lamono #99 INSIDE by lamono magazine

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INSIDE

On the intimacy we lose when we are born TX: ALEJANDRO CINQUE (ALEJANDROCINQUE.TUMBLR.COM) TR: JUANJO BERMÚDEZ DE CASTRO. PH: LAURA AUSTIN / LAURAAUSTIN.4ORMAT.COM

Mirar adentro desde dentro. Donde nada ni nadie duele porque estamos refugiados. La cueva del ermitaño se ubica en el vientre. Lugar del que venimos y hacia el que tendemos a volver. Porque solo allí dentro, los ruidos apocalípticos que anuncian el Fin de los Tiempos quedan amortiguados por los sonidos guturales de las glándulas maternas. En el interior se está a gusto. Y a gusto hay que estar cuando nos dicen que todo está mal. Si es verdad aquello que dicen de que está todo mal, entonces es tiempo de estar bien. Porque “estábamos muy bien, estaremos muy bien” y estamos muy bien. En el estado del bienestar hay que reconstruir las ruinas. Y no se trata de levantar altas torres ni escarbar cimientos profundos, sino de consolidada lo ya dado. Asentar aquello que tenemos más a mano y sobre lo que podemos hacernos responsables. Debemos concentrarnos en las sensibilidades que conforman el hogar. “Bienvenido a la República Independiente de tu casa”. Pero el hogar no es necesariamente una estructura cúbica compuesta por paredes, techo y suelo, sino que incluso puede carecer de forma y definirse más por el contenido que por el propio contenedor. De ahí la importancia de la Arquitectura como ciencia, ya que en base a la construcción de estructuras sociales se originan y establecen relaciones humanas. De la intimidad a la extremidad. Cuando hay un “dentro”, inmediatamente se dibuja una frontera para dar lugar al opuesto, puesto que sin un “fuera” no hay posibilidad de espacios. Con la dicotomía

Looking inside from the inside. Where nothing and nobody hurts because we are under shelter. The hermit’s cave is located inside the womb, the place in which we originate, and to which we are prone to coming back. Because only there, the apocalyptic noises announcing the End Times are muffled by the guttural sounds of maternal glands. It’s comfortable inside. And we must feel at ease every time we’re said that everything is wrong. Because if it’s true that everything’s wrong as they say, then it is time to be fine. Since “we were fine, we’ll be fine” and we are fine indeed. In the welfare state we need to rebuild ruins. And it’s not a question of building up high towers or digging deep ditches. It’s rather a matter of strengthening what we already have, and securing what we have at hand and for what we can be responsible. We must focus on the sensitivities that build our home. “Welcome to the Independent Republic of Your Home.” But our home is not necessarily a cubic structure made of walls, ceiling and floor; it may even lack a form and be defined more by the content than by the container itself. Hence the importance of Architecture as a science, since the construction of different social structures creates and establishes different human relationships. From intimacy to extremity. When there is an “inside”, a border is immediately drawn to give room to the opposite, since without an

del “dentro” y “fuera” surge el conflicto del trasvase de información entre lo privado y lo público. Estar dentro, ser de la familia, “one of us, Gooble Gobble!” Intimidad es una palabra que únicamente puede ser susurrada estando hecho un ovillo en la cama enredado entre los pliegues de una manta. La intimidad no es cosa de dos. Las cosas de dos son actos públicos filtrados por la pretensión de construir una imagen agradable al otro, ya que frente al otro estamos expuestos. La intimidad es con uno mismo. Donde nada es agradable y todo es un cúmulo de vísceras y fluidos. Taparnos los oídos o estar bajo el agua son ejercicios que nos evocan un estado de suspensión, de soledad. Nos relaja el gesto de poder oír nuestro propio interior, de confirmar el ritmo de nuestro metronómico pulso. Este placer brota de la reminiscencia de aquel tiempo en el que estábamos allí dentro, en el vientre. Cuando éramos bienaventurados. “Bendito es el fruto de tu vientre” y benditos fuimos todos. Pero nuestra melancolía por volver adentro se ha pervertido en un ansia de penetrar al otro. Nos dijeron que el placer sexual viene motivado de la necesidad de perpetuar la especie, pero tal vez se equivocaban. El goce viene dado por la proximidad de estar otra vez allí dentro. Profundamente dentro. En el origen del mundo. Volviendo a ser parte del otro. Porque si en el exterior la intimidad es solo cosa de uno; en el interior indudablemente es cosa de dos.

“outside” there is no possibility of spaces. The dichotomy of “inside” and “outside” inevitably leads to the conflict of information transfer between the private and the public. Being in, being one of the family, “one of us, Gooble Gobble!” Intimacy is a word that can only be whispered while curled up in bed and tangled in the folds of a blanket. Intimacy is not a thing for two people. Things for two are public events filtered by the intention of building up a nice image to the other, because when we face the other we end up exposed. Intimacy is related to oneself, where nothing is pleasant and everything is a jumble of organs and fluids. Covering our ears or being underwater are exercises that recall a state of suspension, of loneliness. The act of hearing ourselves and confirming the rhythm of our metronomic heartbeat relaxes us. This pleasure emerges from the recollection of that time when we were in there, inside the womb. When we were blessed. “Blessed is the fruit of thy womb” and we all were blessed. However, our longing for coming back there has turned into a perverted desire to penetrate the other. We were told that sexual pleasure comes from the need to perpetuate the species, but maybe it’s not true. The enjoyment of sex is more linked to the proximity to be back in there again. Deeply inside. Insde the origin of the world. Being again part of the other. Because if outside intimacy is something for one and only one person, inside, on the contrary, is undoubtedly something for two.

T: VICKY NAVARRO

Janneke de Jong En busca de los límites

Tenemos la capacidad de invadir cada centímetro cuadrado de este planeta e ir dejando nuestro rastro allí por donde pasamos. En cambio, aunque parezca que el mundo está bajo nuestros pies, no tenemos ningún poder sobre él. Todos buscamos nuestro lugar en este entramado de situaciones complejas y vidas ajenas, una trayectoria en solitario que iniciamos en el momento en que empezamos a existir. Es ahí donde reside el poder de cada uno. Desde su estudio en el Barrio Rojo de Ámsterdam, la fotógrafa Janneke de Jong ha convertido su trabajo en el medio que la hace sentir más libre, sin saber adónde le llevará la búsqueda ni cómo acabará. Es consciente de que hay unos límites y no parará hasta darse de narices con ellos. We have the ability to invade every square inch of this planet and go leaving our trail wherever we go. It may seem that the world is under our feet, but we actually have no power over him. We all seek our place in this maze of complex situations and other people’s lives, a solo career that starts the moment we begin to exist. Therein lies the power of each of us. From her studio in the Amsterdam Red Light District, photographer Janneke de Jong has turned her work into a medium that makes her feel free, not necessarily knowing where the search will take her or how it will end. She is aware of the fact that there are limits, but will however not stop until these slam her in face.

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¿Eres de ciudad o de campo? Por tus fotos diría que de campo, aunque tal vez sólo te guste fotografiarlo porque es lo que te queda más lejos. No tengo una respuesta clara a eso, supongo que tengo que decir que soy ambas cosas. Me encanta vivir en Ámsterdam y formar parte del rumor y la agitación. Mi oficina se encuentra en el Barrio Rojo y me gusta sentir esta destellante energía. Pero luego, después de algún tiempo, empiezo a sentir estrés y todo lo que quiero es naturaleza. En verano voy en coche a la playa casi cada noche para tomar un baño y calmarme. A veces me quedo un par de días en una casa en el bosque, entonces salgo a pasear, me siento y miro al cielo hasta que la ciudad me llama de nuevo. Para mí la naturaleza y la soledad son importantes para reponerme y encontrar inspiración.

como wow, ¿qué estoy haciendo aquí con esta vaquera en Arizona visitando a su papá de barba blanca que se pasa el día jugando en el sótano de la casa en la que acabo de comer un estofado de puma? Sólo quiero más de eso. Ahora mismo estoy trabajando en un libro y en una película de danza, en ambos proyectos coopero con otra gente. Me parece muy inspirador. Mi deseo es trabajar más en conjunto.

La soledad es algo que preocupa a la mayor parte de los humanos y en tus fotos es una sensación recurrente. El hombre solo ante el mundo. ¿Era tu objetivo transmitir esta sensación? En mi trabajo intento hacer referencia a un anhelo universal, un deseo de vivir plenamente, de entender, de encontrar la libertad dentro de los límites. Para mí, eso siempre viene acompañado de una sensación de soledad. Así que si mis imágenes te transmiten eso creo que mi objetivo se ha cumplido. Pero espero que también sientas algún tipo de esperanza al verlas. Yo al menos lo hago porque veo que sientes lo que yo siento.

En tu web dices que te gustan la realidad manipulada y las coincidencias. ¿Dirías que tus fotos son obra del azar o te gusta planificarlas con antelación? La mayor parte del trabajo lo hago cuando simplemente llevo mi cámara en el bolsillo. Pero es gracioso porque es cuando la llevo que el día parece muy distinto. Suceden un montón de cosas raras. Por supuesto, lo ves todo con otros ojos. Así que en ese sentido se podría decir que es una puesta en escena dentro de la realidad.

En ‘The searchers’, ¿qué buscan tus personajes, qué les inquieta? Todo el mundo reconoce algo de sí mismo en estas fotos, espero que reflejen su propio estado de ánimo y su propia búsqueda. Para mí son diferentes personas, pero hay algo que les une y es que todos tienen una extraña relación con su entorno. En el sentido en que no se sienten como en casa. Para ser sincera, cuando estoy trabajando trato de no pensar en lo que quiero ‘decir’. Hay un montón de palabras y pensamientos, pero me pueden volver un poco loca a veces. Es una historia sin fin. Me he dado cuenta al reunir y hacer series de que hay algo que conecta las fotos. Debo decir que tiene mucho que ver con la coincidencia, o tal vez la intuición. Y al parecer, funciona, al menos para el espectador que encuentra algo de sí mismo en esas imágenes. ¿Y a ti qué te gustaría encontrar en tu camino como fotógrafa profesional? Esta es una pregunta que me hago todos los días. Ahora estoy en un punto en el que trato de hacer un balance entre mi trabajo fotográfico y el de vídeo, para mí son dos formas distintas de expresar lo mismo. A veces me resulta difícil concentrarme en las dos cosas al mismo tiempo. Lo que me gusta de mi trabajo es que resulta una manera de encontrarme a mí misma en nuevos mundos, aventuras y situaciones que no puedo planear y eso me hace sentir muy despierta y viva . De repente, puede que estés

Trabajas y vives en Ámsterdam pero ¿crees que viajar es algo intrínseco de tu profesión? Cuando viajas estás fuera de tu zona de confort, por lo tanto más abierto a las aventuras. Piensas de manera diferente, eres más consciente, en cierto modo estás más vivo. Pero es un desafío tener esa visión abierta también en tu vida diaria.

También te gustan la estética punkrock, las bandas de chicas, la melancolía rumana y la intimidad incómoda. ¿Tienes algún proyecto inspirado en estos temas? Y tanto que sí. ¡Mi vídeo para la banda holandesa de chicas punk ‘Vrouwen zijn OK’ trata sobre las pandillas de chicas y la estética punkrock! Yo he tocado la guitarra en una banda de punk durante un montón de años (llamada Malle Pietje & the Bimbos, muy holandesa). Así que el entusiasmo y el aburrimiento de estar en la carretera siempre juntas, haciendo shows, saliendo de fiesta, odiando y cuidando a las demás, y la energía que se desprende de ello siempre tendrán un papel importante. El monotema de este número de la revista es INSIDE. ¿Qué te ha pasado por la cabeza cuando alguna vez has visto la oportunidad de hacer la foto del año y no has sabido/podido aprovecharla? A todo fotógrafo le ha pasado alguna vez… Argh!! Inmediatamente pienso en aquel momento: yo estaba en una gasolinera de noche, tal vez nos dirigíamos a casa después de un espectáculo o algo así, y vi a una madre en su coche con su bebé al lado. Su coche estaba allí parado y ella estaba mirando por la ventana abierta. Las vi y sentí un shock, porque en mi cabeza vi la foto ya hecha, era muy intenso. Pero en cierto modo se la veía tan triste y tan introvertida que me dio la sensación de que no podía acercarme a ella por algo tan estúpido como una fotografía. Maldita sea, todavía tengo la imagen clara en mi cabeza.

EN MI TRABAJO TRATO DE HACER REFERENCIA A UN ANHELO UNIVERSAL, UN DESEO DE VIVIR PLENAMENTE, DE ENTENDER, DE ENCONTRAR LA LIBERTAD DENTRO DE LOS LÍMITES

IN MY WORK I TRY TO RELATE TO A UNIVERSAL LONGING, A DESIRE TO FULLY LIVE, TO UNDERSTAND, TO FIND FREEDOM WITHIN BOUNDARIES

Are you a city or country girl? By your pictures I would say country, though perhaps you only like to photograph it because it‘s what you don’t see on your day to day life. I have no clear answer to that, I guess I have to say I’m both. I love to live in Amsterdam, to be part of the rumour and the excitement. My office is in the red light district and I like to feel this sparkling energy. But then, after some time, I start to feel stressed and all I want is nature. In summer I drive by the beach almost every night to take a swim and get calm. Sometimes I stay a couple of days in a house in the woods, then I just walk and sit and stare at the sky until the city is calling again. For me nature and solitude is one of the most important ways to reset and to find inspiration.

I doing here with this cowgirl in Arizona visiting her white-bearded-all-day-long-playing-games dad in the basement of the house where I just had mountain lion stew? I just want more of that. Right now I’m working on a book and a dance film, both projects I cooperate with others. I find that very inspiring. My wish is to work more collectively.

Loneliness is something that worries most people and it is a recurrent sensation when I look at your pictures. The man alone before the world. Was it a goal of yours to convey this feeling? In my work I try to relate to a universal longing, a desire to fully live, to understand, to find freedom within boundaries. For me, that always comes with a sense of loneliness. So, if you sense that feeling looking at these pictures I think my goal is conveyed. But I hope you feel some sort of hope in it, too. I at least do because you feel what I feel.

On your website you say that you like staged reality and coincidences. Would you say that your photos are the result of improvisation or do you like to plan them in advance? Most of the work is made when I just have my camera in my pocket. But funny enough, a day looks very different then. Lots of weird stuff happens. And of course, you see everything with different eyes. So in that way you could say it is staged within reality, yeah.

In ‘The Searchers’, what do your characters look for? What worries them? Everyone recognizes something of themselves in these pictures, I hope it will reflect their own mood and their own search. For me these are all different people, but something is connecting them. When I’m working, I try not to think about what I want to ’say’, to be honest. There are a lot of words and thinking, but it can drive me a little nuts sometimes. It’s a never-ending story. I notice when collecting and making series, there’s something that connects pictures. I must say it’s a lot of coincidence, or maybe intuition. And apparently, it works, at least for the viewer that finds something of himself in the pictures. What about you, what would you like to find in your path as a professional photographer? Question I ask myself everyday. Now, I’m at a point where I try to make a balance between my video and my photo work, which for me is a different way of expressing the same. Sometimes I find it difficult to focus on both at the same time. What I love about my job is that it is a way to find yourself in new worlds, adventures and encounters you cannot prepare and make you feel very alert and alive. Suddenly you can be like, wow, what am

You work and live in Amsterdam, but do you think that travelling is something intrinsic to your profession? When you travel, you are out of your comfort zone and are more open to adventures. You think differently, you are more aware, you are more alive in a way. But it’s a challenge to have that open view in your daily life as well.

You also like the punk rock aesthetics, girl gangs, the Romanian melancholy and the awkward intimacy. Do you have a project inspired by these subjects? Hell yeah. My video for the Dutch girl punk band „vrouwen zijn OK’ is all about girl gangs and punk rock aesthetics! I played guitar in a punk band for lots of years (called Malle Pietje & the Bimbos, very Dutch. So both that excitement and boredom of being on the road and always being together, doing shows, partying, hating and caring for each other, and the energy of it as well, will always play a role. This month’s issue is ‘INSIDE’. What comes to your head when you find the opportunity to take the shot of the year but for some reason you are not able to make the most of it? This must have happened to every single photographer. Argh!! Immediately I think about that one moment. I was at a gas station at night, maybe we were heading home from a show or something, and I saw this mother in her car, with her baby daughter next to her. Their car was just standing there, she was staring at out of the open window. I saw them and felt a shock, because in my head I saw the picture already, it was very intense. But in a way she looked so sad and so introverted, that I just felt I couldn’t approach her for something stupid as a photo. Damn, I still have the image clearly in my head.

Andrew

Pommier

La cara oculta de nuestros anhelos T: ANA MIGUEL

Indagar en lo más profundo del ser humano y mostrarlo como una criatura oscura repleta de pensamientos dispares. Esto es lo que transmite Andrew Pommier con parte de su obra, un trabajo en el que da rienda suelta a su mundo interior y lo refleja en dibujos melancólicos y frágiles que captan la esencia del alma humana. Explora los fantasmas de los protagonistas ficticios de sus obras y, qué mejor manera para hacerlo que mostrarlo a través de sus rostros. Andrew Pommier ama el arte desde pequeño, lo descubrió mientras crecía en una pequeña ciudad ubicada en la selva del norte de Ontario. Su otra pasión es el skate y se mantiene fiel a ambas latitudes del pensamiento y del corazón. Fue a través de una amiga de mis padres que trabajaba como artista en la ciudad donde pasé la primera parte de mi infancia. Ella utilizaba acuarela y serigrafía. Sus obras estaban colgadas en mi casa y me fascinaba que fueran de alguien a quien conocía. Mi padre es también un gran fan de algunos ilustradores canadienses, en concreto de Ken Danby, del que exhibió algunos de los grabados que tenía. Siempre fui un dibujante entusiasta. Recuerdo rellenar pequeños cuadernos en los viajes familiares o cuando me aburría. Al principio de mi adolescencia mi madre organizaba eventos locales para el club de atletismo y me pidió que hiciera el diseño de las camisetas de estos eventos. Esta fue mi primera incursión en el mundo del diseño.

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¿Cuál fue tu primer contacto con el mundo del arte y qué fue lo primero que dibujaste? Fue a través de una amiga de mis padres que trabajaba como artista en la ciudad donde pasé la primera parte de mi infancia. Ella utilizaba acuarela y serigrafía. Sus obras estaban colgadas en mi casa y me fascinaba que fueran de alguien a quien conocía. Mi padre es también un gran fan de algunos ilustradores canadienses, en concreto de Ken Danby, del que exhibió algunos de los grabados que tenía. Siempre fui un dibujante entusiasta. Recuerdo rellenar pequeños cuadernos en los viajes familiares o cuando me aburría. Al principio de mi adolescencia mi madre organizaba eventos locales para el club de atletismo y me pidió que hiciera el diseño de las camisetas de estos eventos. Esta fue mi primera incursión en el mundo del diseño. Desde muy joven has estado en contacto con el skate y el punk-rock, ¿cómo han influenciado éstos en tu obra? Empecé a patinar cuando cumplí trece años y ha sido parte de mi vida desde entonces. El punk fue mucho más que la banda sonora de mis momentos con el skate, me dio a conocer a algunos pensadores y creadores geniales. La lista es interminable pero aquella música y el skate fueron la base de todo. Patinar me acercó a muchos artistas, aunque no tuvieran una relación directa con el skate, eso me permitió tener una vision más profunda del arte y del mundo en general. Me gustaría ver algunos de los spots que salen en las revistas, sueño con visitar el skatepark de Marsella o Burnside en Portland así como disfrutar del snake run del viejo parque de Quito en Ecuador. El diseño dentro de la industria del skate fue el primer ámbito en el que yo pensaba que mi trabajo podría acabar. Antes del skateboarding quise ser dibujante de comic o hacer animación, lo cual es trabajar dentro de un contexto preestablecido. Con el diseño de skate no hay límites a la hora de crear, lo cual me llevó a la escuela para profundizar en la ilustración comercial y esto rápidamente me dirigió hacia un ámbito más serio del arte, pero mi primer amor siempre será el diseño de tablas. ¿Cómo entraste en la industria del skate? A principios de los 90 asistí a OCAD, una escuela de arte situada en Toronto. Gracias a estar involucrado en la escena

del skate conocí a los grandes de Toronto como Bill Weiss y Jason Corbett. Pude mostrarles mi cuaderno de esbozos por si estaban interesados en alguna ilustración mía para sus tablas. Justo en esa época Weiss había empezado a patinar para Balance, y encontró en mi cuaderno una ilustración que le gustó así que me pidió si podía crear un diseño para él basado en aquel boceto. Aquel diseño nunca se usó y la empresa no tardó en echar el cierre pero acabaron usando la ilustración de la tabla para una camiseta. Recibí cincuenta dólares por aquello, fue mi primera incursión profesional en el mundo del diseño de tablas de skate. ¿Cómo definirías tu estilo? No usaría la palabra “estilo”, me suena demasiado correcta y formal. Yo no suelo tener en cuenta dibujos antes de empezar uno nuevo. Me baso en tendencias e imágenes con las que suelo disfrutar trabajando. Esta es mi conducta, no seguir un “estilo”. Podría considerar mi trabajo como figurative con un toque oscuro y de humor pero sin estar atado a ello. ¿Qué método sigues para realizar tus ilustraciones? Normalmente echo un vistazo a mi cuaderno y conecto con ilustraciones que he estado usando. Eso siempre es un buen sitio por donde empezar. Puedo tomar una imagen de ahí o buscar una nueva idea y desarrollarla. Aunque tienes un sello de identidad inconfundible, ha variado un poco en los últimos años, ¿a qué se ha debido? Para mí el arte tiene que ser propicio al cambio cuando es necesario. Me preocupa ser demasiado rígido en la realización, ya que admiro a artistas que hacen un gran trabajo previo antes de ejecutar su obra y el resultado es inesperado. No me gusta que me encasillen como el artista que hace “tal diseño”. Quiero espacio para moverme o quedarme, pero que eso sea una decisión interna. En los últimos años he realizado encargos donde mi libertad creativa estaba limitada. Ahora quiero que mis exposiciones parezcan una muestra grupal creada por una sola mano, esto permite que el trabajo pueda ser libre y rápido o que pueda trabajar en una obra en un periodo de tiempo más extenso ya sea sobre tela, papel o panel. En esto se basa mi estado de animo actual: intento preocuparme menos y hacer más.

Inside me sugiere la responsabilidad que conllevan mis acciones y el efecto que pueda tener sobre otras vidas

En tu serie de caras ocultas introduces muchos elementos dentro de un rostro y un busto, nosotros interpretamos que quieres transmitir la complejidad y el lado oscuro del ser humano, ¿vamos por buen camino? Sí, eso suena muy bien. En la escuela de arte descubrí un fotógrafo que trabajó en New Orleans a principios del siglo veinte. Sus instantáneas más conocidas son fotografías de prostitutas trabajando en burdeles. La mayoría del trabajo que sobrevivió tiene la cara de las mujeres rayadas en las láminas como va en originales, así ellas aparecen con rayas que oscurecen sus caras. Nadie sabe si lo hizo él o fue algún puritano que encontró las láminas más tarde. Me enamoré de esas imágenes y son el origen de mis rostros ocultos, pero ahora están un poco matizados ya que incluyo por ejemplo pájaros y conejitos, no sólo marcas. ¿Siempre hay un significado detrás de los motivos que aplicas en tus pinturas? Rara vez hay un significado detrás de mi ejecución. Descubro más tarde el motivo por el cual lo hice. Algunas cosas son más superfluas y otras partes más buscadas, como por ejemplo las máscaras de las caras son una evolución de las máscaras de animales. Quería explorar un aspecto más minimalista de la cara humana pero de una forma más concreta. Tu lista de clientes es extensísima, ¿cuál ha sido el trabajo más gratificante que has hecho y para qué firma? En 2008 trabajé con adidas en una colección de zapatillas (tres modelos distintos), fue uno de mis mayores logros. Lo más gratificante siempre son las tablas y es genial trabajar con grandes marcas porque la exposición de mi trabajo se amplía. Últimamente he

trabajado con Girl Skateboards, los diseños han estado solo en algunas tiendas de skate, pero han tenido un gran alcance. Tu obra desprende un halo tenebroso e inquietante, ¿cuáles son tus principales referencias e inspiraciones? Tengo un círculo de influencias bastante amplio. Admiro la obra de John Currin y George Condo. Me gusta la gente centrada e irreverente como Tom Sachs y Chris Johanson, así como el trabajo estoico y minimalista. Como les ocurre a muchos artistas, mis influencias provienen de diferentes partes del mundo. Últimamente he estado buscando a muchos artistas tatuadores, aquellos que trabajan dentro de las tradiciones, de manera sencilla hacia un objetivo, sin alardes. Intento leer cuando recuerdo que es algo que me gusta hacer. Realmente depende del libro y del sitio. Consigo leer mucho cuando viajo solo. El café me mantiene activo. ¿Cuáles son tus futuros proyectos? Este mes es un poco loco. Voy a formar parte de tres exposiciones en Vancouver, es raro para mí pero parece que es lo que va a suceder estos días, lo cual es genial porque recibo cariño de mi ciudad natal. El próximo año espero mostrar mi obra en Australia y Nueva Zelanda. Y siempre trabajo con el gran equipo de RVCA en lo que respecta a la realización de gráficos. El monotema de este número es INSIDE, ¿cuál es tu primer pensamiento cuando evocas en algo muy tuyo? No creo que pueda reivindicar nada como mío. Si tengo que pensar sobre ello, diría que me sugiere la responsabilidad que conllevan mis acciones y el efecto que pueden tener sobre otras vidas.

You have been in contact with skate and punk-rock since an early age, how have these influenced your work? I started skateboarding on my 13th birthday and it has been part of my life since then. When I started skating punk was very much the sound track to it all. Punk rock introduced me to some amazing thinkers and creators. The list is endless but all that music was so foundational and skating was the same thing. Skateboarding introduced me to many artists, most within a skateboard context but that gave me a foundation to look deeper into the art world and the world in general. I’d see skatespots in other parts of the featured in the pages of skatemags and dream about visiting the park at Marseille or Burnside in Portland or rolling through the snake run at the old Quito park in Ecuador and I eventually made it to those places and had some amazing times. Skateboard graphics was the first place I though my personal work could end up on. Before skateboarding I wanted to be an illustrator for comic books or an animator, which is just working within a pre-established context. With skate graphics there is no limit on what you can create which led me to art school to pursue commercial art/illustration and quickly turned me towards more fine art, but my first love will always be board graphics. How did you begin to work in art inside the skate industry? In the early 90s I attended OCAD an art school located in Toronto. Through being involved in the skate scene I got to know the Toronto pros like Bill Weiss and Jason Corbett. Ever once and a while I was able to show them my sketchbook to see if maybe they would interested in using something of mine for their boards. Weiss had just started riding for Balance as new company and he found a drawing he liked in my

book so he asked if I could create a graphic for him based on that sketch. The graphic never got used and the company quickly folded but they ended up using the top graphic for the board on a t-shirt. I received $50 for that but that was my first foray into the world of professional skateboard graphics. How would you define your style? I wouldn’t use the word style as too me it sounds too considered and formal. I don’t tend to consider previous piece before I start a new piece. I have tendencies and images I enjoy working in. So that’s my driving impulse not keeping it within a “style”. I would be open to referring to my work as figurative with a mood of darkness and humour but without being bound to that. What method do you follow when you make an illustration? Generally I look through my current sketchbook connect with images I’ve been using. My sketchbook is always a good place to start. I might take an image from there or use a train of thought started there and expand of it. Your own signature is very personal but has changed a bit during the last years. How come? For me art has to be able to change when it needs to. I worry about being too ridged in my execution. I like to see artists make a hard left and do unexpected work. I don’t want to be cast as the artist that does “that thing”. I want room to move or conversely stay still but I want that to be an internal discussion and decision. In the last few years I have been able to move passed works in a regiment series. I want my shows now to look like a group show created by one hand so that allows the work can be loose and quick or a piece can

Inside suggest me the responsibility for my actions and impact of my place and effect on other peoples lives

be detailed and executed within a longer time frame, be it on canvas or paper or panel. It’s more mood based for me these days. That’s not to say I don’t fret about what I make but I’m trying to worry less and do more.

skateboards and it’s always amazing to work with bigger brands as my work has a broader exposure. Such as the last series I did with Girl Skateboards, which ended up only in select skate shops but had a lot of coverage.

Inside your work of hidden faces you introduce many elements within a face and bust, we see it as your will to convey the complexity and the dark side of human beings. Are we in the right track? Yeah that sounds pretty good. At art school I was introduced to photographer named Belloq who worked in New Orleans in the early 20th century. His most well know images are photographs of prostitues working in the brothels. A lot of the surviving work has the faces of women scratched out on the glass plate original so they are presented with black angry scratches obscuring their face. Nobody knows if he did or it was a puritan impulse by someone who later found the plates. I really fell in love with those images and is the origin of my face obscuring but now it’s a little more nuanced i.e.birds and bunnies not just marks.

Your work shows a dark and disturbing halo, what are your main references and inspirations? I have a pretty broad circle of influences. I love the work of John Currin and George Condo. I like people who are focused and irreverent like Tom Sachs and Chris Johanson. I like stoic and minimal work. Like most artist the influences are from all over the place. Recently I’ve been looking at a lot of tattoo artists. Ones that work within the traditions and keep work is bold and simple and to the point, without a lot of flare. I try to read when I remember that’s something I like to do. I can be veracious but it goes in burst. Really it depends on the book and the place. I get a lot of reading done when I’m traveling on my own. Black coffee keeps me ticking.

Is there always a meaning behind the elements you apply in your paintings? There is rarely a developed meaning behind my execution. I figure that out later why I did it. Some of it’s superficial and other parts of it are considered, as an example the face masks was an evolution from the animal mask. I wanted to explore a more minimal aspect of the human face but present in a more concrete way. Your client list is very extensive, which has been the most rewarding work you’ve done and for what brand? In 2008 I worked with adidas on a shoe pack (3 separate shoe models), it was one of my crowning achievements. The most rewarding is always doing

What are your future projects? This month is a little nutty. I’m taking part in three shows in Vancouver which is a rarity for me to show in Vancouver but that seems to be the way it’s going these days which is great. Nice to get a little home town love. Next year I hope to get to Australia and New Zealand with some shows. Always working with the good people at RVCA clothing in regards to producing graphics for them. This issue’s topic is INSIDE, what is your first thought when you think about something very yours? I don’t think I could claim any thing as mine. If I have to think about it I would say what is very mine is the responsibility for my actions and impact of my place and effect on other peoples lives.

T: ANTONELLA SONZA

STEFANJANOSKI SOBRE UN ICONO

SKATEBOARDING OPENS YOUR MIND TO OTHER ARTISTIC OPTIONS Si preguntas a cualquier skater quién es Stefan Janoski, posiblemente no sepan ni por donde empezar. Estamos hablando de uno de los riders más respetados en el circuito con más de diez años de trayectoria a sus espaldas y uno de los iconos vivientes del team Nike SB. No es para menos: en 2009, dos meses antes de su 30 cumpleaños, le fue concedido el honor de ser el segundo rider en diseñar un Signature Shoe. Y lo tenía muy claro: si llevaba su nombre, iba a ser a su manera. Diseñó un zapato funcional de líneas minimalistas que ha arrasado en todas formas y colores, hasta en reinterpretaciones como la Lunar o la Air Max, aunque él siempre haya dicho que su favorita es la original en blanco y negro. “Sí, es increíble que a todo el mundo le guste tantísimo la zapatilla. El proceso que seguí al diseñarla es simple: se basa en crear algo que yo mismo llevaría, en mi vida normal y para patinar”. Y no lo dice a la ligera: en sus apariciones públicas, es difícil verle con una zapatilla que no sea la suya, lo que tiene una explicación aún más lógica. “Solo llevo la mía porque hice realidad mi zapatilla favorita. La llevo cada día, y más ahora que hay diferentes versiones. La llevo incluso durmiendo, duchándome, nadando, volando, pintando e incluso haciendo submarinismo”. Funcionalidad sobre protección, es el principio en el que se basó la concepción de la zapatilla. Una máxima que también podría ser utilizada como filosofía del skate: si el truco sale bien, todo lo demás importa menos. Y en diez años de carrera, habrá habido de todo más allá de los trucos. Pero, ¿qué queda de aquel chico que creó una escena skate allá en las afueras de Vacaville, California? “Supongo que aún sigo pensando que hay que aprender de todas las experiencias que se te pongan delante, y sobre todo, hacer siempre lo que te gusta, o al menos intentarlo”. Todo esto queda patente en documentales como This is Janoski, una pieza que nos descubre a la persona detrás del rider, esa que disfruta patinando sin más pretensión por las calles de Nueva York, mientras habla de lo que espera de la vida y otras inquietudes que nos ayudan a completar el puzzle. “Fue muy divertido. El vídeo lo grabamos en dos días, haciendo entrevistas, patinando, divirtiéndonos, haciendo vida normal. Me alegra que la gente me vea auténtico en este tipo de cintas porque no sé de qué otra forma voy a ser”. Es innegable que Janoski es una personalidad imprescindible en la historia moderna del skate, que además también ha canalizado su creatividad más allá del patín a través de la poesía, la música, la escultura y la fotografía. Pero todo forma parte del círculo. “Creo que sí, el skate te abre la mente a otras opciones artísticas. Las otras disciplinas son otra manera de ser creativo y mantenerme entretenido mientras estoy vivo”. Siempre tiene algo entre manos, y aunque no quiere revelar qué se está cociendo (“si os lo digo, tendría que mataros”), sí conseguimos que haga un poco de voz de la experiencia y lance un consejo a las nuevas generaciones, esas que quieren llegar a ser o estar donde ha llegado él. “Siempre hay que estar abiertos a aprender, acepta todos los viajes para patinar que te propongan y no te tomes la seriedad demasiado en serio”. Llegar a lo más alto no es fácil, pero él lo tiene claro: lo más divertido es siempre el camino.

Ask any skateboarder in the whole wide world who Stefan Janoski is: they won’t know how or where to start. We are talking about one of the most respected riders in the circuit with over ten years of experience under his belt and one of the living icons of the Nike SB team. It is no wonder: in 2009, two months before his 30th birthday, he was given the honour of being the second rider to design a Signature Shoe. It was clear for him: was it going to carry its own name, it was going to be in his own way. He designed a functional minimalist shoe that was launched in all shapes and colours with a lot of success, and even some reinterpretations like the Lunar and Air Max shoes, although he has always said that his always favourite is the original black and white model. “Yes, it’s amazing that everyone likes the shoe so very much. The process I followed to design it is simple: I tried to create something that I would wear, even in my normal life or skateboarding”. Indeed: in his public appearances, it is difficult to see him in no other shoe than his own,which seems to be a logical move. “I only wear my shoe because I actually created my favorite shoe ever. I wear it every day, especially now that there are different versions. I wear it all the time, even sleeping, showering, swimming, flying, painting and even scuba diving”. Functionality over protection is the basic principle behind the design of the shoe. A core idea that could also be used as skate philosophy: the trick has to be great, everything else is less important. And in a ten year career, there would have been a lot more beyond the tricks. But what’s left of that guy who created a skate scene outside of Vacaville, California? “I guess I still think that you have to keep learning from all the experiences that you go through, but above all, always do what you like, or at least try to.” This idea is made obvious in documentaries like This is Janoski, a video piece that reveals the person behind the rider, enjoying riding through the streets of New York without no pretension whatsoever, as he speaks about what he expects from life and other matters that help us complete the puzzle. “It was fun. We recorded it in two days, while doing interviews, some skateboarding, having fun and being normal. I’m glad that people see me like an authentic dude in the video because I do not know how else would I supposed to be”. Janoski is such a personality in the modern history of skateboarding, that’s undeniable. He has also channeled his creativity beyond skate through poetry, music, sculpture and photography. But everything is part of the circle. “Yes, I think so, skateboarding opens your mind to other artistic options. The other disciplines are another way to be creative and keep me entertained while I’m alive.” He has always something going on, and although he does not reveal what’s in store –”If I tell you, I’ d have to kill you”, we do get him to share his experience and to throw some piece of advice to the younger generation, those who want to become a top rider, just like him. “Is important to be always open to learn, never turn down a free trip to skate and don’t take seriousness serious”. Getting to the top is not easy, but something is pretty clear: the most fun is always the road to it.

Agarrar un día el volante y no soltarlo más. Cruzar ciudades, estados, regiones. Acumular trayectos e historias. Perderse por increíbles parajes enigmáticos. Y, sin bajarse del asiento del conductor, coger la cámara y captarlo todo. Sin pasar nada por alto. Retransmitiendo cada respiración, cada sensación. Para hacer vivir, a todo el que se encuentre con la secuela de On The Road, un viaje sin vuelta atrás. En el que todo cambia. Cambia el recorrido, la gente, el tiempo, el lugar. Cambia uno mismo. Porque encontrarse con la obra de Kealan Shilling es justo eso, darse cuenta de cuál es el camino que debes seguir y que ya nunca estarás dispuesto a abandonar. To one day get in the car, grab the wheel and never let it go. Crossing cities, states, regions. Collecting journeys and stories. Getting lost in stunning, puzzling landscapes. Without leaving the driver’s seat, to get the camera and capture it all. Leaving nothing behind. Transmitting every breath, every sensation. To allow those who come across the trace of On The Road to have a journey without return. In which everything changes. Because bumping into Kealan Shilling’s work makes you simply realise what the path for you to follow is, which you will not be willing to ever leave.

www.kealanshilling.com 52

KEALAN SHILLING

When sanity is to seize the wheel and let things go

T: LORENA PEDRE

SI TIENES UNA MIRADA CREATIVA Y SABES LO QUE ESTÁS BUSCANDO, LO VAS A ENCONTRAR

Creciste en un pequeño pueblo de la costa norte de Massachusetts acudiendo a conciertos punk, viendo videos de skate, haciendo viajes y leyendo a Kerouac. ¿Cómo ha marcado eso tu trabajo? Fue algo que tuvo mucha influencia en mi desarrollo y que me hizo conseguir una mirada como artista. Esos días de mi juventud, definitivamente, afectaron a lo que soy tanto como individuo, como a mi visión y dirección como fotógrafo. A los 18 años te lanzaste a la carretera y te marchaste, ¿fue durante ese periodo cuando decidiste que la fotografía era la verdadera pasión de tu vida? No, en absoluto, a los 18 años estaba tratando de averiguar cómo podía ganarme la vida como snowboarder. Siempre me ha gustado la fotografía, pero en ese momento no lo veía como una opción de trabajo. La fotografía era sólo un hobby, algo que disfrutaba por motivos personales a través de mis viajes. Captar la belleza de las personas y de momentos que te rodean ha sido tu objetivo desde el principio. Para ello se necesita llevar la cámara siempre encima y no poder controlar qué ni cómo vas a captarlo, ¿qué supone eso para tu trabajo?, ¿necesitas mucha paciencia para conseguir los resultados que realmente quieres? A veces la paciencia juega un papel importante. Sin embargo, a mí siempre me han fascinado y atraído las personas interesantes y creativas, con mucho carisma y carácter, por lo que una gran cantidad de estos momentos ocurren de manera natural cuando me sumerjo en una situación. Así que más que tener paciencia, considero que una gran parte de lo que hago es adaptarme y seguir la corriente en las situaciones. Si una imagen que quiero captar no sucede, llegará otra, hay que mantener los ojos abiertos y anticiparlo. Si tienes una mirada creativa y sabes lo que estás buscando, lo vas a encontrar. Uno de tus proyectos personales se llama On The Road. En él vuelves a tus orígenes recordando al libro homónimo de Kerouac y poniendo los pies de nuevo en la carretera. ¿Qué te aporta todo esto a ti y a tu obra para que decidas volver a ello? Es una pregunta interesante. No siento que en ningún momento haya dejado ese estado, sólo ha evolucionado. Empecé a viajar por una razón, un sentimiento, una búsqueda y una satisfacción - ¡para exprimir el jugo de esta vida!, se podría decir -. Y todavía persigo eso. Siempre lo he hecho, pero creo que para responder a tu pregunta, como artistas a menudo cerramos el círculo, necesitamos revisar nuestros propios fundamentos o recordarnos a nosotros mismos por qué empezamos en ese primer lugar. Así que en cierto modo, con On the road podría estar re-explorando mis inicios como fotógrafo. Ahora has creado una nueva serie en la que tomas imágenes desde el asiento del conductor en pleno movimiento, ¿cómo y por qué surgió la idea de hacer evolucionar On The Road en este sentido? Evolucionó de manera natural. La serie personal es algo así como una colección propia de mis primeros

trabajos, fotos tomadas en ciertos lugares mientras viajaba, pero en una época en la que no tenía ninguna referencia en cuanto a mi obra. A lo largo de los años, tanto mis viajes como mis trabajos me han hecho crecer como fotógrafo. Los reportajes y colecciones en diferentes lugares han evolucionado para ser más específicos, pero entre trabajo y trabajo me quedaba con las imágenes más etéreas, las de la jornada como fotógrafo. Siempre me ha atraído sacar fotos mientras conducía, captar la perspectiva de estar en la carretera. Supongo que esta última serie que estoy desarrollando es un intento de trasladar mis antiguas visiones y emociones al espectador. ¿Cuánto tiempo llevas realizando esta última serie y cuántos lugares has recorrido para llevarla a cabo? Esta serie empezó donde dejé la otra. Más o menos en 2006. Yo no la buscaba específicamente hasta que me di cuenta de que una gran parte de las imágenes de mis viajes las había hecho desde el asiento del conductor. Entonces pensé, qué increíble sería crear una serie hecha enteramente desde este punto de vista. Mi propósito es continuar este shooting todo el año y montar un show y un pequeño libro con la colección de imágenes. En cuanto al número de lugares, es numeroso. Podría conducir atravesando un centenar de ciudades y obtener una buena fotografía, o hacerlo por una zona pequeña y conseguir tres fotos increíbles. Todo depende de la luz y el tiempo, es lo que realmente te permite crear imágenes cambiantes. En la serie dejas casi de lado a las personas, lo más frecuente son los paisajes enigmáticos en los que no se llega a vislumbrar lo que esconden detrás, ¿a qué se debe este cambio de protagonista en tu trabajo? Buena pregunta... ¡Me encanta la gente! Ellos son mi principal atracción cuando hago fotografías, pero esta serie trata puramente sobre la emoción, los viajes y el vacío. Siempre he hecho la mayoría de mis trayectos y viajes solo. Así que supongo que es más un reflejo de mí mismo y de la soledad. El sujeto o persona involucrada soy yo. Una persona no es la misma al principio que al final de un viaje. ¿Cómo consigues transmitir eso sin llegar a mostrar el rostro del que viaja? Cada vez que viajamos, cada uno de nosotros crece, absorbe y aprende. Con suerte estas imágenes conseguirán inspirar a otros a cambiar, a despertar, a explorar, a seguir el camino por el que necesitan continuar. Si pudieras elegir otro lugar en el que meterte para realizar una nueva serie, ¿cuál sería? Actualmente estoy trabajando en unas cuantas ideas. Una de ellas la estoy desarrollando con otro fotógrafo/modelo y también implica viajar. Pero las otras dos se centran más en las visiones creativas, en un tema o escenario. Ambas marcarán un periodo de transición en mi trabajo, serán series menos personales y más centradas en traer esas visiones creativas a la vida. De hecho una se basa puramente en la expresión. Ya veremos cuál es el resultado, pero creo que podremos cambiar las cosas, mantenerlas frescas.

You grew up in a small town at the North coast of Massachusetts going to punk concerts, watching skate videos, taking road trips and reading Kerouac. How has that affected your future work? It was all very influential in my development and gaining an eye as an artist. Those early days definitely affected who I am as both as individual and my vision and directive as an artist. At 18 you threw it on the road and you left. Was it during that period when you decided that photography was the true passion of your life? No, not at all, at 18 I was trying to figure out how I could make a living as snowboarder. I always loved photography, but at the time, I didn’t see it as an option to make a living. Photography was just a hobby, and something I enjoyed for personal reasons throughout my travels. Capturing the beauty of the people and moments around you has been your goal since the beginning. To achieve this you need to always bring your camera with you and not being able to control what or how you will capture things. What does that mean for your work? Do you need a lot of patience to get the results you aim for? Sometimes patience plays into it, but that being said - I think I’ve always been fascinated and attracted to interesting creative individuals, people with great charisma and character, so a lot of these moments seem to happen naturally when I immerse myself into a situation. More then patience I think a large part of what I do is being adaptable and going with the flow in situations. If one shot you want doesn’t happen, another will come along, you have to keep your eyes open and anticipate it. If you have a creative eye and know what you’re looking for then you will find it. One of your personal projects is called On The Road, in which you go back to your origins and recall the book by Kerouac and putting your feet back on the road. What does all of this bring to you and your work so you decide to come back to it? That’s an interesting question. I don’t feel I ever left that state, it’s just evolved. I started traveling for a reason, a feeling, a search, and a satisfaction — to squeeze juice out of this life! You might say. I still chase that. Always have, but I think to answer your question, as artists we often come full circle, or need to reground ourselves, or remind ourselves of why we started in the first place. So in a way, it could be me re-exploring my beginnings as a photographer. You have now created a new series in which you take pictures from the driver’s seat in full motion. How and why did the idea of making On The Road evolve in this regard? It evolved naturally. The personal series is somewhat of it’s own collection of my early work, taken in certain places while traveling, but

at a time when I had no directive as far as a body or work. Over the years as my travels and body of work have grown as a photographer. Story’s in different places have became more focused, and their own collections, but in between I would be left with these images about getting there or leaving, images of the journey as a photographer. I’ve always been attracted to shooting while driving, and the perspective of being on the road. I guess this latest series I’m putting together is an attempt to translate my past visions and emotions to the viewer. How long have you been doing this last series and how many places have you traveled to so as to perform it? This series began sort of where the other one left off. So since about 2006 or so… I wasn’t specifically going after the collection until recently when I began to notice a collection of images growing from my travels that were shot from the drivers seat. Then I was thinking ¬¬— how cool would it be to put together a collection shot entirely from the drivers seat. My hope is to continue shooting for this series this year and hopefully put together a show and small book with the collection of images. As for the number of places, it’s numerous, because I could drive through a hundred towns and get one good shot, or drive through one area and get three amazing photos. A lot of it depends on light, and weather to create moody images. In this series you leave people aside, most often are the enigmatic landscapes in which we did not see what they hide behind. Why dthis change of character in your work? Good question…. I love people! They are my main attraction in photography, but this series is purely about emotion, travels, and emptiness. I’ve always done the majority of my driving and travels solo. So this series I suppose is more a reflection of myself and solidarity. The subject or person involved is me. A person is not the same at the beginning than at the end of a trip. How do you make this happen in your series without showing the face of the person who’s traveling? Anytime we travel, we grow, absorb, and learn. Hopefully the effect these images have will inspire others viewing the images to change, awaken, explore, get on the road to where it is they need to be going. If you could choose another place to go to make a new series, where would you go? I’m actually working on a few ideas right now. One series I’m shooting with another photographer/model that involves traveling, but the other two are more focused on creative visions. One theme or setting. These next series will be a bit of a transition, a lot less personal, and more about bringing creative visions to life. One is purely based on expression. We’ll see what happens, got to switch it up, keep things fresh you know!

IF YOU HAVE A CREATIVE EYE AND KNOW WHAT YOU’RE LOOKING FOR THEN YOU WILL FIND IT

62 JACKET OBEY. SHOES VANS. JEWELLY DARK * DAWN

a walk On the Wild Side

PHOTOGRAPHY: WARD ROBINSON / WARDROBINSONPHOTO.COM MODEL: KIMBRA LO. MSA MODELS NYC LOCATION: IDYLLWILD

JACKET OBEY

SWEATER BRIXTON

65 SHOES HUF. SWEATER VANS. JEWELLY DARK + DAWN

SHOES HUF. JACKET 66 BRIXTON

LEATHER TOP MODEL’S OWN. JEWELLY DARK + DAWN

70 PILLOWS HUF. SHIRT OBEY

SHIRT RHYTHYM. SHOES HUF. JEWELLY DARK + DAWN

SWEATER VANS. COWL BRIXTON. EWELLY DARK + DAWN

CREDITS: WWW.HUFWORLDWIDE.COM / WWW.VANS.COM / WWW.DARKANDDAWN.COM / WWW.BRIXTON.COM / WWW.OBEYCLOTHING.COM / WWW.RHYTHMLIVIN.COM

73 SHIRT RHYTHYM

ANDREW JAMES PETERS Inside the Fast Pace Hustle T: JAIME FELIPE DUARTE

Procedente de la misma tierra que el mítico Mike O’Meally o el aclamado Trent Parke, el trabajo de Andrew James Peters nos recuerda que en Australia crecen grandes fotógrafos del skateboarding. Con un claro sello urbano donde la ciudad juega un papel significativo, este Sydneysider ha logrado abrirse nicho entre grandes marcas y trabajar al lado de skateboarders como Dylan Rieder. Con emblemáticas ciudades como telón de fondo, su estética transmite frescura y romanticismo dentro de la rebeldía clásica del skate. Es ahora Andrew quien está dentro de nuestro marco. Hailing from the same land as the legendary Mike O’Mealley or acclaimed Trent Parke, the work of Andrew James Peters reminds us that Australia breeds great skateboarding photographers. With a strong urban vibe where the city plays a significant role, this Sydneysider has managed to work for some of the biggest brands and alongside skateboarders such as Dylan Rieder. Displaying emblematic cities as backdrop, his aesthetics conveys freshness and romance within the classic skate rebelliousness. Now Andrew is INSIDE our frame.

andrewjamespeters.com

¿Por qué fotografía y skate? Comencé con la fotografía a través del skateboarding. Patino desde los nueve años, pero para cuando cumplí quince, mi progreso era menor en comparación con el de mis amigos, así que decidí que era más importante para mí aprender a documentarlos. A partir de ahí me enamoré de la fotografía, incluso más que del skateboarding. Aún así, creo que hoy en día disfruto lo mismo sobre un skate que tras una cámara. Es como un segundo aire, aunque todavía no soy fantástico.

to Midnight, sería muy feliz. Por otro lado me encanta el trabajo de Mike Brodie, los colores, la composición y el timing. ¡Quisiera que hubiera más trabajo de él!

Tu trabajo tiene una fuerte carga urbana, ¿De qué manera una ciudad y su arquitectura influencian tu trabajo y rodaje? Crecí en los suburbios pero estaba obsesionado con la ciudad. Todos los días viajaba a la urbe para ir a la escuela, visitar a mis amigos y practicar skate. Cuando era más joven solía decir, “Duermo en los suburbios, pero vivo en la ciudad”. Naturalmente me fui a Sydney apenas pude, una semana después de terminar los exámenes de preparatoria. Desde entonces siempre intento mantenerme cerca de las grandes urbes. Viví en Nueva York por un tiempo. Me gusta ese ajetreo intrínseco, su ritmo rápido. Quería tomar fotos de skate con la ciudad como escenario por encima de, digamos, patios de escuelas. Todo ello tiene mucho más carácter y la energía durante el rodaje es mucho más cargada.

¿Qué buscas al hacer retratos? Soy terrible para llevar una cámara conmigo a todas partes, así que generalmente no realizo retratos a menos que ya tenga en mente una idea específica y eso requiere, en la mayoría de los casos, conocer a la persona bastante bien y querer contar algo acerca de ella. Es diferente cuando en algunos viajes debes sacar más fotos y así lograr contar una historia para un artículo, pero ese proceso es en esencia distinto a prepararse para disparar un retrato.

¿Cómo fue tu trayectoria, de qué forma pasaste de ser un fotógrafo en formación a convertir la fotografía en tu medio de ingreso? Comencé a tomar fotografías de skate desde muy joven. Tenía muchas ganas de aprender rápido, así que comencé a llamar a las revistas de Australia auto-proclamándome un “fotógrafo prometedor”. Fue todo tan absurdo que creo que eso llamó más la atención que mis fotografías. Asimismo solía enviar hojas y hojas con diapositivas, acosando a los editores en busca de consejos y experiencia. Recuerdo meterme en las oficinas de Australian Skateboard Magazine y Monster Children cuando tenía dieciséis años. Entré con mi uniforme de escuela, mi trompeta y una bolsa de impresiones. Seguramente pensaron “¿Quién coño es este crío?”, pero funcionó y conseguí todos los contactos necesarios, consejos y un par de películas al mes para mantenerme ocupado. A partir de ahí he seguido haciendo lo mismo sin saber mucho más en realidad. ¿Cuáles son tus referentes en la música y el arte? Crecí en una familia de músicos así que mis influencias musicales son tan amplias que no sabría por dónde empezar. La música de los vídeos de skate ha sido una gran influencia en lo que me gusta oír y las bandas que he descubierto. Con respecto al arte, adoro la pasión que le profesan mis amigos más locos. Ver aquello que mueve a la gente, lo que la inspira y luego descubrir qué me inspira a mí e intentar mantenerme en ese estado. Uno de mis fotógrafos favoritos es un tío australiano llamado Trent Parke; sus capturas son excelentes y posee una conciencia brillante sobre la acción y su entorno. Si yo pudiera sacar fotos de skate que encajaran a la perfección en su proyecto Minutes

¿Qué tratas de mantener siempre en tus bolsillos? ¿Y en tu marco? Odio llevar cosas en los bolsillos, así que de ser posible nada. Casi siempre encontrarás una persona dentro de mi marco y, a menudo, muchas de ellas si están escondidas. Las mejores fotos tienen fantasmas en algún lugar.

¿Qué fotógrafos han sido una gran influencia para ti? Mientras crecía me impresionó mucho el trabajo de Brian Gaberman, lo admiré y lo estudié todo. Dave Chami y Mike O’Meally fueron de gran ayuda cuando estaba aprendiendo sobre la fotografía skate, por lo que causaron gran influencia en mí. Hoy en día intento mantener mis influencias externas al skateboarding, sin embargo hay tantos fotógrafos ahí afuera y estás expuesto a tantas fotografías todos los días que hay un aprendizaje constante, el cual recoges de las fotos de otros. ¿Qué equipo/tecnología/software utilizas para seguir alcanzando los objetivos que te planteas cuando trabajas? Equipos viejos. Me gusta pensar que todo lo que necesitas para tomar una gran fotografía es una lente y una fuente de luz (el sol), así que trato de evitar que la tecnología dictamine mi proceso o resultados. Al final todo trata de resolver problemas por lo que siempre podrás trabajar con lo que tienes a mano. ¿De dónde salió la idea de los collages? La verdad en un principio solo quería intentar fotografiar un poco de skateboarding con un lente réflex de 600mm que había adquirido. Era demasiado largo pero supuse que ese era el camino así que trabajé en una serie junto con Dylan (Rieder). A partir de ahí decidí fotografiar a unas chicas con el mismo lente y luego hice las fotografías de las sombras con un lente distinto. No los he hecho en un tiempo pero tal vez debería realizar algo así otra vez. ¿Cómo piensas terminar este año? ‘Disparando’ tanto como sea posible, ¡por supuesto! Estaré en Estados Unidos por un par de semanas más haciendo eso, luego regresaré a Australia para publicar otro ejemplar de Fuknoath, la revista que hago allá. Luego mi padre tendrá una bebé, así que debo conocer a mi hermanita y pasar tanto tiempo como sea posible con mis amigos cercanos que tanto extraño.

ALL THE BEST PICTURES HAVE A GHOST IN THEM SOMEWHERE

Why photography and skateboarding? I took up photography through skateboarding. I’ve skated since I was about 9 years old, but by the time I got to fifteen, my progression was dismal particularly compared to friends around me, so I decided it was more important for me to learn how to document them. Then I fell in love with photography even more than skateboarding itself. But these days I think I enjoy myself as much on a board as behind a camera. It’s like a second wind, but I’m still not great.

project I’d be a very happy man. On the back of that I love Mike Brodie’s work, colours, composition and timing. I just wish there was more of it!

Your work has a strong urban vibe. How does a city and its architecture influence your work and shooting strategy? I grew up in the suburbs but was obsessed with the city. I travelled in to the city every day for school, friends and skateboarding. I used to say, “I sleep in the suburbs but I live in the city”, when I was younger. I naturally moved straight into the city (Sydney) the moment I could, a week after high school exams were done. Since that I’ve tried to stay near the biggest cities I can. I moved to New York for a while. I like the fast pace hustle. I wanted to shoot skate photos with city backdrops rather than say, a schoolyard backdrop. There’s a lot more character to it and the whole energy of actually shooting the picture is more charged.

What do you look for when doing portraits? I’m terrible at keeping a camera on me at all times, so generally I won’t shoot a portrait until I have an specific idea and that will usually involve knowing the person pretty well and wanting to say something about them. It’s a little different on some trips as you need more pictures to tell a story for an article or something but that is a whole different process to setting out to shoot a portrait.

What was your career path? How did you get from being an aspiring photographer to doing it for a living? I started shooting skate photos young. I really wanted to get good at it fast. I was calling the magazines in Australia self-proclaiming that I was an “up and coming photographer”. I think the absurdity of it caught their attention more then my pictures. I would send in sheets and sheets of slides and hound the editors for tips and experience. I barged into the Australian Skateboarding Magazine office and Monster Children office when I was 16 in my school uniform, with a trumpet and a bag of prints. They were all probably a bit like, “Who the fuck is this kid?!”, but it worked and they gave me all the right contacts, advice and a couple of rolls of film a month to get me working my butt off. From there it was just a matter of keeping on doing it and knowing nothing else. Which are your referents in music and/or art? I grew up in a family of musicians so my influences in music are too so broad I don’t know where to start. Skate video music has been a major influence in what I listen to and bands I’ve discovered. Art-wise I think I’m more influenced by my crazy friends and their passion towards art. Seeing what makes people tick and inspires them and then working out what inspires me and trying to stay inspired. One of my favourite photographers though is an Australian guy named Trent Parke. He shoots beautifully with a brilliant awareness of action and his surroundings. If I could make skate photos to fit seamlessly into his ‘Minutes to Midnight’

What do you always try to keep INSIDE your pocket? And INSIDE your frame? I hate having things in my pockets, so I try to keep nothing in them as often as possible. A person is pretty much always inside my frame and often lots of them even if they are hidden. All the best pictures have a ghost in them somewhere.

Which photographers have been a big influence for you? I grew up being blown away by Brian Gaberman’s work and studied and admired all of it. Dave Chami and Mike O’Meally were big helps also when I was learning about skate photography, so I was heavily influenced by them. These days I try to keep my influences outside of skateboarding but there are so many great photographers out there and you see so many pictures every day it’s just like you’re constantly learning and picking things up from other people’s photos. What equipment/technology/software do you use to keep achieving your goals when working? Old equipment. I like the idea that all you really need for a great picture is one lens and one light (the sun), so I try not to let technology dictate my process or results too much. It’s all about problem-solving in the end so you can always work with what you’ve got. Where did the idea of the collages come from? Originally I really just wanted to try shooting some skateboarding with a 600mm mirror lens I’d acquired. It was way too long but I figured that was a way to do it so I worked on the series with Dylan (Rieder). From there I decided to shoot some girls with it and then finally did the shadow ones with a different lens. I haven’t done them in a while but should probably figure something like that out again. How are you planning to end this year? Shooting as much as possible of course! I’m in America for another couple of weeks doing that and then I’m heading back to Australia to put out another issue of the ‘zine’ I do there called Fuknoath. Then my dad is having a baby, so I have to meet my little sister and spend as much time with all my good friends out there that I miss all the time.

T: EVA VILLAZALA PH: SARA SANI

SANDRA DIECKMANN The bear and the fox Se supone que el hombre es el ser más inteligente de la Tierra. Parece ser una conclusión científica. Lo cierto es que, a lo largo de la historia de este planeta, los que se han portado de forma inteligente son los animales. Conceptos como la autodestrucción, propia y la del entorno más inmediato no tienen cabida en las costumbres de los bichos. Eso para empezar. No acabaríamos nunca. Sandra Dieckmann estudió muchas cosas pero se quedó con sus animales. Los de las fábulas, los libros de cuentos, los que transmiten, con solo bajar el hocico, un mundo de sentimientos, todos puros. Como ella, como su entorno. La pureza en la gran ciudad, en Londres. Sandra Dieckmann es la diseñadora de una de las piezas estrellas de BUFF ® para este otoño / invierno. Por eso y porque teníamos muchas ganas de conocer a esta pequeña protectora de sueños, nos fuimos a verla a su estudio en Hackney. Pasamos un día con ella, con sus ojos azules y su mirada remolona. The man is believed to be the most intelligent being on Earth. That seems like a scientific conclusion. Truth is, throughout the history of our planet, those who have behaved most intelligently are animals. Concepts such as self-destruction, both towards oneself and one’s direct environment is non-existent within animals’ communication spectrum. Just to begin with. Although we could go on and on. Sandra Dieckmann studied a great deal of disciplines but she stuck with animals. The ones in fairytales, stories and the ones that just by lowering the shout transmit a world of emotions, all pure. Like her, like her environment. The pureness in the great city, in London. Sandra Dieckmann is the designer of one of the star pieces of BUFF ® for this autumn / winter. Due to this and to our eagerness of meeting this little protector of her own dreams, we went to see her in her Studio in Hackney. We spent the day with herself, her blue eyes and her graceful look.

www.sandradieckmann.com

A TRAVÉS DE LOS ANIMALES DIBUJO MI MUNDO INTERIOR Y LO SACO HACIA EL EXTERIOR, COSA QUE NO PUEDO HACER SI DIBUJO PERSONAS

¿Cuál es tu historia con Londres y la ilustración? Decidí venir a Londres hace once años para trabajar como au pair, probar algo nuevo y salir un poco de Alemania. Y me acabé quedando. Estudié gráfica y textil antes de entrar en la Universidad, donde cursé diseño de la información y de la comunicación, además de diseño de moda. Pero al fin y al cabo estaba creando imágenes todo el tiempo. Me di cuenta de que era la parte que más disfrutaba y me centré en eso. La gente empezó a fijarse en lo que hacía, tenía un pequeño blog y me empezaron a pedir que hiciera prints de esto y aquello. Fui respondiendo a esos encargos y mi negocio creció desde ahí. ¿Por qué animales, qué es lo que te inspiran? No es que dibuje animales porque sí, es que encuentro a los animales tan variados en tamaños y colores, con unas formas tan características que los conecto con mis propias emociones. Un oso es muy suave pero muy fuerte a la vez. Gran parte de mi inspiración también viene de sueños, pensamientos y observaciones. A través de los animales dibujo mi mundo interior y lo saco hacia el exterior, cosa que no puedo hacer si dibujo personas. Para mí sería demasiado literal. ¿Cuál es tu animal favorito, a qué emociones lo asocias? Probablemente sea el oso, por todo el trabajo que puedo sacar de su tamaño. Tiene un cuerpo muy expresivo y, esté sentado o andando, hace una especie de movimiento de hombros. Y ese movimiento me gusta, me habla. Gracias a su gran tamaño puedo transmitir más y mejor una emoción que con tamaños más pequeños. Un pájaro se considera más mono, un zorro más listo, un lobo más misterioso y funciona muy bien en escenarios de bosque. Pero el oso, puedo aplicarlo a muchas otras cosas. Cuando tengo una idea, creo que inmediatamente sé qué animal estoy pensando en dibujar. Y como suelen ser osos tengo que controlarme un poco, ¡de lo contrario acabaré teniendo sólo un gran libro de osos! ¿Qué tenías en mente cuando creaste las piezas para BUFF®? Lo primero que pensé es que se trataba de la colección otoño-invierno, así que me decanté por colores ricos, muchos patrones, hojas, me imaginé en una jungla de bosques, lo que me llevó al punto de

ver que una vegetación muy densa combinaría muy bien con los animales. Y de ahí escogí mis animales favoritos: el zorro y el oso, juntos en este campo lleno de flores y hierbas. ¿Habías visto tu trabajo en textil antes, cómo se traduce el print del papel a la ropa? Es muy interesante ver tu trabajo en textiles, nunca lo había hecho antes. Habíamos sacado una línea de cojines pero es distinto cuando se mueve porque pasas a ver tu trabajo animado, es genial ver el oleaje de las líneas de tu lápiz, le da una vida completamente distinta. ¡Me encantó ver las bandanas acabadas! ¿Cómo es el espacio en el que trabajas? Podría decir que es parte de mi hogar. Compré un montón de cosas que me hacían sentir como en casa: aparatos, juguetes y plantas. Aquí no puedo tenerlo todo pero necesito tener esas pequeñas cosas cerca para trabajar. No puedo estar en un sitio estéril, no me funciona. También intento mantenerlo ordenado, mi tienda Etsy está muy activa con lo que tengo muchos prints y postales que necesitan empaquetamiento y envío. Además trato de colgar inspiración por las paredes con piezas de artistas que admiro, como Pat Perry o Micah Lidberg, para de alguna forma poder seguir con lo que hago. ¿Cómo es tu rutina diaria? Me levanto cada día a horas distintas. Soy freelance así que madrugo o no dependiendo de si tengo proyectos entre manos. Normalmente suelo llegar a la oficina sobre las 11 o las 12h y trabajo hasta tan tarde como me permite mi energía, cuando me voy a descansar pueden ser tanto las seis de la tarde como las cuatro de la mañana. Llegado un punto alejé un poco el trabajo y lo limité al estudio para tener algo de tiempo para descansar. Separé trabajo y vida, para mí era importante. Háblanos sobre la música que escuchas. Cuando estoy trabajando la considero bastante importante. Me gustan algunas bandas de rock alemán como Can o Faust, también el progressive rock o incluso cosas más clásicas. En el estudio somos cuatro, compartimos música en nuestra lista, escuchamos Radio 6 y hacemos pequeños bailes y descansos. ¡A veces lo necesitamos!

¿Qué haces cuando no estás trabajando? Voy a ver a amigos. Trabajo mucho y no tengo demasiado tiempo para salir. Así que cuando no trabajo salgo a bailar, a comer algo o a beber vino. Mi novio y yo vamos a dar largos paseos los fines de semana, es genial salir de Londres y explorar la naturaleza, ¡andas y te liberas! ¿Qué es lo que más te gusta de Londres? El hecho de poder hacer cualquier cosa a cualquier hora. No hay restricciones, te da la libertad de ser espontáneo, de no tener un plan y aún así no parar. Salir a cualquier hora, comprar a cualquier hora, ver gente a cualquier hora. Cuando vives en el campo tienes que estar en la tienda antes de las 5 o las 6pm, pero aquí puedo salir a medianoche y aún así comprarme la cena. Me gusta la mezcla de gente, es increíble, ¡he conocido a tantas personas distintas durante los últimos 11 años! Todo el mundo viene aquí para encontrarse a sí mismo, para ponerse a prueba y perseguir su sueño. No creo que eso sea posible en ningún otro lado, aparte de otras grandes ciudades creativas. ¿Qué otros artistas te gustan o admiras? Ahora mismo admiro a Pat Perry de EEUU, también a Micah Lidberg. Me encantan los detalles de sus líneas y sus elecciones de color. De adolescente solía copiar a Gustav Klimt y a August Macke, sólo para evaluarme a mí misma y ver si podía hacerlo, ver si era suficientemente buena. Luego crecí y empecé a dibujar para mí, lo que fue cuestión de temas técnicos. ¿Estás en contacto con otros artistas? ¿Hay una comunidad de artistas consolidada en Londres? Tengo mucho contacto con otros artistas. Hay unas reuniones de ilustración cada mes a las que intentamos ir, pero hay muchos artistas en Londres a los que te vas encontrando cuando montas eventos. Además estás en constante contacto por email, siempre hay alguien organizando proyectos y colaboraciones. En todo momento hay algo en marcha, desde luego sí que hay una comunidad consolidada. ¿Es Londres un buen sitio para los artistas? Sin duda es un buen sitio para ser creativo. Mi trabajo es muy internacional porque estoy online y mis clientes son de cualquier parte del mundo, así que podría llevarlo a cualquier lado, pero incluso hacer envíos desde Reino Unido resulta mucho más fácil que hacerlos desde

Tombuctú. Se agradece estar bien localizado y es un sitio genial para conocer gente, además todo el mundo puede conseguir billetes baratos a Londres. Es una especie de HUB. Tienes muchos seguidores en redes sociales aún cuando tu trabajo es tan artesanal, ¿qué tal te llevas con las redes sociales? Me gusta usarlas, sobretodo Facebook, ya no utilizo tanto Twitter. Lo que me gusta es crear lazos con la gente, oír cuáles son sus opiniones, ver sus reacciones cuando cuelgo algo, qué les gusta, qué mueve sus corazones, cuáles son sus asociaciones a mi trabajo. Es como psicología, me encanta tener acceso a las mentes de la gente así a como las conversaciones que de ahí surgen y los emails que recibo. Lo bonito es crecer de forma orgánica, no me gusta forzar las cosas sino verlas fluir y desarrollarse. Y cuando eso pasa es como un cumplido. ¿Es sólo por tu trabajo o también por el personaje que hay detrás? Creo que la gente tiene una idea de quién eres. Las redes sociales crean ese personaje y no siempre me identifico con esa persona, yo me sigo sintiendo como aquella chica de 18 años que sólo hace lo que le gusta hacer. Y cuando la gente te escribe, te pide una foto o realmente quiere conocerte, está bien, pero a veces es demasiado y sólo quieres decirles ‘Dame un abrazo, no soy distinta a ti, tu también puedes hacerlo, tan sólo trabaja duro y persigue tu sueño.’ ¿Es parte de tu éxito debido a que la gente necesita de algún modo sentirse cercano a la naturaleza? Tus piezas son como sueños de otro mundo. Mi trabajo en efecto viene de un lugar dentro de mí donde conviven sueños y sentimientos. Es muy intuitivo e instintivo, no hay nada planeado y no trato de convencer a nadie de nada. Es algo que de forma natural siento que necesito expresar y ese es el punto que hace que otras personas puedan conectar con ello. Hacerlo es para mí una meditación, así que quizás verlo también lo sea. A menudo recibo emails diciendo ‘ese espacio es el país de la tranquilidad. Puedo ver a mi padre, a mí mismo o ese momento de mi vida con mi pareja’. Los correos que recibo están siempre relacionados con las emociones de la gente; no sólo con el arte sino con las personas, así que quizás sea una conexión entre mi alma y las suyas.

THROUGH ANIMALS I DRAW MY INTERNAL WORLD TO THE OUTSIDE WORLD, WHICH I CAN’T DO IF I ILLUSTRATE PEOPLE

What’s your story with London and illustration? I decided to come to London 11 years ago to work as a nanny, try something new and get away from Germany a bit. And I ended up staying. I studied the Foundation of graphics and textiles, then went to University and studied information and communication design as well as fashion women’s wear. But in the end I was making images the whole time. I realised that was the part I enjoyed most of all and stuck with it. People noticed my work, I had a little blog and people started to ask me to produce prints of this and that. I catered for them and my business just kind of grew from there. What inspires you? Why animals? It’s not that I draw animals for animals’ sake, it’s more that I find animals so varied in sizes and colours and with such clear characteristics that I just connect them with my emotions. Like a bear, it’s so soft and strong at the same time. A lot of my inspiration also comes from dreams, thoughts and observations. Through animals I draw my internal world to the outside world, which I can’t do if I illustrate people. It would be way too literal for me. What’s your favourite animal, what emotions do you associate to it? It’s probably the bear because of all the work I can do with its size. It’s got a really expressive body and even if it’s sitting or walking, it’s sort of moving its shoulders. I just like that motion, it speaks to me. And I can work emotion into that size much better than when I work with smaller things. A bird is seen as quite cute, a fox as quite clever, a wolf as quite mysterious and works quite well in a wood setting. But the bear, I can apply to lots of different things. When I have an idea, I think I immediately know what animal I’m thinking to draw. Since it’s often bears, I have to stay away of it, otherwise I’ll just have a book of bears in the end! What was on your mind when you created the pieces for Buff? The first thing I thought was that it would be for autumn-winter collection, so I wanted it to be quite rich in colour, with lots of pattern, lots of leaves, maybe a jungle woodland… my research came to this point where I was thinking that if I do this thick greenery it would be really nice to work animals into it. Then I just picked my favourite animals: the fox and the bear, together in this field full of flowers and weeds. Had you ever seen your work on textile before? How does paper print translate into textile? To see my

work on textiles is really interesting I hadn’t had that experience before. We had a line of pillows coming out but it’s different when it moves, because you get to see your work animated and it’s really nice to see your pencil lines on the weave, it gives a completely new life. I really enjoyed seeing the scarfs! How would you describe your studio, your space? I could say it’s part of my home. I bought lots of things that made me feel kind of at home, like gadgets and toys and plants. You can’t have everything here but I need to have that to feel like I can work. I can’t be in a sterile space, that doesn’t really work for me at all. I tend to try and keep it organised, my Etsy shop is quite busy so I have a lot of prints and cards that need packing and shipping out. Also trying to hang up inspirations from artists that I admire like Pat Perry and Micah Lidberg, just to sort of get me going. I have to spend a lot of time here and I really enjoy being here. What’s your daily routine like? I get up every day at different times. I’m freelance so it depends if I have any projects on, or if I can take my time. Mostly I get into the office at 11am or 12, then work as long as I have energy….it can be 4 in the morning or sometimes 6 o’clock, when I go chill out in my room. I kind of moved my work away and put it in the studio so I actually get to rest as well. I separated work and life, which was quite important for me. How about music? When I’m working music is quite important to me. I like German rock bands like Can or Faust, also progressive rock or even classical stuff. In the studio it’s four of us, we share music on our playlist, listen to Radio 6 and have little dances or breaks. We need to! What do you do when you’re not working? I go see friends. I work hard and I don’t really get to go out that much. So when I’m off I go dancing, go eat some food or drink some wine. My boyfriend and I go for long walks on weekends, it’s really nice to get away from London and explore nature, walk yourself free! What are your favourite things about London? The fact that you can do anything anytime. There’s no restrictions, it gives you the freedom to be spontaneous, not have a plan and yet float around. Go out at any time, shop at any time, see people at any time. When you live in the countryside you need to be at the shop by 5 or 6pm, but here I can go get my food at midnight.

I like the mix of people, it’s amazing, I’ve met so many different people these past 11 years. Everyone comes here to find themselves, to try themselves out and follow their dream. I don’t think that’s possible anywhere else, apart from big creative cities. What other artists do you like or admire? Right now I admire Pat Perry from America, also Micah Lidberg. I love the line details and colour choices they make. As a teenager I used to copy Gustav Klimt and August Macke , just to measure myself and see if I could copy their work, see if I was good enough. Then I got older and started drawing for myself, which was just about technicalities. Are you in contact with other artists? Is there a close artist community in London? I have a lot of contact with other artists. We have an illustration meet up every month that we also try to go to, but there so many London-based artists that you bump into when you have shows. And you’re in constant contact by email since people are always organising projects and collaborations. There’s always something happening, the community is definitely quite close. Is London a good place for artists to be? London is definitely a good place to be creative. My work is very international because I’m online and my clients come from all over the world, so I could take my work anywhere, but even posting from the UK is much easier than if I was living in Timbuktu. It’s good to be central and it’s a great place to meet people, also everyone can get a cheap flight here. It’s sort of a HUB. You have a lot of followers on social media even when your work is so handmade, how fond of social media are you? I like using social media, especially

Facebook, now I’m not using Twitter so much. What I like is engaging with people, for me to hear what their opinions are. I like to see their reactions when I post something, what do they like?, what makes their hearts move?, what are their associations to my work? It’s like psychology, I like having access to people’s minds and I love the conversations you get out of it and the emails that follow. It’s nice to organically grow, I don’t like forcing things but seeing them unfold. And it’s a compliment when they do. Is it just your work or is it the character behind it, too? I think people have an idea of who you are. Social media creates this character and I don’t always feel like that person, I still feel like an 18-year-old girl who just does what she likes doing. And when people come up to you and asks for a photo or really wants to meet you or email you, it’s nice, but it’s overwhelming and you just want to say ‘Give me a hug, I’m not different from you, you can do the same thing, just work very hard, follow your dream.’ Is part of your success due to the fact that peopl e n e e d to fe el c l ose to n a t u re ? You r pi e c e s a re l i k e d re a m s of a n o t h e r w o rl d . My work obviously comes from a place inside of me that has to do with dreams and feelings. It’s very intuitive and instinctive, it’s not contrived and I’m not trying to make a point with it. It’s something that I naturally feel like I want to express and that’s what hits that core point with other people. For me it’s meditation, so maybe looking at them it also is. I often get emails saying ‘that calm place it’s Wonderworld. I can see my father and myself and this moment of my life with my partner’. Emails are always attached to people’s emotions, never just art but people, so it’s maybe a connection between my soul and their soul.

T: BEA SALAS

DONDE HABITA LO SALVAJE Jeremy Koreski

Cuando has crecido en una granja puedes acabar cargando una gallina en el hombro. Cuando creces en la gran ciudad puede que necesites desesperadamente un respiro de aire fresco tan pronto asoma el viernes. Pero cuando has crecido en Tofino, British Columbia (Canadá), no hay manera de escapar a las maravillas de haber tenido una relación de por vida con la naturaleza, incluidos sus representantes de zarpas en peligro de extinción y enormes superficies de agua. El fotógrafo Jeremy Koreski captura la naturaleza como nadie. Sus instantáneas son la prueba de su respeto hacia todo lo que respira y se enorgullece de un estilo de vida basado en la simplicidad y la genuina curiosidad que lleva a un niño a aprender y disfrutar de lo que por su condición de ser humano se le ofrece de forma natural. Como centinela de la marca de producción sostenible TWOTHIRDS, trabaja para que el mundo entienda que no es que poseamos este planeta, sino que todo lo que poseemos se lo debemos a él. Y hace que uno se sienta afortunado de ser humano. When you grow up in a farm you might end up carrying a chicken on your shoulder. When you grow up in a big city you might just desperately need some fresh air on weekends. But when you grow up in Tofino, British Columbia, there’s no way one can escape the wonders of having had a lifetime relationship with nature, including its endangered roaring representatives and enormous water surfaces. Photographer Jeremy Koreski captures nature like no other. His snaps are a proof of his respect towards everything that breathes, also taking pride in a lifestyle based on simplicity and the genuine curiosity that leads a child to learn and enjoy what he has naturally been given as a human being. As sentinel of sustainable production brand TWOTHIRDS, he works for people to realise it’s not like we own the planet, but rather owe the planet quite a lot. It makes one feel lucky to be a human being.

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La naturaleza y el océano me transmiten realidad, yo me rodeo de ambos y me siento muy cómodo viviendo en ambos

Jeremy Koreski expone su obra desde el próximo 15 de noviembre en TWOTHIRDS Duc, 8. Barcelona

Eres y vives en Tofino, British Columbia, Canadá. ¿Cómo es ese sitio? Tofino es un pueblecito precioso al final de una carretera sinuosa de 120 km, lo remoto se empieza a sentir mientras conduces entre montañas para llegar allí. Está en una península en Clayoguot Sound, rodeado de islas. ¿Cómo te ha formado el estilo de vida de Tofino como persona y como fotógrafo? El hecho de crecer en Tofino y de pasar casi toda mi infancia al aire libre me hizo ver que espero más de la vida que estar sentado en una oficina con un trabajo seguro. Me encanta trabajar para mí mismo, crear y llevar un estilo de vida que me haga feliz. ¿Cómo y cuándo empezaste a fotografiar la vida, los colores y las caras del lugar donde creciste? Siendo adolescente empecé a hacer fotos de mis amigos cuando patinaban, hacían snow y surfeaban. Y a medida que se convertían en atletas con un talento increíble yo seguía fotografiándolos. Ahora me siento afortunado de poder ganarme la vida y viajar con mis amigos para ello. Cuéntanos sobre las escenas de surf gélido que sacaste en Nova Scotia. Nova Scotia es el sitio más frío en el que jamás he fotografiado surf. El día más gélido que recuerdo el aire estaba a -20 grados y el agua a 0 grados. Al meterte en el agua incluso sentías calor, porque al salir hacía muchísimo más frío. Una experiencia salvaje. ¡Ahí se crean unas olas muy, muy buenas! Cuando fotografías sujetos vivos: ¿prefieres animales o humanos? Creo que prefiero fotografiar animales, mucho más interesantes. ¿Tienes algún tipo de intención educacional cuando muestras tus fotos al mundo? Desde luego. Quiero

que mi trabajo inspire a otros no sólo para salir a disfrutar el mundo, ¡sino para aprender también a respetarlo y a sentirse responsable para mantener limpio el medio ambiente! ¿Cuál es la situación más extrema en la que te has encontrado para hacer una de tus fotos? Probablemente al fotografiar una madre y dos cachorros de oso pardo. Una experiencia particular, prácticamente nos topamos con esa familia de osos. Fue intenso. Todo salió bien y la osa no nos atacó, de hecho incluso me dejó sacar algunas imágenes geniales de ella y sus crías. ¿A qué lugares en los que aún no has estado querrías ir con tu cámara? Me encantaría ir a la Antártica. Está en el top de mi lista. Frío, duro, implacable… perfecto. ¿En qué consiste tu trabajo como uno de los centinelas de TWOTHIRDS? Creo que mi objetivo principal como centinela es mostrar al mundo la belleza de nuestro planeta y de nuestro océano, y lo que deberíamos hacer para preservar lo que nos queda. ¿Qué significa para ti el océano? Siempre me he sentido muy cómodo en él y ¡me ha dado tanto! Significa mucho para mí pero también me cuesta definirlo con palabras. El océano me relaja. ¿Cómo de seria es la situación actual del océano? ¿Hay algo que debamos saber? Creo que en los próximo cincuenta años vamos a ver un cambio inmenso, y será deprimente. El monotema de esta edición es INSIDE. En tu caso dentro de la naturaleza, dentro del océano… ¿qué te inspira esta expresión? La naturaleza y el océano me transmiten realidad, yo me rodeo de ambos, y me siento muy cómodo viviendo en ambos.

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Nature and ocean to me conveys reality, I surround myself in both and I feel very comfortable and alive in both.

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You come from and are based in Tofino, British Columbia. What’s the place like? Tofino is a beautiful little town at the end of a winding 120km road, it feels remote as you are driving through the mountains to get there. It’s on a peninsula in Clayoquot Sound, surrounded by islands. How has the Tofino lifestyle built you as a person and photographer? Growing up in Tofino and spending most of my childhood outdoors has made me realize that I want more from life of sitting in an office with a secure job. I love working for myself and creating work and a lifestyle that makes me happy. How and when did you start photographing the life, colours and faces of your hometown? I started taking photos when I was a teenager of my friends skateboarding, snowboarding and surfing. And as they grew into amazingly talented athletes I kept photographing them. Now I feel lucky to make a living and traveling with friends to do it. Tell us about the freezing surfing scenes you shot in Nova Scotia. Nova Scotia is the coldest place I’ve ever shot surfing. Most freezing day I remember the air was -20 degrees and water 0 degrees. You would dive under water and it would feel warm because when you came up it was so much colder. A wild experience. The waves there get really, really good!

What’s the most extreme situation you’ve been in to take one of your shots? Probably photographing a mother and two grizzly bear cubs. One particular experience, we ended up almost running into the family of bears, it was intense. Everything worked out and the mother bear didn’t attack,she actually let me get some great images of her and her two cubs. What places you haven’t been to yet would you like to photograph? I’d love to go to Antártica. That is at the top of the list. Cold, harsh, unforgiving… perfect. What does your work as one of TWOTHIRDS’s sentinel consist of? I guess my main purpose as a sentinel is to show the world what a beautiful planet and ocean we have and that we should be doing more to preserve what’s left. What does the ocean mean to you? I’ve always been very comfortable in the ocean, and it’s provided me with so much, it means a lot but it’s also tough to put into words. The ocean makes me feel relaxed. How serious is the ocean’s current situation? Is there something we should know? I think in the next fifty years we are going to see major change in the ocean and will be depressing.

When photographing alive subjects: do you prefer animals or humans? I think I prefer photographing animals, much more interesting.

The current issue’s topic is INSIDE. In your case inside nature, inside the ocean... what does this expression convey to you? Nature and ocean to me conveys reality, I surround myself in both and I feel very comfortable and alive in both.

Do you have any educational intentions when showing your photos to the world? Yes definitely. I want my work to inspire people not only to get outside and enjoy the world, also to learn a respect for it and feel responsible for keeping the environment clean!

Jeremy Koreski is exhibiting his work from next 15th November in TWOTHIRDS. Duc 8 - Barcelona

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@SURFING_WANDERLUST

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Legi Alonso

DE MAYAS Y MARAS Es un hiperactivo y el mismo nervio contenido y meditado que le pone a surfear una ola, lo aplica a escribir, a montar una marca – SYLPH, a realizar un diseño, un reportaje de fotos o a simplemente dedicarse a la vida contemplativa que a veces necesita para que sus palabras tengan el efecto de un Ollie. Legi Alonso fue invitado por Surfing’s Wanderlust, quienes a su vez respondieron a la invitación del Gobierno de Guatemala y el Salvador para conocer y mostrar al mundo la cultura de unos países que a pesar de enfrentarse a diversas situaciones desfavorecidas tienen en el surf y en la naturaleza mucho más que una base de su propio carácter. De Mayas y Maras es el resultado en forma de exposición de este viaje, una instalación formada por fotos, recuerdos y objetos varios que fueron llegando de forma natural para quedarse. Slightly hyperactive and with the same nerve he puts into riding a wave, he puts into writing, creating a brand – SYLPH, making a design, a photo documentary or simply into leading a contemplative life, which he sometimes needs so his words have the effect on an Ollie. Legi Alonso was invited by Surfing’s Wanderlust, those who at the same time replied to the invitation by Guatemala’s and el Salvador’s government to get to know and spread the culture of these countries which although facing unfavourable conditions they have in surf and nature much more than a basis of their own character. Of Mayas and Maras is the result in shape of exhibition of this journey, an installation made of photos, memories and various objects that naturally kept coming here to stay.

abovethelip.blogspot.com.es surfingswanderlust.com

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@LEGI ALONSO

@SURFING_WANDERLUST

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ME QUEDO CON CRÁTERES DE VOLCANES INMENSOS, LAGOS Y MUCHA SELVA. ME QUEDO CON LA HERENCIA MAYA Y EL SABOR DE LA FRUTA

Surf, escritura, fotografía, música, familia, comunicar: todo ello forma parte de ti como algo sin lo que no podrías respirar. ¿Cuándo se empezó a formar este conjunto que se materializa en tu blog Ignora mi Caries? Empecé el blog allá por 2008 cuando me rompí la rodilla surfeando. Me aburría mucho porque tenía que permanecer todo el rato estirado, así que decidí crear un pequeño espacio personal en el que poder hablar de las cosas que me interesaban: diseño, foto, literatura y arte. Obviamente el surf es el telón de fondo de todo pero no quería que se redujese solamente a eso. Cuando por fin me recuperé ya le había cogido tanto cariño al blog que continué con él y ahí seguimos. ¿Cuándo decidisteis vuestro viaje por Sudamerica y cómo fue la experiencia? En realidad fue la gente de Surfing’s Wanderlust quien me invitó a participar, ellos lo organizaron todo. Fuimos invitados por los gobiernos de Guatemala y El Salvador con el fin de dar a conocer los encantos de cada país (su cultura y sus olas). La verdad es que la experiencia ha sido muy enriquecedora ya que, gracias a esa invitación, hemos vivido en primera persona la forma en que vive la gente allí. Nuestros guías eran surfers locales de modo que el viaje fue una participación directa con sus costumbres y su forma de entender la vida. ¿Qué es lo que más te marcó de tu convivencia con los Maras? Afortunadamente no convivimos con ellos. Digo afortunadamente porque la realidad de esa gente está tristemente marcada por la violencia. No hay seguridad y es muy peligroso andar por ciertas zonas o cuando se pone el sol. Es triste que países con tales encantos y herencia cultural se vean teñidos por una situación social tan cruda y desfavorecida. ¿Y del viaje en general? De la experiencia me quedo con el calor de la gente. Su generosidad y sus ganas de prosperar en la vida pese a todas las dificultades que se encuentran. Me quedo con la inocencia de esos chavales que surfean ajenos a grandes industrias y circuitos competitivos. Me quedo con cráteres de volcanes inmensos, lagos y mucha selva. Me quedo con la herencia Maya y el sabor de la fruta y, por supuesto, me quedo con toda esa cantidad de olas que están esperando ahí a que alguien se decida a ir a surfearlas. ¿De qué forma os ha ayudado el Gobierno de El Salvador y de Guatemala? Ellos han sido quienes han hecho posible toda esta aventura al costear el grueso del viaje y proporcionarnos el mejor guía (y chofer) en cada sitio. Han cuidado en todo momento de que nos sintiéramos como en casa y han velado por nuestra seguridad en las zonas más conflictivas. No es lo mismo tener que buscarte la vida en medio de un lugar desconocido que sentarte y dejar que te lleven por el camino más fácil. Créeme que eso lo cambia todo. ¿Qué tiene el surf para que su filosofía vaya más allá del deporte? Supongo que esa dependencia de la naturaleza ya que, en realidad, solamente puedes practicarlo (o practicarlo bien, en todo caso) cuando a ella le viene en gana. De ahí que aún se conserve esa pequeña dosis de aventura, de búsqueda y de incertidumbre que no te brinda el alquiler de una cancha de tenis o una piscina climatizada. Quien verdaderamente ama el surf organiza su vida en base a todos esos factores y para ello sacrifica un montón de cosas que se van quedando por el camino. No sabría explicártelo mejor ni de otro modo.

¿Qué fue primero la fotografía, la escritura, el diseño gráfico, el surf o los amigos? Ya desde crío siempre me gustó mucho dibujar camisetas, zapatillas y esas cosas así que lo primero debería decir que fue el diseño. Luego vino el surf, ya que soy de un pueblo de interior donde no es un deporte muy común precisamente, es decir, antes de surfear ya patinaba. Empiezas a surfear y conoces a gente, como no. Creas tu grupo de amigos y te empiezas a mover para ir a otras playas. En mi caso tengo la suerte de contar con ciertos sponsors así que, finalmente, surge la necesidad de documentar esos viajes con historias y fotos. ¿Cómo es la cultura del surf en Asturias? Digamos que el surf en Asturias es aún algo joven, aunque creamos que no, y no hay una cultura establecida como puede ser el caso de California o Australia, donde nos llevan un montón de generaciones de ventaja. Lo que quiero decir con esto es que no creo que haya una cultura propiamente dicha sino una variedad de puntos de vista en torno al surf: habrá quien se lo tome como un hobby de verano, otros intentarán surfear a diario. Los hay que entran al agua a competir y otros prefieren ir a lo suyo y evadirse. Tal vez la gracia esté ahí, en que el surf te brinda la oportunidad de vivirlo como a ti te venga en gana. Has empezado a girar con tu exposición, las primeras paradas han sido Gijón y San Sebastián hasta llegar a Barcelona, ¿cuál es la previsión de la muestra? Los chicos de Surfing’s Wanderlust y yo teníamos claro que no queríamos que esta experiencia se redujese a cuatro fotos de olas. Queríamos transmitir la esencia del viaje y de los lugares que visitamos, de ahí surgió la idea de la expo y, sobre todo, de concebirlo como un tour itinerante para poder llegar al mayor número de gente posible, por eso elegimos Euskadi y Barcelona como los dos principales puntos de difusión en el tramo norte. La verdad es que la acogida ha sido muy buena y sólo tenemos palabras de agradecimiento para la gente que nos ha apoyado con todo esto. Por supuesto que nos gustaría incluir más puntos en el mapa, así que vamos a ver cómo evoluciona todo, seguiremos intentando hacer las cosas lo mejor que sabemos. Como la temática es atemporal y nadie nos mete prisa, vamos a nuestro ritmo. Cuéntanos un sueño que ya hayas realizado. Te estoy contando uno ahora mismo. Uno que aún no hayas conseguido. Terminar de escribir un libro con el que llevo un tiempo. Nuestro próximo monotema es INSIDE, ¿qué es lo primero que te viene a la cabeza cuando piensas en tu propio interior? Se me viene encima un mar de dudas. Perseguir lo que uno quiere suena muy bonito pero genera, sobre todo, incertidumbre. ¿Qué proyectos te rondan por la cabeza para este año? Me gustaría contraponer un viaje de lugar frío con uno de calor para analizar cómo el clima repercute en el surf, el arte, la música, la arquitectura y las costumbres sociales. Me gustaría acompañar todo eso con entrevistas, artículos y ensayos de personalidades de cada contexto. Pero me da a mí que voy jodido porque eso requiere un presupuesto que del que no dispongo, así que me conformaré con seguir como hasta ahora: hoy es hoy. Mañana… Veamos qué sucede.

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@SURFING_WANDERLUST

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@LEGI ALONSO

@SURFING_WANDERLUST

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I’LL REMEMBER THE HUGE VOLCANO CRATERS, AS WELL AS LAKES AND THE JUNGLE. I’LL REMEMBER THE MAYA HERITAGE AND THE TASTE OF FRUIT

¿Qué fue primero la fotografía, la escritura, el diseño gráfico, el surf o los amigos?Ya desde crío siempre me gustó mucho dibujar camisetas, zapatillas y esas cosas así que lo primero debería decir que fue el diseño. Luego vino el surf, ya que soy de un pueblo de interior donde no es un deporte muy común precisamente, es decir, antes de surfear ya patinaba. Empiezas a surfear y conoces a gente, como no. Creas tu grupo de amigos y te empiezas a mover para ir a otras playas. En mi caso tengo la suerte de contar con ciertos sponsors así que, finalmente, surge la necesidad de documentar esos viajes con historias y fotos. ¿Cómo es la cultura del surf en Asturias? Digamos que el surf en Asturias es aún algo joven, aunque creamos que no, y no hay una cultura establecida como puede ser el caso de California o Australia, donde nos llevan un montón de generaciones de ventaja. Lo que quiero decir con esto es que no creo que haya una cultura propiamente dicha sino una variedad de puntos de vista en torno al surf: habrá quien se lo tome como un hobby de verano, otros intentarán surfear a diario. Los hay que entran al agua a competir y otros prefieren ir a lo suyo y evadirse. Tal vez la gracia esté ahí, en que el surf te brinda la oportunidad de vivirlo como a ti te venga en gana. Has empezado a girar con tu exposición, las primeras paradas han sido Gijón y San Sebastián hasta llegar a Barcelona, ¿cuál es la previsión de la muestra? Los chicos de Surfing’s Wanderlust y yo teníamos claro que no queríamos que esta experiencia se redujese a cuatro fotos de olas. Queríamos transmitir la esencia del viaje y de los lugares que visitamos, de ahí surgió la idea de la expo y, sobre todo, de concebirlo como un tour itinerante para que poder llegar al mayor número de gente posible, por eso elegimos Euskadi y Barcelona como los dos principales puntos de difusión en el tramo norte. La verdad es que la acogida ha sido muy buena y sólo tenemos palabras de agradecimiento para la gente que nos ha apoyado con todo esto. Por supuesto que nos gustaría incluir más puntos en el mapa, así que vamos a ver cómo evoluciona todo, seguiremos intentando hacer las cosas lo mejor que sabemos. Como la temática es atemporal y nadie nos mete prisa, vamos a nuestro ritmo. Cuéntanos un sueño que ya hayas realizado. Te estoy contando uno ahora mismo. Uno que aún no hayas conseguido. Terminar de escribir un libro con el que llevo un tiempo. Nuestro próximo monotema es INSIDE, ¿qué es lo primero que te viene a la cabeza cuando piensas en tu propio interior? Se me viene encima un mar de dudas. Perseguir lo que uno quiere suena muy bonito pero genera, sobre todo, incertidumbre. ¿Qué proyectos te rondan por la cabeza para este año? Me gustaría contraponer un viaje de lugar frío con uno de calor para analizar cómo el clima repercute en el surf, el arte, la música, la arquitectura y las costumbres sociales. Me gustaría acompañar todo eso con entrevistas, artículos y ensayos de personalidades de cada contexto. Pero me da a mí que voy jodido porque eso requiere un presupuesto que del que no dispongo, así que me conformaré con seguir como hasta ahora: hoy es hoy. Mañana… Veamos qué sucede.

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PIRUETAS DEL DESTINO

T: EVA VILLAZALA & ANA MIGUEL

VIKIGÓMEZ Se puede creer en el destino o no, pero sin duda la vida de Viki Gómez está guiada por él, desde la primera vez que vio en el cine vio una película protagonizada por chicos que “volaban” con sus bicis hasta que un día por casualidad se encontró con un grupo de riders haciendo acrobacias encima de sus BMX. A partir de ese momento, la carrera de este madrileño ha sido imparable. Comenzó con ilusión a caballo de su BH California y ahora colecciona títulos desde que empezó a competir con tan sólo diecinueve años. Se ha convertido en el mejor flatlander de España y uno de los mejores del mundo. Además, es doble campeón tanto de Europa como de Asia y ha conseguido ganar el Red Bull Circle of Balance dos de las tres veces que se ha celebrado. Por todos estos méritos se le considera un ídolo en varios países y tiene la suerte de ser uno de los pocos elegidos del mundo que se dedica profesionalmente a esto. Para Viki Gómez no se trata de hacer acrobacias encima de una bicicleta, él siente que es “una lucha entre la mente, la física de la gravedad y la inercia del equilibrio. Una manera de superar los límites de la imaginación”. Gracias al destino, tuvimos la suerte de coincidir con él en Vigo, durante el pasado O’Marisquiño y nos encantó todo, su estilo, su actitud y sus ganas de innovar. Lo bautizamos el Rodney Mullen de su especialidad. One can believe in destiny or not, but truth is Viki Gómez’s life is by all means guided by it, from the very first time he saw a film starred by a group of kids flying on their bikes, to the day he bumped into a bunch of riders doing pirouettes on their BMX. From that moment on, Madrid-born Viki’s career has been unstoppable. His eagerness began on top of his BH California and he now collects titles since he started competing at the early age of nineteen. He has become Spain’s best flatlander as well as one of the world’s best. Also, he is double champion both in Europe and Asia and has managed to win Red Bull Circle of Balance two out of the three times it has taken place. Due to all of these achievements he is regarded as an idol in many countries and is lucky to be one of the few chosen worldwide to make a living out of such way of life. To Viki Gómez it is not about making pirouettes on a bike, but he rather feels it is “a battle between the mind, the physics of gravity and equilibrium’s inertia. A way of going beyond the limits of imagination”. Thanks to destiny we ran into him in Vigo, during the last O’Marisquiño and we loved it all: from his style to his attitude and constant innovation in his field. We baptise him as the Rodney Mullen of his specialty.

www.vikigomez.com 112

Empecé en este mundo un poco por casualidad. Yo tenía una bici BMX normal y a los catorce años vi a unos chicos en el madrileño parque de El Retiro practicando BMX Flatland. Me encantó lo que hacían, fue un amor a primera vista, así que decidí que yo también quería hacer eso. Lo que más me gustó fue el estilo que había alrededor del deporte: como visten, la diversión que conlleva, llamar la atención de las chicas, así empezó todo. Cuando la gente me pregunta cuál era mi sueño les contesto que conseguir una bici de Freestyle, nunca pensé en ser famoso. El sueño se cumplió muy rápido, al año de ver a aquellos chicos en El Retiro. A partir de ahí, ganar competiciones y campeonatos del mundo ha venido como un extra al objetivo que ya había cumplido. Empecé a practicar BMX Freestlye en 1996 y desde entonces llevo catorce como profesional. He viajado por 56 países gracias a este deporte. Tengo el reconocimiento de haber ganado el campeonato del mundo cinco veces y el año pasado fui votado como el mejor rider del 2013. Hay que entender que, aparte de exigir constancia y pasión, este deporte es un arte sobre ruedas. Así que para triunfar hay que ser original e intentar sacar siempre un truco nuevo porque esto es lo que marca la diferencia. Yo soy bastante inventor de nuevos trucos y se podría decir que he creado un poco de escuela, lo que es un honor, pero yo siempre aconsejo a los chavales que hagan los suyos propios y que se sientan ellos mismos. Los trucos surgen después de practicar bastante, entonces te viene una idea a la cabeza que piensas que es posible realizar. Algunos llegan de manera espontánea, por ejemplo de un momento en el que accidentalmente la bici se tuerce hacia un lado se puede crear una acrobacia. Mi día a día es muy variado, hace diez años abrí mi propia tienda de piezas de bici y ahora soy diseñador para Orbea además de team manager. Además, tengo una agencia de deporte e imagen y soy manager de otros riders a los que consigo exhibiciones. Centrándome en el día a día, mi rutina es responder durante ocho horas a e-mails y estar en contacto directo con sponsors y patrocinadores. A parte, entreno unas cuatro horas aproximadamente. Todo lo relacionado con los negocios lo realizo junto con mi novia, que es mi socia, ella es abogada de deporte y ha sido quien me ha ayudado en los últimos cuatro años. Decidimos crear una agencia porque no hay ninguna seria centrada en BMX que lleve esto a nivel profesional, de esta manera apoyamos a muchos talentos jóvenes.

I got involved in this world quite casually. I had an ordinary BMX and at the age of fourteen saw a few guys at El Retiro park in Madrid doing some BMX Flatland. I loved what they did since the very first moment I saw it, it was love at first sight and I decided I also wanted to be part of that. What I liked about it the most was the style around the sport: how they dressed, the fun it involved, how it drew girls’ attention… that’s how it all started. When people ask me what my dream was I tell them it was getting a Freestyle bike, but I never imagined I would get famous. The dream came true very quickly, I had one a year after of seeing those guys in El Retiro. From that moment on, winning competitions and world championships has come as an extra to the objective that I had already reached. I began practising BMX Freestyle in 1996 and since then I’ve been a professional for fourteen years. I’ve travelled through 56 countries thanks to this sport. I have the recognition of having won the world championship five times and last year I was voted as best rider of 2013. It should be understood that, apart from resolve and passion, it should be beared in mind that this sport is an art on wheels. So in order to succeed you need to be original and try to make always a new trick; that is what will make a difference. I’m quite the inventor of many tricks and we could say I’ve set the trend, which is an honour, but I suggest the guys to make their own tricks and be themselves. Tricks normally come out after quite a lot of practice, then an idea crosses your mind that you think would be doable. Some others though come out spontaneously, like in a moment when the bike accidentally bends and a pirouette is created. My day-to-day is quite varied, ten years ago I opened my first bike pieces store and I am now designer for Orbea, as well as team manager. Also, I have a sports and image agency and I’m team manager of other riders I get exhibitions for. Focusing on the every day, my routine is replying to emails for eight hours a day, being in touch with sponsors. Then I train for about four hours. Everything related to business I do it together with my girlfriend, who’s my business partner and a sports lawyer, having helped me for the last four years. We decided to create an agency because there isn’t any yet that is seriously focused on BMX and reaches a professional level. This way we support many young talents.”

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114 JUICE FROM FLATBUSH ZOMBIES. NEW YORK 2013

T: MANUELA ALCATRAZ

No Risk, No Glory Verena Stefanie Grotto

La fotógrafa italiana Verena Stefanie Grotto es a día de hoy una de las documentalistas más destacadas de la escena Grime. Unida desde el principio al mundo del skateboard, la cultura underground ha sido siempre una parte de ella, de su sentimiento, respiración y sangre. Vinculada al hip hop, Grime, el arte y la moda, lo que Verena Stefanie Grotto busca y encuentra en sus fotos es siempre lo mismo, transmitir la emoción del momento, una fortaleza en la mirada, un significado que se entienda en el punto de foco y lo que se intuye por detrás. Un grito de rabia. Unos ojos abiertos ante la sorpresa. Una celebración de placer. Por su objetivo han pasado personalidades del hip hop como Pusha T, cuya fotografía presentamos por primera vez en la exposición que realizamos el pasado mes de septiembre en AW LAB, además de otras fotos exclusivas como las de Wu Tang Clan, Newham Generals, The Underachievers y P Money. Además de su faceta como fotógrafa, Verena ha realizado y dirigido varios films documentales con su sello propio. Ahora está preparando un libro que se publicará próximamente precisamente sobre el documental Kids of Grime. Photographer Verena Stefanie Grotto is today one of the most featured documentary makers of the Grime scene. Being united to the world of skateboarding since the very beginning, the underground culture has always been part of herself, her feeling, breathing and blood. Linked to Grime, art and fashion, what Verena Stefanie Grotto wants and gets in her photos is a common goal, that being to transmit the emotion in a moment, the strength of a look, an idea to be understood at the focal point as well as what can be sensed from the background. A cry of rage. Eyes wide open from surprise. The celebration of pleasure. Her objective has seen various hip hop personalities like Pusha T, being the photograph we presented for the first time at the exhibition we had last September at AW LAB, including other exclusive snaps like those of Wu Tang Clan, Newham Generals, The Underachievers and P Money. Apart from her photographer side, Verena has directed many documentary films with her own stamp. She is in fact now working on a book that will be soon out about the documentary Kids of Grime.

www.verenastefaniegrotto.com 115

LIL DURK. NEW YORK 2013

116 JAMMER’S INFAMOUS BASEMENT. NEW YORK 2011

SI TRATAS A LAS PERSONAS COMO HÉROES, SE PORTARÁN COMO HÉROES, SI LAS TRATAS DE GILIPOLLAS SE PORTARÁN COMO GILIPOLLAS! Háblanos un poco de tu trayectoria, ¿en qué momento y por qué decidiste coger la cámara y adentrarte en el mundo de la música, la cultura urbana, el arte y la moda, con ese claro sello personal que tuviste muy claro desde el principio? Siempre quise seguir lo que me interesaba, lo que me gustaba y donde encontraba la pasión que me empujara a seguir haciendo lo que hago. Cogí mi primera cámara cuando era pequeña porque mi madre siempre tenía cámaras, sobretodo para documentar mi vida. Y ese fue uno de los grandes regalos que me hizo, tener imágenes de momentos especiales para recordar. Eso es en definitiva lo que siempre intenté hacer a través de la fotografía: documentar momentos inolvidables. La cultura urbana es el ambiente donde crecí, soy de un pueblo de Italia donde la ‘wealth’ es muy alta, hay muchas familias de empresarios así que la gente es bastante pija. Yo prefería pasar el tiempo en las calles, con el skate, y con mi música, que era bastante distinta a la que todo el mundo escuchaba. Me parecía más real. Era un mundo sin reglas, la cultura del skate tiene mucha actitud y me gusta. Estuve documentando el estilo de las calles y los jóvenes de Barcelona desde 2006 porque me interesaba recoger la forma de expresión de una generación en la que me encontré viviendo, después de decidir mudarme a la ciudad con 18 para seguir el sueño del patín y acabar trabajando en una tienda de skate (Free) para pagarme el alquiler y estar más cerca de los skaters y esa cultura que me interesaba. Todos eran casi profesionales y yo super tímida así que me daba vergüenza patinar y lo dejé. Después de mi proyecto ‘Appeal To The Eye’, donde documentaba los estilos de los jóvenes, empecé a trabajar para Diesel Italy como cool hunter, todo esto antes de que los blogs fueran famosos. Cuando llegué a Londres necesitaba algo más verdadero y más duro, profundo y diferente de mí, a lo que no todo el mundo podía acceder. Empecé a oír hablar de esta música, Grime, y vi que faltaba una documentación de esta generación… Here begins the rest of the story. Por tu objetivo han pasado nombres míticos del hip hop y de la escena Grime y has conseguido adentrarte más allá de sus huesos, ¿cómo haces que le hablen a la cámara como si te hablaran a ti misma, sin tapujos? El hecho es que no quiero que hablen a la cámara sino que intento conseguir que hablen conmigo, como tú dices, sin darse cuenta de la cámara. Creo que es una manera de ser, parte de mi personalidad, hacer que la gente a mi alrededor se sienta cómoda, sin sentirse observada u obligada a ser o hacer algo. Es tener paciencia y tratarles bien, así te brindan la normalidad de las personas que son. Si tratas a las personas como héroes, se portarán como héroes, si les tratas de gilipollas se portarán como gilipollas, ¿no? Háblanos de alguna sesión en la que hayas sentido una emoción tan fuerte que te hayas tenido que agarrar con fuerza a tu cámara para seguir con templanza. Creo que en el momento en el que disparo no puede pasar eso porque estoy tan centrada en lo que está pasando a mi alrededor que no tengo tiempo de pensar en mí. Me concentro en las emociones que me rodean y consigo meterme en ellas para agarrar esa imagen y documentarla. Te puedo contar, eso sí, que el día que saqué fotos a Wu Tang Clan, estando unas siete horas con ellos, cuando llegué a casa empecé a darme cuenta de lo que había pasado, de lo que había vivido, y me vi a mí misma como esa niña de doce años de un pueblo perdido escuchando a Wu en su camita y al pensar que pasé un día entero con ellos y acabé gustándoles, como persona, se me saltaron algunas lágrimas que dedique a esa niña y a sus sueños en esa habitación perdida de Bassano del Grappa. ¿Con qué sesión has disfrutado especialmente? ¿Con cuál has crecido más como persona y como fotógrafa? Toda la experiencia de

New York me ha hecho crecer mucho como persona y como fotógrafa. Hay inspiración a cualquier hora, cada rincón es una imagen o una historia que contar, independientemente de la música. Es vida, calle… además la gente es diferente en NY, hay más colaboración y la gente se ayuda más. Los fotógrafos de hip hop de Nueva York, que me conocieron en mi trabajo anterior, fueron súper amables y me invitaron a salir con ellos para sacar fotos a eventos. Es un mundo diferente, no me sorprende que todo el mundo quiera mudarse ahí y que sean tan estrictos con el visado. Imagínate que me habían sugerido para sacar fotos para el libro oficial del los 20 años de Wu Tang Clan, por mala suerte el visado no funcionó y tuve que volverme a casa. ¿Algún nombre que aún no esté en tu portfolio y al que quieras llegar, plantarte con tu cámara para revelar su interior más bien sellado? Obviamente Kanye West y Jay Z. Aunque creo que Kanye me interesaría más. Su personalidad, aunque a veces parezca un capullo, me intriga mucho. Imagínate sacarle fotos mientras está con su hija… un don. Esa forma en la que desarrollas tu fotografía, la forma de ver a las personas te ha aportado seguro en cierta forma una sabiduría de ti misma y del mundo que te rodea… Sí, y saber que no todo es lo que parece. Una persona borde puede ser una persona súper dulce que tuvo un mal día, simplemente hay que ser amables. ¿Dónde reside la fortaleza humana? En el corazón. ¿Y la mayor debilidad? En la envidia, es lo que provoca todo lo malo. Tus fotos son portada de disco de algunos de los mejores artistas de hip hop y del Grime, como The Underachievers, ¿cómo te has sentido al realizarlas? Todas esas no fueron fotos sacadas por esa razón sino que las saqué en mis momentos y a ellos les gustaron. Música, skateboarding, arte, cultura urbana, ¿qué es lo que tienen en común que te hacen sentir viva? La realidad y la sorpresa. Háblanos de tu faceta como directora de documental, ¿enfocas los proyectos en este formato de forma muy diferente a cuando fotografías? No para nada, como ves la fotografía de los documentales es igual a mis still images. Intento siempre conectar con el sujeto, de manera que tenga confianza en mí y cuente algo verdadero, que se saque la máscara que la industria le obliga a ponerse. La gente no quiere saber qué inspiró su disco por enésima vez, sino qué le gustaba hacer cuando era pequeño, qué es lo que le empujó a seguir ese camino. Háblanos del libro sobre tu documental de Grime que estás preparando, ¿qué has volcado en él y cómo te has sentido al hacerlo? Aún sigo en ello porque quiero que se convierta en uno de los mejores libros documentales de esta música y su historia. He sacado fotos de Grime durante cinco años, sin hacer otra cosa, única y exclusivamente eso. No sé si fue una buena maniobra pero lo hice. Ahora estoy consiguiendo que muchos artistas de esta escena colaboren con sus historias de manera que no sea sólo un libro de fotos sino un cuento. Hemos tenido el honor de contar con algunas fotos exclusivas en la exposición que hicimos el 10 de septiembre en AW LAB, además de las que publicamos ahora en estas páginas ¿cuál es tu criterio a la hora de exponer, mostrar y dar a conocer tu obra? Contar historias, tener orden, y que la gente se lo pase bien y sueñe, que se meta dentro de la imagen y se emocione.

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TANBOYS. NEW YORK 2012

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PUSHA T. NEW YORK 2013

IF YOU TREAT PEOPLE LIKE HEROES THEY WILL BEHAVE AS SUCH; IF YOU TREAT THEM LIKE IDIOTS THEY WILL BEHAVE AS SUCH

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Tell us a bit about your career, in which moment and why did you decide to take the camera and dive in the world of music, urban culture, art and fashion, with such clear personal stamp you’ve always had in mind? I’ve always liked to follow what interests me, what I like and where I can find the passion that helps me carry on with what I do. I took my first camera as a little girl since my mother had many of them, especially to document my life. That was one of her biggest presents, having images of special moments to remember. That is basically what I’ve always tried to achieve through photography: documenting unforgettable moments. Urban culture is the environment I grew up in. I come from a wealthy village in Italy, with many businessmen families and posh people, but I preferred to spend time in the streets where skateboarding was, listening to a music that was quite different from what everyone else listened to. It seemed more real to me. It was a world without rules, the skate culture has a lot of attitude which I really like. I was documenting the street style and young people in Barcelona since 2006 because I was interested in gathering the voice of a generation in which I found myself living. I had moved there at 18 to follow the skater dream and work at a skate shop (Free) to pay my rent and be closer to skaters and the culture around it I was so fascinated by. Everyone was almost professional and I was rather shy, I was embarrassed to skate and eventually quit. After my project ‘Appeal To The Eye’, in which I documented the styles, I began working for Diesel Italy as cool hunter, quite before blogs became famous. When I arrived in London I needed something more true and harsh, deep and different from myself, which not everyone had access to. I started to hear about that music, Grime, and realised a documentation of this generation was missing… Here begins the rest of the story. Your objective has seen many main figures of hip hop and the Grime scene and you have managed to go beyond their bones. How do you make them speak to the camera as if they were talking to yourself, without prejudice? The ting is I don’t want them to talk to the camera but to myself, as you say, without noticing the camera. I think it’s who I am, a part of my personality that allows people around me to feel comfortable, without feeling too observed or forces to do something. It’s about having patience and treating them well, so they give you back the truth of who they really are. If you treat people like heroes they will behave as such; if you treat them like idiots they will behave as such, right? Tell us about some session in which you felt such strong emotion that you have needed to firmly hold the camera to keep going. I think that can’t happen during the moment when I shoot because I’m so concentrated in what’s happening around me that I don’t have time to think about myself. I concentrate on emotions surrounding me and I manage to get inside of them to grab that image and document it. What I can tell you is that the day I photographed Wu Tang Clang, having been about seven hours with them, I only started to realise what had been going on when I got home. After what I had lived I saw myself as that 12-year-old girl from a lost village listening to Wu in her little bed and when I realised I had spent a whole day with them and they ended up liking me, as a person, I let go a few tears that I dedicated to that girl and her dreams inside that lost bedroom in Bassano del Grappa. What session have you enjoyed yourself the most with? Which one has made you grow up the most as a person and photographer? The whole New York experience has made me grow up as a person and photographer. There’s inspiration anytime, each corner is an

image or a story to tell, regardless of the music. It’s life, street... also people are different in NY, there’s more cooperation and people help each other more. New York hip hop photographers who met me in my previous job were truly nice and asked me to hang out with them to take pictures at events. It’s a different world, no wonder everybody wants to move there and the fact that they are so strict with the visas. I was even asked to take photos for the official book of Wu Tang Clan’s 20th anniversary, but unfortunately my visa didn’t work and I had to go back home. Any name that’s not in your portfolio yet but who you’d like to go stand before with your camera an reveal his or her best kept interior? Undoubtedly Kanye West and Jay Z. Although I would probably be more interested in Kanye. His personality, even when he seems an asshole sometimes, intrigues me a lot. Imagine what it’s like to take photos of him while he’s with his little girl… what a gift. That way in which you develop your photography, the way of seeing people have surely brought you a sort of wisdom about yourself and the world surrounding you... Yes, and realising not everything is what it seems. An unpleasant person can be the sweetest having a bad day, you just need to be nice. Where is human strength? In the heart. And the biggest weakness? In envy, it’s what provokes the negative stuff. Your photos are covers of albums of some of the best hip hop and Grime artists, like The Underachievers. How have you felt while taking those? Not all of them were taken for that purpose but instead I took them at certain moments and they happened to like them. Music, skateboarding, art, urban culture. What do they all have in common that make you feel alive? Reality and surprise. Tell us about your side as documentary director. Do you address projects in this format in a very different way from the one when photographing? Not at all, as you see the photography in my documentary films is the same as in my still images. I always try to connect with the subject so he or she trusts me and tells me something true, so they take off the mask that the industry makes them wear. People don’t want to know what inspired their album for the twentieth time, but what they liked to do as children, what made them follow that path. Tell us about the book about the Grime documentary you’re working on. What have you put in it and how have you felt when developing it? I’m still on it because I want it to become one of the best documentary books of this music and its history. I’ve taken photos of Grime for five years, without doing anything else, just that. I don’t know whether it was a good idea or not but I did it. Now I’m getting many artists of the scene to cooperate with their stories in a way that it’s not just a photography book but also telling a story. We’ve had the honour of having some of your photos exclusively for the exhibition we had last September 10th at AW LAB, apart from the ones we’re including here. What are your criteria when it comes to exhibiting, displaying and spreading your work? To tell stories, following an order and having people to have a good time and dream, to get inside the image and feel.

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Consumar llevando tacones de aguja rojos, montárselo con veinte animadoras a la vez o unirse a la fiesta al pillar a tu marido con otra son clásicas escenas de un porno que no ha presentado demasiada intención de evolucionar a lo largo de los años. Lo más creativo que el género se ha ido permitiendo son los títulos de sus películas, al transformar castas producciones con un pezón y media nalga en cuentos de hadas X para curiosos adolescentes sobrehormonados. Y justo cuando muchas nos resignábamos a ver eternamente mujeres agarradas como pelotas de bolos en los televisores de las casas de nuestros chicos, Erika Lust desafía el mundo del porno con su cine adulto independiente. Tres post-its junto a la gran pantalla de su ordenador le recuerdan los tres ejes imprescindibles de su trabajo: erótico, filmmaking y feminista. Consciente del poder que más de una década de Lust Films le ha otorgado, se ve con la responsabilidad de promover una visión del sexo artística, natural, sana y sobre todo bella. Lleva más de un año transformando las fantasías del ciudadano de a pie en las series de películas XConfessions, cada vez con más ambición y menos miedo a lanzarse de lleno a un océano hasta hace nada dominado por tiburones con puros y cadenas de oro. Y no parece aburrirse. El Vol. III está en el horno y el IV a la vuelta de la esquina. Sí, puede llamársele porno feminista pero no, ser feminista “no significa ir a hacer orgías lésbicas al parque de la Ciutadella”. Getting laid while wearing red high heels, nailing twenty cheerleaders at the same time and joining the party when you catch your husband with another woman are classical scenes of a porn that has shown no interest in evolving throughout the years. The most creative thing the industry has allowed itself are its movies’ titles by turning naïve productions with a nipple and half an ass into X fairytales for teenagers with an excess of hormones. And right when many of us were about to give up on seeing women being grabbed as bowling balls in our boyfriends’ televisions, Erika Lust dares the world of porn with her independent cinema for adults. Three post-its next to her big computer screen remind her of the three crucial aspects of her work: erotic, filmmaking and feminist. Aware of the power that over a decade of Lust Films has put in her hands, she sees herself with the responsibility of promoting a vision of sex that is artistic, natural, healthy and above all, beautiful. She has been for over a year turning people’s fantasies into films series called XConfessions, each time with more ambition and less fear of jumping inside that ocean until just recently ruled by sharks with cigars and golden jewelry. And she doesn’t seem to get enough. Vol. III is being cooked and the IV is right ahead. Yes, we could call it feminist porn but no, being feminist “doesn’t mean to have lesbian orgies at Parc de la Ciutadella.”

www.erikalust.com T: BEA SALAS PH:LUIZA LACAVA

¡LUCES! ¡CÁMARA! ¡ERECCIÓN! Erika Lust

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El nombre Lust, ¿es tu apellido real por excepcional coincidencia o es postizo? Es un nombre cogido. Mi apellido es Hallqvist, relativamente conocido en Suecia pero fuera es difícil de pronunciar y no demasiado artístico. Cuando bautizamos a la productora como Lust Films yo me seguía llamando Erika Hallqvist, pero en seguida vi que no era un nombre con el que la gente se quedara y adopté el Lust de la productora. Y significa lujuria. En inglés se usa más, pero aquí es una pena que no se use tanto, es una palabra muy bonita y ligera. Es romántica, te atrae. La serie XConfessions, Vol. I y II, son tus últimos films. ¿Cómo los defines? Como las experiencias, fantasías, ideas y aventuras de gente que yo convierto en películas. Confesiones que cualquiera puede colgar en tu página web para ser una de las diez escogidas de un film. Les aviso por email. A la gente le encanta, a veces hasta quieren cambiar cosas. En nada saldrá el Vol. III, será que con este formato no te lo pasas mal. Veo lo que tengo como mi laboratorio audiovisual y me permito probar y hacer lo que me da la gana. He trabajado mucho para llegar aquí. Hay gente que me dice que he tenido mucha suerte, pero he puesto muchas horas y trabajado duro. Ahora todo empieza a fluir, tenemos un nivel de producción que nos permite hacer un poco más que antes, así que me permito divertirme. ¿En qué se basa el cine adulto que haces? Nació porque estaba harta de que la pornografía fuese desde hacía tanto tiempo un monopolio de hombres. Eso lo ha hecho bastante garrulo. ¿En qué sentido? Es aburrido, no encuentro el arte o el juego en el género. Me parece una pena y un desperdicio, el sexo da para mucho más. Puede ser muy interesante, tiene un montón de matices y aun así está vacío de artistas. A medio camino está el cine erótico, pero se queda algo corto en sexo explícito. Lo que yo hago es cine independiente para adultos. No entiendo que no se haya metido más gente, es un mundo muy fructífero. Pero muchos no quieren ensuciarse con la etiqueta de pornógrafos. Yo veo la necesidad de entrar y mover las cosas. Necesitamos más mujeres y más gente del cine de otras disciplinas. En Catalunya lo más moderno que habíamos visto eran “Les excursionistes calentes”. Pero no es nada nuevo. En Barcelona hay un festival erótico internacional del que me llaman cada año, pero es un ambiente cutre. Parece más la discoteca de la carretera y ese no es mi rollo. ¿Cómo escoges a tu equipo? Amarna Miller, por ejemplo, con quien trabajo mucho y que es uno de los nombres que más se oye en el porno español, me va recomendando actores. Necesito gente con la misma idea y actitud, los porn stars básicos no me interesan ni en la vida real ni en la pantalla. Busco el look de alguien que pueda no ser objetivamente guapo pero sí atractivo, real y con algo especial, que dé buena energía a la cámara. Pregunto mucho a los actores con quién quieren rodar, porque cuando hay química a priori hay muchísimas más probabilidades de rodar bien. Rodar con una actriz rusa y un chico portugués puede ser difícil, aunque hay gente a la que le gusta el morbo de no conocerse y de ahí también puede salir algo maravilloso. Trabajas también con actores amateurs. La ventaja de rodar con parejas amateurs es que son muy naturales. Los actores porno son expertos y están acostumbrados a hacer unas poses en las que se vea todo. Es difícil que dejen de hacerlo e intervenir es delicado y no quieres interrumpir demasiado, pero lo tienes que hacer. Mi trabajo y el de mi equipo es encontrar lo que funciona y dar instrucciones. Busco sexo real. El detrás de la cámara debe de ser importante. En XConfessions somos una especie de grupo que tiene mucho que ver con la confi-

anza. Hay gente que me gusta tener cerca. Misha (Cross) trae vodka polaco cuando viene, tengo actores muy majos. Hay mitos de que son cutres, de la noche, donde hay drogas y promiscuidad. Alguno seguramente hay, pero por mi elección ya no trabajo con ese tipo de gente. Hemos creado una página muy popular donde puedes conocer a los actores y ver quienes son. Me gusta ver que son personas de verdad, que tienen ideas, que algunos son músicos, pintores, gente mucho más compleja de lo que nos muestran en el porno. Y tú te consideras fuera de la etiqueta del porno. No tengo mucho que ver con ello. Tratamos sobre sexo pero de dos maneras muy distintas. Yo me defino como directora de cine independiente. Y mi género dentro de él es el erotismo. ¿Te has planteado otros géneros? No, porque éste me gusta mucho y la vida no es muy larga. Hay que intentar dedicarnos a lo que nos apasiona. Me gusta explorar, aunque al principio todo esto no era mi idea, yo pensaba hacer otras cosas. Estudiaste políticas. Había pensado trabajar en organizaciones internacionales, por eso aprendí idiomas y viajé, pero el cine siempre fue una de mis pasiones. ¿Cómo se dio este cambio de rumbo? Llegué a Barcelona en el 2000, me encantaba el sitio pero me costaba encontrar trabajo. Yo me quería quedar, así que para sobrevivir trabajé en producción audiovisual llevando actores, haciendo cafés, fui avanzando poco a poco. Aprendí de qué iba el cine, me gustaba y decidí estudiarlo. Ahí tuve la oportunidad de hacer un corto y quería ver si se podía hacer un cine adulto distinto. Tenía 23 ó 24 años, la sexualidad estaba en el centro de mis pensamientos, además de los feministas que traía de la universidad. The Good Girl fue mi película experimento y técnicamente no era gran cosa, tampoco sabía mucho sobre el manejo de equipos audiovisuales, pero es muy bonita, tiene alma y se ve el espíritu. Gustó mucho pero no sabía qué hacer con ella, nadie veía el negocio. Al picar a la puerta de una productora ya te estás metiendo en un mundo de hombres. Yo tenía una película porno, si llamaba a la puerta de productoras mainstream me decían que era demasiado porno, pero las productoras pornos decían que era poco porno. Por suerte en esa época surgió internet. Aún no había streaming pero salieron los blogs, decidimos poner uno y publicar la peli gratis. En poco tiempo tenía millones de descargas. Vi que había posibilidades. Debió de haber momentos en que te plantearas dejarlo. Me empezaba a hacer preguntas, ¿cómo me he metido aquí? Yo nunca había reflexionado, era muy joven y aquello era una aventura. Empecé a entender cómo me iban a ver el resto de mi vida, aquello estaba dejando de ser solo un pequeño proyecto artístico, ¿qué va a decir mi madre? El sexo es todavía algo privado, en público da más miedo y más vergüenza, ella decía que estaba tirando mi carrera y mis posibilidades. Ahora le parece algo guay, ha visto que he hecho algo importante. Y que te respetan. Y que salgo en los medios culturales, haré un TED Talk ahora en Viena y estaré en la Sex Week en la Universidad de Yale. Pero sigo teniendo conflictos con el mundo exterior por lo que hago. Los dueños de un piso no nos lo dieron porque dijeron que no querían ese tipo de actividades. Algunos bancos no quieren llevar el TPV de mi tienda online. Es un poco absurdo, yo creo que hago algo bueno y positivo. Facebook cerró mi cuenta, pero no por colgar imágenes porno, sino por un texto que publiqué sobre mi visión del aborto. Decían que estaba promoviendo autolesiones. Volvemos a la censura. El problema es que las fuentes sobre sexo cuando se tiene quince años son los amigos, que lo han sacado de internet o del vecino, tras ver como Rocco Siffredi se folla a diez búlgaras por el culo. Es horrible, la gran mayoría del porno es muy feo. No muestra una sexualidad positiva, natural, no muestra como hom-

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bres y mujeres interactuamos sexualmente, no muestra unos roles de género de feminidad y masculinidad duales. De nuevo el dominio de los hombres en la industria. Los creadores de porno en general no han pensado en las mujeres. Ni en sus necesidades, ni en su placer. Somos tratadas como una bella herramienta. Eso a mí me hace sentirme muy reducida porque no me siento ni como un bello objeto ni como una herramienta. Yo quiero mi parte del pastel. ¿Cómo te sientes trabajando con la homosexualidad? He hecho cosas. Cuando empecé hice un corto de dos hombres, pero me sentí muy incómoda porque es una sexualidad que no manejo. Era más bien una declaración de intenciones porque siempre se había hecho con dos mujeres, pero no es tan fácil. Para grabar sexo tienes que entenderlo. No sé cómo se mueven los hombres, cómo sienten, y no consigo entrar. Pero mi público es sobretodo heterosexual, aparte de algunos cortos entre mujeres que he hecho. Hay porno lésbico pero es bastante bestia. Tras todo este tiempo habrás llegado a conclusiones a nivel social, de lucha por el éxito, ¿cuál ha sido tu gran aprendizaje? Esta ahí, colgado en la pared: Done is better than perfect.

The Lust surname, is it real by exceptional coincidence? It was taken. My surname is Hallqvist, which is pretty common in Sweden, but outside it’s hard to pronounce and not too artsy. When we started Lust Films I was still Erika Hallqvist, but I realised little after that it wasn’t a name people would remember, so I borrowed the Lust from the company name. For its sinful meaning, Lust is not too used in Spanish. In English it is used quite often, but here it’s a shame that it’s hidden It’s a beautiful, light word. It’s romantic, it’s attractive. The series XConfessions, Vol. I and II are your latest films. How would you define them? It’s the experiences, fantasies, ideas and adventures of people that I turn into movies. Confessions that anyone can submit on your website to become one of the ten chosen to create a movie. I let them know by email. People love it, they even want to change details. Soon Vol. III will be out, this must mean you have a pretty good time with this. I see what I have as an audiovisual lab and allow myself to try and do whatever I feel like. I’ve worked a lot to get here. People say I’ve been lucky, but I’ve invested many hours and I have worked hard. Now everything starts to flow, we have a level of production that allows us to do a bit more than before, so I give myself permission to have fun. What is the adult cinema you make based on? It was born because I was tired of pornography having been for such a long time a male monopoly. This has made it pretty garrulous. In what sense? It’s boring, I don’t find art or game in the genre. I think that’s a pity and a waste, sex has so much more potential. It can be interesting, it has a lot of nuances and still it’s empty of artists. A bit further we find erotic cinema, but it lacks something when it comes to explicit sex. What I do is independent cinema for adults. I don’t see why not many people have become involved, it’s a very fruitful world. But many don’t want to contaminate themselves with the pornographer label. I see a need to get inside and move things. We need more women and more people from other cinema disciplines. The most modern thing we had seen around here was “The horny hitchhikers.” But it’s nothing new. There’s an erotic international

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Una vez lo vi colgado en unos baños. Para mí significa dejar de ser tan miedosa y procrastinadora, de esperar tanto. Aprender a saltar a la piscina más a menudo. He aprendido a hacer más caso a mis instintos, que son muy buenos, pero como tantas mujeres dudo mucho de mí misma, pienso que lo que hago no es suficientemente bueno, así que intento ser más masculina en lo que hago y en el camino que sigo. No es una cita mía pero para tener éxito y conseguir cosas lo más importante es hacer cosas. Porque las ideas las compartimos muchos, yo no soy la única que tuvo esta idea. Pero la diferencia está ahí: en llevarlas a cabo. Da igual si no salen tan bien como querías. Primero todo sale mal, la próxima vez saldrá mejor, y luego aún mejor... así que ¡do it anyway! Nos hemos acostumbrado a tenerlo todo al momento. Perfect doesn’t exist. Hay que tener más confianza, lo veo mucho en entrevistas entre hombres y mujeres. Ellas muchas veces se sientan y al presentarse, en lugar de promocionarse, empiezan a dar excusas y a quitarse méritos. Lo he visto tanto que ahora, cuando entra un hombre, divido lo que dice por la mitad y lo que me dice una mujer lo doblo. Así obtengo un equilibrio de lo que son capaces en la vida real.

festival in Barcelona each year they call me to attend, but it’s a shabby atmosphere which is not for me. How do you choose your team? Amarna Miller, for instance, whom I work with a lot and who is one of the most famous Spanish porn figures today, recommends actors to me. I need people with the same idea and attitude, the basic porn stars don’t interest me nor personally or on a screen. I seek the look of someone who might not be objectively good-looking but attractive, real and with something special that gives a good vibe to the camera. I tend to ask actors a lot who they want to shoot with, since having chemistry from the beginning gives so many more chances of shooting well. Shooting with a Russian girl and Portuguese guy can be hard, although some people like the thrill of not knowing each other and amazing things can come out of that as well. You also work with amateurs. The perks of shooting with amateur couples is that they are very natural. Porn actors are experts and are used to making poses in which everything is seen. It’s hard for them to stop doing so and intervening is delicate since you don’t want to interrupt too much, but you have to. My job and my team’s is finding what works and giving instructions. I look for real sex. W hat happens behind the camera must be important. In XConfessions we’re some sort of group that has a lot to do with trust. There’s people I like to be surrounded by. Misha (Cross) brings Polish vodka when she comes, I really have nice actors. There’s myths of them being shabby, party animals, doing drugs and being promiscuous. I’m sure there is someone, but from my selection that’s not the kind of people I work with. We have created a very popular site where you can get to know the actors and see who they are. I like to see that they are real people, that they have ideas, that some of them are musicians, painters, much more complex people than what is shown in porn. And you consider yourself outside the porn label. I don’t have much to do with it. We both address sex but in very diverse ways. I define myself as independent cinema director. And in my genre inside of it is the erotic. Have you ever considered giving other genres a try? No, I really like this one and life isn’t so long. We should try and do what we love. I like to explore, although at the beginning nothing of this was in my plans. You studied political sciences. I had thought of working in interna-

BECAUSE IDEAS ARE SHARED BY MANY AND I WASN’T THE ONLY ONE TO HAVE HAD THIS IDEA. BUT THE DIFFERENCE LIES PRECISELY THERE: IN CARRYING THEM OUT

tional organisations, which is why I learned languages and travelled, but cinema was always one of my passions. How did that change of path happen? I arrived in Barcelona in 2000, I loved the place but found it hard to find a job. I was determined to stay, so in order to survive I worked in audiovisual production driving actors, making coffee and somehow slowly grew. I learned what cinema was about, I enjoyed it and decided to study it. I was 23 or 24, sexuality was at the centre of my thoughts, also the feminist ones I had taken from University. The Good Girl was my experiment movie and technically it wasn’t great, I also didn’t know much about audiovisual team management, but it’s beautiful, it has soul and you can tell what the spirit is. People appreciated it but I didn’t know what to do with it, nobody knew how to business could be made. By knocking at a producer’s door you’re already stepping on a world of men. I had a porn movie, if I knocked at mainstream producers’ doors they said it was too porn, but porn producers said it was too little porn. Luckily internet was born in those days. Streaming didn’t exist yet but blogs came out and we decided to create one and share the film for free. After a while it had millions of downloads. I realised there was a possibility. There must have been times in which you considered quitting. I began to ask questions to myself, how have I ended up here? I had never thought twice, I was very young and that was an adventure. I started to realise how people would see me for the rest of my life and that was not being just that artistic project anymore. What’s my mother going to say? Sex is still something private, publically it’s still scary and embarrassing. She said I was wasting my career and possibilities. Now she thinks it’s cool, she sees I’ve done something important. And that you’re respected for it. That I’m on cultural media, I’ll be giving a TED Talk soon in Viena and I will be in Sex Week in Yale University. But I still have trouble with the world for what I do. The owners of a flat didn’t give it to us because they said they didn’t want to be linked to that sort of activities. Some banks don’t want to work with my online shop system. It’s quite absurd, I think what I do is good and positive. Facebook closed my account, not for uploading porn images but for a text I published about my view on abortion. They said I was promoting self-injury. We go back to censorship. The problem is that the sources about sex when you’re fifteen are your friends, who have learned from the internet of from their neighbour after seeing how Rocco Siffredi fucks ten

Bulgarians in the ass. It’s horrible, the majority of porn is hideous. It doesn’t show a positive or natural sexuality, it doesn’t show how men and women sexually interact, it doesn’t show femineity and masculinity dual roles. Again the dominion of men within the industry. The creators of porn in general haven’t thought of women. Nor in their necessities or pleasure. We’re treated like pretty tools. That makes me feel small because I don’t feel like either a pretty object or a tool. I want my piece of the cake. How do you feel working with homosexuality? I’ve done a few things. When I started I made a short film with two men, but I felt very uncomfortable because it’s a sexuality I don’t know well. It was more like a declaration of intents because it had always been done with two women, but it’s not so easy. To shoot sex you need to understand it. I don’t know how men move or feel, and I can’t manage to get in. But my audience is mainly straight, apart from a couple of short films with women I’ve done. There is also lesbian porn but it’s pretty hardcore. After all this time you must have made conclusions at a social level or with regards to success. What has been your biggest learning? It’s up there, hanging on the wall: Done is better than perfect. I once saw it in a bathroom. To me it means stop being so scared, procrastinator and waiting so much. Learning to jump in the pool more often. I’ve learned to pay more attention to my instincts, which are great, but as many other women I doubt of myself, I think what I do is not good enough; so I try to be more masculine in what I do and the path I follow. The quote is not mine but in order to be successful and achieve things it’s crucial to do things. Because ideas are shared by many and I wasn’t the only one to have had this idea. But the difference lies precisely there: in carrying them out. Never mind if they don’t turn out as well as you wanted. At first everything goes wrong, then it will go better and then even better… so do it anyway! We’ve got used to having everything done instantly. Perfect doesn’t exist. We need to be more confident, I see it a lot in interviews with men and women. When women introduce themselves, instead of promoting themselves they give excuses and speak very modestly. I’ve seen it so much that now, when I interview a man, I divide what he says by half and double what a woman says. This way I obtain a balance of what they are like in real life.

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19:28 TATTOO PARLOUR

LA BIBLIA DICE NO T: LAURA BONET F: FLORENCIA LUCILA

19:28 Tattoo Parlour es una mezcla entre prehistoria, salvajismo, simbología y manifiestos. Situado en pleno centro del barrio de Gracia de Barcelona, el pasado mes de septiembre celebró su primer aniversario por todo lo alto: con cerveza, Jägermeister, picoteo, pastel de cumpleaños y hasta la posibilidad para algunos invitados con suerte de plasmarse por la patilla el arte de estos chicos en la dermis. Todo acorde con este auténtico museo del tatuaje en el que uno se siente sencillamente en casa. Si hay algo importante para los artistas que se esconden detrás de 19:28 es conseguir que la experiencia de tatuarse sea inolvidable. Tatuar es para ellos todo un placer y cualquiera que pise el estudio es bien recibido. Hablamos con Wahid, Dani Cobra, Il Fede y Andreu para saber un poco más sobre la pasión que genera el ser parte de esa orgía entre mano, aguja, tinta y piel. 19:28 Tattoo Parlour it’s a combination of prehistory, savagery, symbols and manifestos. Located in the very centre of the Gracia area in Barcelona, its team celebrated last September their very first anniversary as only they could have done it: cold beer, Jägermeister, sweet treats, birthday cake and the possibility for some lucky guests to get a free piece of these chap’s art on their dermis. Fair enough if we consider we’re talking about an absolute tattoo museum inside of which one feels truly at home. If something is aimed for by the guys behind 19:28 is to make the experience of getting a tattoo unforgettable. Tattooing is for them a complete pleasure and anyone is more than welcome when setting foot on the studio. We speak to Wahid, Il Fede, Dani Cobra and Andreu to find out more about the resulting passion of being part of such orgy between hand, needle, ink and skin.

www.19-28tattoo.com ¿Cómo os conocisteis? W:No creo que se pueda contar... D: Conocí a Wahid por casualidades de la vida y me contó su proyecto de 19:28 Tattoo Parlour. Entonces yo estaba buscando un nuevo estudio en Barcelona y, después de unos cuantos cócteles... aquí estamos. F: Dani y yo nos conocimos a través de unos amigos en común. Cuando volví de Londres y me mudé a Barcelona fui directo a tocar al timbre del estudio. Allí conocí a Wahid. A: Conocí a Dani porque vivimos en la misma ciudad y compartimos amigos. Cuando decidí adentrarme en el mundo del tatuaje, hablé con él y me presentó a Wahid y a Fede. ¿Qué os llevó a emprender el proyecto de crear un estudio? W: El tattoo es mi pasión desde hace muchos años. Después de mi aprendizaje en Paris y Dijon, cuando mis maestros me dijeron que estaba listo para tatuar, decidí cumplir mi sueño y abrir mi propio estudio. No podía ser en otro lugar que en Barcelona. ¡Estoy enamorado de esta ciudad y de su gente! ¿Por qué decidisteis bautizar el estudio como 19: 28 Tattoo Parlour? W: 19:28 es un Levítico de la Biblia que dice: “Y no haréis rasguños en vuestra carne por un muerto, ni imprimiréis en vosotros marca alguna. Yo soy el Señor.” Pero en realidad ha sido una coincidencia. Al principio buscaba algo relacionado con mi hija y mi nombre. Wahid significa uno y único en árabe y mi hija nació el 10.09.2012. Sumando los números de la fecha de nacimiento de mi hija y el número uno, encontré 19:28. Era perfecto porque pensaba

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decorar el estudio con una temática religiosa. No soy creyente pero quería hacer algo que quedase en la mente, para bien o para mal. Me gusta la idea de impactar y hacer pensar a la gente. ¿Algo que caracterice a 19:28? W:D:F: Hemos sido los primeros en Barcelona en montar un estudio de este tipo, con un ambiente y una decoración diferentes. Intentamos dar a la gente más que un tattoo, que cada persona que entre en la tienda se sienta bien y relajada, esté o no tatuada. Quiero que tatuarse sea una experiencia única porque es un acto muy importante. Todo el mundo se acuerda del día en que se tatuó, donde lo hizo y de cómo se sintió. Algo importante que muchos tatuadores olvidan es que el cliente es casi tan artista como nosotros. Muchas veces él trae la idea y nosotros hacemos de su idea un tatuaje. El cliente es el rey y somos muy conscientes de ello. Sin ellos no existimos. Quiero que cada persona que se tatúe con nosotros tenga una experiencia inmejorable. Quise montar un equipo con personalidades distintas y eso le da la fuerza necesaria al estudio. Cada uno aporta su visión del tatuaje y del arte. ¿Cómo y cuándo empezásteis en el mundo del tatuaje? W: Siempre me ha apasionado el tatuaje y el arte en general. Dibujo desde pequeño pero tardé en meterme en este mundo porque estaba estudiando. Después de acabar con mis estudios, que fueron bastante largos y no tenían nada que ver con el arte, empecé a meterme en el tattoo. Empecé un aprendizaje y allí comenzó todo. D: Viene de mi preadolescencia: portadas de bandas de metal, punk… y de lo

chungos y duros que parecían esos tíos. Empecé haciendo carteles para conciertos locales, artwork para mis bandas de música y las de mis colegas. Más tarde me hice mis primeros tatuajes y ahí empezó todo. El mal ya estaba hecho. F: Llevo dibujando toda la vida. Nací con el lápiz en la mano y me empezó a apasionar este arte cuando era adolescente y miraba los tattoos de los amigos de mi hermano. Pero empezó a ser más evidente cuando me mudé a Barcelona hace siete años. La gente empezó a conocer mis ilustraciones y a quererlas en su piel para siempre. A: Siempre me ha gustado dibujar, desde crío. Recuerdo ir en coche hasta mi colegio haciendo trazos por la pierna o el brazo pensando en los tatuajes que me haría cuando fuese mayor. Con los años, el interés siguió creciendo. Al terminar Bellas Artes y un máster, decidí empezar mi aprendizaje. ¿Qué estilo de tattoo es vuestra especialidad? 19:28 es un estudio de Tattoo, hacemos de todo pero nuestro estilo va enfocado al tatuaje tradicional y al custom tattoo. ¿Cuál fue el primer tatuaje que hicisteis? W: Una polla con alas.

How did you first meet? W: I don’t think I’m allowed to tell… D: I casually met Wahid and told me about his 19:28 Tattoo Parlour project. By then I was looking for a new studio in Barcelona and after a few cocktails... here we are. F: Dani and I met through some common friends. When I came back from London and moved to Barcelona first thing I did was knocking on the studio’s door. There I met Wahid. A: I met Dani because we live in the city and share a few friends. When I decided to get inside the tattoo world, I talked to him and he introduced me to Wahid and Fede. What took you to start the project of creating a studio? W: Tattoo has been a passion of mine for many years. After my studies in Paris and Dijon, when my teachers said I was ready to tattoo, I decided to pursue my dream and open my own studio. It couldn’t be anywhere else than in Barcelona. I’m in love with this city and its people! Why did you decide to baptise the studio as 19: 28 Tattoo Parlour? W: 19:28 is a Bible Leviticus saying: “Do not cut your bodies for the dead or put tattoo marks on yourselves. I am the LORD. » But it was a coincidence in fact. At the beginning I I looked for something related to my daughter and my name. Wahid means one and only in Arabic and my daughter was born the 10.09.2012. Adding the numbers of my daughter’s birthday plus the number one, I found 19:28. It was perfect because I was thinking to decorate the studio with a religious theme. I’m not personally religious but I wanted to do something people would have in mind, either in a good or bad way. I like the idea of making an impact and making people think. What is unique about 19:28? W: D: F: We’ve been the first ones in Barcelona to create such kind of studio, with a different atmosphere and decoration. We try to offer people more than a tattoo, the fact that everyone coming in feels good and relaxed, either being tattooed or not. I want that getting a tattoo is a unique experience because it is a very important act. Everyone remembers the day they got a tattoo, where they did it and what it felt like. Something important that many tattoo artists forget is that the client is almost as much as an artist as we are. Most of the times he or she brings the idea and we turn his or her idea into a tattoo. The client is the king or queen and we are very aware of this. Without them we’re nothing. I want that every person who gets a tattoo with us has an outstanding experience. I wanted to create a team with different personalities and that provided the studio with the necessary strength. Now each brings their view on tattoos and art. How and when did you begin in the tattoo world? W: I’ve always been passionate about tattoos and art in general. I’ve been drawing

D: Fue a mí mismo. La intención era hacer un corazón anatómico pero me salió una patata. Por supuesto, aún lo tengo y ahí se va a quedar. F: No quiero acordarme... A: Una polilla en mi pierna. ¿A quién y qué os gustaría tatuar? W: Me gustaría tatuar ‘imbécil’ en la frente de George W. Bush. ¡Ha hecho mucho daño al mundo! D: A Jesucristo. En su defecto, al Fari. F: Julio Iglesias. ¿Os negaríais a hacer un tatuaje por alguna razón? W:D:F:A: Sí, si creemos que lo que nos piden no puede quedar bien o es una idea no tatuarse. Si nos viene un cliente sin o con pocos tatuajes y nos pide tatuarle zonas como la cara, el cuello, o las manos, haremos que se replantee su decisión. Hay que ser responsable y hacer ver a la persona las consecuencias que puede tener para su futuro un tatuaje así. ¿Alguna experiencia inolvidable que hayáis vivido en 19:28 Tattoo Parlour? W: Cada día es inolvidable en 19:28. Tenemos la suerte de vivir de nuestra pasión. Además, más que un equipo, somos amigos. Eso no tiene precio.

since I was a kid but it took me a long time to get inside this world because of my studies. When I was done with those, which were long and had nothing to do with art, I began to get related to tattoos. I started my learning and there’s where everything began. D: It comes from my early adolescence: metal and punk bands’ covers…and how harsh and dodgy those guys seemed. I started doing posters for local concerts, artwork for my music bands and those of my friends’. Then I had my first tattoos and everything started. The harm had been done already. F: I’ve spent all my life drawing. I as born with a pencil in my hand and I started loving this art as a teenager and saw my brother’s friends’ tattoos. It began being more obvious when I moved to Barcelona 7 years ago. People started to get to know my illustrations and to want them on their skin forever. A: I’ve always liked drawing, ever since I was a little boy. I remember being driven to school and sketching on my leg or arm, thinking about the tattoos I would get when I grew up. Over the years, my interest kept growing. When I finished studying Fine Arts and a Master’s degree, I decided to begin my learning. What tattoo style would you say is your specialty? 19:28 is a Tattoo studio, we make everything but our style is focused on traditional tattoo and custom tattoo. What was the first tattoo you ever did? W: A dick with wings. D: I did it to myself. The intention was to make an anatomic heart but it was more like a potatoe. I obviously still have it and that’s where it will remain. F: I don’t want to remember… A: A moth on my leg. Who and what would you like to tattoo? W: I would like to tattoo ‘imbecile’ on George W. Bush’s forehead. He’s done so much harm to the world! D: Jesus. Alternatively, El Fari. F: Julio Iglesias. Would you refuse to make a tattoo for any reason? W: D: F: A: Yes, if we believe what we’re being asked won’t look good or is not a tattooable idea. If a client with none or very few tattoos comes to us and asks us to get a tattoo on areas like the face, neck or hands, we will try to make him or her think about such decision twice. We need to be responsible and make the person see the consequences such tattoo can have in his or her future. Any unforgettable experience you’ve lived at 19: 28 Tattoo Parlour? W: Everyday in unforgettable at 19:28. We are very lucky to make a living from our passion. Also, more than a team, we’re friends. That’s priceless.

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Element presentan

Brian Gaberman exhibition:

THE ROAD TO WOLFEBORO A veces, para saber hacia dónde vas, tienes que reconciliarte con el lugar del que provienes. Tus raíces son parte de ti, quieras o no. No te definen, pero sí determinan el camino que vas a tomar después. Y a veces, ese camino, te lleva de nuevo al punto desde donde partiste. Brian Gaberman es más que advocate y fotógrafo de Element: es amigo de toda la vida, un miembro más en la gran familia de la marca desde hace siete años. Siempre está experimentando, descubriendo, su propia curiosidad le ha llevado a empujar más allá sus propios límites, equilibrando el amor por la fotografía con su pasión por el skate. Por eso, ha emprendido un viaje introspectivo en el que hacer balance de lo que implica la madurez: todo aquello que has aprendido y que te llevarás cuando empieces la siguiente etapa de tu vida. El punto de partida es Nueva York, ciudad que vio nacer a la marca, para acabar en Wolfeboro, nombre con el que ha bautizado la nueva colecci´´ón. ¿Qué tiene de especial Wolfeboro? Esa pequeña localidad de la costa tiene una atmósfera única, tanto que cuando el fundador de Element, Johnny Schillereff, pasó por ahí, la sintió como su propio hogar. Allí Brian Gaberman fue con su última inquietud: una cámara que usa la técnica del colodión húmedo, con negativo de vidrio. Una solución que hace realidad la visión líquida y etérea que él tiene del mundo. El resultado son fotografías únicas, con una áurea oscura, que nos pintan Wolfeboro como algo casi místico. Y es que en sus propias palabras, lo verdaderamente excepcional de toda esa experiencia es que en la imperfección está la verdadera libertad. Allí fue libre para ir más allá de la gran foto y dar visibilidad a todos esos elementos que pasan desapercibidos. Y es que ya se sabe: la belleza siempre está ahí, solo hay que saber verla. Este viaje de diez días fue rodado de principio a fin en un documental llamado The Road to Wolfeboro, y ahora es el momento de conocer cada detalle de la historia detrás de las fotografías. Desde Wolfeboro, el siguiente paso es el resto del mundo: Brian Gaberman y Element viajarán por toda Europa, llegando a Barcelona de nuestra mano el próximo 21 de noviembre, para proyectar el documental en pantalla grande y mostrar las fotografías en una exposición inédita. Viernes 21 de noviembre en MAISON LELOOK (Bruc, 39) a las 20h. Barcelona

www.elementbrand.com www.gaberman.com 129

Sometimes, in order to know where youâ&#x20AC;&#x2122;re going, you need to go back to where you belong. Your roots are part of yourself, whether you like it or not. They may not define you, but they do indicate the path you will take in the future. And often, that path brings you back to that very first point where everything began. Brian Gaberman is more than advocate and photographer for Element: he has been a close friend, one more in the brandâ&#x20AC;&#x2122;s big family for the last seven years. He is always experimenting, discovering, his own curiosity has taken him to push his limits even further, making a balance between his love for photography and his passion for skateboarding. This way he has started an introspective journey in which he reflects about what maturity means: everything you have learned and which you will take with you when the next phase of your life begins. The starting point is New York, the city that once saw the brand come to life, to end up in Wolfeboro, name under which you have baptised the new collection. What does Wolfeboro have that is so special? That small village on the coast has a unique atmosphere, to a point that when Element founder Johnny Schillereff stopped by, he felt like home. And that is precisely where Brian Gaberman went with all of his restlessness: a camera that uses the wet collodion technique with a glass negative. A solution that makes a worldâ&#x20AC;&#x2122;s liquid and ethereal vision possible. The result is unique photographs with an obscure aura and which turn Wolfeboro into something almost mystical. In his own words, in fact, the truly exceptional in all that experience is that imperfection is where true liberty lies. Over there he has felt free to go beyond the great photo and give visibility to those elements which often go unseen. It is common knowledge: beauty has always been there, you just need to learn how to see it. That ten-day trip was shot from beginning to end in a documentary called The Road to Wolfeboro, and it is now time to get t know every detail of the story behind those photos. From Wolfeboro, the next step is the rest of the world: Brian Gaberman and Element will travel through Europe, getting to us in Barcelona next November 21st, to show the documentary in a big screen as well as the photographs in an exclusive exhibition. Brian Gaberman exhibition tour: 21st November - Barcelona 27th November - Berlin 4th December - London

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Bajo el nombre artístico de elDimitry se encuentra Diego Nestar. Este ilustrador nació en Palencia con P, se marchó de su ciudad natal y ahora ha vuelto. Durante este trayecto de su vida, sus ajetreos entre copas, kebabs, salsa, estudios en Publicidad y búsqueda de motivaciones le han hecho asentarse en numerosos puntos del mundo como Valladolid, Atenas, Madrid o Chile. En este ir y venir su ilustración se ha mezclado con gráficos publicitarios, street art, gráficas para pinchadiscos e ilustraciones de libros en inglés. Ahora prepara una exposición en la Fousion Gallery de Barcelona, una vuelta a una ciudad con la que tiene una vinculación muy especial. Under the artistic name of elDimitry we find Diego Nestar. The Spanish illustrator left his hometown, Palencia long ago, to just recently come back. During this period of his life, the hustle between drinks, kebabs, salsa, studies in Advertising and the sought of motivation have made him settle in various spots worldwide such as Valladolid, Athens, Madrid or Chile. Within this current his illustration has been mixed with advertising graphics, street art, vinyl graphics and English books’ illustrations. He is now preparing an exhibition at Barcelona’s Fousion Gallery, a comeback to a city he has a special relationship with.

elDimitry

T: SARA CENTELLAS

Musas en cuerpo y alma

¿Qué consigues destacar con el trazado de las formas del cuerpo y las curvas de tus personajes? Es simplemente una forma de solucionar los volúmenes mediante la línea. Se trata de un recurso estético que me encanta. Una pared, una hoja en blanco, madera o programas digitales... ¿qué superficie prefieres? De todas las superficies que he probado, me quedo con una madera vieja. Has pintado la fachada de un edificio entero en Palencia, ¿tienes algún lugar que querrías pintar? No tengo ningún edificio concreto en mente, pero me apunto al que sea. ¿Qué hay de la simbología femenina en tus obras? Dibujo muchos tipos de mujeres, son reinas de corazones, princesas Mononoke, hadas, madres y uso mucha simbología en general. En concreto, hice un mural que estaba dedicado a “Ethel Sunny Lowry”, que fue la primera mujer en cruzar a nado el Canal de la Mancha y una defensora acérrima de los derechos de la mujer. Lo vi oportuno y la plasmé en una de mis ilustraciones.

What do you manage to highlight with the bodies’ shapes and curves of your characters? It’s just a way of solving volumes through lines. An aesthetic resource I love. A wall, a blank page, wood or rather digital support… which surface do you prefer working on? From all the surfaces I’ve tried, I’ll stick to old wood. You have painted the façade of a whole building in Palencia, is there a place you would particularly like to paint? I don’t have any concrete building in mind, but I’m up for everything. What about the feminine symbolism in your artwork? I draw many kinds of women, they are queens of hearts, Mononoke princesses, fairies, mothers and a lot of symbolism, which I often use. More specifically, I painted a mural dedicated to “Ethel Sunny Lowry”, the first woman to cross the English Channel and a firm defender of women’s rights. I saw it appropriate and captured it in one of my illustrations.

Hablemos de tu marca personal, ¿siempre ha estado definida o ha ido cogiendo referentes? Mi vía artística siempre ha sido un experimento, y habrá muchos más. He tenido muchas fuentes y eso es algo de lo que uno se nutre, como la estética japonesa. Pero no es algo intencionado o buscado.

Let’s talk about your personal signature. Has it always been defined or has it been influenced by different guides? My artistic path has always been an experiment, and there and there will be more of those. I’ve had many sources and that’s something one nourishes from, like Japanese aesthetics. But it’s nothing intentional or sought.

Has trabajado en publicidad y en tu cabeza hay influencias Art Déco. ¿Hay algún mensaje implícito, no visto a ojos del espectador en tus obras, pero que quieras transmitir? En algunas ocasiones sí que introduzco detalles o guiños pero no hay un mensaje oculto tras mis obras. En cuanto a la publicidad, trabajo más libre sin cliente, pero igual que el Art Déco que llegó a ser un arte en sí mismo, no porque trabajes en publicidad te salen peores trabajos.

You have worked in advertising and you have been guided by Art Déco. Is there an implicit message, unseen to the spectator’s eye in your pieces that you want to transmit? On some occasions I do introduce details or winks but there’s no hidden message behind my pieces. As for advertising I work more freely without a client, but the same way Art Déco became an art by itself, working in advertising doesn’t make pieces worse.

¿En qué te hace pensar INSIDE? En la muestra de artes visuales y músicas contemporáneas @inside22. Montamos junto con Peta Kuti una gran instalación ilustrada que mostraba las diferentes partes del consumismo, a la que llamamos “Horror Vacui”. Fue a finales del 2008, en el espacio artístico Niu de Barcelona.

What does INSIDE make you think of? It reminds me of the visual arts and contemporary music show @inside22. Together with Peta Kuti we made a great illustrated installation that showed the different sides of consumerism, we named it “Horror Vacui”. It was by the end of 2008, at the artistic space Niu in Barcelona. Barcelona’s got the power.

Barcelona tiene poder. Esta ciudad me motivó mucho. De hecho, siento que ahí comenzó mi carrera realmente. En Barcelona tuve el placer de trabajar dos veces con lamono en el Sonar. Las recuerdo muy divertidas. No pintaba mucho, pero dábamos un gran espectáculo. Si tuviera que repetir, repetiría.

This city really moved me. In fact, I feel that’s where my career truly began. In Barcelona I had the pleasure of working with lamono twice for the Sonar. I remember them as great fun. It didn’t suit much, but we gave a huge spectacle. If I could do it again, I definitely would.

elDimitry inaugurates his new exhibition at Fousion Gallery Barcelona on 27th November. www.fousiongallery.com

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REVIEW / BARCELONA / 10TH SEPTEMBER 2014

#PLAYAWLAB Basket Championship PH: ANNA PAREDES

Puede que no hubiera una canasta para marcarse unos triples, y ni falta que hizo. En la tercera edición de las #playawlab parties festejábamos el pasado 10 de septiembre el paso del 2014 FIBA Basketball World Cup por nuestro país, así que ni las sneakers ni el espíritu callejero del hip hop podían faltar. Para crear una atmósfera única en la ciudad, la exposición de la reputada fotógrafa del movimiento grime mundial Verena Stefanie Grotto transportó a los asistentes a las canchas, calles y escenarios de Londres y Nueva York. La banda sonora fue el hip hop y el funky de la mano de Dj Ru Ondo, quien armado con su micrófono, lo dio todo y más, permitiendo a unos bailarines espontáneos rodar con sus cabezas más que con sus pies sobre las bonitas baldosas hidráulicas del suelo de AW LAB en Portal de l’Àngel. Las Moritz chocaban unas con otras en forma de brindis unas veinte veces por minuto, y los curiosos que se acercaban a ver qué demonios se cocía no tardaban en posar sus narices sobre unas imágenes que derrochaban la actitud caradura y reivindicativa de toda una cultura que va mucho más allá de la música y el rap. El momento en que dejábamos la tendencia hecha regalo en manos de la suerte se acercaba: teníamos tres pares de sneakers que repartir y éstas parecían llevar el nombre de sus futuros dueños, que se llevaron unas Nike Air Force 1 , unas adidas AR 2.0, y unas Nike Jordan Future. Puede que los jugadores de Basket vuelvan a sus países con sus equipos y sus canastas, pero la huella del movimiento Grime ha dejado no se va a ningún lado. There may have not been a hoop to try and make a few three-pointers, but there was in fact no need for one. In the third edition of the #playawlab parties we celebrated last September 10th the visit of 2014 FIBA Basketball World Cup to our country, so both sneakers and hip hop’s street spirit needed to be present. In order to create a unique atmosphere in the city, Verena Stefanie Grotto’s exhibition managed to take all attendees to the courts, streets and sceneries of London and New York. Its soundtrack was Dj Ru Ondo’s hip hop and funky music who, armed with his microphone created a party himself, allowing a bunch of spontaneous dancers roll with their heads on the beautiful patterned tiles of AW LAB Portal de l’Àngel store’s floor. Those Moritz beers clinging in a toast an average of twenty times per minute and it did not take much time for those few curious ones approaching to check what on earth was going on to stop and stare at those snaps boasting that cheeky and revolutionary attitude of a whole culture that goes far beyond music and rap. The moment of making style become a lucky gift was coming closer: we had three pairs of sneakers to give out and these seemed to cary the names of their future owners, who took home with them a pair of Nike Air Force 1, a pair of Adidas AR 2.0. and a pair of Nike Jordan Future. Basketball players may have well gone back to their home countries with their teams and hoops, but the remnant of the Grime movement are surely not going anywhere.

www.aw-lab.com

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REVIEW / LONDON / 24TH SEPTEMBER 2014

Manhattan Days :: Polar Skate Co X Converse Cons PH: EVA VILLAZALA

Hay formas y formas de presentar una zapatilla y de organizar una première con un lanzamiento exclusivo a nivel internacional. Si la cosa viene de Pontus Alv apoyado por Converse Cons, no hay fallo. Va a ser algo bueno. Y así fue. Nos fuimos a Londres el pasado 24 de septiembre para asistir a la première de #ManhattanDays, el documental que presenta la colaboración de Polar Skate Co x Converse, zapatillas y colección apparel donde la sonrisa y la tristeza lánguida de las caritas de Pontus son las protagonistas. Todo pasó rápido y fluido. Nos juntamos a las tres de la tarde en Slam City Skates de Shoreditch y tras una pintada rápida en las rampas de la cara triste y la alegre salimos en manada a probarlas por la zona. Pontus Alv estaba bien rodeado de sus riders, entre otros, Kevin Rodrigues, Jerome Campbell y David Stenstrom, además de Harry Lintell, que se llevó las más fervientes ovaciones en cada spot por su tenacidad y persistencia hasta conseguir el truco, implacable. Los patrios que se desplazaron hasta Londres para darlo todo también fueron Dani Quintero, Felipe Bartolomé y Borja Santiago. Todos juntitos y en familia invadimos la ciudad de patines y trucos improvisados por paredes, bordillos y vallas. Todo muy fluido y muy chill, con una buena energía que iba contagiando a los que nos encontrábamos, aunque su integridad física y la des sus vehículos estuvieran en peligro. Tras ese tour, llegó el momento de la première. El film viene a ser una reproducción de lo que vivimos por la tarde pero en petit comité con Pontus y su crew patinando las calles de Manhattan. Como era de esperar, canela fina. ¡Nos gustó, nos gustó todo! There are many different ways of presenting a shoe and organise a première with an exclusive international launch. And if it comes from Pontus Alv supported by Converse Cons, there is no possible error. It’s gonna be good. And so it was. We were off to London last September 24th to attend the première of #ManhattanDays, the documentary presenting the collaboration between Polar Skate Co x Converse, shoes and apparel collection where the smiles and sad looks of Pontus’ face became protagonists. Everything was fast and smooth. We came together at 3 o’clock at Slam City Skates in Shoreditch and after a quick painting on the ramp with the sad and the happy face on, we cruised as a pack to give them a try around the area. Pontus Alv was well surrounded by his riders, among others, Kevin Rodrigues, Jerome Campbell and David Stenstrom, apart from Harry Lintell, who earned the most fervent ovations in each spot because of his tenacity and persistence until the trick was done, relentless. Other nationals who also joined were Dani Quintero, Felipe Bartolomé and Borja Santiago. All together and as a family invaded the city with boards and improvised tricks through walls, kerbs and fences. All nice and chilled and full of a good energy that was passed on to those we bumped into, even when their own safety as well as their vehicles’ were seriously being put at risk. After the tour, it was time for the première to begin. The film can be seen a reproduction of what we had lived during the evening but in petit comité with Pontus and his crew skating the streets of Manhattan. As could have been expected, brilliant stuff. Oh did we like it, did we like it all!

www.conversecons.com www.polarskateco.com

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REVIEW / BARCELONA / 9TH OCTOBER 2014

TwoThirds El Born PH: MONTSERRAT RAJA

Y por fin, ya podemos decir que hay un nuevo hotspot en la ciudad: TWOTHIRDS inauguró el pasado jueves 9 de octubre su segunda tienda en la Ciudad Condal, después de un año de hacer lo propio con su flagship store en el centro - C/Duc, 8-. En pleno corazón del efervescente barrio del Borne, la nueva tienda abre sus puertas cargada de vibraciones surf, conciencia medioambiental, amor por el océano y, por supuesto, mucha moda. Desde ya podemos disfrutar de la colección otoño-invierno de la firma en el nuevo espacio. A la inauguración acudieron diferentes medios, al igual que amigos fieles de la marca, como los chicos de Surf House Barcelona. Y en las paredes, arte: Emil Kozak, director artístico de la firma, quiso dar la bienvenida a la nueva tienda con la exposición One Man’s Trash is Another One’s Gold, en la que a través de instalaciones y pinturas aborda la problemática de los residuos en el océano. Sea you soon! At last. We can eventually say there’s a new city hotspot: TWOTHIRDS inaugurated last Thursday October 9th its second store in Barcelona, after a successful year at its flagship store in the city centre – C/ Duc, 8. In the middle of the heart of the thrilling Born area, the new stoe opens its Doors full of vibrations of surf, environmental awareness, love towards the ocean and, of course, a great deal of fashion. As of now we can enjoy the brand’s autumn-winter collection in its new space. Various media channels attended the opening, as well as friends of the brand, like the guys from Surf House Barcelona. And at the walls, art: Emil Kozak, TWOTHIRDS’s art director, wanted to properly welcome the shop with the exhibition One Man’s Trash Is Another Man’s Gold, in which through installations and paintings he addresses the issue concerning ocean pollution. Sea you soon!

www.twothirds.com

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REVIEW / LONDON / 10TH OCTOBER 2014

Jägermeister x Vans Creative Contest ¿Qué más se podía pedir de la unión de dos marcas como son Vans y Jägermeister? Fiesta, buen rollo y mucha actitud. Hubo cerveza, chupitos bien fríos y el ambiente único que crea la unión entre estos dos titanes que forman parte del adn de toda una generación. El motivo de todo este sarao fue la inauguración de la exposición Jägermeister x Vans Creative Contest del pasado 10 de octubre en la nueva flasghip store de Vans en el centro de Barcelona. Y allí estábamos: bailando los temazos que Gerard Estradella se encargó de pinchar, picando uno de los maravillosos cupcakes de colores que nos esperaban allá donde fueras, y contagiándonos de las ganas de fiesta de la Jäger crew, que animarían hasta al más apático si se lo propusieran. Pero pongámonos en contexto: en verano, Vans y Jägermeister presentaron un concurso a cargo del Istituto Europeo di Design (IED) que buscaba la imagen que mejor plasmara la personalidad de la juventud. Daba igual el escenario y los medios que se utilizaran mientras consiguiera cumplir con el objetivo, incluyendo a las dos marcas. La obra ganadora y todas las finalistas pasaron a formar parte de una colección que se mostró en la tienda California Bear de Madrid el pasado mes de julio. Ahora, todas las obras las podéis ver en la Vans Barcelona Store durante un mes. Así que aprovechad y pasaros antes de que sigan con la gira por otras ciudades. Y que la fuerza del Jäger os acompañe. What else could we expect from the union of two brands like Vans and Jägermeister? Party, good vibes and a great deal of attitude. As well as beer, cold shots and the unique atmosphere created by the union of these two titans that already belong to the DNA of a whole generation. The reason to have such a celebration was the opening of the Jägrmeister x Vans exhibition Creative Contest, which took place last October 10th at Vans’s new flagship store in Barcelona’s city centre. And there we were: dancing to the hits deejay Gerard Estadella played, grabbing some of those outstanding colourful cupcakes waiting to be chosen in any spot one chose and with the same mood for party as the Jäger crew, who would have been able to pass it on to the most apathetic person on planet Earth. But let’s not miss the point: during summer, Vans and Jägermeister presented a contest in collaboration with the Istituto Europeo di Design (IED) in which the image expressing youth’s personality was sought. Nor the scenery nor the mediums used mattered, as long as the objective was reached and the two brands included. The winning piece as well as the finalists became part of a collection displayed at the California Bear store in Madrid last July. Now, all pieces can be found at the Vans Barcelona Store for a whole month. Don’t miss the chance and go take a look before the tour takes them to other cities. And may the Jäger be with you.

www.vans.es www.jagermeister.es

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REVIEW / CZECH REPUBLIC / 16TH-19TH OCTOBER 2014

Czech Design Tour PH: JULIO AMORES

Last October we were invited by Czech Tourism to get to know the present, past and future of a fascinating country through history, architecture, design, art, its new projects as well as those that have created the traditions of a vast history. Throughout our journey, which began and finished at the Hotel Icon, there were various moments and emotions that we have divided into the known and learned into emblematic buildings and places, young entrepreneurs’ galleries and projects and tradition and diverse discoveries, such as artist David Černý, whose artwork is found in Prague’s most distinctive spots. From the first category we visited the Dancing House, designed by renowned architect Frank. O. Gehry along with Vlado Milunc, the Old Town Square, the TV Tower and Pavillon, one of the most important buildings in industrial Prague, hosting the showrooms of some of the most relevant designers of today, such as Modernista and Lugi. The enthusiasm is visible at first sight. And the one given off by the responsible for CZD Gallery is more than obvious. According to how they explain the project, it works as a bridge between designers and companies. We also visited Papelote and Gallery Krehky, with collections by designers such as Jaime Hayón, Jiri Pelcl’s, Daniel Pirsc or Hidden Factory. A project which is not as young due to its long history but which is still swimming in the trends of Czech Republic is Botas 66. The sneaker brand was founded in 1949 by Botana Czechoskovak Company and, after a few backs and forths through history, what began as an exclusive product for men and sports like athletics, football, boxing and many others, went through various periods before becoming an icon of Czech design, having won numerous prizes. Located at the feet of the Grand Café Orient, a traditional cubist symbol in Prague and a more than recommended spot to listen to good jazz and fall in love, we find Gallery Kubista, with reproductions of V. Hofman (designed in 1922-1912) as well as the ceramics by Gabriel Vach. From the same owner is Archa Barista, café, gallery and concept store, again a stronghold of cubism, which functions since 2013 and can be found at the feet of one of the most representative classical buildings of this artistic current. More and more often projects are fused together and a hotel is easily turned into an art gallery, an experimentation space and an insignia among the city’s creative ones. It is precisely the case of Hotel Fusion in Prague. With 99 rooms, it works as a Hostel for young, creative people. Each room has a different theme, from the lovers suite to the ones inspired by rock and the vintage movement. Czech Republic’s history is linked to its tradition of ceramics and crystal. Historical companies like Preciosa have in glass and jewellery the symbol of their opening to the world. We visited the Jablonec Museum, where we had the chance to admire originals from all periods from baroque to today, and finished the route at Preciosa’s factory, where we discovered the company’s manual and artisan working system as well as its history, since it was fractured during II World War, when Hitler used its facilities to build weapons. This is how our trip to Czech Republic went, we got to see more than a country and a city, but a way of life, of breathing and feeling, a strange mixture between melancholy and love for music, art, street dances, romantic walks at night and vibrant suggestions such as Signal Festival, which left us flabbergasted. A discovery we sum up with a word, motivation from the inside to the outside and from the outside to the inside. More information about our route on www.lamonomagazine.com

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REVIEW / ANGLET / 10TH - 12TH OCTOBER 2014

Svrf Pvnk Invitational 2014 PH: FLORENCIA LUCILA

Una vez al año, se abre la compuerta entre dos mundos: la realidad tal y como la conocemos, y una especie de mundo paralelo en el que reina el caos, la anarquía, y la más absoluta de las locuras. Si a esto le añadimos que el escenario es la costa del País Vasco francés, y la cosa va de que un montón de surfers dispuestos a darlo todo se disfracen y pillen olas por diversión, el asunto se sale aún más de madre. El Svrf Pvnk Invitational 2014, organizado por Rhythm y SKOSS, fue una absoluta catarsis: todo un homenaje a la rebeldía surfer, esa del cuál Miki Dora era abanderado. Colchonetas hinchables a modo de tablas de surf, disfraces locos y terroríficos, tattoos de esos que se hacen cuando uno está borracho, sin pensar y con mucho orgullo, conciertos a altas horas de la madrugada a los que vas oliendo a alga, y, en general, sensación de que no hay mañana. Una celebración al puro hedonismo, a la carcajada limpia, y una burla a los clichés del surf, un mundo que no se libra de tener su propio postureo. Y es que a veces, es tan simple como simplificar (valga la redundancia): si quieres pasarlo bien haciendo surf, reúne a unos cuantos amigos, pilla unas olas echándote unas risas y haciendo locuras. Nada de competición, ni rankings, ni trofeos brillantes: diversión por diversión, sin ninguna otra pretensión. Suena a la fiesta definitiva, esa que cada vez que te viene algún flashback a la cabeza, te partes el culo. De esas a las que hay que ir una vez en la vida. Y para muestra, un botón. Svrf Pvnk, nos vemos en 2015. Once a year, the doors diving two worlds open: reality as we know it and some sort of parallel world ruled by chaos, anarchy and the most absolute madness. If we even add that the scenery is the French Basque Country coast and that the thing is about a beachful of surfers determined to dress up before going to have some fun in the waves, the matter keeps getting better. Svrf Pvnk Invitational 2014, organised by Rhythm and SKOSS, was a total catharsis: a homage to the surfer rebellion, the one Miki Dora was the perfect representative of. Beach mats used as surf boards, crazy and terrific costumes, tattoos one only gets when drunk, without thinking and with a great deal of pride, late night concerts in which sea weeds can still be smelled and, as a whole, the feeling that the world might as well end the day after. A hedonist celebration including laughter and a mockery of surf clichés, a world not free from its own stereotypes. Because sometimes it can’t get any more simple: if you want to have fun while surfing, gather a few friends, go hit some waves with laughs and let yourself go nuts. No competition, no ranking, no shiny trophies: fun for fun without any pretension. It sounds like the ultimate party, like the one whose memories, anytime they cross your mind, gives you a reason to laugh your ass of. Those one needs to be part of at least once. As for us, Svrf Pvnk, see you in 2015.

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#99 · INSIDE · NOVEMBER / DECEMBER · 2014 COVER: ANDREW POMMIER WWW.ANDREWPOMMIER.COM DIRECTORA Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep Manel Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com PHOTOGRAPHY Luiza Lacava luiza@lamonomagazine.com TRANSLATION Bea Salas bea@lamonomagazine.com CONTRIBUTORS REDACTORS Alejandro Cinque + Bárbara Esteban + Xavi Ocaña + Lorena Pedre + Ana Paula Tovar + Ana Miguel Ane Pujol + Vicky Navarro + Bea Salas + Antonella Sonza + Lara Tuner + Laura Bonet PHOTOGRAPHERS Luiza Lacava + Florencia Lucila + Montse Raja + Laura Austin + Ward Robinson Julio Amores + Anna Paredes ORIGINAL ART DESIGN Hernan Verdinelli · www.hernanverdinelli.com For circulation customer service in Spain please send an email to bea@lamonomagazine.com International Distribution: France, Portugal, Germany, UK and US. For annual subscription please send an email to suscripcion@lamonomagazine.com SUBSCRIPTION / 6 issues per year Spain: 40 euros / Europe: 50 euros / Other countries: 70 euros DEPÓSITO LEGAL: B 51664-03 ISSN: 2014–9395 LAMONO HEADQUATERS: Aribau, 15, 1º 1º, 08011 Barcelona T. +34 932724980

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