mucho menos. Siempre he estado compaginando muchísimas cosas a la vez, y ahora tengo una cosa menos de la que preocuparme. Menos skate significa más tiempo para pintar y para hacer de mi compañía, Toy Machine, algo cada vez mejor. Háblanos de tu último libro. En él, vemos una recopilación de fotografías sin tema y bajo una mirada alternativa. ¿Crees que esto te ha permitido ser más libre como artista? Supongo que sí. Quería hacer algo sin las limitaciones que tenía en otros de mis libros. Pero por otro lado, trabajar bajo un concepto quizás también te hace sentir más libre, porque limita tu campo de elección. Es más difícil cuando intentas buscar fotografías entre tu archivo completo sin una dirección concreta. Por eso lo titulé Waynard Conditions (Condiciones Inconstantes), porque me he centrado en fotos “perdidas”, esas que se traspapelan en la espesura de tu archivo y nunca acaban de ver la luz del día. Quería usar fotos que no encajasen en ningún otro proyecto que hubiera hecho hasta ahora. ¿En qué momento de tu vida te diste cuenta de que querías ser fotógrafo? Fue en 1994. Hasta el momento, había hecho fotos solo como turista, como todo el mundo. Pero fue en ese año cuando me di cuenta de que necesitaba documentar mi vida y las vidas de la gente a mi alrededor. Éramos pro skaters, viajábamos por todo el mundo y encima nos pagaban, ¿quién llega a conseguir algo así? Pensé que había algo ahí, una historia que necesitaba ser contada y ¡ya había malgastado 4 años sin hacerlo! Después de eso, me acostumbré a llevar encima una cámara todos los días religiosamente, listo para disparar a cualquier cosa. Por supuesto, pasó poco tiempo hasta que empecé a hacer fotos más allá de los skateboarders. ¿De qué manera piensas que el skateboarding está relacionado con la creatividad artística? La verdad es que no hay ninguna diferencia entre skate y arte, porque las dos son formas de expresión. La relación entre ellas es que simplemente son lo mismo. Esta es la razón exacta por la que tantos skaters hacen tantas cosas creativas a parte de patinar. Quizás la única diferencia es que no te vas a romper ningún hueso haciendo arte, pero ambas están libres de reglas en general. Cada cual se autoimpone sus reglas en lo que hacemos, pero no existe una consciencia de lo que está bien o mal, tanto cuando estás patinando como cuando estás creando tu obra de arte. Toy Machine es una marca muy respetada en el mundo del skate y además es otro canal para expresar tu arte, por las ilustraciones de las tablas. ¿Cuál es tu balance después de casi 22 años en marcha? ¡Estoy tan feliz de que haya durado tanto! Mi gran plan era crear una empresa, así tendría algo que hacer con mi tiempo como pro skater y además, tendría que ver con lo que más me gusta en el mundo. Ahora, estoy en ese momento de encrucijada en el que ya soy mayor y tengo mis lesiones, pero en lugar de apartarme del skate, sigo involucrado, contribuyendo a mi manera, sigo siendo una voz, sigo trabajando con jóvenes skaters y ayudándolos a tener una buena carrera. Soy feliz porque la gente respeta Toy Machine y lo único que he querido siempre es pasarlo bien y hacer las cosas lo mejor posible. Nunca nos he vendido. Creo que la gente siente esa vibración y entienden cómo hemos podido sobrevivir hasta ahora, año tras año, en este mercado tan competitivo. A parte de fotógrafo, eres ilustrador, haces collages, y hasta escultor. ¿Qué te aportan cada una de estas disciplinas? Son solo diferentes maneras de expresar las mismas ideas. Como artista, tienes un tema o historia general que estás intentando transmitir al mundo y hay un montón de maneras de manifestarla. Es divertido ir a tu estudio y decidir de qué forma vas a trabajar y ¡hay tantas opciones! ¿Porqué limitarse a solo una disciplina? ¡Quiero hacerlas todas! A veces alguna idea de los gráficos que hago para Toy Machine se fil-
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tran en otros de mis trabajos, y de la misma manera, cuando estoy preparando una exposición para una galería acaba convirtiéndose en un gráfico para una de mis tablas. Creo que trabajar en escultura, fotografía y pintura a la vez te ayuda a pensar en cada una por separado de una forma totalmente distinta. ¿Algún consejo para las futuras generaciones que intenten combinar sus carreras como skateboarders con el arte? Sí, por ejemplo, no se necesita comprometer una por la otra. Se pueden hacer las dos cosas. Puedes ser esas dos personas. No sé como la gente puede hacer una sola cosa a lo largo de su vida. Creo que es sano trabajar y crecer en diferentes direcciones al mismo tiempo. Quizás una de ellas comienza como un hobby, pero puede acabar siendo una carrera o viceversa. Solo hay que encontrar tu propia voz. ¿Qué piensas sobre el mundo? ¿Qué te gustaría expresar? Las respuestas a estas preguntas te guiarán hacia tu arte, y hasta a tu forma de patinar. ¿Cuál es la fotografía de la que te sientes más orgulloso? ¡Eso es como si te pregunto cuál es tu milisegundo favorito de los últimos 20 años! Hay muchas entre las que elegir y ninguna foto para mí es particularmente mejor, fuera del contexto en el que fue sacada. Tengo fotos favoritas de cada tema en el que trabajo, pero ninguna foto acaba por encima de las demás. En todo caso, diría que estoy particularmente contento con mi trabajo documentando la escena skate. La gente te toma como inspiración, pero ¿a quién admira Ed Templeton? Admiro a gente como Ian Mackaye [fundador de Dischord Records, considerado por muchos el padre del hardcore punk y líder de bandas como Minor Threat o Fugazi], quien creó un negocio que se ha mantenido fiel a sus raíces y a su misión, además de crear una de las mejores bandas de todos los tiempos. También a David Hockney, quien ha sido un artista increíble que ha ido progresando a lo largo de su vida. Cuando tenga 80 años, espero mirar atrás y ver que he contribuido al arte como ellos. ¿Tienes algún proyecto en mente después de Wayward Conditions? Por supuesto. Tengo un montón de proyectos para libros en proceso. Uno hablará sobre mis viajes a la isla de Catalina, en la costa cerca de donde vivo, y hay otro libro en colaboración con mi mujer Deanna. Tengo en perspectiva una exposición de pintura en abril en Los Ángeles en Roberts and Tilton. Esto es en lo que estoy centrado ahora mismo. Y además, estamos empezando a trabajar en un nuevo video para Toy Machine. El monotema para ese número #100 es THANK YOU. En tu vida, ¿de qué te sientes más agradecido? Doy gracias por toda la gente en mi vida que me ha ayudado, me ha impulsado, me ha seguido a los que me han animado y a los que me han soportado en momentos más complicados. Pero estoy especialmente agradecido por tener a mi mujer, Deanna Templeton.
NO HAY NINGUNA DIFERENCIA ENTRE SKATE Y ARTE, PORQUE LAS DOS SON FORMAS DE EXPRESIÓN. LAS DOS ESTÁN LIBRES DE REGLAS
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The off icial presentation of your latest book , Wayward Conditions, meant your retirement from skateboarding. What’s your life like after so many years as pro skater? Well it wasn’t the book that did it, it was the broken leg I suffered two years ago that took me out. My life hasn’t changed much except I skate a lot less. I was always juggling so many things that now I have one less thing to worry about. Less skateboarding means more time painting and making my company Toy Machine better. Tell us about your latest book. In it, you gather images without a topic under an alternative look. Do you think this makes you more free as an artist? Yes I suppose. I wanted to do something without the restrictions of some of my other books. I could argue it’s more freeing having a narrow subject or theme to choose from since it limits your choices. It’s harder when you are trying to look through your entire archive to choose photos for a project with no real direction. That’s why it’s called Wayward Cognitions, I was looking for “stray” photos that are the kinds of photos that get lost in the cracks of your archive and never see the light of day. I wanted to use photos that wouldn’t fit into any other project I was doing. In which moment of your life did you realise you wanted to become a photographer? It was 1994, I had been shooting photos as a tourist like anyone might, but I wasn’t taking it seriously. It was 1994 when I realized I needed to document my life and the lives of people around me. We were pro skaters getting to travel the world and be paid to skateboard, who gets to do that? I thought that there was something there, a story that needed to be told, and I already wasted 4 years! After that I was very religious about having a camera at all times and ready to shoot whatever happened. Of course I soon started shooting way more than skateboarders. In which way do you think skateboarding is related to artistic creativity? The truth is that there is no difference between skateboarding and art, because they are both a form of expression. The relationship is simply that they are the same. That is exactly why so many skateboarders also do more creative things besides skating. The big difference it you probably won’t break any bones doing art. Both things are free from “rules” overall. We all self-impose rules to what we do, but there’s really no right or wrong when you are out skating, or about to start a new artwork. Toy Machine is a very respected brand among the world of skateboarding and also another media channel in which to express your art, because of the skateboard illustrations. What’s your evaluation of its almost 22 years of life? I am very happy that it has lasted this long! My big plan was to start a company so that when I was finished being a pro skater I would have something to do with my time that is still involved with the thing I love the most. And now I am at that crossroads where I’m old and broken and instead of just walking away from skateboarding I get to still be involved, still be a contributor, still have a voice, still work with young skaters and help them have a good career. I am happy that people have respect for Toy Machine, all I ever tried to do was have fun and make stuff I thought was cool. I never sold us out. I think people feel that vibe and can relate to how we survive barely year by year in this tough market. Apart from a photographer, you’re an illustrator, collage artist and even sculptor. What do each of these disciplines provide you? They are all just different ways to get the same ideas out. As an artist
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you have an overall theme or story that you are trying to convey to the world and there are so many ways to express them. It’s fun to just go to the studio and decide what to work on, and to have so many choices! Why limit yourself to only one discipline? I want to do it all! Sometimes Toy Machine graphic ideas will seep into my artwork, and sometimes what I’m doing for a gallery show will turn into a skateboard graphic. I think working on sculpture, photography and painting together helps you think about each of those separate things in new ways. Any advice for the future generations who want to balance skateboarding and art in their careers? Yes, you don’t need to compromise one for the other. You can do both things. You can be both people. I don’t know how people only do only one thing in their lives. I think it’s healthy to work and grow in many different directions at the same time. Maybe one is a hobby now but will be a career later, or vice versa. The other is to find your voice. What do you think about the world? What would you like to say about it? The answers to those questions will guide your art, and your skating even. Which is the photograph you feel most proud of? That’s like asking what was your favourite millisecond of time over the last 20 years! There’s too many to choose and no single photo is particularly great outside of the context it was shot in. I have favourite photos from each theme I work on, but no single image becomes the best overall. I guess I am most happy with my work documenting skateboarders. People take you as an inspiration. But, whom does Ed Templeton admire? I admire people like Ian Mackaye who created a business that has stayed true to its roots and mission while creating one of the best bands of all time. People like David Hockney who has been an amazing and progressing artist his entire life. I hope to be contributing like that when I’m in my 80’s. Have you got any projects in mind after Wayward Conditions? Oh yes. I have lots of book projects going. One about my travels to Catalina Island off the coast of where I live, and another book will be a collaboration with my wife Deanna. I have a painting exhibition this coming April in Los Angeles at Roberts and Tilton. That’s what I’m focussed on right now. And we are starting work on a new Toy Machine video. Our theme for this #100 issue is THANK YOU. In your life, ¿what are you grateful for? I’m grateful for all of the people in my life who have helped me and pushed me and followed me and cheered for me and stuck with me through rough patches. I’m especially thankful for Deanna Templeton, my wife.
THERE IS NO DIFFERENCE BETWEEN SKATEBOARDING AND ART, BECAUSE THEY ARE BOTH A FORM OF EXPRESSION. BOTH THINGS ARE FREE FROM RULES
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T: BEA SALAS Y EVA VILLAZALA
MICHAEL SIEBEN Ensalada ilustrada
Y su receta es tan simple como carente de premeditación. Un poco de lo que le apasiona combinado con aquello que le hace soñar de día. Así mezclado con lo que le lleva a seguir adelante y sazonado con lo que simple y llanamente le permite expresar y materializar sus ideas más barrocas. Ideal para esa base artística que tan bien casa con sus tantas disciplinas análogas, como por supuesto lo es la que le da soporte con una tabla y dos pares de ruedas. Perfecto además para quienes se alimentan de la espontaneidad, el humor, el disfrute de cada día como único y ese afán de lanzarse sobre sabrosos proyectos. En el caso del polifacético Michael Sieben, hablamos tanto de ilustrar tablas y editar Thrasher, como de escribir una columna para Juxtapoz Magazine, pasando por colectivos de artistas y demás aventuras que poco diferencian lo laboral de lo lúdico. Llámenlo talento, llámenlo espíritu, llámenlo virtud de arremangarse y no dudar. De poner las manos y los pinceles a la obra. And its recipe lacks complexity as much as it lacks premeditation. A bit of what he’s passionate about combined with what makes him dream with his eyes open. All of which is then mixed with what keeps him going and seasoned with what simply allows him to express and objectify his most baroque ideas. Ideal for that artistic basis that so well goes with all of those analogous disciplines, like of course the one to support it through a board and two pairs of wheels. Perfect moreover for those who feed from spontaneity, humour, the enjoyment of each day as unique as well as the willingness to jump on a succulent project. In multitalented Michael Sieben’s case, these range from illustrating boards and editing Thrasher to writing a column for Juxtapoz Magazine, as well as being part of artist collectives and a few other adventures that don’t seem to differentiate much the labour from the festive. Call it blessing, call it spirit, call it the virtue of rolling up the sleeves without doubting. Of getting down to business.
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¿Cuándo empezaste a diseñar e ilustrar y qué te motivó a hacerlo? ¿Hubo algún autor que te arrastrara a adentrarte en este mundo? Siempre me ha encantado dibujar, pero desde luego el trabajo de Maurice Sendak tuvo un gran impacto sobre mí durante mis principios. Tomé una decisión consciente de dedicarme al arte cuando tenía 18 años, decidiendo entrar a la Universidad. No tenía ni idea de lo que quería hacer en concreto dentro del arte en ese momento, pero sencillamente no había nada más que me interesara lo más mínimo (aparte del skate). Skate y arte se dan la mano, ¿por qué crees que son dos disciplinas hermandadas? El skate tiene una historia y tradición muy ricas en gráfica e ilustración. Prácticamente todos los componentes incorporan elementos gráficos de un modo u otro. Dicho esto, como skater creces rodeado de diseño gráfico, video e ilustración. Es una parte muy integral de la cultura. ¿En qué momento de la vida te has sentido más orgulloso de trabajar duro para conseguir tus propósitos? Probablemente con mi proyecto en solitario “It Will All Happen Again” que se inauguró en 2014 en la Universidad de Texas en Austin. Nunca había trabajado tan duro en una exposición y fue muy gratificante verlo todo en conjunto. También era la primera vez tenía presupuesto para una exhibición y ha sido genial poder enconttrarr a amigos que me ayuddaran a ejecutar mi visión. Eres editor de la revista Thrasher, además de tener una columna mensual en Juxtapoz Magazine miembro fundador de Okay Mountain Collective y cofundador de Roger Skateboards ¿Cómo combinas todas estas facetas, cuéntanos como es tu día a día? Definitivamente es difícil combinar todos los proyectos que tengo entre manos. Además, tengo dos hijos pequeños, así que el tiempo libre es infrecuente. Básicamente sólo tengo que priorizar mi trabajo y tomar decisiones inteligentes sobre a lo que voy a dedicarme cada día. El trabajo en Thrasher está sin duda en lo alto de mi lista porque es una posición a tiempo completo versus un proyecto aparte. Pero cada día es bastante distinto dependiendo de las fechas límite que tenga en cada momento. ¿Cómo definirías la labor que hacéis en Okay Mountain? ¿En qué os basáis para realizar la curaduría de los artistas que pasan por la galería? La galería cerró en 2013, aun así, Okay Mountain aún existe como un colectivo de arte y tenemos representación en galería a través de la Mark Moore Gallery en Culver City, CA. Seguimos colaborando de forma activa en futuros proyectos, uno de los cuales será un show en el espacio para proyectos de Mark Moore este año. ¿En qué te inspiras para realizar tus obras, tanto si son comerciales como personales? Todas tienen un toque de humor que invitan a la reflexión… Mi inspiración, de verdad, viene simplemente del hecho de estar vivo. Sé que es algo ambiguo, pero es cierto. Aunque algo que intento transmitir con mi trabajo es que hay belleza en lo triste y que siempre hay espacio para el optimismo. El sonreír ante la adversidad es una manera sencilla de expresar el sentimiento que pretendo transmitir. Además adoro el humor y sin duda hago un esfuerzo consciente para inyectarlo en todo lo que hago, de una forma u otra. ¿Cómo definirías tu 2014, este año que ya se acaba, ha sido positivo? Creo que siempre hay espacio para la mejora, así que más que mirar atrás en el 2014, tengo la mirada puesta en el 2015. Por mucho que me guste el pasado, trato de no estancarme demasiado en él.
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HAY BELLEZA EN LO TRISTE Y SIEMPRE HAY ESPACIO PARA EL OPTIMISMO. EL SONREÍR ANTE LA ADVERSIDAD ES UNA MANERA SENCILLA DE EXPRESAR EL SENTIMIENTO QUE PRETENDO TRANSMITIR CON MI TRABAJO
Eres padre de un niño y una niña, ¿te acerca aún más la infancia a la pureza de los pensamientos y te inspiran en tu obra? Tener hijos desde luego ha sido inspirador. Más que cualquier otra cosa, le dio un propósito a mi trabajo. Ya no se trataba de algo que me gustara hacer, sino que se convirtió en algo que tenía que hacer para mantener a alguien más que a mí mismo. Sin duda me hizo considerar lo que hago más como un trabajo que como sólo mi pasión. Y es algo que llevo de maravilla. ¿Cómo comenzó Roger Skateboards? ¿Cómo es la relación con el team de riders? Al igual que tus obras también la compañía que fundaste junto a Stacy Lowery se basa en una forma de hacer las cosas donde el humor es fundamental, ¿es un sello personal? Roger nació de las cenizas de Bueno skateboards, otra marca que empezamos Stacy y yo. La empresa paraguas de Bueno quebró y Bueno se hundió con el barco. Empezamos Roger como una compañía pequeña y algo loca, básicamente una excusa para seguir trabajando juntos. Sin duda ha crecido estos últimos cinco años y ha sido genial para mí seguir aprendiendo con la experiencia. Me encanta tener una plataforma para mis ideas más estrambóticas ideas que ninguna otra empresa querría. Y me encanta poder esponsorizar y dar apoyo a jóvenes skaters. Igual que el arte, sí, el humor es una parte muy integral en cómo mi cerebro funciona. Y desde luego queríamos traer algo más de risas al skate. No es que le faltaran, pero nunca se tienen suficientes buenas vibraciones. ¿Qué te gustaría que pasara este 2015? ¿Quizás una rica sopa Thai? Bromas aparte, me siento muy afortunado de poder trabajar en la industria del skate y hacer ilustración comercial. No puedo pedir mucho más. Así que espero que el 2015 sencillamente mantenga el barco a flote y que me permita algo de tiempo libre para patinar con mis amigos de vez en cuando. Si te dejaran pedir un deseo para cambiar 3 cosas que no te gustan, ¿cuáles serían? Parar todas las guerras e injusticias sociales y convencer a la gente de no poner pasas en las galletas jamás. ¿Qué banda sonora pones a tus creaciones? “Peace Like A River” de Paul Simon. Este número es el 100 y el tema de la revista es THANK YOU porque tenemos mucho que agradecer a todos los que nos han apoyado y creído en nosotros durante este tiempo, ¿A quién le dirías siempre THANK YOU? A mi mujer Allison, a mi padre, mis hijos, al equipo de Thrasher, al Volcom Art Loft, a Stacy Lowery, a todos los chicos de Okay Mountain, a Travis Millard, a Mel Kadel, a Mike Aho, a Jeremy Fish, a Ed Templeton y probablemente a mil personas más que no puedo recordar. Ah, ¡y a vosotros por entrevistarme!
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When did you start designing and illustrating and what made you follow this path? Was there a particular author that especially took you to dive into this world? I’ve always loved drawing, but for sure Maurice Sendak’s work really had an impact on me when I was younger. I made a conscious decision to pursue art as a career at around 18, when I enrolled in college. I didn’t really have any idea what I specifically wanted to do at the time, art-wise, but there just wasn’t anything else I was even slightly interested in (besides skateboarding). Skateboarding and art go along well. Why do you think they are such close disciplines? Skateboarding has a rich history/tradition of graphic illustration. Almost every component incorporates graphics in some way. That being said, as a skateboarder you grow up surrounded by graphic design, videography and graphic illustration. It’s a very integral part of the culture. In which moment of your life have you felt more proud of having worked hard to reach your goals? Probably my solo project titled “It Will All Happen Again” that opened in 2014 at the University of Texas at Austin. I’ve never worked so hard on an exhibition and it was really satisfying to see everything come together. It was also the first time I’d ever had a budget for a show and it was great to be able to hire friends to help me execute my vision. You are the managing editor of Thrasher magazine, apart from writer of a monthly column in Juxtapoz Magazine and co-founder of Okay Mountain Collective and Roger Skateboards. How do you combine all these aspects? Tell us about your day-to-day life. It’s definitely difficult to juggle all of the projects that I have going on. In addition, I have two small kids, so free time is a rarity. I basically just have to prioritize my workload and make smart decisions about what I’m working on each day. The Thrasher job is definitely at the top of the list because that’s a full-time position vs. a side project. But every day is kinda different depending on what deadline is sitting in front of me. How would you define the work you do at Okay Mountain? What do you focus on when carrying out the curation of the artists you work with at the gallery? The gallery closed in 2013, however, Okay Mountain still exists as an art collective and we have gallery representation through the Mark Moore Gallery in Culver City, CA. We’re still actively collaborating on future projects, one of which is a show in the project space at Mark Moore later this year. Where do you find the inspiration for your work, both for commercial and personal pieces? They all have a touch of humour that calls for reflection… My inspiration seriously just comes from being alive. I know that’s vague, but it’s true. But something I try to tap into with my work is that there’s beauty in sadness and that there’s always room for optimism. Smiling in the face of adversity is a simple way to phrase the sentiment I’m hoping to express with my work. And I love humor and definitely make a conscious effort to inject that into everything I do in one way or another. How would you define your 2014, this almost finished year, has it been a positive one? I think there’s always room for improvement, so rather than looking back on 2014, I have my eyes set on 2015. As much as I love the past, I try not to dwell there too much.
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THERE’S BEAUTY IN SADNESS AND THAT THERE’S ALWAYS ROOM FOR OPTIMISM. SMILING IN THE FACE OF ADVERSITY IS A SIMPLE WAY TO PHRASE THE SENTIMENT I’M HOPING TO EXPRESS WITH MY WORK
You are father of a boy and a girl, does childhood bring you even closer to the pureness of thoughts and inspire you for your artwork? Having kids has definitely been inspirational. More than anything, it gave my work a purpose. It wasn’t any longer just something that I enjoyed to do, but it became something that I needed to do to support more than just myself. It definitely made me think of what I’m doing as more of a career than just my passion. Which I’m fine with. How did Roger Skateboards start? What is it like with the riders team? As in your artwork, the company you founded along with Stacy Lowery is also based on a way of doing things in which humour is crucial, is that a personal signature? Roger was born from the ashes of Bueno skateboards, another brand that Stacy and I helped start. Bueno’s parent company went bankrupt and Bueno went down with the ship. We started Roger as a small, silly company—basically just an excuse to continue working together. It’s definitely grown in the past five years and it’s been a really good learning experience for me. I love having a landing pad for my dumbest ideas—ideas that no other company would want. And I love being able to sponsor and support younger skaters. As far as the art, yes, the humor is very much integral to the way my brain works. And we definitely wanted to bring more laughter to skateboarding. Not that it was lacking it, but you can never have too many good vibes. What would you like 2015 to bring you? Maybe some really good Thai soup? Jokes aside, I feel blessed that I get to work in the skateboarding industry and that I get to do commercial illustration. I can’t really ask for much more. So I guess I hope 2015 just keeps the boat afloat and that I find some time to skate with my friends occasionally. If you could make a wish to change 3 things you do not like, what would they be? Stop all war and social injustice and convince people to never put raisins in cookies. What soundtrack do you give your creations? Paul Simon’s “Peace Like A River” This is edition number 100 and the topic of the magazine is THANK YOU because we have a great deal to thank to everyone who has supported us throughout this time. Who would you always say THANK YOU? My wife Allison, my Dad, my kids, everybody at Thrasher, the Volcom Art Loft, Stacy Lowery, all the Okay Mountain guys, Travis Millard, Mel Kadel, Mike Aho, Jeremy Fish, Ed Templeton and probably a thousand other people that I’m forgetting right this second. Oh, and you guys for interviewing me!
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T: EVA VILLAZALA F: LUIZA LACAVA
JAVIER SARMIENTO MAÑA Y TRANQUILIDAD
Entendemos de qué habla. A veces cuanto más inesperado es lo que te encuentras, más natural es tu reacción inmediata. Javier prefiere dejar fluir la creatividad de sus trucos en función del spot donde van a grabar o hacer fotos en cada uno de los tours, huyendo de lo preparado con antelación. Este ha sido su año, lo reconoce porque lo sabe y lo siente y porque además de clavarla, ha disfrutado y eso se nota. El tono de su voz transmite una calma que poco tiene que ver con su brío al patín, quizá sea esa misma tranquilidad la que le llena las arterias de sangre fría. Lo pillamos en Barcelona, acaba de llegar con el team de SUPRA completo para presentar la nueva AVEX desde las recientes oficinas centrales de la marca en Poble Nou. We know what he’s talking about. Sometimes, the more unexpected what you find along the way is, the more natural your first reaction is. Javier prefers to let his tricks’ creativity flow depending on the spot where the photo or film shooting takes place in each of the tours, running away from the previously planned. This has been his year and he admits so because apart from knowing and feeling it, he has got the best out of it and that has been made clear a few times. His voice’s tone transmits a calm that has little to do with his spirit when skateboarding, and that may just be the same tranquillity
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¿Cómo ha ido el tour con SUPRA? Estamos grabando un vídeo desde hace ya bastante tiempo, yo llevo un año. No sé si todos los americanos van a estar pero los europeos tenemos partes importantes. Hemos patinado en Bulgaria, Inglaterra, ahora Barcelona, vamos haciendo viajes y guardamos las mejores partes para lo que será este vídeo de más largo recorrido. Se presentará supongo en Primavera.
dos veces este año. En Madrid por ejemplo las fotos salieron geniales, todas las secuencias, me salía todo perfecto.
¿Cómo ha ido la llegada a Barcelona? Ayer hizo mejor tiempo y ya estuvimos grabando, pero en general la lluvia nos está cortando los planes.
¿Para cuándo unas Sarmiento? Yo soy de los últimos que ha entrado en la marca, así que por ahora estoy muy concentrado en los vídeos, en grabar y poca cosa más. Quizá cuando lleve más tiempo sí que saco tiempo para diseñar unas zapatillas propias y ampliar mis actividades en la marca.
Háblanos de cómo fue la UK SUPRA Residency, ¡por lo que parece en el vídeo os lo pasasteis bastante bien! Fue muy bien, muy divertido, teníamos una casa guay y como congeniamos tanto se creó muy buen ambiente. Es mejor estar todos juntos en una casa que en un hotel donde todo es más frío, cada cuál tiene su habitación y no interactuamos tanto, de la otra forma ocurren muchas más aventuras y eso es una parte muy importante para el vídeo, que se vea el buen rollo. En SUPRA nos llevamos muy bien, hace solo tres años que estoy con la marca pero hemos viajado mucho. Somos todos muy diferentes en realidad, pero quizá eso es lo bueno. ¿Estás contento del año? Ha sido muy completo sí, he viajado bastante, aunque a mí no me gusta mucho hacer viajes largos, prefiero los que son cortos: a patinar y vuelta. Pero he tenido un año muy bueno. En los tours siempre hay una persona que destaca, que es el que tiene “como el mejor día”, el “mejor tour”, siempre le toca a uno y este año me ha pasado a mí un par de veces. A veces lo contrario también: a uno que le llega la comida el último, que no le salen los trucos, no puede patinar, se pone enfermo. Yo he estado súper bien
How has de Supra tour gone? We’ve been recording a video for quite some time now, myself for over a year. I don’t know if all Americans will do too, but we Europeans have important parts. We have skated in Bulgaria, England, now Barcelona, we keep travelling and keeping the best parts for what this longer video will be. I guess it will be out in spring. How was the arrival in Barcelona? The weather was better yesterday and we were out recording, but in general rain is making us break our plans. Tell us about the UK SUPRA Residency, from what the video looks like, you had quite a good time! It went great, it was awesome, we had a great house and since we really hit it off the atmosphere was really cool. It’s better to be all together in a house rather than in a hotel, where each of us has his room and we don’t interact so much, otherwise so many more adventures happen and that’s a crucial part of the video, to have people see the good atmosphere. In Supra we are close, I’ve only been with the brand for three years but we have travelled a lot. We’re all very different in reality, but maybe that’s what’s good about it. Are you happy with the year so far? It was a very complete one, yes, although I’m not particularly fond of long trips, I prefer the shorter ones: skating and back. But I’ve had a great year. In tours there’s always an outstanding person, who is the one “having like a great day”, the “best tour”, it’s always someone’s turn and this year it’s been myself a couple of times. Sometimes the opposite can also happen: there’s one that gets food the last, that can’t do the tricks, can’t skate or
Cuéntame sobre la zapatilla AVEX. Me gusta mucho el diseño, aunque yo suelo llevar el modelo Erik Ellington, tirando a sencillo aunque con suela support.
¿Algo a parte del skate? Me gusta el golf. Empecé de casualidad, lo vi por la tele y pensé: mira que tranqui, luego jugué a un videojuego y me atrajo. Coincidió que un amigo mío también jugaba y poco a poco me metí, se me da bien. Hubo una época en que llevaba mucho tiempo patinando y mi cuerpo lo estaba notando, una naturista me dijo que tenía que encontrar algo que fuera más relajado para compensar y lo encontré. ¿Qué proyectos tienes para este año? Este vídeo y seguro que en breve llegan más. Estamos todo el tiempo grabando. ¿Tienes algún sitio predilecto para patinar? Yo patino en cualquier lado. Igual los sitios que me gustan para viajar no son tanto para patinar. Me gusta New York por ejemplo, aunque igual a la gente no le gusta mucho la ciudad para patinar porque es algo difícil. Hay agujeros, el suelo no es muy bueno; cuesta hacer cosas allí pero a mí me gusta. Disfruto perdiéndome, observando la ciudad mientras patino.
gets sick. In Madrid, for instance, the pictures turned out great, also all sequences, I got everything perfect. Tell me be about the AVEX shoe. I really like the design, although I normally wear he Erik Ellington model, quite simple but with a support sole. When will be see a Sarmiento model? I’ve been one of the last ones to enter the brand, so for now I’m very focused on the videos, on recording and few things more. Over time, I may make some time to design my own pair of shoes and increase my activities within the brand.
Anything apart from skateboarding? I like golf. I began by chance, I saw it on TV and thought: that’s chill, then I played a videogame and it caught me. A friend of mine was also playing and step by step I got into it, I’m not bad at it. There was a time in which I had been skating for a really long time and my body could sense it, a naturist told me to find something more relaxed to compensate and I found it. What projects do you have this year? This video and surely more will come soon. We’re recording all the time. Do you have a favourite spot for skating? I skate anywhere. Maybe the places I like to travel are not so much to skate. I like New York for instance, although people may not like the city too much to skate since it’s quite hard. There’s holes, the ground is not too good; it’s difficult to do things there but I do enjoy it. I like getting lost, observing the city as I skate.
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T: VICKY NAVARRO
Lycien-David Cséry
PROJECT &SNAP Cualquiera diría que la cultura del surf en Alemania no puede remontarse a muchos años atrás. En cambio, tiene historia y descubrirla abre nuevos horizontes y expone nuevas formas de entender este deporte. Lycien-David Cséry vive en Hamburgo y proyecta su pasión por el surf a través de la fotografía desde el colectivo Cyanprojects. También tiene su propia galería, lo que le acerca a nuevas maneras de crear arte. Lejos de las olas, Cséry encuentra la inspiración en rincones solitarios o en los rostros de completos desconocidos, que acaban por convertirse en los protagonistas de sus instantáneas. Y aunque su mundo gira en torno a la fotografía analógica, siempre estará dispuesto a explorar nuevos campos y técnicas, lo que nos llevará a escuchar su nombre en el futuro. Surfing culture in Germany could easily be thought to not be particularly old. Instead, it does have a history and finding out about it opens new horizons and shows new ways of understanding this sport. Lycien-David Cséry lives in Hamburg and he conveys his passion for surfing through photography from the Cyan Projects collective. In addition he owns a gallery, which brings him closer to new formats of artwork. Far from the waves, Cséry finds inspiration in solitary corners as well as in the faces of strangers, who eventually become the protagonists of his snaps. Even though his world is focused on analog photography, he is always willing to explore new fields and techniques, making his name bound to be heard a great deal in the future.
www.lycien-david-csery.tumblr.com
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“Empecé a surfear durante un viaje por América del Sur. No era algo que yo siempre hubiese querido hacer, pero de algún modo encajó con el estado de ánimo en el que me encontraba durante ese viaje lejos de casa. Surfear en América del Sur sigue siendo muy salvaje y era parte de la aventura. Y así es como me gusta que sea el surf. Quizá ese aspecto de independencia y el hecho de estar tan lejos, en un mundo aparte, sea también una parte de la atmósfera que quiero captar en mis obras. Soy de Hamburgo. Surfear en Alemania tiene una larga historia en realidad. Es una locura cuando piensas en ello, porque es probablemente lo último que las personas piensan cuando hablan de la cultura alemana. Pero eso me gusta. En realidad no encajan: Surf y Alemania. Eso hace que sea interesante. Y no es nada raro, en los últimos diez años he oído hablar de surf en los lugares más extravagantes. Por ejemplo Noruega, Suecia, los países del Mediterráneo, entre otros. De algún modo paso a paso van habiendo cambios en la cultura del surf. Eso suma un buen sabor a la cultura existente en los clásicos destinos como Hawái, Australia o California.
En realidad no encajan: Surf y Alemania. Eso hace que sea interesante Hace unos cuantos años trabajé en un laboratorio analógico en blanco y negro en St. Pauli, Hamburgo, llamado Larry Lazarus-Fine Prints durante un buen tiempo. Creo que ahí es donde aprendí lo básico acerca de la fotografía. Además de Larry Lazarus, dueño del laboratorio, también me influyeron las obras de Cartier Bresson, Ernesto Bazán y Bruce Gilden. Ahora que se ha convertido en mi principal trabajo, estoy construyendo mi propia galería llamada Affenfaust Galerie, que en el último año ha influenciado en mi propio trabajo. Porque organizar exposiciones para otros artistas significa llegar a conocer un montón de maneras diferentes de hacer arte. Creo que estar en contacto con otros artistas ayuda a encontrar un enfoque artístico. Otros proyectos de los que me siento orgulloso son Knotenpunkt14 y Cyanprojects. Este último es una colaboración con otros tres artistas. Su origen se encuentra en la conexión entre el surf y el arte pero está abierto a otros aspectos. Es mi área de juego. Hay muchos retratos entre mis fotos. Me gusta el reto de ponerme en contacto con un completo extraño. Necesitas superarte y dar el primer paso, además de tiempo para contactar, mirar, estudiar a la persona. Un sueño hecho realidad sería pasar un día con Thom Yorke. También hago vídeos. El cortometraje “Counterculture” fue mi primer encuentro con la realización de películas. Se trata de un documental sobre la conexión entre el arte y la práctica del surf. De momento no tengo planes de futuro para filmar, pero cuando haya un tema que necesite ser documentado con imágenes en movimiento, entonces va a suceder. Por el momento estoy centrado en mi fotografía y en el comisariado de mi galería. He estado trabajando duro estos años pero después de todo, si a alguien le tengo que dar las gracias por estar donde estoy ahora es a mi madre”.
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“I started surfing when I was travelling in South America. It was nothing that I always wanted to do, but it somehow fitted to the state of mind that I was in while I was on this trip far away from home. Surfing in South America is still really raw and it was just part of the whole adventure. And that’s how I like surfing to be. Maybe that aspect of independence and being so far away in a different world are also a part of the atmosphere that I want to catch in my works. I am from Hamburg. Surfing in Germany actually has a long history. That’s kind of crazy when you think about it, because that’s probably the last thing people think about when they speak of German culture or something. But I like that. It does not really fit together: Surfing and Germany. That makes it interesting. And it’s nothing unique, in the past ten years you hear of the craziest locations. Like Norway, Sweden, the Mediterranean Countries and so on. And it somehow changes the surfing culture step by step. That adds a good taste to the existing culture around the common surfing cultures like the Hawaiian, Australian or Californian.
It does not really fit together: Surfing and Germany. That makes it interesting Several years ago, I worked in a black and white analog laboratory in St. Pauli, Hamburg, called Larry Lazarus-Fine Prints for a long time. I think that’s where I learned the basics about photography. Besides Larry Lazarus, the owner of the laboratory, my influences were Cartier Bresson, Ernesto Bazan and Bruce Gilden. As my main job, I am building up my own gallery-space Affenfaust Galerie, which over the year has also influenced my own work. Because organizing exhibitions for other artists means that you get to know a lot of different ways to do art. I think it helps to find an artistic focus to get in touch with other people who create art. Other of the projects that I am proud of are Knotenpunkt14 and Cyanprojects. Cyanprojects is a collaboration with three other artists. The centre lies in the connection between surfing and art. But it is also open to other aspects. It´s my playground. There are lots of portraits among my pictures. I like the challenge when you get in contact with a completely foreign. It takes always overcoming to make the first step and you need time to get in contact, watch, study the person. A dream comes true if I could spend a day with Thom Yorke. I also do videos. The short film “Counterculture” was my first encounter with making films. It is a documentary, which is about the connection between art and surfing. I don’t have any future plans for filming, but when there is a topic that is in need of pictures in motion, then it will happen. In the moment I focus on my photography and the aspect of curation in my gallery. I’ve been working hard these years but after all, the one person I would thank for being where I am now Is Mama.”
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T Y F: EVA VILLAZALA
Perseverancia y sensibilidad
WILLY SANTOS Nuestra cita en Arnette O’Marisquiño el pasado mes de agosto dio mucho de sí. Allí coincidimos también con Willy Santos en su tour con Arnette y charlamos un poco con él para saber cómo estaba pasando sus días en Vigo además de conocer parte de su historia y pasión por el skate, que empezó cuando solo tenía quince años y Tony Hawk lo cogió de la mano para apadrinarlo. Ama a su familia por encima de todas las cosas. Sus otras pasiones son el diseño gráfico, viajar y las colecciones de los Beatles. Last August Arnette O’Marisquiño was only as fruitful as it could be. We bumped into Willy Santos during his tour with Arnette and spoke to him to find out about how his days in Vigo were going, as well as to get to know part of his trajectory and passion for skateboarding, which began when he was only fifteen and Tony Hawk took his hand and backed him. His other passions are graphic design, travelling and The Beatles’s collections. ¿Qué opinas de Arnette O’Marisquiño? Ésta es la primera vez que vengo a Vigo así que no tenía nada prejuzgado para este evento. El primer día fuimos a una fiesta en un hall que fue bastante suave, pero a medida que transcurrió la semana no paraba de llegar gente. Hay muchos sitios en los que patinar, salimos todos ganando y estoy muy contento de que Arnette nos haya permitido vivir esto. Estoy seguro de que es genial para la ciudad el que haya tanta gente. Es un buen evento, acabo de volver de ver la competición de street y el skate estaba a otro nivel, ha sido increíble. ¿Y el resto de modalidades? Hemos comido al lado del Dirt Track o la Downhill Mountain biking y nunca había presenciado algo así antes, verlo en directo ha sido genial. Qué opinas de los skaters, ¿has descubierto algún nuevo estilo? La nueva generación de skaters tiene un estilo increíble, como el chico brasileño que ha ganado la competición. También el chico japonés estuvo impresionante. Bastante relajado. Aparte de eso, sencillamente
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me gusta estar patinando con los españoles como Javier Sarmiento, y sobretodo con el equipo que hemos traído, ha sido una experiencia increíble. Es genial. ¿Hay algún rider que hayas visto que sea tu favorito? No llegué a ver la eliminatoria de ayer pero fue genial oír que Scott Decenzo quedó primero, es parte del equipo de Arnette y ha estado patinando sin parar desde que llegamos. Aterrizamos en Madrid y hemos patinando duro, lo que cansa bastante. Antes de competir estaba patinando en la calle, luego quedó primero y luego volvió a salir ahí fuera, también para hacer unas fotos. Y luego hoy la final. Todo el mundo está aquí y está saliendo a pedir de boca. ¿Has tenido la oportunidad de ir a patinar a algún otro sitio de España esta vez? Sólo a Madrid. No hemos tenido oportunidad de pasar por Barcelona, pero yo ya he patinado ahí. Casi todas las plazas y rincones. Con el equipo que tenemos ahora, todos podemos hacer algo. Hacemos muchas fotos y grabamos mucho material.
¿Así que estáis de tour con Arnette? Sí, pero ya volvemos a casa. Después de esto, mañana por la mañana, salgo en un tour con Birdhouse en los EEUU durante dos semanas, así que voy a seguir viajando. ¿Es duro? Puede serlo. Son dos semanas y tengo dos hijos y una mujer. ¿Qué es lo mejor de estar de tour? Es genial, y este viaje ha sido muy productivo. Aunque no entré en la competición, que no tenía intención de entrar, estaba aquí para tomar fotos, que lo he hecho, así que estoy contento. Y pasar rato con los chicos. ¿Has notado diferencias con las nuevas generaciones? Los chicos van siendo cada vez mejores. ¿Ves diferencias entre los skaters de EEUU y los de Europa? Estoy seguro de que a los europeos les encanta venir a EEUU, pero Europa tiene varios de los sitios definitivos para patinar. La arquitectura tiene tanta historia. Tienes además una marca de diseño gráfico. Tengo una marca llamada Billy’s Workshop que lleva 14 años, pero también patino para
What do you think about Arnette O’ Marisquiño festival? This is my first time coming here to Vigo so I had nothing to judge for this event. The first day we went to a party at some hall and it was pretty mellow, but as the week progressed there was just so many people. With so many spots to skate, it’s a win-win situation and I’m definitely grateful that Arnette had us come out here. I heard this is the 14th year, so it seems like it’s definitely growing. I’m sure it’s great for the city here that there’s so many people, it brings in a lot of revenue. It’s a great event, I just got back from watching the street contest and the skating was off the charges, it was incredible. What about the other categories? For lunch we were near the Dirt Track or the Downhill Mountain biking and I had never seen that in person, it was pretty cool seeing that live. What about the skaters, have you discovered any new style? The new generation of skateboarders, like the guy from Brazil who won the contest are incredible, also the dude from Japan was amazing. Pretty laid back. Other than that, I like just being around the Spaniards skating like Javier Sarmiento, and especially with the team we brought, it’s been a great experience. It’s awesome. Is there any rider you’ve seen that’s your favourite one? I didn’t get to see the qualifying yesterday but it was amazing to hear that Scott Decenzo qualified first, he’s part of the crew with Arnette, he’s been skating here non-stop. We landed in Madrid and everyday we’ve been skating hard, which is kind of tiring. Before the contest he was street skating, then he qualified first and then came back to get some more, and footage photos. Then today there were the finals. This is a great turnout, and it turned out well. Have you gotten the chance to skate anywhere else in Spain this time? Just in Madrid. We didn’t get a chance of getting to Barcelona. I’m fine with that because I have skated Barcelona before but never Madrid. Almost every plaza or park or there’s always somewhere to skate. With the crew that we’ve got everyone can get something, any obstacle. Everybody’s here getting photos and footage. So you’re on tour with Arnette now? Yes, but we’re going back home. After this, tomorrow morning, I’m going on a tour with Birdhouse in the United States for two weeks, so I’m still gonna be on tour. Is it hard? It can be hard. Two weeks, I’ve got two kids, wife. All of August I’ll be gone.
Birdhouse Skateboards, la compañía de Tony Hawk. He estado en el equipo 23 o 25 años, además de con Arnette desde 1995. Es una bendición ser parte de todo eso. Cuéntanos tu experiencia con Tony Hawk La primera vez que me esponsorizó Birdhouse y me convertí en pro tenía 14 o 15 años. En esa época el skate estaba en horas bajas, así que era genial poder ir a patinar con Tony Hawk en los primeros años de Birdhouse, ahora es todo más frenético, él es tan popular… Pero sigue saliendo a patinar, en el tour que empezaremos en Ohio, va estar durante todo el viaje esas dos semanas. ¿Van el diseño gráfico, el arte y el skate juntos de forma natural? El arte, la música… todo está relacionado, especialmente cuando haces las partes de un video, el 99% del tiempo hay música y luego están los gráficos en las tablas. Es algo que desde luego influye. Siempre he sido un gran fan del estilo de los Beatles y he hecho varios gráficos para Birdhouse usando cosas de ellos. ¿Cómo se relaciona una mente creativa con el skate? Con el skate de algún modo haces lo que te apetece. Lo que sea que se te presenta delante de ti, simplemente pones tu cabeza en marcha para dar con aquello que se puede hacer.
What’s the best thing of being on tour and which is the worst one? It’s great, this trip has been so productive. Even though I didn’t enter the contest, I had no desire to really enter the contest, I was here to get some photos, and I did it, so I’m happy. And hanging out with the guys. Have you noticed any differences with the new generations? I used to enter the contests, and the kids now keep getting better and better. Do you see differences between skaters from USA and those from Europe? I’m sure the Europeans love to come to America to skate, but Europe has some of the real places to skate. The architecture has so much history, it just always looks good to go to Europe to skate. You have a brand based on graphic design. I have a brand called Billy’s Workshop that has been running for 14 years, but I also ride for Birdhouse Skateboards, Tony Hawk’s company. I’ve been in the team for like 23-25 years. And actually I’ve been with Arnette since 1995. It’s a blessing being a part of that. What about your experience with Tony Hawk? The first time I was sponsored by Birdhouse that I turned pro I was 14 or 15 years old. At that time skateboarding was pretty low time, it was really cool to be able to go out skating with Tony Hawk in the early years of Birdhouse, now it’s pretty hectic, he’s so popular. But he still goes out to skate, it’s great, on the tour I’m going to starting in Ohio, he’s gonna be in the whole trip for two weeks.
D o graphic design, art and skate naturally go together? Art, music… it all relates, especially when you do video parts, 99% of the time we’re having music in there and then graphics on the skateboards. It’s definitely influential. I’ve always been a big fan of the Beatles style and done some graphics for Birdhouse with some Beatles stuff. How is a creative mind linked to skateboarding? With skateboarding you kind of do what you want. Whatever is presented in front of you, you just think in your head what can possibly be done. Like this September-October I’m coming out with a skateboard video part with Birdhouse. I’m very excited with the project being almost completed, in fact after this trip I’ll start editing my video part and it’ll be out there in the world.
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Greg HUNT T: JAIME FELIPE DUARTE
SIEMPRE MIRANDO HACIA ADELANTE
Skate, fotografía, videoclips, anuncios, videos de skate, hay mucho en lo que Greg Hunt está involucrado. Este Michigander comenzó como un skater en su ciudad natal, Ann Arbor, para luego encontrarse a sí mismo en San Francisco bajo el patrocinio de Stereo skateboards. En 1994 la marca decidió hacer un video llamado A Visual Sound, en el que aparece Greg, lo que inicia su camino hacia la fotografía y el cine, llevándolo a trabajar también junto a marcas como DC Shoes o Vans. Mientras se encontraba editando, se tomó un tiempo para hablar con nosotros. From skateboarding to photography, ranging from clips to advertisements and skateboarding videos, there’s just such a great deal Greg Hunt is involved in. This Michigander first started as a skateboarder in his hometown, Ann Arbor, until he found himself later on in San Francisco being sponsored by Stereo skateboards. The brand shot in 1994 a video called A Visual Sound, featuring Hunt. That meant the beginning of a career towards photography and filmmaking, taking him to work with brands such as DC Shoes or Vans. As he was doing some editing, he took some time to talk to us.
huntfilmwork.com
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HAY CIERTOS ESTADOS DE ÁNIMO QUE ME ATRAEN. ME GUSTA CUANDO LAS PERSONAS NO ESTÁN HACIENDO NADA, LA QUIETUD ¿Qué tienes en mente cuando disparas fotografías de skate? Bueno, yo realmente no tomo fotografías de skate, tal vez he disparado dos o tres fotos de acción en total. Lo que hago es fotografiar skaters todo el tiempo porque siempre estoy rodeado de ellos. Me llaman más la atención los momentos “off the board”, pequeñas ventanas que nos muestran cómo son estos individuos como personas. Así que veo mis fotos como una documentación más que nada. Siempre pienso en cómo será en el futuro para mí o alguien más mirar hacia atrás, a este momento. Además siempre me hace feliz conseguir una buena foto. ¿De qué manera la película A Visual Sound te influyó para que tomaras el camino de la fotografía y la producción audiovisual? Fue la primera vez que usé una cámara y que me senté en una sala de edición, por lo que fue una gran influencia. Estaban sucediendo un montón de cosas increíbles y llenas de creatividad a mi alrededor, así que definitivamente me empujó en una dirección determinada. ¿Cuál considerarías el mayor logro de tu carrera hasta el momento? No estoy seguro, nunca miro hacia atrás de esa manera, la verdad. ¿Qué sentimientos tratas de expresar a través de tus fotografías? Realmente no trato de expresar sentimientos en mis fotos, por lo general sólo intento documentar lo que se encuentra a mi alrededor. Pero hay ciertos estados de ánimo que me atraen. Me gusta cuando las personas no están haciendo nada, la quietud. ¿Qué herramientas te ha brindado el skate aplicables a la fotografía? Mirar todo lo que el mundo está haciendo y hacer lo opuesto. En el skate, al menos cuando yo era niño, lo peor que podías hacer era copiar a otra persona. ¿Cuáles son las principales diferencias entre estar al frente de una cámara con una tabla y dirigir a un skater? ¡Es mucho menos peligroso estar detrás de una cámara! Y no estás limitado en lo creativo. Cuando solía patinar todo el tiempo siempre pensaba en lo maravilloso que sería hacer algo donde no estás limitado físicamente. ¿Qué nos puedes decir acerca de la primera película de skate Vans? En este momento estoy editándola. ¡Hay un montón de material! Eso es prácticamente todo lo que puedo decir. Se estrenará en primavera.
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THERE ARE CERTAIN MOODS I AM DRAWN TO. I REALLY LIKE IT WHEN PEOPLE AREN’T DOING ANYTHING. I LIKE STILLNESS
When shooting skateboarding photographs, what’s on your mind? Well I don’t really shoot skateboarding photos. I’ve maybe shot two or three action photos ever. But I do shoot skateboarders all the time because I’m always around them. I’m a lot more into the “off the board moments”, little windows into how these people are as people. So I see my photos as documentation more than anything. I always think of how it might be for me or someone else to look back on this moment in the future. So that’s usually what I’m thinking. Plus it always makes me happy to get a good photo. In which way the film A Visual Sound pushed you to take the road of photography and filmmaking? It was the first time I used a film camera and also the first time I sat in an editing room, so it was a huge influence. There were a lot of amazing things happening around me creatively so it definitely pushed me in a certain direction. Which would you consider your greatest achievement so far in your career? I’m not sure; I never look back in that way to be honest. What sort of feelings do you want to express through your photos? I don’t really try to express feelings in my photos, I usually just document what’s around me. But there are certain moods I am drawn to. I really like it when people aren’t doing anything. I like stillness. Which tools has skateboarding given to you that are applicable to photography? To look at what everyone else is doing and do the opposite. In skateboarding, at least when I was a kid, the worst thing you could do is to copy someone. What are the main differences between being in front of a camera with a skateboard and directing a skateboarder? It’s a lot less dangerous behind the camera! And you aren’t limited creatively. When I skated all the time I used to always think about how great it would be to do something where you aren’t limited physically. What can you tell us about the first Vans skate film? I’m editing it now. There’s a lot of footage! That’s about the most I can say. It will be out this spring.
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T: BEA SALAS
Spencer Keeton Cunningham.
NO HAY ROÑA DE MÁS SINO UÑAS DE MENOS. Dadle una pared mugrienta, un documento de identidad bien grueso y dejadle a él el resto, que algo para pintarla encontrará. Firme defensor de la necesidad del arte de llevar consigo un mensaje que trascienda lo estéticamente agradable, Spencer Keeton Cunningham usa de forma activa sus manos, pinceles y cámara de vídeo para luchar por un número de causas en el continente americano: desde hacer del skate una práctica libre en Cuba hasta salvar el tiburón en Hawaii, pasando por concienciar a América sobre la riqueza de su historia gracias a los Nativos Americanos, cuyas cultura y tradición siguen hoy vivitas y coleando en ciertas colonias idílicas, lejanas de una civilización que tiende a ignorarlas. Disfruta pintando para galerías tanto como se enorgullece de sus murales al aire libre, pero sólo mientras siga siendo capaz de hacer que su obra cree espectadores confusos, cabreados o descojonados. Hand him an old empty wall, a thick ID and let him do the rest. A firm defendor of the necessity of art to carry a message that goes beyond the aesthetically pleasurable, Spencer Keeton Cunningham actively uses his hands, brushes and videocamera to fight for a great deal of causes within the American continent: from making skateboarding a free practice in Cuba, to saving sharks in Hawaii as well as making America aware of its rich history because of the Native American culture and tradition, still alive and kicking in certain idyllic hidden spots today. He enjoys painting for galleries as much as he takes pride in his outdoor murals, but only as long as he can manage to make a spectator walk away either confused, angry or cracked up.
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Dados los trotes de tu carrera profesional es evidente que no paras de viajar. ¿De qué manera influyen estos viajes en tu trabajo? Crecí en la carretera, viajar ha sido siempre parte de mí. Me crié mudándome constantemente con mis hermanos de un lugar a otro y viviendo en innumerables zonas alrededor de la costa oeste de Norteamérica. Podríamos decir que viajar está en mi sangre. Necesito seguir haciendo lo que hago: ir de un sitio a otro me permite una entrada constante de las cosas que me rodean, permitiéndome luego plasmarlas en una superficie blanca, ya sea un lienzo si tengo uno cerca, o una pared para pintar. Cada cara con la que interactúo, rincón en el que patino y conversación que mantengo durante un día mientras viajo acaban representándose en una pieza. Además tiendo a hacer la pieza específica del sitio en el que estoy. Mientras viajo puedo estar trabajando en un cuadro en la carretera o para una galería, así que se convierte en una parte importante del proceso creativo. Ahora mismo he estado viajando por EEUU un par de meses tras pasar por Cuba para donar tablas de skate a algunos amigos, además de pintar un poco. Arte, fotografía, skate, viajes, la calle, ¿dónde está el equilibrio de todo? El equilibrio de todo es el caos absoluto. Yo digo que hay que abrazar el caos. Así, las fotos salen solas estando tanto en casa como de viaje. Además, prefiero disparar en carrete. Y creo que el skate está presente en todo esto. Intento patinar un poco cada día pero hay factores que me lo impiden, como grabar o pintar. Suelo centrarme más en mis vídeos, aunque pintar también me ocupa mucho tiempo. No diferencio demasiado entre las técnicas: todo depende del tema que afronte con mis cuadros o con la película en ese momento, o hasta dónde llega el contexto o el diálogo, para acabar creando una entidad. Todo el rodaje del que parto para un vídeo es parecido al espectro de colores que uso para pintar. ¿Qué materiales utilizas para tus trabajos de street art? Street art es un término sobre utilizado, en mi opinión. Yo no me considero un street artist. Pinto para más galerías que paredes al aire libre, y prefiero considerar esas piezas públicas o de exterior, o simplemente murales. Además uso cualquier material que esté a mi alcance. En Cuba, la pintura blanca que compras en tiendas es más bien una pintura diluida con leche, la probé. También usaba una brocha para pintar en la calle. Últimamente la prefiero al spray, se me hace más natural. Siempre hay paredes más grandes para las que utilizaría spray, pero de momento puedes llamarme pintor de cubo y brocha. Por otro lado, si estoy pintando en el bosque uso una variedad de material para preparar la superficie y pintarla. A veces necesito raspar gruesas capas de musgo de una vieja pared o de un puente de madera antiguo. Uso una rasqueta o un documento de identidad grueso, lo que tenga a mano... incluso un martillo o una palanca. Luego, cuando la superficie está lista para pintar, me animo a usar lo que sea para marcarla. No utilizo demasiado los lápices, ni planeo en lo referente a la calidad estética de una pieza. La pintura va cogiendo forma mientras la pinto, dados los materiales que tengo en ese lugar y en ese momento. A no ser que tenga una composición concreta en mente, surge todo ahí mismo. Es curioso cómo a veces el contexto de la pintura me pide materiales específicos. Sabemos que te gusta imprimir tus dibujos en sitios muy particulares, como en paredes de pueblos pequeños. ¿Cuál es el sitio más extraño en el que has pintado? Desde luego sería Cuba hace unos meses, fue extraño pintar –era ilegal. Por ahí los únicos murales que vi eran de propaganda como “Patria o muerte” o “Defiende el Socialismo”. Además de ciertas frases que tenían que ver con la historia de Cuba y con carteles de las caras de traidores o espías del país. Tras pintar la última pared allí quedé totalmente cubierto de pintura, un par de locales me pararon y gritaron “Graffiti! Graffiti!” a lo que respondí “¡NO! ¡Pintura, pintura!” y salí volando en mi patín hacia la casa en la que me quedaba, para limpiarme la pintura de las manos y la cara. Por otro lado, con Erlin Geffrard, otro pintor colaborador mío, pintamos el interior de una pirámide de cartón que habíamos construido en la galería San José unos meses antes, lo que fue raro porque la pintura seguía húmeda cuando dejaron entrar al público. Les dijimos que tuvieran cuidado pero aún así hubo gente de aires
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burgueses que acabó con pintura blanca cubriendo sus espaldas. Con una audiencia de la galería algo enfadada, cambiamos el rótulo de entrada a la pirámide con “Entra bajo tu propio riesgo”. ¿Qué quieres que el espectador sienta cuando ve tus pinturas o piezas? Quiero que se sientan sexys. Quizás algo incómodos. Un poco contentos. Algo tristes y melancólicos en una mezcla con sentimientos de confusión, desconcierto y parte de enfado si el tema sobre el que pinto les hace enfadar. A veces está bien enfadarse por algo, da pie a un diálogo. A veces me gusta usar el humor en piezas con un contexto serio y hay gente a la que no le gusta eso, así que se enfadan y se activan, lo hablan, cosa que considero increíble. Si alguien sale riendo de ver una de mis piezas, he hecho mi trabajo. Aunque el humor no se suele respetar dentro del contexto de las bellas artes. A la gente le gusta ser seria mientras come queso y sorbe vino en un evento, leyendo la declaración de algún artista egocéntrico sobre cómo sus manchas de pintura representan “el tiempo” de un modo abstracto. No me malinterpretes, a mí me gusta parte del arte contemporáneo de hoy, pero me gusta chinchar un poco al sistema, cuestionarlo. Lo que es esta galería, esta inauguración, este evento. Qué es la historia del arte y lo que se convierte en su espectáculo selectivo. Quiénes son las personas controlando la industria del arte, coleccionistas, inversores, empresas, etc. ¿Y por qué debería respetar más algo colgando de la pared del MoMA, que un cartón húmedo y meado pintado por un sintecho en la calle? A veces quiero que al haber mirado algo que he creado, alguien se sienta confuso. Me gustaría mucho. Pero normalmente sólo quiero empezar un diálogo sobre un tema que me interesa sacar en ese momento, y creo que hay demasiado arte que sólo existe como decoración, sin contexto o tema. Es únicamente bonito y estéticamente agradable, y a veces aburrido. Si aburro a alguien con mi arte es que no estoy haciendo mi trabajo. Tienes un interés especial en traducir el sufrimiento de los Nativos Americanos en la cultura americana, ¿qué quieres expresar en este sentido? Yo mismo tengo sangre nativa de mi madre, soy 1/4. Algunos de los temas que abordo llevan las perspectivas de ambas caras de la moneda. ¿Cómo se acepta personalmente el hecho de formar parte de dos ascendencias históricas y actualmente chocando la una con la otra? En la Reserva he sido miembro de mi tribu desde que me alcanza la memoria. Crecer en una caravana azul en los lagos de las Tribus Confederadas de la Colville Indian Reservation con mis hermanos es parte de quien soy. Mi infancia está por supuesto presente en mi arte, pero también mi perspectiva actual sobre el asunto. Me intriga la ignorancia de la perspectiva que hay en América, preguntarme qué lo crea y qué lo mantiene. América es una tierra fundada sobre sangre y sobre las espaldas de gente que fue en ese momento suprimida por europeos que huyeron a este continente ya ocupado, haciéndolo suyo. Se podrían hacer mil cuadros sólo sobre esta historia. Trabajo junto con un grupo de Artistas Nativos Americanos Contemporáneos en San Francisco para llevar adelante una perspectiva más profunda sobre el arte de la primera nación, o el nativo contemporáneo. Hay problemas continuamente en la América Nativa que deben ser escuchados y tratados. El que sus derechos estén siendo violados por el gobierno de los EE.UU. o Canadá en contra de las tribus nativas es históricamente parte de lo mismo. Pero tanto entonces como ahora tenemos la oportunidad de comunicar estas cuestiones a través del arte. Y eso es importante, pero una cuestión igual de importante es que no gira todo entorno al sufrimiento. Hay muchos aspectos positivos que lo convencional no contempla alrededor de los Nativos Americanos, y tanta gente con una perspectiva limitada de la vida nativa en América. Hay infinidad de cosas horrendas que históricamente han tenido lugar, también ahora, en relación con el maltrato de tantas tribus de personas; pero una cosa que suele dejarse de lado es la fuerza de la cultura y que como personas, todavía estamos aquí. He usado varios medios para expresar ciertos problemas y contextos, tratando mi perspectiva sobrerromántica de los Indios Americanos. Pero ahora estoy más interesado en ver las piezas de amigos que crean arte contemporáneo nativo americano como Richard Castaneda, Cy Wagoner, Jaque Fragua, Rye Purvis, Nizhoni Ellenwood e incontables otros.
EL EQUILIBRIO DE TODO ES EL CAOS ABSOLUTO. YO DIGO QUE HAY QUE ABRAZAR EL CAOS
A lo largo de tu vida has viajado mucho, ¿has estado en España? Nunca he estado y me gustaría mucho ir si alguna galería española estuviera interesada en mostrar mi trabajo. También me encantaría patinar en Barcelona, es un sueño que tengo desde hace un tiempo. España parece un sitio precioso, me gustaría visitarla y absorber toda su cultura e historia. ¿Cómo te ha ido el año? Este año ha sido impresionante. Lo empecé en Vancouver BC por año nuevo en la galería Antisocial de mi amiga Michelle Pezel; luego, yendo a Hawaii a pintar para Pow! Wow! Hawaii. Los puntos de exclamación los añadió Jasper Wong para enfatizar la naturaleza cómic de los sonidos cuando alguien se lleva una hostia. Como en los antiguos episodios de Batman: Pow!! Wow!! Blammo!! . Luego Cuba fue increíble, estar con los chicos de Amigo Skate Cuba y sentir el amor y el cariño por el skate que hay ahí, además todas las donaciones, son algo que no olvidaré. También pintar paredes y patinar por América durante los últimos dos meses. Me llevó mi tiempo explorar unos 18 estados del sur que no conocía, sobre todo Georgia y Alabama. América te quiero y te adoro, eres bonita de cualquier forma.
Has llevado a cabo varias iniciativas para apoyar causas solidarias, como defender el tiburón en Hawaii. ¿Cuál es tu próximo proyecto en relación a esto? La aventura artística más cercana a los tiburones que tengo a la vista será en México. Después, mi amigo pintor Erlin Geffrard y yo haremos unos cuantos “video paintings”, además de una serie de pinturas que los acompañan, como parte de un show con un tema más amplio que vamos a comisariar. ¿Cuál de tus proyectos es más significativo para ti? Ahora mismo, el vídeo de skate en Cuba e implicar a más gente en donar tablas para el proyecto. ¿Quien te inspira? Erlin Geffrard, Daisy Ortiz, Daylin Geffrard, Jana KlienPaul, Colby Cutler, Warren Binder. ¿Cuáles son tus influencias? Pregunta difícil. Una larga lista de pintores muertos. Demasiados para mencionarlos ahora. ¿Cuándo empezaste a dibujar? Cuando fui suficientemente mayor para aguantar con una mano un objeto que pintara. Sobre los dos o tres años.
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Due to your career you never stop traveling. In which way do all of these trips influence your work? I grew up on the road. Traveling has always been a part of my life. Moving around constantly with my brothers from one place to the next and living in countless areas around the west coast of North America was how I was raised. You could say traveling is in my blood. I need to keep doing what I do: moving from one place to the next allows for a constant intake of my surroundings while simultaneously regurgitating these places, people, experiences and objects onto a blank surface if I have a canvas around or a wall to paint. Every face I interact with, spot I skate, and conversation I have during a day while traveling ends up presenting itself in my painting I create at that time somehow. When I paint I tend to keep most paintings specific to the location I am in. Whether it be on canvas or a wall. I’m sometimes creating work on the road or on location for a gallery so the traveling becomes a part of the creative process in a sense. Right now I’ve been traveling around America for about two months after a trip I took to Cuba to donate skateboards to some friends there and do some painting as well. Art, photography, skate, trips, street, what is the balance of all this for you? The balance of it all is complete chaos. I say embrace the chaos. Photos occur naturally as I travel or am at home. I prefer to shoot film for photos. Skateboarding is present within it all. I try to skate a little bit everyday although there are many factors which stop me from skateboarding such as filmmaking or painting. I’m primarily a filmmaker most of the time although painting takes a huge portion of my time as well. I don’t differentiate between the mediums. Depending on the issue I’m facing in my paintings at the time or film for that matter, as far as a context or dialogue goes, it all becomes one entity. All the footage I gather for a film is very similar to the colors I have to paint with. Which materials do you use in your works in the street art? Street art is kind of an overused term in my opinion. I don’t consider myself a street artist. I paint more galleries then I do walls outdoors. I prefer to consider these paintings public paintings or outdoor paintings or simply murals. But I use whatever materials are in front of me. In Cuba, the white paint you get from the paint place is more like painting with watered down milk. So I just rolled with it. Out there painting the streets of Cuba I used a brush. I prefer a brush lately to a spray can because it just feels more natural for me right now, you can call me a brush and bucket painter.
Also if I’m painting in the woods I use a variety of materials to prep the surface and to paint it. Sometimes I need to scrape thick layers of moist moss off an old wall or a weathered wooden bridge. I sometimes use a spackle knife for that or a thick ID card for a scraping tool. Whatever is at hand. Even a hammer or a crowbar to scrape larger unwanted objects off the surface of the wall. After a surface is prepped for a painting I’m up for using anything to mark it. I don’t use pencils much or do much planning when it comes to the aesthetic quality of the painting. The painting kind of takes shape as I paint it due to the materials I have then and there. Unless I have a prior composition I want to create its all done in the moment. But at times the context of the painting calls for what specific materials are to be used. You like placing your drawings on very particular places like certain walls in small towns. What’s the strangest place you’ve painted on? Definitely it would be Cuba just this past month, which was strange because it was illegal. Out there the only murals I saw were propaganda ones such as “Patria O muerte” (Patriotism or Death) Or “Defend Socialism.” As well as certain phrases having to do with Cuba’s history and billboards of the faces of “traitors” or “spies” of the country. After I painted the last wall in Cuba I was totally covered in paint. A couple locals stopped me and said Graffiti! Graffiti! I said “NO! pintura! pintura!” and skated the other way back to the home where I was staying to wash the paint off my hands and face. Also, with friend and painting collaborator Erlin Geffrard we painted the inside of a cardboard pyramid we had constructed inside of a gallery in San Jose a few months back, which was very strange because the paint
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was still wet when the public was allowed to enter. We told them to be weary of the wet paint but there was still many people with bourgeois attire with white paint smeared on their backs. With angry gallery viewers against us we changed the rules of entering the pyramid to “enter at your own risk”. What do you want the viewer to feel when he sees your paintings or photos? I want them to feel sexy. Maybe a little uncomfortable. A little happy. A little bit sad and sorrowful mixed with some feelings of confusion, bewilderment and a side of anger if the issue I’m painting about angers them. Sometimes it’s good to get angry about something. It starts a dialogue. At times I like to use humor in paintings with a serious context and some people don’t like that, so they get angry and active and speak about it which I think is amazing. If someone can walk away from one of my paintings laughing I’ve done my job. Although humor isn’t respected in a fine art context most of the time. People like to be real serious while eating their cheese and sipping wine at an opening reception and reading someone’s ego driven artist statement about how their paint splatters represent “time” in an abstract way. Don’t get me wrong, I enjoy some contemporary art nowadays but most of the time I like to poke fun at the system itself. I like to question the system. What is this gallery, this opening reception this ceremony. What is art history and what ends up in art history’s selective spectacle. Who are the people controlling the art industry, collectors, investors, companies etc. And why should I respect something hanging on the wall in the MoMA more than the homeless guy’s painting on the soggy pieces of urine soaked cardboard on the street? I occasionally want someone to walk away from viewing something I’ve created feeling confused. I’m completely ok with that. But most of the time I just want to start a dialogue about an issue I want to discuss at that time. There is too much art that just exists as “wall paper” with no context or subject. It’s just pretty and aesthetically pleasing and at times boring. If I’m boring someone with my art then I’m not doing my job. You have a special interest in translating the suffering of Native Americans in American culture, what do you want to convey in regard to this? I myself have native blood from my grandmother but I am 1/4th. Sometimes issues I bring up are dealing with a perspective on both sides of the tracks. How do you personally come to terms with being a part of two ancestries historically and currently clashing with one another. On the Reservation I’ve been an enrolled member of my tribe for as long as I can remember. Growing up in a blue van on the lakes of the Confederated Tribes of the Colville Indian Reservation with my brothers is a part of who I am. My childhood is in my art for sure but also my present day perspective. I am curious about the ignorant perspective in America. What breeds it and what makes it tick. America is a place founded in blood and on the backs of people who had been at that time suppressed by Europeans that fled to this already occupied continent and claimed it for their own. You could make 1,000 paintings just about that history on its own. I work together with a group of Contemporary Native American artists in San Francisco to bring forth a more in-depth perspective of a contemporary native or first nations Art. There are a lot of issues going on constantly in Native America that need to be heard. Whether its rights being violated by the United States government or Canada against native tribes, it’s all the same story historically. But now and also then, we are given a chance to communicate these issues through art. Good news is it’s not all about is suffering. There are many positive aspects that the mainstream does not focus on, like the strength of the culture and that as a people we are still here. I have used various mediums in the past and presently to convey certain issues and contexts dealing with my perspective of an overly romanticized notion of an American Indian. But I’m more interested in viewing other artwork created by my friends who create contemporary native american art such as Richard Castaneda, Cy Wagoner, Jaque Fragua, Rye Purvis, Nizhoni Ellenwood and countless others. In your life you have travelled a lot, but have you ever been in Spain? I have never been to Spain and I’d really like to go if there are any galleries in Spain that would like to show my work. I’d love to skate Barcelona as well, it’s been a dream of mine for quite some
THE BALANCE OF IT ALL IS COMPLETE CHAOS. I SAY EMBRACE THE CHAOS time. Spain looks like a beautiful place, I’d love to visit and absorb the culture and history of it all. How is this year getting on? This year has been amazing so far. Starting it off in Vancouver BC for the new year at my friend Michelle Pezel’s gallery, Antisocial and then to Hawaii and painting for Pow!Wow! Hawaii. The exclamation points were placed there by Jasper Wong to emphasize the more comic book nature of sounds made when people get smacked. Like in old Batman episodes. Pow!! Wow! Blammo!! Cuba was incredible. Seeing friends out there with Amigo Skate Cuba and feeling the love and appreciation for skateboarding in Cuba and the donations given was an experience I won’t forget. Also painting walls and skateboarding across America for the past 2 months. I took my time exploring about 18 states that I had not spent much time in within the southern states, Georgia and Alabama were incredible. America I love you and I hate you, but you are beautiful all the same. The gritty south and southern hospitality I received was unmatched. Looking forward to traveling around Germany a bit and a solo show I have in Amsterdam in August and a potential painting trip to Mexico with my shark loving friend Aaron Glasson in July. Also I am releasing a couple feature length films this year. I will keep them a secret, but one of them is “Patinas Sin Fronteras” or “You Skate without Borders”. It has to do with Cuba and the embargo there that stops skateboarders from being able to have access to skateboards or even leave the island
to pursue their life skateboarding. Currently the only way to keep skateboarding going in Cuba is to donate boards, bearings, decks, wheels or shoes to the skateboarders there who share with each other because there is no such thing as a skateshop. You have carried out many initiatives to support solidary causes, such as defending the shark in Hawaii. What is your next project related to this? The closest shark related art adventure on the horizon is in Mexico. After that my painting colleague Erlin Geffrard and I are going to make a few shark related “video paintings”, as well as a series of actual paintings to go along with them as a part of a larger themed show we are curating. Which of your projects is the most significant to you? Right now the Cuba skate film and getting more people involved in donating skateboards to Cuba for the project. What inspires you? Erlin Geffrard, Daisy Ortiz, Daylin Geffrard, Jana KlienPaul, Colby Cutler, Warren Binder. Who are your influences? That’s a hard one...a long list of dead painters. Way too many to name right now. When did you start illustrating? When I was old enough to hold a marking device. I think maybe 2 or 3.
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T: EVA VILLAZALA
GRACIAS por la
INOCENCIA C E C I L I A A LVA R E Z – H E V I A Hay personas que cuando aparecen provocan un pensamiento, fugaz, en una ráfaga de segundo, que se resume en un “gracias” inconsciente que nos asalta de golpe. Las razones en ese momento no se saben porque apenas se ha mediado palabra, pero el mensaje es claro: esa persona ha llegado para quedarse. Cecilia es resquicio de sol, con el polvo entrando en diagonal, que nos lleva a los cinco años y a una merienda con nocilla. Es patio de colegio, barro en las botas y rodillas arañadas. Es y será eso mismo siempre porque lo suyo es juventud de pensamiento, inocencia que se ha cuidado muy bien de proteger. Y eso mismo es lo que inevitablemente nos transmite en sus fotos. Momentos cotidianos que son la celebración de una coincidencia, su mismo dar las gracias a las personas que pasan por su vida y aportan un color más que añadir en su banderín de la fiesta. Certain people evoke certain flashing thoughts, fast as a second, which somehow and eventually involve an unconscious and sudden ‘thank you’. Not much room for reason, though, since words may not have been yet exchanged, the message however made clear: that person is here to stay. Cecilia is a crack of sunshine, that shy dust coming inside, taking us back to the time when we were five and chocolate is all we needed. A school playground, the mud on our boots and that pair of scratched knees. That is what it will always be, since her thing is the youth of the thought, the innocence one has truly catered for. Which is precisely what she inevitably transmits through her photography. Daily moments which turn out to be the celebration of a coincidence, the thankfulness for the people who come along their life and bring yet another colour to the bunting of a life-long party.
letempsdescerisesdiary.tumblr.com
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Tus fotos son un reflejo de cotidianidad, extraes la belleza de las acciones más comunes, ¿cómo se impone tu punto de vista? ¿Cuándo sabes que ha llegado el momento del disparo? En mi caso (y gracias a Dios) la fotografía es mi forma de vida, pero también es mi pasión y mi hobby. Por lo que cuando no trabajo para clientes mi fotografía es mucho más libre, menos condicionada por exigencias o necesidades. En la gran mayoría de los casos para mis trabajos personales disparo en formato analógico, ya que al contrario de lo que podría parecer, es algo mucho más instintivo, trato de no pensar demasiado y disparo cuando me lo pide el cuerpo. Es más un alegato a la libertad y a poder hacer lo que me da la gana que cualquier otra cosa. Siempre llevo los bolsos cargados con cámaras de usar y tirar, algunas compactas. Me gusta fotografiar lo que sucede en mi día a día. ¿Tienes algunos referentes en fotografía que te guíen en este camino? Las redes sociales siempre han sido para mí una ventana al mundo perfecta para conocer, investigar y llenarme de inspiración. Todo comenzó con el mítico Fotolog a finales de los 90. Muchos de mi generación que comenzábamos a crecer y a interesarnos por la fotografía encontramos aquí un escaparate en el que poder enseñar lo que hacíamos (en mi caso por aquel entonces era pura mierda, pero la semilla ya estaba sembrada). Me siento especialmente atraída por el trabajo de muchas chicas de mi generación, un grupo de mujeres que desarrolla su obra en analógico con una sensibilidad muy especial y que aún no teniendo nada en común entre ellas, creo que esa esencia tan 90s siempre está como transfondo: Elisa Routa, Maya Kapouski, Josefina Andrés, Berta Pfirsich, Icíar J. Carrasco, Blanca Galindo, Sara Sani, Crista Leonard, Azahara Fernandez… Los chicos no se quedan atrás Igor Termenon, Kealan Shilling, Coke Bartrina…Y de los grandes me quedo con fotógrafos como Glen E. Friedman, Stephen Shore, William Eggleston y Josh Soskin. ¿Cuándo supiste que ibas a dedicarte a ello? A los 20 años yo estaba algo perdida con mi vida, había estudiado Estilismo de indumentaria, me encantaba el mundo de la moda, pero no acababa de encajar, no terminaba de llenarme. Nunca he sabido estar quieta así que me apunté a un curso del INEM de Técnico de Laboratorio fotográfico y ese día empezó todo. Durante meses di mucho el coñazo en casa para que me regalaran una cámara, mis padres se negaban pensando que sería el enésimo capricho, hasta que al final mi padre (que siempre ha sido de moral bastante débil con su hija única) acabó cediendo, ellos no lo saben pero probablemente ese día salvaron mi vida. Aunque conseguir dar el paso hacia la fotografía profesional, es decir trabajar para clientes y bajo directrices era algo que me daba un pánico horrible, tardé años en atreverme. Me gustaba tantísimo la fotografía que tenía un miedo atroz a fracasar en esa disciplina. Aún a día de hoy casi diez años después sigo teniendo nervios en el estómago antes de enfrentarme a un nuevo reto. Pero eso es lo maravilloso de todo esto. ¿Qué es lo más importante para ti captar en una imagen? Siempre he sufrido un pequeño Síndrome de Diógenes prematuro, almaceno todo tipo de objetos absurdos que me recuerdan momentos, personas, situaciones y sentimientos... Entradas de cine, servilletas de bares, etiquetas de ropa, me cuesta desprenderme de cualquier cosa que me traiga un recuerdo. Así que
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Libertad es que una foto salga desenfocada o quemada, que esté escaneada con motas de polvo y pelos y aún así dé igual empecé a utilizar la fotografía para este fin: almacenar mis recuerdos y dejar constancia de ellos. Lo realmente importante es poder ver esa imagen tiempo después y que seas capaz de viajar a través de esas sensaciones, y ya cuando consigues que alguien que ni siquiera ha estado allí sea capaz de sentir algo similar solo viendo una de tus fotos, eso ya es la hostia. Fotografía, surf, viajes, amigos… ¿estás haciendo lo que siempre quisiste? ¿Qué meta te has propuesto alcanzar? ¿Cómo te imaginas tu vida? Mi fotografía es muy espontánea, natural, no me gusta pensar en exceso las cosas, por lo que la premeditación casi no entra en mis planes, es algo mucho más emocional. Fotografío mi vida, lo que pasa diariamente, estoy muy vinculada al surf, al skate, mi grupo de amigos siempre han surfeado o patinado. Unos tienen amigos músicos, a otros les gusta salir en moto los domingos y a mis amigos les gusta la playa. Mi novio hace tablas de surf en el garaje de nuestra casa y cualquier destino vacacional es impensable si no hay olas de por medio. Las cenas en mi casa siempre acaban con vídeos de surf o viendo la última batalla en The Berrics y los fines de semana de mi adolescencia me los pasaba cogiendo autobuses con la tabla de snowboard al hombro para subir a la montaña con mis primos. Es lo que hay, inevitablemente mis fotos están influenciadas por todo lo que me rodea. Mi meta es intentar viajar lo máximo posible y hacer aún más fotos, pero también aprender a disfrutar, dejar de vez en cuando la cámara, el iPhone, la desechable y guardar alguna que otra cosa en mi cabeza, solo para mí. Yo era mucho de imaginarme la vida, pero últimamente estoy en un modo muy “Feel the flow”, dejando que todo fluya, sin expectativas, intentando no autoimponerme metas imposibles e intentando disfrutar cada día. Has viajado a California este año haciendo una ruta en furgoneta, ¿cuál es la parte de ese viaje que te ha impactado más? La primera vez que pisé suelo californiano… flipé. Me pasé unos cuatro días con una sensación totalmente alucinógena. Me sentía como medio drogada, hiperactiva, no podía dejar de mirar a todos los lados, de volverme loca con todas las tipografías, la arquitectura, las palmeras, los neones… intentaba tocar la luz, tenía una paranoia seria con los atardeceres, la luz me parecía totalmente sinestésica sentía que podía tocar los colores e incluso saborearlos (y os juro que no iba puesta de nada y no soy nada espiritual para esas cosas). Todo el rato sentía que vivía en una película, para alguien que se ha criado con Las Gemelas de Sweet Valley, los vigilantes de la Playa y todos los clichés americanos habidos y por haber, aquello era un maldito sueño, cada esquina era digna de ser fotografiada. Al final como todo, se acaba pasando, se normaliza y tu capacidad de sorprenderte en cada esquina desciende notablemente, pero recuerdo esos primeros días como algo maravilloso. ¿Qué otros viajes tienes programados? Pues de momento caerán algunos viajes cortitos de surf por
España, en febrero un par de semanas en El Palmar (Cadiz) con un posible salto a Marruecos aunque eso todavía está en el aire. En cuanto llegue la primavera siempre toca un road trip al sur de Francia, soy una apasionada de la zona de las Landas me escapo siempre que puedo. Últimamente tengo entre ceja y ceja Islandia o Noruega aunque será complicado por fechas, la época buena es primavera pero coincide que yo tengo mucho trabajo. Y es posible que en mayo vuelva a Los Ángeles para hacer una colaboración con una marca, aún no hay nada cerrado, así que prefiero no pensarlo.
Libertad es que una foto salga desenfocada o quemada, que esté escaneada con motas de polvo y pelos y aún así dé igual. Libertad significa que algo hecho sin ninguna pretensión lo mole todo. Para mí el mayor exponente de libertad en el terreno fotográfico son las cámaras de usar y tirar (y si son de los chinos mejor) no hay velocidad, no hay ISO, no hay diafragmas y mucho menos foco. Solo hay que disparar, no esperes nada bueno, no busques nada intencionado y prepárate para que a la sexta foto el flash ya no dispare, pero ¿qué puede definir la libertad mejor que eso?
La fotografía relacionada con el mundo de los boardsports tiene un touch muy especial, ¿cómo definirías esta relación que se crea entre el mundo del arte y los boardsports en general? La imagen en general en los boardsports tiene un punto estético muy importante. Siempre ha sido una fotografía muy libre aunque en mi opinión hace unos años que ha recuperado esa parte más visual y estética. En los 90 la fotografía en este tipo de deportes era mucho más técnica, destinada a vender un truco, una maniobra, a un pro o una determinada prenda. Gracias a Dios se ha vuelto a recuperar esa parte de cultura visual, en la que la imagen prima por encima del producto. Las marcas del sector han contribuido en gran parte a este cambio adaptándose a las tendencias, no solo en moda, sino llevando sus campañas un paso mas allá. Marcas como Insight revolucionaron hace unos años el concepto “fotografía de surf/ skate” o “campaña de surf/skate”, explorando terrenos desconocidos en los boardsports, como el video arte, las instalaciones, las performances… o Carhartt WIP con aquellas fotos de skate en 3D, o Globe con cada uno de sus vídeos de surf. El ICE CREAM me parece una puta maravilla y mucho más cerca de un fashion film que de un video de surf.
Tienes la capacidad de mirar una situación y darle la vuelta, cambiar ciertos elementos para mostrarla hermosa, ¿cómo lo haces? (Risas) ¡Gracias, nunca me lo había planteado de ese modo! Creo que al final la figura del fotógrafo es una parte muy importante en la acción, es el que decide qué es lo que quiere que sus imágenes cuenten y qué es lo que quiere obviar. Nunca una fotografía es 100% objetiva sino que está condicionada a dos interpretaciones; la del fotógrafo que decide qué capta y en qué circunstancias y la del receptor, que es el que libremente interpreta el mensaje. Hay un estudio en el que se les dio un huevo a 100 fotógrafos para que le hicieran una foto, ninguna de ellas resultó igual. La posibilidad de variables es infinita, creo que en esto reside la magia de la fotografía, no hay dos personas iguales, por lo que nunca habrá dos miradas iguales.
¿Qué significa para ti la palabra libertad? Es en parte lo que transmites en tus fotos. Libertad significa hacer lo que te de la gana, no dar explicaciones a nadie.
Esta publicación es nuestro número 100 y el monotema es THANK YOU porque lo hemos dedicado a todos los que nos han hecho crecer. ¿A quién o a qué le das tú unas gracias infinitas? A mis padres por estar siempre ahí y no dejar de apoyarme, a Edu por darme siempre o ánimos o caña, según el momento adecuado, a toda la gente que me ha ayudado a crecer y que ha confiado en mí, y a Internet por abrirme una ventana al mundo y convertirme en una inconformista. Y a vosotros por hacerme sentir parte de la familia lamono. ¡Enhorabuena por esos 100 números!
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Have you got any models in photography that guide you through this path? Social media has always been for me a perfect window to the world to get to know, investigate and fill me with inspiration. It all started with Fotolog in the late 90s –wow, we are getting old… Many of my generation who were beginning to grow and be interested in photography found a window in which to show what we did –in my case by that time was pure shit, but the seed had already been sowed. I feel particularly attracted by the work of many girls of my generation, a group of girls who develop their work in analogue with a special sensitivity and although not having much in common between them, I think that 90s essence is always the background: Elisa Routa, Maya Kapouski, Josefina Andrés, Berta Pfirsich, Icíar J. Carrasco, Blanca Galindo, Sara Sani, Crista Leonard, Azahara Fernandez… The boys as well Igor Termenon, Kealan Shilling, Coke Bartrina… And among the big ones I very much admire Glen E. Friedman, Stephen Shore, William Eggleston and Josh Soskin. When did you realise you would be pursuing a career in photography? When I was 20 I was quite lost in life, I had studied clothing design, I loved the world of fashion but I did not entirely fit on or feel fulfilled. I have always been constantly active so I signed up for a Photographic Laboratory Technician course and that’s the day everything began. For months I was a pain in the ass for my parents and kept asking for a camera, they said no because they thought it was yet another impulse, until my father –who has always been morally weak with his only child– eventually gave up. They may not be aware of it, but that they they saved my life. Although making a step towards professional photography, meaning working for clients and under guidelines was something that terrified me, it took me years to do so. I loved photography so much that i was scared of failing in this discipline. Still today
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I feel a know in my stomach before facing a new challenge. But that is what’s so great about all this. What is the most important thing you try to capture in your images? I have always suffered from this tiny early Diogenes Syndrome, I keep all kinds of absurd objects which remind me of moments, people, situations and feelings. From cinema tickets to bar napkins and clothing labels, I find it hard to let go of anything that brings a memory. So I began to use photography for this same goal: collecting my memories and leaving trace of them. The most important thing is being able to see that image some time later as well as being able to travel through those sensations, and when you even manage to make someone who has never been there feel something similar just by seeing one of your photos, that is just fucking awesome. Photography, surfing, trips, friends…are you doing what you always wanted? Which os the goal you now want to reach? How do you see your life? My photography is spontaneous, natural, I don’t like overthinking things, which is why premeditation doesn’t really fit my plans, it’s about something much more emotional. I photograph my life, what happens on a daily basis, I’m very linked to surfing, skateboarding, since my group of friends has always surfed or skated. Some have friends who are musicians, others like to go out with their motorbikes on Sundays and others like the beach. My boyfriend makes surfboards in our house’s garage and any holiday destination in unthinkable if there’s no waves there. Dinner parties at my house always end with surfing videos or watching the last battle on The Berrics and I used to spend my teenage weekends getting on buses with my snowboard and go to the mountain with my cousins. It couldn’t be any other way, my photos are inevitably influenced by everything that surrounds me. My goal is trying to travel as much as I can and taking even more pho-
tos, but also getting to enjoy, leaving the camera and iPhone and disposable one aside once in while to keep a certain thing inside my head, just for me. I was very much into figuring out my life, but now I am much more into going with the flow, letting things happen without expectations, trying not to self impose impossible objectives and trying to enjoy every day. You have been to California this year on a van trip. Which part of the trip had a biggest impact on you? The first time I stepped on Californian territory…I went mental. I spent the first four days feeling as if I was on an hallucinatory state. I felt half high, hyper, I couldn’t stop looking everywhere, I went mad with all typos, the architecture, the palm trees and neons… I tried to touch the light, I had a serious paranoia with sunsets, the light seemed totally synesthesic to me, I felt like I could touch and even taste the colours –I swear I had taken nothing and I am usually not spiritual at all with this stuff. I felt like living in a film the whole time, for someone who grew up watching Sweet Valley High, Baywatch and all possible American clichés, that was a bloody dream, every corner deserved being photographed. Eventually, though, you get used to it and your ability to get taken aback in every corner notably descends, but I remember those first days as somewhat amazing. What other trips do you have in mind? For the time being I will be doing some short trips in the south of Spain, I’ll be for two weeks in February in El Palmar (Cadiz) with a possible jump to Morocco, although that’s still to be decided. As soon as spring comes we go for a road trip in the south of France, I love the Landas area and go there whenever I can. Lately I’ve been quite obsessed with Island and Norway, although it’ll be complicated because of the dates, since the good time to go is spring and I’m always super busy by then. And in May I may go back to Los Angeles for a collaboration with a brand, but there’s nothing closed yet so I prefer not to think about it. Photography related to the world of boardsports has a very special touch, how would you define the relationship created between the world of art and boardsports in general? Image generally plays a very important aesthetic role in boardsports. It has always been a very free kind of photography although in my opinion it ha recovered its more visual and aesthetic side in the past few years. During the 90s photography in those kind of sports was much more technical, with the objective of showing a trick, a manoeuver, a pro or a concrete piece of clothing. Thank God it’s gone back to that visual culture, in which the image is over the product. The sector brands have contributed to such change by adapting to trends, not only in fashion but taking their campaigns a step forward. Brands such as Insight shaked up some years ago the concept of skate/ surf photography or surf/skate campaign, exploring unknown territories in boardsports, such as video art, installations, performances… or Carhartt WIP with those 3D skateboarding photos, or Globe with all of
Freedom is allowing a picture to be out of focus or burnt, scanned with traces of dust or hair, and not worrying about it their surfing videos. I think ICE CREAM is fucking wonderful, much closer to a fashion film rather than a surfing film. What does the word freedom mean to you? It’s part of what you transmit in your photos. Freedom means doing what you feel like doing, not giving any explanations. Freedom is allowing a picture to be out of focus or burnt, scanned with traces of dust or hair, and not worrying about it. Freedom means that something made without any pretensions still turns out awesome. To me the biggest expression on freedom of the photographic territory are disposable cameras –the cheaper the better– there’s no shutter speed, no ISO, no diaphragm and of course no focus. You just need to shoot, don’t expect anything good, don’t look for anything planned and get ready for the flash not working on the sixth photo but, what can define freedom more than that? You have the ability of looking at a situation and turning it around, changing certain elements to make it beautiful. How do you do that? (Laughs) Thank you, I had never thought of it that way! I think at the end of the day the photographer is an important part of the action, they are the one to decide what they want their images to tell and what they want to omit. A photograph is never 100% objective but it is conditioned to two interpretations: the photographer’s, who decides what to capture and in which circumstances and the spectator’s, who freely interoperates the message. There’s a study in which an egg was given to 100 photographers to take a picture, and none of them turned out the same. The possibility of variables is endless, I think that’s where the magic of photography lies, there are no two same people, so there won’t be two same looks. This edition is our number 100 and our topic is THANK YOU because we are dedicating it to everyone who has helped us grow. What or whom do you deeply thank? My parents for always being there and backing me, Edu for showing his support and energy depending on the moment, also all of those who have helped me grow and have had faith in me, and also the Internet for opening a window to the world and making me non-conforming. And you for making me feel part of the lamono family. Congratulations for the 100 editions!
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T: EVA VILLAZALA F: LUIZA LACAVA
SPENCER HAMILTON FROZEN PRECISION
Es uno de los más veteranos del team de SUPRA. Se convirtió en proskater muy pronto y su mirada verde pronto empezó a tener esa templanza que la convierte en transversal y directa. Hablamos con él en la parada que la marca hizo en Barcelona junto a sus riders para presentar la nueva zapatilla AVEX. He is one of the most veteran members of the SUPRA team. He became proskater very soon and his green look quickly began to have that calm that makes it as transverse and direct. We talk to him during the stop the brand made in Barcelona along with its riders to launch the new AVEX shoe.
www.suprafootwear.com Explícame un poco sobre tu experiencia con el tour de SUPRA y estos días en Barcelona preparando la presentación de la AVEX. Empezamos hace un par de días y desde entonces ha estado lloviendo así que no hemos podido patinar. Por desgracia, además, estoy lesionado, me hice daño en la pierna y espero que se cure por sí sola, porque esto es una tortura. Estar en Barcelona y no poder patinar es como si te ofrecieran la mejor comida y no la pudieras probar. ¿Qué tal fue la UK Residency? Muy divertida. Una experiencia genial, lo pasamos bien con el equipo. El team de SUPRA es como un gran grupo de amigos, nos vemos una o dos veces al año, salimos, nos ponemos al día, me encanta. Todos estamos en sitios distintos hasta que nos volvemos a juntar, está muy bien. ¿Qué es lo mejor de este año? Siento que cada año debería ser mejor al anterior, que se debe mejorar en algo, y yo he tenido un año muy bueno. En skate, en la vida, en las relaciones con gente, todo parece ir cada vez mejor. ¿Cuándo no patinas qué otra pasión tienes? Me gusta mucho cocinar. Ir a mercados y comprar buena comida. Cocinar con mis amigos o con mi novia. Salir
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a pasear, ir al parque, estar en contacto con la naturaleza. Quitarme los zapatos y andar. ¿Qué opinas de las AVEX? No es mi particular estilo de zapato de skate, pero sé valorarlas. La suela es algo más gruesa, son bajas, me gustan. ¿Cuál es tu estilo particular? Me gustan las Cuba. Casi sin puntadas, con un solo cordón. No tienes que preocuparte de nada, te las pones y ellas hacen el trabajo. ¿Cómo es un día normal para ti? Muchos estiramientos y mucho patinar. Me levanto y me hago el desayuno, con un buen smoothie. En Vancouver, mi día a día consiste en patinar por la ciudad, ir a distintos spots y moveme mucho. Sin coches, sin conducir, yendo en tren, patinando, andando. Moviendo un poco los pies. ¿Qué proyectos tienes entre manos? Estoy trabajando en un par de videos de Expedition, la marca de tablas para la que patino. Con Gold Wheels también estamos preparando un vídeo, ambos saldrán en diciembre. Después de eso tengo sólo un proyecto con SUPRA en el que estamos trabajando ahora mismo.
Tell me a bit about your experience with the SUPRA tour and these days in Barcelona getting ready for the AVEX release… We started a couple of days ago and it has been raining a bit so we just hung out and tried to get rid of the jet lag. Unfortunately I’m injured, I’ve got something going on with my leg so I’m hoping that it heels itself because right now I’m just tortured. Being in Barcelona and not be able to skate is like being given the best food but not be able to eat it. How did the UK residency go? It was so fun. A little team bonding experience. The SUPRA team is like a big group of friends, you get to see them once or twice a year, we hang out, catch up, I love it. Everyone is kind of in a different place and then it gets everyone together, it’s nice. What was the best of this year? I feel like every year should be better tan the last, you should be trying to progress in something, and I’ve had a great year. In skateboarding, in life, in relationships with people, everything seems to be getting better and better. When you’re not skating, what do you like doing? I like cooking a lot. Going to the markets, get good food.
Cook with my friends and my girlfriend. Go for walks, to go the park, going to the nature. Take the shoes off, walk around. What do you think about the AVEX? It’s not my particular style of skate shoe, but I can appreciate it. It’s a little thicker in the sole, it’s a low top, I like it. What’s your particular style? I like the Cuba. No stitches pretty much, one lace. Nothing to worry about, you put it on and it does the job for you. What’s your daily life like? Lots of stretching and skating. I wake up, make breakfast, a nice smoothie. In Vancouver my day to day would just be skating around the city, go to skate spots, go to plaza, lots of moving. No cars, no driving, just train, skate, walk. Keeping the feet moving. What are your future projects? I have a couple of Expedition videos coming out, the board company I ride for. Gold Wheels has also a video coming out, both in December, and after that just SUPRA project that we’re working on right now.
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SARA GUIX
BRUNO M
ALEX GISBERT
LAURA MARTIN
AURORA RODRIGUEZ
ALBERT RIERA
lamono & BRIGHT
PHOTOCONTEST BE OUR ADVOCATE IN BERLIN Este año cumplimos 10 años y queremos decir #THANKYOU de tantas formas como sea posible. Empezamos este mes de enero de la mano de BRIGHT TRADESHOW. Para esta edición de la feria de Berlín no buscamos nuestro ya habitual Bright Hunter, sino que nos llevaremos con nosotros al fotógrafo/a que se convierta en nuestro Advocate con una exposición de sus fotografías inspiradas en el concepto Thank You. El concurso ha estado abierto todo el mes de diciembre y ya contamos con participantes que nos han mandado un trozo de su corazón agradecido. El próximo 12 de enero sabremos quién se viene con nosotros a Berlin y también quién acompañará las fotos de nuestro advocate como finalista en el nuestro Booth de BRIGHT TRADESHOW. Mientras agradecemos a todos los participantes que nos hayan mandado su candidatura haciéndonos soñar en viajes, en huidas, en retornos, en bosques lejanos y en carreteras cercanas. We are turning 10 this year and we would like to say #THANKYOU in all possible ways, and what better way than beginning this January along with BRIGHT TRADESHOW. For this edition of the Berlin fair we are no longer looking for the usual Bright Hunter, but we will take with us the photographer that becomes our Advocate with an exhibition of his or her photographs inspired by the concept of Thank You. The contest has been running throughout December and we already have a few participants who have sent in a piece of their thankful hearts. Next January 12th the chosen name will be made public, as well the one to accompany our advocate’s images as finalist at out Booth at BRIGHT TRADESHOW. As for us, we thank all participants for having sent in their proposals making us dream of trips, runaways, comebacks, far away forests and closeby roads.
www.brighttradeshow.com
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SIN TÍTULO (2014). GRAFITO SOBRE PAPEL ENCOLADO A TABLA. 37,5 X 46,5 CM.
T: BEA SALAS
Bodegones, vanitas y naturaleza muerta La interpretación de lo estático
La clásica técnica del bodegón interpretada por artistas de distintas disciplinas. La Galería N2 convoca a nombres habituales en sus paredes para que realicen un bodegón clásico con cada uno de sus personales estilos. Los artistas invitados son Jafet Blanch, Juan Bufill, Crajes, Gonzalo Goytisolo, Jaime Lieberman, Victor Mira, Luis Feo, Marcos Palazzi, Sixe Paredes, Carlos Puig, Gino Rubert, Amparo Sard, Mario Soria y Julio Vaquero, una acertada mezcla de artistas consolidados y emergentes con estilos que van del Street art a la fotografía contemporánea. Aunque de estilos totalmente distintos, la combinación de todos ellos convive de forma natural creando un universo que, aunque está basado en la estaticidad tiene más movimiento que muchos otros donde el cambio es lo más importante. The classical still life technique, now seen from the eyes of artists who come from various disciplines. Galería N2 gathers a few already usual names of its walls so as to create a classical still life with each of their personal styles. Invited artists are Jafet Blanch, Juan Bufill, Crajes, Gonzalo Goytisolo, Jaime Lieberman, Victor Mira, Luis Feo, Marcos Palazzi, Sixe Paredes, Carlos Puig, Gino Rubert, Amparo Sard, Mario Soria and Julio Vaquero, a fortunate mix of both consolidated and emerging artists, with styles that range from Street art to contemporary photography. Varied though their styles may be, the combination of them all cohabits naturally, creating a universe which, although being based on stability, holds more movement than any others in which change is the main concept.
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Opening 19th January. N2. Enrique Granados, 61. Barcelona www.n2galeria.com N2 es un punto de distribución de lamono en Barcelona.
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GINO RUBERT, LOVE TEAR US APART (2014). MIXED MEDIA ON CANVAS. 61 X 65 CM.
MARIO SORIA, BODEGÓN CON EQUILIBRIO (2014). TÉCNICA MIXTA SOBRE MADERA. 21 X 21 CM.
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CRAJES, STILL LIFE (2014). TÉCNICA MIXTA SOBRE PAPEL DE BAMBÚ. 65 X 50 CM.
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JAFET BLANCH, RAMPOINA (2014). OLEO SOBRE TELA. 81 X 53 CM
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REVIEW / BARCELONA / 18TH NOVEMBER 2014
Element X The Road to Wolfeboro PH: LUIZA LACAVA & MONTSE RAJA
Llevamos ya un tiempo sumergidos en el mundo de Wolfeboro, pero el pasado mes de noviembre, además pudimos palparlo en directo. Brian Gaberman aterrizó en Barcelona de nuestra mano para presentar una exposición itinerante que ya teníamos ganas de ver. El imaginario que nos trasmiten las fotografías únicas de Gaberman hechas durante su estancia en la pequeña localidad que fue hogar del creador de Element, Johnny Schillereff, son la transmisión pura de paz, equilibrio e inspiración. Con esas fotos como recibimiento, la misión para nosotros era sencilla: conseguir que Maison LeLook, el lugar elegido para la exposición, evocara ese Wolfeboro protagonista de la muestra. Así que dicho y hecho. Llevamos un trocito de ese sentimiento de vuelta a las raíces con una decoración a la altura, creando un pequeño oasis natural en pleno entorno urbano gracias a la mano de Flowers Will. Y hasta allí acudisteis a la llamada muchos de vosotros, en una tarde llena de buen rollo y un ambiente puramente efervescente. Pudimos ver y tocar la colección íntegra de las chaquetas Wolfeboro, que materializan este sentimiento de emprender un viaje vital envuelto en naturaleza y sin que ningún obstáculo pueda contigo. Disfrutamos como auténticos groupies de la actuación en directo (la primera en Barcelona) de Bastien Duverdier aka kèpa que hizo magia y acabó de ambientar la fantasía. Posamos para el objetivo Impossible de Margarito Dela Guetto recreando también una atmósfera oscura y misteriosa. Y todo esto regado con abundante Moritz, y una buena copa (o varias) de vino Afortunado. Una tarde de otoño perfecta en la que emprendimos viaje hacia Wolfeboro, y volvimos habiendo encontrado respuestas y haciéndonos otras preguntas: ¿hay que mirar hacia atrás para poder seguir hacia adelante? Sí, solo así se coge impulso para llegar aún más lejos. We have been for some time now diving in the world of Wolfeboro. Last November, though, we got closer to being able to touch it. Brian Gaberman landed in Barcelona to present an itinerant exhibition we had been truly looking forward to. The reality Gaberman’s photos transmit, taken during his stay in the small town which saw Element’s founder Johnny Schillereff grow, are a bite of pure peace, balance and inspiration. With those images as a starting point, our mission was simple: getting Maison LeLook, the chosen spot for the exhibition, to evoke that very same Wolfeboro. And so we did. We took a piece of that feeling back to its roots with quite some decorations that created a small, natural oasis in the very middle of the urban environment thanks to Flowers Will. And there were many of you, in an evening of unique atmosphere and high-spirited vibe. We could see and touch the whole collection of jackets Wolfeboro, which objectifies the feeling of starting a vital journey through nature and without letting obstacles hold you back. We enjoyed like complete groupies Bastien Duverdier aka képa’s live performance –his first one in Barcelona, who managed to make some magic and set the sound of that fantasy. We posed for the Impossible objective of Margarito Dela Guetto, also recreating a gloomy and mysterious atmosphere. All of this accompanied by a great deal of Moritz and a good glass –or maybe a few– of Afortunado wine. A perfect autumn evening in which we began our trip to Wolfeboro, and came back having found not only answers but also new questions: do we have to look back to keep going forward? Yes. It’s the way of gaining momentum and getting even further.
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#100 · THANK YOU · JANUARY / FEBRUARY · 2015 COVER: ED TEMPLETON WWW.ED-TEMPLETON.COM DIRECTORA Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep Manel Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com PHOTOGRAPHY Luiza Lacava luiza@lamonomagazine.com TRANSLATION Bea Salas bea@lamonomagazine.com CONTRIBUTORS REDACTORS Alejandro Cinque + Bárbara Esteban + Xavi Ocaña + Lorena Pedre + Laia Antúnez Ana Paula Tovar + Ana Miguel + Ane Pujol + Vicky Navarro + Bea Salas + Antonella Sonza Lara Tuner + Jaime Felipe Duarte PHOTOGRAPHERS Luiza Lacava + Florencia Lucila + Sara Guix + Anna Paredes Andree Martins and Demian Dupuis + Juliette Cassidy + Montse Raja ORIGINAL ART DESIGN Hernan Verdinelli · www.hernanverdinelli.com For circulation customer service in Spain please send an email to bea@lamonomagazine.com International Distribution: France, Portugal, Germany, UK, Australia, Malaysia, Brasil and US. For annual subscription please send an email to suscripcion@lamonomagazine.com SUBSCRIPTION / 6 issues per year Spain: 40 euros / Europe: 50 euros / Other countries: 70 euros DEPÓSITO LEGAL: B 51664-03 ISSN: 2014–9395 LAMONO HEADQUATERS: Aribau, 15, 1º 1º, 08011 Barcelona T. +34 932724980
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