lamono #101 NOSTALGIA by lamono magazine

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NOSTA LGI A De cuando era verano T: ALEJANDRO CINQUE

F: DILAYLA ROME

Estoy convencido de que en algún pueblo perdido por Galicia, vive una señora llamada Nostalgia. Nostalgia como nombre propio al igual que hay mujeres llamadas Consuelo, Dolores o Soledad. Nombres que ponen los padres a las hijas para escenificar un drama. Nombres para denominar los sentimientos de la desgracia. Estoy convencido de que Nostalgia vivía y vive en algún pueblo perdido por Galicia, pero no la encontramos porque los vecinos la conocen por un apodo cariñoso que le impusieron cuando era pequeña y bajaba las calles enseñando las bragas. La llaman Morriña. Estoy convencido de que Nostalgia es gallega, y si no es de allá de más al norte hasta llegar a las islas heladas. Porque sin duda es allí donde se comenzó a echar de menos. A echar de menos el sol. Porque sin duda es allí donde echan de menos el calor, la desnudez tostada, aquella playa en la que ni siquiera se han bañado y el chupar la piel salada a la orillica del mar. Sí, sin duda es en el frío donde nació la nostalgia. Nostalgia son 125 minutos grabados por Tarkovsky con sabor a performance. Es cruzar una piscina termal con una vela encendida sin que ésta se apague ya que su llama incendiará a la víctima cuyo sacrificio prenderá la mecha de la batalla. La nostalgia es aquello por lo que luchar. Nostalgia también es Melancholia, que son 136 minutos grabados por Von Trier anunciando que solo asumiendo el desasosiego podemos aceptar el

I am convinced that in some remote village in Galicia, there is a woman named Nostalgia. Nostalgia is her first name, as there are women called Consuelo, Dolores or Soledad. Parents choose these names for their daughters to stage a drama. Names used to describe feelings of disgrace. I am convinced that Nostalgia used to live, and still does, at some remote village in Galicia, but we can’t find her because the neighbors know her by an affectionate nickname they gave her when she was a child, when she used to walk down the streets showing her panties. They call her Morriña. I am convinced that Nostalgia is Galician, if not, she comes from further up north, from the frozen islands. Because surely she was first missed there. Yearn as the sun. Because it’s definitely there where they miss the warmth, the tanned nakedness, and that beach where no one has ever bathed or kissed a salty skin by the seaside. Yes, without a doubt, Nostalgia was born in the cold. Nostalgia is 125 minutes recorded by Tarkovsky with a taste of performance. It’s crossing thermal waters with a lit candle without letting it extinguish, since it’s flame will ignite the victim whose sacrifice will blaze the wick of battle. Nostalgia is that worth fighting for. Nostalgia is Melancholy as well, which are 136 minutes recorded by Von Trier announcing that the only way we can accept the end of the world is by embrac-

fin del mundo. Porque solo los que añoramos estamos preparados para morir, puesto que ya lo hemos perdido todo. Y morir es dejar de bailar. Y bailar es la huella del movimiento en el cuerpo. Aquel delicioso cuerpo por el que, con el paso del tiempo, lloraremos. Y ese llanto sobre una tumba, provocado por el echar de menos, será el riego de un nuevo tiempo. Por ello se deberían cultivar huertos en los cementerios para por fin lograr ser inmortales. El nostálgico es monotoxicómano puesto que su única adicción es el regocijo que siente cuando se evade de este viejo mundo viajando en el tiempo y el espacio. Es un yonqui del pasado y sus chutes se inyectan en suspiros de anhelo 3 miligramos. Está cansado y no puede evitarlo y no hay metadona posible ya que cada resaca es acumulada y los recuerdos necesitan dosis más fuertes para ser olvidados. Pero quién quiere olvidar, si en el limbo de los recuerdos todo es joven, hermoso y duradero. Ahora estamos en la tierra de las promesas incumplidas y nadie quiere vivir en ella. En un reino habitado por señoras llamadas Consuelo, Dolores y Soledad. Donde los jóvenes han crecido, los cuerpos se han deformado y todo lo que resta es efímero. Si es que nos resta algo... Recuerdo aquella tierra en la que hacía sol y nos creíamos lo que nos decían. Ains... (suspiro 3mg)..

ing restlessness. Because only those who yearn are prepared to die, since we have lost everything already. And to die is to stop dancing. And dancing is the blueprint of the body’s movements. That delightful body for which we, as time passes by, weep. And that weeping over a grave, provoked by absence, will irrigate a new beginning. Nostalgic people are mono-drug-addicts, since their only addiction is to the joy brought by escaping this old world traveling through time and space. They are junkies for the past, and when they shoot themselves they employ injections filled with longing sighs of 3mgs. When tired they can’t help it, and as there is no possible methadone and every hangover accumulates on top of the other, the memories need a stronger dose to be forgotten. But who wants to forget, since in the limbo of memories everything is young, beautiful and everlasting. Now we find ourselves in the land of unfulfilled promises where no one wants to live. A kingdom inhabited by women named Consuelo, Dolores and Soledad. Where the youngsters have grown up; the bodies have deformed end everything that’s left is ephemeral. If there is anything left. I remember that land where the sun shines and we used to believe everything that was told to us. Ains… (sigh 3mgs).

T: MIKE LAY F: NICK PUMPHREY

INDONESIA ENTRE LA CALMA Y EL CAOS

Esta es la historia de un viaje al coraz贸n del inicio. A la libertad de los primeros pensamientos azotados por el mar, la ruta y el descubrimiento de una playa virgen. Crille Rask, Mike Lay, Angke Demeulenaere, Nick Pumphrey y Jean-Louis Muller est谩n viviendo en Indonesia, auspiciados por Rhythm; una aventura que se materializa en poemas, surf y un firme compromiso a abandonar las excusas en la carretera, justo antes de subir al siguiente cami贸n de nativos. La nostalgia por lo salvaje deja de ser as铆 un sentimiento cotidiano. This story relates a journey to the roots of the beginning, to the freedom found in the first thoughts blown by the sea, by the route and the discovery of a pristine beach. Crille Rask, Mike Lay, Angke Demeulenaere, Nick Pumphrey and Jean-Louis Muller are living in Indonesia sponsored by Rhythm, in an adventure that materializes in poems, surf and a firm commitment to abandon all excuses along the road before boarding the next truck filled with natives. Like this, the feeling of nostalgia for the wilderness ceases to be a daily recurrence.

“Bajamos del avión y Bali nos recibe con su calor febril, picante y húmedo que se asienta sobre el pesado aire. Nos dirigimos hacia Kuta, el epicentro del libertinaje donde los relojes se olvidan y la moral anda suelta. La tez, marrón como el coco, de los balineses se mezcla con el bronceado bermellón de los suecos, que parecen pulular durante esta época del año, con sus fuertes carcajadas y ojos color zafiro. Tenemos cuatro días para climatizarnos antes de continuar el viaje, así que pasamos el tiempo en piscinas bebiendo cerveza mientras bromeamos en lenguas europeas. Salimos de fiesta y esquivamos grupos de solteros uniformados y miradas perdidas, hacemos de extraños grandes amigos y luchamos contra los carteristas hasta las seis de la mañana. Cansados y ya climatizados, pero hambrientos de surf, partimos hacia Yakarta; un largo viaje al sur nos espera, hacia una alegre izquierda con nadie alrededor. Esperamos durante dos horas en el pueblo de Bogor, donde siempre llueve, antes de salir a la hora pico; allí comimos arroz hervido con carne satay y aprendimos javanés para surfear, selancar. Al partir vemos las nubes gotear sobre las montañas. De regreso a la carretera, aún nos quedan tres horas para llegar, o al menos eso dice nuestro conductor, quién pide direcciones en una ciudad costera que huele a mango maduro; nos hemos perdido, así que sólo queda regresar a la montaña que ahora debemos atravesar.

Lo encontramos mientras conducimos hacia el este, pero las olas parecen difíciles, llenas de planicies que terminan en arrecifes poco profundos y las demás tienen la misma apariencia, así que después de dos noches, regresamos a Yakarta. En la cima de la montaña nos detenemos para ir al baño y tomar fotos. Está anocheciendo y la luz es grisácea con tonos azules, como humo bajo el mar. Mientras estamos ahí, vemos parpadeos lumínicos entre la selva, mientras comienza una llamada a la oración en un pueblo que no se ve, por unos segundos aúlla, claro y tenebroso, antes de que otro aullido igual lo acompañe, y luego otro, hasta que el inmenso valle verde empieza a vibrar con un zumbido vacilante; la canción invisible de las colinas javanesas, aterradora y viva.

ESAS OLAS PUEDEN ESCRIBIR POEMAS, CONTAR HISTORIAS Y DESPEJAR, POR HORAS, LA MENTE DE COMPLICACIONES

Conducimos cuesta arriba mientras oímos a los insectos chirriar, y seguimos subiendo hasta que se nos tapan los oídos; nos cruzamos con grupos de hombres reunidos en trastiendas y tenderos dormidos en sus mostradores. Cuesta arriba pasamos pandillas de perros callejeros ante la mirada de los gatos; subimos hasta que empezamos a bajar. Así, lo que empezó como un viaje de seis horas se convierte lentamente en uno de once, mientras nosotros cinco cantamos y gritamos presas de una claustrofobia irritante. Finalmente, tras atravesar la montaña y una isla, llegamos. Mientras llevamos nuestro equipaje hacia las pequeñas habitaciones que nos han asignado, notamos lazos de espuma brillante que se deslizan por fuera de la puerta delantera del albergue, con ellas brillan nuestros sueños llenos de asombro y emoción. Nos despertamos a las seis, tras dormir cuatro horas, y nos paramos frente a la puerta principal para revisar si las olas que apenas vimos el día anterior son reales. Hay izquierdas que se levantan justo enfrente antes de romper, de color azul profundo; más allá de un muro medio destruido creado hace mucho tiempo para proteger a las tortugas. Surfeamos por dos horas, sólo nosotros cinco, remando con facilidad por la marea antes de girar y dirigirnos hacia las olas, ubicándonos en el hueco, nos deslizamos con dinamismo por la pared, retorciendo nuestros cuerpos, anhelando surfear dentro de los apretados y agitados tubos. Estas olas nos convienen, no buscamos olas que podamos destruir, ni tampoco labios que golpear y derrapar; estas olas son limpias y simples, nuestro surf sigue el ejemplo. Así como nuestras vidas en esta parada de cinco días, medidas en horas de surf, pescado para almorzar, pescado para cenar, agua para beber, lecturas por la noche, contamos historias y cazamos lagartijas. Turtle Beach requiere una mentalidad sin complicaciones y nosotros nos adaptamos. En la quinta noche el viento está por cambiar; antes de las doce los perros empiezan a ladrar, corren por fuera del albergue conjurando cierta ferocidad que parece ajena a sus perezosas vidas, las antorchas alumbran mientras se escuchan las voces de los hombres. El dueño del albergue empuña un machete en la entrada, comandando a sus perros y su hijo está en la terraza que

queda afuera de nuestras habitaciones, descansando su cabeza sobre una pistola; hay agitación en la aldea local. A la mañana siguiente, el viento ha cambiado junto con el estado de ánimo. El aire es fuerte y salado, parece casi europeo. Como si estuviéramos en una cala en Cornualles o una playa belga, salvaje y poco atractiva. Partimos en busca de un mayor mar de leva y vientos más ligeros.

Hemos buscado tubos y los hemos encontrado, ahora queremos otro tipo de droga, más lenta, una energía más ponderada; conocemos un lugar a pocas horas de camino, pero los pronósticos no son buenos y los reportes hablan de mal oleaje y momentos de tensión en la aldea, por lo que decidimos regresar a Bali, dejar atrás la belleza aislada de Java Occidental, la maravilla y el miedo.

De regreso al caos y la seguridad de Bali, un capricho nos guía ahora hacia el norte, hacia un cuestionable mar de leva y las playas empedradas de Medewi. El camino está atiborrado de antiguos camiones y ciclomotores que hacen bulla mientras entran y salen del puerto. Llegamos una hora antes del anochecer, así que después de dejar el equipaje y ponernos nuestros shorts, bajamos para atrapar las últimas olas del día, sin tener ni idea de lo que nos vamos a encontrar. El poco viento y las olas a la altura de la cintura son un tónico para las cinco horas de viaje. Pasamos las tres mañanas siguientes caminando entre la oscuridad y el agua antes del amanecer, el cuestionable mar de leva nos llega hasta los hombros y el capricho trae sus recompensas. Para los surfistas goofy de nuestro equipo, las olas de fondo de piedra son hipnóticas. Los cross steps se hacen más cortos, los noserides más largos y críticos, hasta el punto de que algunos duran toda una ola, desde afuera hasta la orilla. El mar de leva continuó por cuatro días, donde surfeamos en mareas altas y medias, evitando la marea baja. Fueron tres días en los cuales nuestras expectativas de Indonesia se pusieron a prueba, donde encontramos la perfección en un lugar inesperado y bajo un disfraz insospechado. Era una posibilidad remota, contaminada y llena de tiburones, o al menos eso nos dijeron, buena para principiantes, olas fáciles. Puede que todo esto sea cierto, pero para nosotros fue la recompensa por haber atravesado el mundo, por haber cargado nuestros logs en el metro de Londres y arrastrarlos a través de aeropuertos en el Medio Oriente, exponiéndonos a los ceños fruncidos de la gente y conductores de bus inútiles. Esas olas pueden escribir poemas, contar historias y despejarar, por horas, la mente de complicaciones. Así que Indonesia todavía puede proveer, Bali, sorprender, sólo hay que esperar lo inesperado y estar siempre listo para despejar la mente”.

“We step off the plane and Bali grabs us with its feverish heat, spicy and sweat hang heavy in the slow wind. We head to Kuta, the hub of debauchery where clocks are forgotten and morals are loose. The complexions are mixed between the coconut brown of the Balinese and the reddish suntans of the Swedes, who seem to dominate at this time of year, with their loud laughs and sapphire eyes. We have four days to acclimatize before moving on, so we sit in pools drinking beer and exchanging pleasantries in European vocabularies. We go to parties and dodge stag groups with matching t-shirts and glazed stares, we make best friends out of strangers and fight off pick pockets until 6am. Tired and acclimatized, but hungry for surf, we leave for Jakarta; a long drive south lies ahead, to a lively left with no one around. We wait two hours in the town of Bogor, where it always rains, before sitting out the rush hour, eating boiled rice and satay beef and learning Javanese for surfing, selancar. As we leave we watch clouds trickle down a mountain. Back on the road and three hours left to go, or so our driver says, he asks for directions in a coastal town that smells like ripe mangoes; a missed turn so we go back towards the mountain that we now have to cross.

lies on the veranda outside our rooms, his head resting on a gun; there is unrest in the local village. By morning the wind has changed, just like the mood, the air is strong and salty and the sea looks almost European, resembling a Cornish cove or a Belgian beach, wild and uninviting. We leave in search of bigger swell and lighter winds. We find it driving east but the waves are difficult, full of fat sections running into shallow reefs, all of them seem to have the same idea, so after two nights we head back to Jakarta. At the top of a mountain we stop to go to the toilet and take photographs. It is dusk and the light is a grey blue, like smoke under the sea. As we stand and watch the lights flickering amongst the jungle a call to prayer starts in some unseen village, for a few seconds it howls, clear and eerie before being joined by another and then another until the green valleys vibrate with a wavering hum, the invisible song of the Javanese hills, terrifying and alive.

THOSE WAVES COULD WRITE POEMS, TELL STORIES AND, FOR HOURS AT A TIME, CLEAR THE MIND OF COMPLICATIONS

We drive upwards, ears pop and insects roar and we keep on driving up, passing groups of men gathered in back rooms and shop keepers asleep on their counters. We drive up past gangs of stray dogs and the eyes of cats; we drive up until at last we start to drive down. So what started as a six-hour trip turns slowly, slowly into eleven, with the five of us singing and shrieking with claustrophobic irritation, until eventually, after crossing a mountain and an island, we arrive. As we unpack into our tiny rooms we watch ribbons of hissing foam slide by outside the front gate and our dreams are bright with awe and excitement. We are awake at six, after four hours of sleep, standing by the gate to check if the half seen waves of the night before were real. Lefts peak straight ahead before peeling, un-ridden deep sea blue, past a half destroyed wall built long ago to protect turtles. We surf for two hours, just the five of us, rolling down the easy outside section before turning deep into the flats and setting up tight in the pocket, hand thrust deep in the face, bodies twisting, yearning to ride inside the tight churning barrels. The wave suits us, we aren’t searching for a wave we can destroy, for lips we can punch and breach, the wave is simple and clean, our surfing follows suit.

As do our lives for our stay of five days, measured in hours of surf, fish for lunch, fish for dinner, water to drink, reading in between, telling stories, watching geckos hunt. Turtle Beach requires an uncomplicated mindset and we let ourselves adapt. On the fifth night the wind is due to change; before midnight the dogs start to bark, running round the outside wall and conjuring ferocity from their lazy lives, torches shine outside and men’s voices cry. The owner of the homestay stands by the gate with a machete, marshalling his dogs, his son

We searched for barrels and we found them, now we seek for a different kind of fix, a slower, more considered kind of energy; we know of a place a few hours away but the forecasts look poor and the reports talk about bad waves and local tensions, so we decide to return to Bali, to leave behind the isolated beauty of West Java, the wonder and the fear.

Back to the chaos and the safety of Bali, we head north on a whim, to a questionable swell and the unfashionable cobbles of Medewi. The road is choked with ancient lorries and mopeds, bustling to and from the island’s port. We arrive with an hour left of sun and after dropping off the bags and pulling on our shorts, we run down to catch the last of the day, with no idea what we might find. The wind drops and the waist high waves are a tonic for the five-hour drive. The next three mornings are spent waking in the dark and in the water before dawn, the questionable swell is shoulder high and the whim pays off. For the goofy foot loggers of our contingent the point break waves are mesmeric. Cross steps became closer, noserides longer and more critical, until some connect for entire waves, from out back to the inside. The swell stays for four days; we surf the mid to high tides and avoid low. During these three days our expectations of Indonesia were defied, we found perfection in an unexpected place and in an unexpected guise. It was our long shot, polluted and sharky, or so we were told, good for beginners, an easy wave. Perhaps all these things are true, but for us it was the reward for traveling half way across the world, for lugging logs through the tube in London and dragging them through middle eastern airports, risking urban scowls and unhelpful bus drivers. Those waves could write poems, tell stories and, for hours at a time, clear the mind of complications. So Indonesia can still provide, Bali can still surprise, just expect the unexpected and be ready to clear your mind.

Michael M Koehler EL NÉCTAR DEL TIEMPO EN LA FOTOGRAFÍA T: JAIME FELIPE DUARTE

El pasado lleva consigo los cimientos de quiénes somos, lo que sentimos y hacia dónde nos dirigimos. No regresará jamás en forma física, pero siempre estará presente en nuestras mentes y nuestros cuerpos. Es tan válido como lo es el presente. Cosas que han sucedido en el pasado aún pueden afectarnos, hacernos reír o llorar, o simplemente aparecer sin ninguna advertencia, trayendo consigo emociones olvidadas las cuales nos alteran de manera química y, por lo tanto, física. Está claro que el pasado es una herramienta importante en el trabajo del fotógrafo americano Michael M. Koehler; lleno de luz y amor, su obra tiene fuertes ápices de nostalgia. “Así como es la vida”, dice él. El uso del blanco y negro nunca ha estado tan alineado con la idea del tiempo y el anhelo sentimental que hay tras cada momento. El tiempo trae celebraciones y penas, y al final todo es un recuerdo que nos guía hacia el futuro. The past gives foundations to who we are, what we feel and were we’ll head. It will never come back in physical form, but it’s always present in our minds and bodies. It is as valid and real as the present. Things that happened in the past can still affect us, makes us cry or laugh, or just appear without any warning, bringing bygone emotions that will alter us chemically, and hence, physically. It’s clear that the past is an important tool for American photographer Michael M. Koehler; filled with light and love, his work is clearly nostalgic. “Such as life”, he says. The use of black and white has never been so aligned with the idea of time and the sentimental longing there is in every moment. Time brings along celebration and mourning, and at the end it’s all a recollection that guides us to the future.

michaelmkoehler.com

¿Como artista, qué sentimientos, entre todos ellos, inundan tu corazón al trabajar? Amor, gratitud por todo, humildad, honor. La celebración y el luto de un momento. El amor es la raíz de toda creación. Intento encontrar amor en el desamor, en la disciplina, en la repetición. Él te liberará. La luna se posa de cierta forma durante la noche mientras trabajo en el cuarto oscuro; le estoy muy agradecido a la luna, a la oportunidad de poder reflexionar sobre los momentos que he compartido y experimentado con las personas y los paisajes que he fotografiado. Cuando haces retratos, ¿qué características esenciales te atraen hacia una persona? Su historia y su experiencia. La busco en sus ojos, su cara, sus manos, la manera en la que camina, con la belleza interior que brilla hacia afuera. En su historia radica su belleza. ¿Qué te ha aportado el hecho de viajar a tu vida? ¿Y a tu trabajo? Perspectiva. Algo en lo que pensar cuando me siento frente al fuego, un lugar hacia el cual irse a la deriva. Viajar te da la oportunidad de ver tu hogar en la distancia, y así cortar con toda la basura, sólo enfocarte en lo que deseas. Cuando viajo mis experiencias vuelven conmigo a casa, tanto en mis fotografías como dentro de mí. Me encanta revelar las fotos que he tomado en la lejanía, ya que en el estudio se produce una especie de viaje en el tiempo donde revivo aquellas experiencias. Viajar me da la oportunidad de dejar mi casa y, lo que es más importante, regresar a ella. Compartir historias para encontrar diferentes maneras de hacer lo mismo, qué es igual y qué es diferente. Una foto que no olvidarás jamás (Puede ser tuya o no). Lauren (mi esposa) viniendo por el pasillo. El World Trade Center desmoronándose en pedazos. Las lágrimas en los ojos de Ricky cuando vio desde el aire el derrame de petróleo en el Golfo de México. El nacimiento de mi hija. Algo que todas tus fotografías deben tener. Una historia detrás y otra delante. Magia. Belleza. Belleza interior que brilla a través de los ojos. Luz. Celebración y remordimiento. Anticipación y arrepentimiento. Placer y tristeza. ¿Qué tipo de conexión intentas desarrollar con la persona que estás fotografiando? Una conexión real, interacción humana, debo tener una conexión con el momento, con la persona, con el entorno, y sentir curiosidad. Mis fotografías son el reflejo de la experiencia que he compartido con la gente y los lugares. Si tuvieses que transmitir el significado de la palabra NOSTALGIA en una foto, ¿qué imagen vendría a tu cabeza? Mi abuelo Ira solía ser un fotógrafo fami-

liar y tiñó a mano una fotografía de mi abuela Lois, la cual imprimió en su baño/cuarto oscuro y le regaló; es maravillosa, atemporal, y me transporta a mi infancia, a mis raíces, me hace soñar con todas las interacciones que esa fotografía ha tenido a lo largo de su existencia y el significado detrás de su creación; amor, un obsequio. ¿Qué poder yace tras la fotografía en blanco y negro? El proceso, desde el clic del obturador hasta el nacimiento de la fotografía plateada. La manera en la cual la película funciona y se relaciona con el tiempo tiene un efecto mágico sobre el momento. ¿Consideras tu trabajo nostálgico? Así como lo es la vida. ¿Cuál consideras que debe ser el rol a ejercer por un fotógrafo en la sociedad? El de exponer las verdades visuales de su tiempo y buscar luz y belleza incluso en los momentos y situaciones más oscuros. Nunca dejar de cuestionarse. Cuando fotografío regreso a mi propia esencia, a aquella energía que es inherente a mí. Vuelvo a ser quién soy yo en el momento. ¿Cuál podría ser la historia principal tras todas tus fotos? La vida, la luz, el amor. Desenterrar un tesoro oculto. ¿Cuánta preparación y espontaneidad hay en tu trabajo? Todo el tiempo me preparo para ser espontáneo. Organizo mi vida alrededor de mis fotos y me sumerjo en su historia todos los días. Cuando debo viajar para tomar fotos hay una mayor preparación, aún así siempre me mantengo abierto a la experiencia y permito que ella me guíe. Estoy muy agradecido por el momento y por el hecho de tener aquellos recuerdos e imágenes a medida que voy hacia delante. Es importante reflexionar y mirar hacia atrás para traer elementos al presente, ya que los momentos pasados de belleza en medio de la tristeza nos ayudarán a sobrellevar futuros estados de melancolía. Nos darán fuerza en el presente y tendrán un peso en nuestras decisiones a medida que avanzamos. Viviremos una vida más rica y plena si honramos nuestro pasado y le permitimos conformar los peldaños hacia nuestro futuro. En cierta manera es maravilloso estar de luto, ser capaz de irse a la deriva y vivir con el pasado en el presente, lidiar con él. Nos hace sentir mejor y nos da dirección e influencia, mi última foto me llevó a la siguiente y la mejor siempre está a la vuelta de la esquina. ¿De qué manera las palabras cultura y raza encajan en tu trabajo? Están a nuestro alrededor, es una relación, son la textura de la realidad, la cual siempre intento abarcar en su forma más honesta.

ES IMPORTANTE REFLEXIONAR Y MIRAR HACIA ATRÁS PARA TRAER ELEMENTOS AL PRESENTE, YA QUE LOS MOMENTOS PASADOS DE BELLEZA EN MEDIO DE LA TRISTEZA NOS AYUDARÁN A SOBRELLEVAR FUTUROS ESTADOS DE MELANCOLÍA

IT IS IMPORTANT TO REFLECT AND LOOK BACK TO BRING ELEMENTS FORWARD TO THE PRESENT, PAST MOMENTS OF BEAUTY AMONGST THE SADNESS WILL CARRY US THROUGH FUTURE SADNESS

As an artist, which main feelings, in between them all, overflow your heart when working? Love, gratefulness for it all, humbleness, honor. The celebration and mourning of a moment. Love is the root of all creation. I try to find the love in heartbreak, in discipline, in repetition. It will set you free. The moon sits in certain ways during the night when I work in the darkroom; and I am grateful to the moon and the opportunity to reflect on the moments I have shared and experienced with the people and landscapes in my pictures. When shooting portraits, which are the essential characteristics that draw you towards a person? Their story and their experience. I look for it in their eyes, their face, their hands, the way they walk, with inner beauty shining outward. Within their story lies their beauty. What has traveling brought to your life? And to your work? Perspective. Something to think about when I sit by the fire, a place to drift towards. To travel gives you a chance to look at home from afar and cut out the bullshit and only focus on the parts you want. I bring my experiences and what I learn when I travel home with me, both in my pictures and within. I love printing pictures taken from afar, for in the studio it’s a way of time travel and bringing my experiences to the present. Traveling gives me the opportunity to leave home and, more importantly, to return home. Sharing stories to tell different ways of doing the same thing. A picture you’ll never forget? (Can be yours or someone else’s) Lauren (my wife) coming down the aisle. The World Trade Center crumbling to the ground. The tears in Ricky’s eyes when he saw the oil spill in the Gulf of Mexico from above. The birth of my daughter. Something all of your photos must have? A story behind it and one in front. Magic. Beauty. Inner beauty shining through the eyes. Light. Celebration and remorse. Anticipation and regret. Pleasure and sadness. What kind of connection you try to develop with the person you’re shooting? A real connection, a human interaction, I need to have a connection to the moment, person, environment, and be curious to want to make pictures. My photographs are reflections of the shared experience I have with the people and places I photograph.

If you had to convey the meaning of the word NOSTALGIA on a photo, what image comes to your mind? My grandfather Ira was a family photographer and hand tinted a photograph of my grandmother Lois, which he printed in his bathroom/darkroom and gave it to her, it is wonderful, timeless, and transports me to my childhood, to my roots, makes me dream about all the interactions the photograph has had in its lifetime and the meaning behind its creation; love, a gift. What’s the power behind black and white photography? The process, from the click of the shutter to the birth of the silver photograph. The way film works and relates with time has a magical effect on the moment Do you consider your work as nostalgic? Such is life Which do you consider is the role a photographer must play in society? Expose the visual truths of our times and search for light and beauty even in the darkest moments and situations. Continuing to question. When I photograph I return to my own essence and own energy that is unique to me. I return to who I am in the moment. What could be the main story behind all of your photos? Life, light, love. Unearthing a hidden treasure. How much preparation and spontaneity does your work have? All the time, 24/7, I prepare to be spontaneous. I organize my life around my pictures and embed within the story every day. When I need to travel for my photography there is more preparation although I stay open to the experience and allow it to direct me. I am grateful to the moment and grateful that I can have that memory and visual as I move forward. It is important to reflect and look back to bring elements forward to the present, past moments of beauty amongst the sadness will carry us through future sadness. It will give us strength in the present moment and affect our decisions moving forward. We’ll live a richer more full life if we honor our past and allow it to be the stepping-stones for our future or path. In a way it is wonderful to mourn, to be able to drift and live with the past in the moment, deal with it. It makes us feel better and fills us up with direction and influence, my last picture got me to the next picture and my best picture is always right around the corner. How would the words culture and race fit into your work? All around us, a relationship, it is the texture of reality and I try to embrace that in its most honest form.

DRESS ENDLESS 62 ROSE. HAT BRIXTON. SNEAKERS CONVERSE

Who I am PHOTOGRAPHY: WARD ROBINSON WWW.WARDROBINSONPHOTO.COM MODEL: ANNIKA LEICK X NEXT MANAGEMENT STYLING: LAURA MAZZA HAIR: HEATHER RAE MAKE UP: LEIBI CARIAS

TANK TOP TOP ROSEL. ROSEL. SKIRT SKIRT CAMP CAMP COLLECTION. COLLECTION. SNEAKERS SNEAKERS VANS. VANS. SOCKS SOCKS AMERICAN AMERICAN APPAREL. APPAREL BRACELETS STYLIST’S OWN TANK

SPORTS BRA BETH RICHARDS. SKIRT ENDLESS ROSE. SWEATER RHYTHM. SANDALS BETH RICHARDS. SOCKS STANCE. NECKLANCE CHARELS ALBERT. BRACELETS BCBG

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TANK ENFANTS RICHES DÉPRIMÉS. SKIRT 12TEN. TUBE TOP ROSEL. SNEAKERS CONVERSE. SOCKS NIKE. SUNGLASSES RAEN 69

Érase una vez, un chico de Nueva Zelanda al que le apasionaba el skate, pero le puso tantas, tantas ganas que se lesionó tan gravemente que no pudo volverse a subir a una tabla en doce meses. ¿Y qué haces si no puedes patinar? Fácil: descubrir la magia de la fotografía de skate y ver los trucos a través del visor de una cámara. Así se resumen los comienzos de Jake Darwen, que encontró la manera de fusionar sus dos pasiones y hacer una vida de ello. Hoy en día es de sobras conocido en el mundo del patín, gracias a su maestría tras el objetivo. Tanto que Element ha contado con él para que sea el siguiente en formar parte de su Perspective Program, en el que artistas de todo el mundo expresan su visión del mundo a través de imágenes hechas con una Canon AE-1. Después, estas fotos forman parte de una colección especial de camisetas única e irrepetible a modo de galería individual. Once upon a time there was this kid from New Zealand who was very passionate about skateboarding, but he put so much into it he got terribly injured and could not ride a board for twelve months. And what do you do if you can’t skate? Easy: Discover the magic behind skateboarding photography and see the tricks through the viewfinder of a camera. This could summarize Jake Darwen’s beginnings; he found the way to merge both of his passions and make a living out of it. Thanks to his expertise behind the lens, nowadays he’s widely known throughout the skateboarding community. Even so that he got elected by Element to join their Perspective Program, where artists from all over the world express their unique vision through images shot by a Canon AE-1.

www.jakedarwen.com

T: ANTONELLA SONZA

JakeDarwen

REALITY AND SHUTTER AS ONE

¿Qué fue primero, la fotografía o el skate? El skate vino primero, ya llevaba patinando unos cuatro años antes de coger una cámara; quería ser un pro, como cualquier niño. Me lesioné una y otra vez, y finalmente me di cuenta de que en realidad existía otro camino que podía tomar; que + no implicaba hacerse daño, así que invertí en la compra de una cámara réflex digital Nikon barata, y canalicé esa misma pasión que tenía por el skate hacia la fotografía. Desde entonces no he mirado atrás. Eres de Nueva Zelanda y viajaste a Australia para alcanzar tus sueños, a pesar de que los comienzos fueron duros. A partir de esa experiencia, ¿qué consejo darías a quienes están intentando hacer lo mismo? El consejo más importante que puedo darle a alguien que se encuentra en esa situación es que nunca se dé por vencido. Aunque a veces se ponga extremadamente difícil financieramente hablando, y lograr tomar fotos en un país nuevo, sin conocer a más de media docena de personas, requiera de mucho esfuerzo, sólo debes ceñirte a tus planes y estar seguro de que es exactamente eso lo que quieres hacer. Cuando las personas vean que tu compromiso es del 100%, las oportunidades empezarán a llover sobre ti. Sólo debes aguantar allí. De una manera u otra el skate ha estado siempre presente en tu vida. ¿Qué significa para ti? El skate es pasar el rato con mis amigos y viajar a lugares a los cuales nunca he ido. Todo aquel que patina alrededor del mundo comparte esta visión única de la vida, lo que facilita mucho la comunicación y conocer gente nueva en todas partes. ¿Qué es lo que más disfrutas al fotografiar? El momento de gloria cuando llevas intentando capturar un truco con un skater durante horas y finalmente lo logras, todo el mundo te ovaciona y te das cuenta de que el esfuerzo ha valido la pena. ¿Alguna anécdota curiosa que te haya sucedido durante una sesión de fotos? Por suerte todavía no ha sucedido nada loco; hemos tenido los habituales encuentros con agentes de seguridad y la policía, pero nada fuera de lo común.

Usualmente capturas con equipos digitales, ¿cuándo utilizas equipos analógicos? Muy rara vez utilizo una cámara analógica, pero si lo hago es por lo general cuando estoy de viaje visitando algún país nuevo. ¿Qué logran transmitir las imágenes en blanco y negro que la fotografía en color no consigue? Con el blanco y negro se puede simplificar una complicada imagen a color. Estás quitando cualquier distracción que desvíe la mirada del sujeto, lo cual también hace que la imagen sea mucho más veraz. ¿Cuál es tu meta final como fotógrafo? Tener un libro impreso con mis imágenes favoritas, las que he logrado capturar a lo largo de estos años. ¿De qué fotografía te sientes particularmente orgulloso? Es difícil elegir sólo una imagen, pero definitivamente estoy muy orgulloso de la que capturé de Matt Miller haciendo un powerslide en la Gran Muralla China. Tuvimos muchísima suerte de que no hubiera gente cuando disparamos, ya que normalmente está abarrotado. ¿Cómo te sientes formando parte del Element Team? Es increíble. Todo el mundo en Element te ofrece mucho apoyo, son un gran grupo de personas que siempre te están empujando y ayudando para llegar a ser un mejor fotógrafo. Estoy muy feliz de que todo esté marchando tan bien. ¿Qué es lo mejor y lo peor de salir de gira? Lo mejor es viajar lejos, conducir una camioneta con un grupo de buenas personas que están dispuestas a patinar en nuevas localizaciones y mantener una buena energía en todo momento. La verdad es que eso no lo puedes superar. Lo peor de todo es cuando la gira termina. ¿Cómo definirías la colección que lanzarás este año con Element? Como una colección de mis fotografías favoritas tomadas alrededor del mundo. Cuéntanos de tus planes a futuro. ¿Qué piensas hacer? Intentar mudarme a los Estados Unidos y trabajar allí. Aparte de eso simplemente quiero divertirme y mantenerme ocupado con proyectos aquí en Australia.

EL SKATE ES PASAR EL RATO CON MIS AMIGOS Y VIAJAR A LUGARES A LOS CUALES NUNCA HE IDO

W hat came f irst : photog raphy or skate ? Skateboarding came first. I was skating for about 4 years before ever picking up a camera; like any kid’s dream, I wanted to be a professional skateboarder. After injury on top of injury and realising there actually was another path that I could take, which didn’t involve me getting hurt, I invested into buying a cheap Nikon DSLR camera and transformed that same passion I had for skating into photography, and I haven’t looked back since. You come from New Zealand and you f lew to Australia to pursue your dream, even though the beginnings were tough. From that experience, what’s your advice for someone who is also trying to make it? The main piece of advice that I could give to someone in that position is to never give up. Although it gets extremely hard at times financially, and getting photos ran in a new country without really knowing more than half a dozen people is a struggle, you just have to stick at it and make sure that it’s exactly what you want to do. If people can see that your 100% committed, opportunities will eventually start snowballing your way. You just have to hang in there. One way or another, skate is always present in your life. What does it mean for you? Skating for me is hanging out with my friends and travelling to places that I’ve never been to before. Everyone that skates around the world shares this unique outlook on life, which is from skateboarding; that makes it easy to communicate and make new friends all over the globe. What do you enjoy the most when photographing? What I enjoy the most about photographing is when you and the skater have been shooting a trick for hours and when they finally land the trick, everyone is cheering and you realise it was all worth the battle. Any curious anecdote that has happened to you in a photo shoot? Luckily nothing to crazy has happened yet; there have been your usual run-ins with security and the police but nothing out of the ordinary. You normally shoot digital. When do you use analogue photography? I very rarely use an analogue cam-

era, but if I do it’s usually when I’m travelling overseas in a new country. What can black & white images convey that colour photographs cannot? Black and white can simplify a complicated colour photograph. Your stripping away any distractions that are taking your eyes away from the subject, which makes the image also look a lot more truthful. What’s your ultimate goal as a photographer? My ultimate goal as a photographer is to one day have a book with all of my favourite images that I’ve shot over the years. Which is the photograph you feel most proud of? It’s hard to single out one image but I’m definitely proud on the one that I shot with Matt Miller doing a powerslide on the Great Wall of China. We were extremely lucky to have no people in that photograph because it’s usually flooded. How does it feel being part of the Element Team? It feels amazing. Everyone at Element is super supportive and they are all a great bunch of people that are trying to help push you and help you progress into a better photographer. I’m over the moon that it’s all working out. What is the best and the worst part of going on tour? The best thing about touring is travelling away from where you live and driving around in a van with a bunch of good people that are keen to skate new surroundings and keeping the vibes on a high at all times. You seriously can’t beat it. The worst thing about it is when the tour is finished. How would you define the collection you will be launching with Element this year? As a collection of my favourite photos that I’ve documented from around the world. Tell us about your future plans. What are you up to? I’ll try and move over to the States and shoot stuff over there. Other than that just have fun and stay busy with projects here in Australia.

SKATING FOR ME IS HANGING OUT WITH MY FRIENDS AND TRAVELLING TO PLACES THAT I’VE NEVER BEEN TO BEFORE

T: EVA VILLALA PH: LUIZA LACAVA

CHIMA FERGUSON SÍ A TODO

Recién llegado de Australia, Chima acude a nuestro encuentro nada más poner un pie en el House of Vans Berlin, durante el BRIGHT Tradeshow. Está cansado pero preparado para lo que está por llegar: entrevistas con los medios y mucha fiesta antes de volver a coger un avión al día siguiente hacia LA. Chima ha cumplido su sueño de patinar junto a sus ídolos, contando con el apoyo de marcas como Vans y se siente realizado en todos los aspectos de su vida. Se le nota en todo: en la mirada, en los movimientos y en su forma de decir sí a todo. Still fresh from Australia, Chima attended our meeting as soon as he step into The House Of Vans in Berlin during The BRIGHT Tradeshow. Yes, he’s tired, but also prepared for what comes up next: interviews with the media and lots of partying before he climbs again on a plane the next day towards L.A. Chima has accomplished his dream of skating alongside his idols and, with the support of brands like Vans, he feels fulfilled in every aspect of his life. You can just tell: the look on his eyes, his movements and his way of saying yes to everything.

EL CÉSPED ES SIEMPRE MÁS VERDE DEL OTRO LADO, SIEMPRE QUIERES ESTAR DONDE NO ESTÁS

¿ Cómo ha sido tu a ño ? ¿ Fel iz con lo q ue ha s hecho ? ¡Definitivamente! Para mí el skateboarding siempre ha sido una bendición. No es muy común llegar a ganarse la vida haciendo lo que realmente te gusta. Tengo la oportunidad de viajar por el mundo y de conocer gente todo el tiempo, gente como tú. Mi mamá está muy orgullosa de mí y eso es lo principal.

amado el skateboarding, así que no diría que hubo un punto concreto en el cuál vi claro que podría ganarme la vida como lo hago ahora, pero fue probablemente alrededor del año 2004 o 2005, la primera vez que viajé a Estados Unidos, cuando me di cuenta de tal vez podría hacerlo y, a decir verdad, desde entonces nunca he mirado hacia atrás.

¿De qué te sientes especialmente orgulloso este año? Ha pasado muy, muy rápido, seguro que para todos ha sido así; he viajado mucho conociendo a gente nueva. Hemos terminado el vídeo de Vans, es el primer largometraje que realiza la marca, por lo que formar parte de eso es como un hito para mí, todo un logro podría decir, algo que me hace muy feliz.

¿Disfrutas de tu vida en Australia? Sí, me encanta. Vivo en los Estados Unidos unos ocho meses del año y en Australia unos cuatro, así que cada vez que estoy en Estados Unidos extraño Australia, y cuando voy a Australia extraño Estados Unidos. El césped es siempre más verde del otro lado, ¿sabes? siempre quieres estar donde no estás. Sin embargo valoro mucho todo lo que tengo.

¿Cómo es la relación con el resto del equipo Vans? Todos nosotros somos así (une dedos índice y medio). Conozco muy bien a toda la gente que ves allí, en las fotos de la pared. Recuerdo mi primer encuentro con Vans, era sólo un crío, tenía diecisiete años creo, ahora tengo veinticinco. Estaba bastante intimidado, ya que crecí admirando a esos tíos, a esos riders, y ahora los considero a todos mis amigos, así que es como un sueño hecho realidad.

¿Y cuáles son tus planes para este año? Viajo a Los Ángeles mañana y luego seguiré haciendo lo mismo que he hecho siempre, disfrutando.

¿A quién admirabas de pequeño que ahora sea tu compañero de patín? Yo diría que a Dustin Dollin, también australiano, del oeste de Sydney, de donde vengo yo. Siempre lo admiré cuando era niño y tuve la oportunidad de conocerlo entonces, ahora vivo con él en Los Ángeles. Me ayudó con Vans y con cada patrocinador que he tenido, me ha ayudado siempre en toda mi carrera. Así que sin duda diría que él es uno de los que sigo y admiro. Geoff Rowley, en Vans, es otro a quien siempre voy a admirar, es raro cuando creces viendo a estas personas en vídeos y revistas y luego, finalmente, te vas de viaje con ellos, o estás en su mismo equipo, es una extraña sensación que no logro explicar, realmente hermosa, me hace sonreír, ¿sabes? (Sonríe) Es genial.

¿Harás algún vídeo pronto? Hemos terminado el de Vans, que se estrenará la última semana de abril, y después volveré a seguir haciendo lo mismo de siempre, ¿sabes? Pasarlo bien, patinar, beber y reír. Es una buena vida. Así es, disfruto la vida todo lo que puedo. ¿Y tienes una novia en Australia y otra en Estados Unidos? No, sólo una novia en Australia, soy un hombre muy fiel. Eso es duro, ¿no? Es muy duro, pero me va tocar vivir así toda la vida, así que… Cuando estamos en la misma ciudad pasamos todo el tiempo juntos, hasta el punto que queremos ahorcarnos, ¿sabes?. Así que estar separados hace que el corazón se vuelva más fuerte, o al menos así lo veo yo. No muchos skateboarders lo hacen.

Porque de esta manera puedes aprender de ellos, no sólo de sus vídeos. Ellos son un poco mayores que yo, así que es como tener ídolos positivos en la vida, algo así como mentores que te van mostrando el camino y cómo pasar por la vida como se debe, sin cometer los errores habituales.

También eso es duro… Las relaciones a distancia. Al final aprendes. Me he dado cuenta de que cuando estás con una persona todo el tiempo, todo el año, al final te aburres, es bueno pasar tiempo separados, aquí y allá, uno o dos meses. De esta forma cuando la vuelves a ver es como… (suspiros) y todo está bien.

¿Cómo te iniciaste en el skateboarding? Por mi hermano, al que siempre he admirado obviamente, es siete años mayor que yo. Solíamos patinar y andar en bicicleta; entonces un día recuerdo que mi hermano llegó con un skate y yo quise hacer lo mismo que él.

Este año publicamos nuestra edición número 100 y es nuestro décimo aniversario, así que estamos realizando la campaña THANK YOU donde puedes agradecer a todas las personas que desees. ¿A quién quisieras agradecer? A mi madre, para empezar, ella siempre estará en primer lugar, es parte de mí en todo lo que hago, así que siempre debo agradecerle. Luego a todas las personas en Vans y a todos mis sponsors por ser tan buenos conmigo y permitirme hacer esto, y supongo que a todos aquellos que apoyan el skateboarding y son parte de él. Os agradezco a vosotros por hacerme esta entrevista. (Risas)

¿Y cuándo te diste cuenta de que era lo que querías hacer? Comencé a patinar cuando tenía unos nueve años, y conseguí mi primer patrocinador a los once o doce. Obviamente cuando eres un niño y haces skateboarding todo lo que quieres es convertirte en un skateboarder profesional, pero nunca aposté por eso, lo veía como una garantía, fue algo que, más bien, sucedió lentamente. Podría decir que durante toda la escuela me fue bastante bien, y siempre he

Gracias a ti por responder nuestras preguntas. Con mucho gusto.

How was your year? Are you happy with the things you are doing? Most definitely. Skateboarding to me is always a blessing, you know. It’s very rare that someone gets to make a living out of what they really love doing. I get to travel the world and meet people all the time, meet people like yourself. My mom is very proud of me, that’s like the main thing to me. What are you proud of the most from this last year? This past year went very, very quickly; always getting to travel a lot, getting to meet new people. We just finished the Vans video, which is the first fulllength video that Vans has ever done, so being part of that is quite like a milestone, quite an accomplishment for me. I would say that finishing the Vans video, doing that was a big accomplishment in my life, I’m very happy about it. How is the relationship with the rest of the Vans team? All of us are like this (joins index and middle finger). All the people on the wall over here, all the photos over there, I know all of them so well. I remember my first gone on Vans, I was a little kid, I think I was seventeen, I’m twenty-five now. I was quite intimidated back then, because I grew up looking up to them, all the skateboarders, and now I consider them all my friends, so for me to be friends with them and be a part of this is, pretty much, like a dream come true. Who is your idol or whom you always follow and maybe you are skating with now? I would say Dustin Dollin, he’s another Australian skateboarder from the western sides of Sydney, where I’m from as well. I always looked up to him when I was a little kid and I got the chance to meet him then, now I live with him in L.A. He helped me with Vans, with every sponsor I’ve ever had, and he has helped me through the whole skateboarding. So I would definitely say he is one of I look up to and I admire. He is one of my idols. Geoff Rowley on Vans is another one that I’ll always look up to and, you know, it’s weird when you’re a little kid and you grow up seeing people in videos and magazines and then you finally go on a trip with them, or you’re on the same team as them, it’s a strange feeling that you can’t explain to anyone, it’s really beautiful, it makes me smile, you know? (Smiles) It’s great. That way you can learn from them, not only from their videos. They’re a little bit older than I am so having like a good idol in your life, like a mentor, someone that’s going to show you the roads and show you how to get through life as you should without making as many mistakes as must people do. How did you get into skateboarding? My brother, I always looked up to my brother obviously, he’s seven years older than I am. We used to rollerblade and we used to have bikes, then I remember one day he got a skateboard and I wanted to do what he did. And when did you realize this was what you wanted to do? I started skating when I was I think nine years old and then I got sponsored when I was like eleven or twelve. Obviously every little

kid when they are skateboarding they want to grow up to be a Proskateboarder, but I never banked on it, it was never a guarantee, it just kind of slowly happened. I could say, all through school I did well, and I always loved skateboarding so I just wouldn’t say that there was any one point where I said I could do it, I could make a living the way I do now. But probably around the year 2004-2005, the first time I went to America, I realized that maybe I could just do this and, honestly, I haven’t really looked back since then. Do you like your life in Australia? Yeah, I love it. I live in America like eight months and in Australia like four months out of the year, so whenever I’m in America I miss Australia, and the when I’m in Australia I miss America. The grass is always greener on the other side, you know, you always want to be somewhere that you’re not. Though I appreciate everything that I have. And what are your plans for this year? I’ll go back to L.A. tomorrow and then just keep doing the same things I’ve been doing, keep enjoying it. Are you doing any videos soon? The Vans video is finished, so the Vans video comes out the last week of April, and then I guess just go back and do the same thing I always do you know. Have a good time, skateboard and drink and laugh… It’s a good life… Yeah, I’m enjoying my life all I can. Do you have one girlfriend in Australia and one girlfriend in the U.S.? No, just one girlfriend in Australia, I’m a very loyal man. And this is hard, isn’t it? It’s very hard, but I got all my life to spent with this, so… When we are together we fool around all the time, be like strangle each other, you know… so being away from each other makes your heart grow stronger, that’s the way I see it. Not a lot of skateboarders do that. It’s also hard… long distance relationships. You learn, I’ve noticed that when being around someone all of the time, all year round, you just get bored, you know, its good to spend time a part, just here and there, one or two months. That way when you see them your like… (sighs) so its all good. For this year we are having our issue 100 and is our tenth year anniversary, so we are doing a THANK YOU campaign so you can thank all the people you want to. Who would you like to thank? My mother for a start, she’s always number one, always part of me, in everything I do, so my mum, I always have to thank her. Then everyone from Vans and all my sponsors for being so good to me and let me do this, and I guess anyone else out there that supports skateboarding and it’s part of it. I thank you guys for giving me this interview. (Laughs) Thank you for answering all of our questions. My pleasure.

THE GRASS IS ALWAYS GREENER ON THE OTHER SIDE, YOU ALWAYS WANT TO BE SOMEWHERE THAT YOU’RE NOT 85

No volveremos a ser jóvenes. Los días se escapan y todo pasa, pero el recuerdo permanece, impasible, y si volvemos la vista atrás, nos queda la reminiscencia de aquella noche de juventud, de iniciación, aquella noche en la que compartimos cama y algo más. ¿Qué sería de nosotros si no pudiésemos revivir, con algo de tristeza y melancolía, aquel momento, aquel instante imperecedero, certeza de lo vivido? A menudo sus imágenes lanzan más preguntas que respuestas, pero la nostalgia no sería lo que es sin el fotógrafo australiano Rennie Ellis. Sus disparos no solo capturan la esencia del momento, sino que son capaces de trasladarnos a él, a la Australia de los años 70: cuerpos desnudos, botellas de alcohol y tablas de surf. Él entiende sus excursiones fotográficas como encuentros con vidas ajenas, y nos ofrece un oasis del pasado que retrata la idiosincrasia de la condición humana. Escenas surrealistas cuyos protagonistas son testimonios del nacimiento de las subculturas, de la revolución sexual, del cambio. Ahora, parte del trabajo de Rennie Ellis se ha recopilado en Decade 1970-1980: Rennie Ellis un libro que es la destilación de la esencia de los setentas, en el que con sus instantáneas nos demuestra que viajar al pasado es posible, y nos invita a descubrir esa época fascinante para saber de dónde venimos y a dónde queremos ir. We won’t be young again. Days go by and this too shall pass, but memories remain, still, and if we look back, we might recall that youthful night of initiation, that night where we shared a bed and perhaps something else. What would be of us if we couldn’t reminisce, with some sadness and melancholia, that timeless moment, certainty of what we’ve lived? Often Ellis’s photographs provoke more questions than answers, but the word nostalgia wouldn’t be what it is if it wasn’t for his work. His images not only capture the moment, but their power draws us to it, to the Australia of the seventies: naked bodies, liquor bottles and surfboards. He considers his photographic journeys as encounters with outlandish lives, and offers us the oasis of the past, portraying the idiosyncrasies of the human condition. Surreal scenes whose protagonists are witnesses to the birth of sub-cultures, the sexual revolution, change. Now, some of Rennie Ellis’ works have been complied in Decade 1970-1980: Rennie Ellis a book that is a distillation of the essence of the seventies, where through some of his photographs he compels us to travel through time, and invites us to unveil that fascinating era, to know where did we come from and where do we want to go.

www.rennieellis.com.au

Rennie Ellis Stripping the Seventies T: TEO CAMINO

En 1963 Rennie Ellis se embarcó durante dos años y viajó por el mundo como marinero, autoestopista y polizonte. Visitó Europa, Estados Unidos, el Caribe, el Pacífico y Asia. Durante ese tiempo navegó a bordo de un bote de 40 pies desde Tánger, a través del Atlántico, hasta llegar a Miami, también compró su primera cámara, una Braun Paxette, para capturar dichos viajes. Estos viajes, las fotografías que tomó y las historias que escribió durante este tiempo formaron el estilo y la naturaleza del fotoperiodista que resultaría siendo. A su regreso, inició su carrera en el mundo publicitario, pero en 1969 se desencantó con el artificio de la publicidad, y comenzó a trabajar como fotoperiodista freelance, autor y cineasta. Afortunadamente y para nuestro deleite, este fotógrafo autodidacta, decidió emplearse a fondo en su pasión y montó la primera exposición con sus imágenes de Kings Cross en el famoso Yellow House en Sydney, en 1971. Desde entonces, Ellis se transformó en uno de los documentalistas sociales más prolíficos de Australia durante los años setenta, ochenta y noventa. Uno de nuestros fotógrafos fetiche, el eterno Rennie Ellis (1940-2003). Siempre curioso y empático con la condición humana, las fotografías de Ellis reflejan su amor por la humanidad y su deseo de “darle un espejo a la sociedad, para mostrar como vive la otra mitad”. Su cámara, con un enfoque aparentemente neutral, era la llave que le abría las puertas de ricos y famosos un día, y de los bajos fondos de la sociedad a la madrugada siguiente. Su personalidad extrovertida hacía el resto. Fue sin duda un testimonio privilegiado de escenas íntimas, y conseguía los disparos que perseguía, disparos que retratan el surgimiento de una sociedad hedonista. Eran momentos de cambio, y Rennie congeló la revolución sexual, la represión hacia la mujer y los movimientos en defensa de sus derechos, la moda y el apogeo del Rock&Roll. Siempre buscando contrastes. Podía fotografiar el Carnaval de Río de Janeiro con toda su sexualidad y entrar en el backstage del célebre Ballet Kirov y capturando la belleza de sus gestos con sutileza. Él había sido bien recibido en la Casa Blanca y expulsado del Molino Rojo. Era capaz de conmoverte con un retrato del cómico australiano Barry Humphries pintando en un apretado slip en la playa, con el des-

nudo de la fotógrafa Carol Jerrems en su habitación de Mozart Street, con la variopinta galería de personajes de King Cross y con las provocativas imágenes de su serie Decadence. Rennie era un buscador de emociones que bailaba en la delgada línea que separa la fotografía artística del trabajo documental. Y cuando le pidieron que definiera su fotografía como arte, realismo social, fotoperiodismo o extractos de vidas ajenas, respondió con una cita del pionero fotógrafo norteamericano Alfred Stieglitz: “Arte o no arte, que es algo inmaterial, yo sigo mi propio camino, en busca de mi propia verdad”. Tras haber expuesto su obra en todo el mundo y con diecisiete libros en su haber, Rennie falleció prematuramente en 2003, y apenas unos meses después se estableció el Rennie Ellis Photographic Archive, que con su trabajo de conservación y difusión nos brinda la oportunidad de disfrutar de su enorme legado. Ahora han publicado los libros, Decade: 1970-1980 y Decadent 1980-2000 Rennie Ellis, donde su trabajo se alza como el de uno de los cronistas más importantes de la Australia de los años setenta y ochenta. Predominan las fotos en blanco y negro, unas imágenes que provienen de una selección originalmente hecha por Rennie, y que se complementa con otras emblemáticas de su archivo. Gran parte de las fotografías van acompañadas de escritos inéditos de su autor que nos ayudan a sumergirnos en las culturas y subculturas de los años setenta: los trastornos políticos, estilos de vida alternativos, los movimientos feministas, la liberación gay, las nuevas religiones y cultos, festivales pop, Vietnam y otras protestas, escenas de discoteca y desenfreno, el florecimiento de la industria cinematográfica de Australia, la nueva libertad sexual, los derechos de los aborígenes, festivales callejeros, el nuevo teatro, la moda, las drogas y el surgimiento de una decadente sociedad hedonista que vendría a caracterizar los años ochenta. A través de la profundidad de estas imágenes podemos ver que Rennie Ellis entendía la fotografía como un viaje, como un deambular por antros, suburbios, fiestas, playas y otros lugares de acción, y que independientemente del camino que siguiese, siempre volvía a casa con pequeños tesoros que le definen como creador.

Sin mi fotografía la vida sería aburrida. La fotografía aporta una dimensión extra a mi vida. Y de alguna manera define mi lugar en el mundo

In 1963 Rennie Ellis embarked two years traveling around the world as seaman, hitchhiker, stowaway... visiting Europe, USA, the Caribbean, the Pacific and Asia, which included sailing a 40 feet ketch from Tangier, across the Atlantic, to Miami; for this he bought his first camera, a Braun Paxette, to record the journey. These travels, the photographs he took and stories he wrote during this time reflect the nature and style of photojournalist he was to become. On his return he launched his career in the world of advertisement, but in 1969, disenchanted with the artifice of advertising, commences working as a freelance photojournalist, as well as an author and filmmaker. Fortunately and to our delight, self-taught photographer, Rennie Ellis decides to devote himself entirely to photography and stages his first exhibition about Kings Cross at the famous Yellow House in Sydney in 1971. Since then, Ellis became one of Australia’s most prolific social documentary photographers during the seventies, eighties and nineties. One of our fetish photographers, the everlasting Rennie Ellis! Always curious and empathetic about the human condition, Ellis’s photography reflects his love for his fellow man and woman, and his desire to “ hold up a mirror to society, to show how the other half lives”. His camera, with an apparently neutral perspective, was the key to the houses of the rich and famous during the day, and the decadent and seedier society at dawn. His outgoing personality did the rest. While looking for foreign experiences he found the essence of the human soul. Managed to capture raw and exciting images, some poetic and enigmatic, others so mundane and simple that attain to transport the viewer to the same scene where the countercultures were born. Doubtlessly, he witnessed at first hand intimate scenes as he captured the images he was looking for, images that depict the rise of a hedonistic society. During these times of change Rennie portrayed the sexual revolution, the repression suffered by women and the movements to defend their rights, the heyday and popularity of Rock n’ Roll music. Always depicting high contrasts. He could photograph the Carnival in Rio and convey all its sexuality and then, inside the backstage of the famous Ballet Kirov, he could capture with expertise the beauty and elegance within their movements and

gestures. Greeted at the White House and banished from the Moulin Rouge. He had the ability to inspire you with a portrait of the Australian comedian Barry Humphries, on the beach wearing a tight speedo while painting, or the nude photograph of Carol Jerrems in her room at Mozart Street, the colorful gallery set up by the individuals at King Cross and the provocative images of his series Decadence. Rennie was in a constant pursuit of emotions, dancing majestically between the thin line that lies between artistic photography and documentary works. When asked to define if his work was art, social realism, photojournalism or pieces of other people’s lives, he answered with a quote from American photographer Alfred Stieglitz: “Art or not art, that is immaterial – I continue on my way, seeking my own truth.” After exhibiting his works world-wide and publishing seventeen books, Rennie died prematurely in 2003, and a few months later the Rennie Ellis Photographic Archive was established, with the objective of preserving and exposing his works, giving us the opportunity to enjoy his extraordinary legacy. Recently the books Decade: 1970-1980 and Decadent 1980-2000 Rennie Ellis were published, establishing him as one of the principal and most important chroniclers of the seventies and eighties Australia. Predominantly black and white photographs, some of the images come from a selection done by Rennie along other emblematic pictures from his portfolio. Most of them come with unpublished extended captions by the author which immerse us in the cultures and subcultures of the seventies: the gay liberation, all the new religions and cults, pop festivals, Vietnam and other demonstrations, nightclub scenes filled with wantonness, the spring of the cinematographic industry in Australia, sexual freedom, Aboriginal rights, street festivals, the new theater, fashion, drugs and the origin of a decadent hedonistic society that would come to characterize the eighties. Through the stories narrated in these images we can tell that Rennie Ellis understood photography as a journey; wondering through dens, suburbs, parties, beaches and many other places filled with action, where regardless the chosen path, he would always come out smiling carrying small treasures that eventually defined him as a creator.

WWithout my photography life would be boring. Photography adds an extra dimension to my life. Somehow it confirms my place in the world

T: LORENA PEDRE

A Deux Doigts

INTERRUPTED INNOCENCE

Hacerse mayor implica perder la inocencia. Estamos casi obligados a ello, pues que te llamen “inocente” cuando ya tienes unos añitos no suele ser el mejor de los halagos. Sin embargo, pocas veces pensamos en lo que esta pérdida implica. Y es que con ella no sólo se nos escapan unos cuantos años de nuestra vida, sino que también se nos van esas sensaciones que suscita el sentir sorpresa o expectación ante lo nuevo y lo inesperado, esa intriga que genera el querer saber más sobre un tema, o, incluso, ese regocijo al haber pensado bien de algo cuando el resto ya estaba buscándole los tres pies al gato. Y, digo yo, ¿alguien sigue pensando que hay algo bueno en eso? ¿El creernos que ya lo hemos visto todo nos hace realmente más interesantes, más inteligentes, más maduros? El querer, incluso, disimular para que no se nos note que es la primera vez que tenemos conocimiento de algo, ¿no nos convierte en realidad en más estúpidos? ¿No nos lleva a ser una generación, una raza, menos evolucionada de lo que realmente podríamos ser? Y si es así, ¿estamos seguros de que debemos ir perdiendo la inocencia poco a poco? ¿O, por el contrario, deberíamos hacer todo lo que esté en nuestras manos para conservarla, incluso para acrecentarla? Cuestiones todas ellas tremendamente complicadas que el colectivo À deux doigts pone a debate a través de su sorprendente obra. Serigrafías y diseños con las que Anne y Greg, sus dos integrantes, exploran la identidad y las relaciones humanas llevando, siempre, las situaciones que recrean hasta el extremo. Así, sus personajes son frecuentemente niños que han perdido por completo la inocencia y que muestran conductas y actitudes adultas que contrastan completamente con su naturaleza e identidad. El resultado de todo ello es una intrigante obra en la que la atracción y la repulsión juegan a partes iguales con todo aquel que se atreva a aventurarse en su fascinante mundo. As we grow up we lose our innocence. It’s seems unavoidable; being called naïve as an adult is not a great compliment. However, we rarely think about what this loss means. With it we are not only sacrificing a few years of our life, but as well those feelings of surprise and excitement that used to come along every time we faced something new and unexpected, the intrigue that made us want to know more about a subject, or the enjoyment present in knowing your ideas were correct when everybody else was looking for cheese on the moon. I mean, does anybody still think there’s something good in that? Does telling ourselves that we know everything really make us more interesting, smarter, more mature? Pretending, even, that we know something though is the first time we’ve heard about it, doesn’t makes us in reality more stupid? Doesn’t that lead us to be a generation less evolved, not honest to our true potential? And if it is so, are we positive we want to keep on losing our innocence one step at a time? Or instead, we should be doing all we can to preserve it and, even so, increase it? All these are complicated issues that the artistic collective “A Deux Doigts” debates through their incredible works. Screen-prints and designs in which Anne and Greg explore what lies behind identity and human relationships, pushing the situations they depict to the extreme. Often, their characters are kids that have lost their innocence and assume grown-up attitudes that contrast with their nature and identity. As a result we are presented with works that equally attract and repulse anyone that dares to venture into this fascinating world.

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¿Qué hizo os metiérais de lleno en el mundo del diseño y de la impresión serigráfica? Anne: De pequeña siempre dibujé, y tras obtener mi título en artes plásticas me dediqué a realizar estudios de diseño gráfico, ahí conocí a Grégoire. Empecé a mirar las ediciones de impresión serigráfica realizadas por Le Dernier Cri, una empresa radicada en Marsella, ellos publican posters y libros increíbles de serigrafía donde aparecen artistas y diseñadores que me encantan, eso fue lo que hizo que me interesara esta práctica. Grégoire: Como Anne, yo también solía dibujar mucho de niño. Al principio quería centrarme en historietas pero luego me empezó a interesar el arte urbano (juguetes artísticos, el graffiti,…). Al terminar la secundaria me dediqué a estudiar diseño gráfico porque en realidad me interesaba la publicación digital. El interés por la serigrafía se desarrolló al conocer a Anne y todas estas publicaciones underground. Además, mi padre trabaja en la industria de los bastidores, así que él podía conseguirnos material y darnos buenos consejos. ¿Por qué decidisteis uniros en el 2011 y crear À Deux Doigts? Porque queríamos trabajar juntos en impresión serigráfica, tener la posibilidad de imprimir imágenes nosotros mismos, sobre tela o papel. Eso fue lo que nos motivó a trabajar juntos. A los dos nos apasiona el dibujo, queríamos compartir nuestras influencias y crear una sola entidad bajo el nombre À Deux Doigts. ¿Cómo definiríais vuestro taller? ¿En qué puede considerarse distinto a otros estudios de diseño? Si te refieres a los estudios de diseño en el área de diseño gráfico, somos lo opuesto a ellos. No trabajamos como un estudio, la mayoría de veces no tenemos un brief. Principalmente somos un dúo de artistas que practican el dibujo, la impresión serigráfica, y también el diseño gráfico si alguien lo necesita (ya que esto fue lo que estudiamos y aún amamos). En resumen, nuestro taller es un dúo multidisciplinario, de ahí nuestro slogan: “Taller de dibujo e impresión serigráfica a cuatro manos”. Soléis ilustrar con grafito, rotring, carboncillo o tinta y, luego, agregáis el color a través de la impresión serigráfica. ¿Los dos estáis presentes de igual forma en todos los procesos o alguno se especializa más en alguna etapa? Ninguno de los dos se especializa en ninguna etapa en particular. Casi siempre trabajamos juntos en todos los procesos, creando la imagen a través de la impresión serigráfica.

Vuestro trabajo crea un universo donde se cuestiona al ser humano. ¿Se puede decir que tras este cuestionamiento hay un poco de ironía e, incluso, humor? Nuestro trabajo cuestiona la identidad, las relaciones humanas y la crueldad que hay tras ellas, pero siempre con un toque de ironía, malversación o humor. Siempre intentamos mantenernos en los límites de la ambigüedad apelando a sentimientos que se encuentran entre el malestar y la sonrisa. ¿Cuál es vuestra intención al contrastar escenarios de ensueño con actitudes y escenas llenas de crueldad? Nuestra intención es recrear la tensión que se vive entre el sueño y la pesadilla, entre la atracción y la repulsión, ilustrar los impulsos conscientes e inconscientes del individuo, transcribir un universo que se encuentra al borde, donde la inocencia y la pureza a veces se transforman en crueldad y un malrazonamiento morboso. ¿Qué rol cumplen los niños como figura central de vuestra obra? Los niños en nuestros dibujos son una representación simbólica del hombre. Ellos muestran la construcción del individuo, las etapas edípicas, el niño como un polimorfo perverso, como Freud lo teorizó. Cumple su rol de espejo para nosotros mismos y el mundo que nos rodea. Normalmente una parte del cuerpo de vuestros protagonistas lleva el peso narrativo. Suelen ser los ojos, la lengua o el pene, ¿es debido a que estas partes son las que cargan las actitudes más adultas y maliciosas? Hay fuertes elementos dentro de nuestros dibujos; pueden ser los ojos, la lengua o el pene. Los usamos para reforzar la idea de “niño/ adulto”. Suelen contrastar con la cándida idea que tenemos de la niñez. A pesar de todo lo que les rodea, estos niños siempre parecen perdidos pero con una actitud tranquila. ¿Creéis que son simples títeres siendo guiados o acaso están abrigando el mal dentro? No vemos a nuestros personajes como títeres, sino como seres que han perdido su inocencia. Su aire calmo y perdido tiene como propósito crear cierto tipo de introspección, un momento suspendido en el cual son tanto actores como espectadores de sus propios impulsos, donde el verdugo y la víctima se funden en un solo personaje. ¿Tal vez con cierta nostalgia por la infancia que no vivieron? Sí, probablemente hay cierto tipo de nostalgia, de descuido, viven en un mundo difícil donde deben encontrar su lugar y asumir la responsabilidad de su supervivencia.

En nuestros niños hay cierto tipo de nostalgia, de descuido, viven en un mundo difícil donde deben encontrar su lugar y asumir la responsabilidad de su supervivencia

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In our children there’s some kind of nostalgia, carelessness, they live in a tough world where they have to find their place and assume responsibility for their survival

What made each of you, Anne and Greg, step into the world of design and silk-screen printing? Anne: I always drew as a child, and after a Bachelor Degree in Fine Arts, I headed towards graphic design studies where I met Grégoire. I started looking through the screen-printing editions of Le Dernier Cri, who are based in Marseille. They publish posters and stunning screen-printed books with artists and designers that I like a lot, that’s what made me want to discover this practice. Grégoire: As Anne, I always drew as a child. I initially wanted to become a comic book illustrator, then I became interested in urban art (art toys, graffiti,...). After high school I headed towards graphic design studies, because I really wanted to practice publication. The interest for screen came when I met Anne and all these underground editions. Also my father works in the industrial screen, he could pick us up material and give us good advices. Why did you decide to join in 2011 and form À Deux Doigts? Because we had the desire to make common screen-printing, have the possibility to print images ourselves, on textile or paper. This is what has pushed us to work together. Both passionate about drawing, we wanted to share our influences to create a single entity under the name À Deux Doigts. How would you define your atelier? What do you think separates you from others design studios? If you’re referring to design studios in graphic design, we are the opposite of these. We don’t work like a studio, most of the time we don’t have a brief. We are mainly a duo of artists who practice drawing, screen-printing and also graphic design if someone needs it (because it’s our studies and we still love this). To summarize, our atelier is a multidisciplinary duo, hence our baseline: “Drawing workshop and screen-printing by four hands”. You are used to illustrate with pencil, rotring, charcoal or ink and, then, you add color through the silk-screen printing technique. Do you both carry out all the stages of the process or each one of you is more specialized in a specific technique? Neither of us is really specialized for a particular stage. Almost always, we work all the steps together, creating the image through screen-printing. Your works show a universe that questions the human subject. Could we say that behind this questioning there’s a lot of irony and, even, humor? Our work questions identity, human relation-

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ships, and the cruelty that can lie behind them, but we always try to recreate this with irony, misappropriation or humor. It’s in this ambiguity border where we try to approach a feeling between discomfort and a smile. What is your intention when you contrast a dreamlike atmosphere with attitudes and scenes full of cruelty? Our intention is to create tension between dreams and nightmares, between attraction and repulsion. Our intention is to depict the conscious and unconscious impulses of the individual, to transcribe a universe at the edge, where sometimes innocence and purity are transformed into a cruel and morbid irrationality. What is the role children play being a central figure in your works? The children in our drawings are a symbolic representation of men. They show the construction of the individual, the Oedipal stages, the child as a polymorphous perverse, as Freud theorized it. The child plays the role of being a mirror to ourselves, and the world around us. It’s frequent that a part of the body of your protagonists holds great weight in the narrative. It’s usually the eyes, the tongue and the penis. Does it have to do with the fact that these organs convey more adult and malicious attitudes? These are strong elements in our drawings; it can be the eyes, tongue or penis. We use them as a way to reinforce the idea of “child / adult”. They contrast with the candid image we might have of childhood. Despite everything that surrounds them, these children tend to look lost but with a calm attitude. Do you think that they are mere puppets being led or are they harboring evil within? We do not see our characters as puppets, but as beings that have lost their innocence. Their calm and lost air comes from our intention to show some kind of introspection; a suspended moment where they would be both actors and spectators of their own impulses, the executioner and the victim merge into one character. They might be nostalgic for a childhood they never lived? Yes, in our children there’s some kind of nostalgia, carelessness, they live in a tough world where they have to find their place and assume responsibility for their survival.

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La realidad es una suma de mil historias entrelazadas. Están ahí, latentes, esperando a que alguien las descubra. Y es que toda historia es digna de ser contada: solo hay que tener la mirada adecuada. Laura Austin es consciente de que, en cierta manera, es una narradora de historias. Las destapa, las capta, las convierte en algo estéticamente bello. Es una exploradora urbana: allá donde va, siempre hay algo que contar. Está claro que su ojo crítico es el resultado de la combinación entre su formación como periodista y su amor por la fotografía. Viajar es su motor, la fotografía su instrumento y las palabras le ayudan a ir aún más lejos. En su mundo todo significa algo, pero contradiciendo al viejo refrán, no siempre una imagen vale más que mil palabras: se complementan. Su pasión por la aventura la han convertido en nueva embajadora de Arnette. Reality is made up of a thousand entangled stories; all there, dormant, waiting for someone to discover them. And every story is worth telling: you just need to look at it from the right perspective. Laura Austin is aware that, to a certain degree, she is a storyteller. She uncovers them, captures and turns them into something aesthetically beautiful. She’s an urban explorer: wherever she goes there’s a story to tell. It’s clear that her critical eye is the combination of a background in journalism and her love for photography. Traveling is her drive, photography her instrument and words help her go further. Within her world everything has a meaning, hence belying the old refrain; a picture is not always worth a thousand words: they rather complement each other. Her passion for adventure has made her Arnette’s new ambassador.

www.lauraaustinphoto.com

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LAURA AUSTIN LA VIDA ES UNA AVENTURA T: ANTONELLA SONZA

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¿El hecho de ser periodista te ayuda a capturar y expresarte mejor a través de tus fotografías? Definitivamente. Trabajar como periodista me hizo darme cuenta de que contar una historia es la parte más importante. Creo que siempre he contado historias a través de mis fotografías, pero el tener que escribir me ayudó a desarrollar un mejor entendimiento de cómo acompañar esas palabras con imágenes. A partir de tu experiencia, ¿recomendarías a periodistas y fotógrafos viajar para así descubrir historias? Claro… hay tantas buenas historias ahí afuera. Hace poco descubrí a un fotógrafo con una gran narrativa, su nombre es Theron Humphrey. Probablemente su mayor reconocimiento viene de su trabajo en Instagram (@thiswildidea), en su web muestra como durante todo un año de viaje, se dedicó a fotografiar a una persona diferente cada día y a contar su historia. Un trabajo verdaderamente inspirador. ¿A través de qué medio te sientes más cómoda en el momento de expresarte, la fotografía o la escritura? Cada vez escribo menos, lo que me hace sentir culpable. De momento el trabajo fotográfico no cesa, así que por ahora el único medio narrativo que utilizo es a través de Instagram. Tengo la determinación de dedicar más tiempo a realizar piezas/artículos de un formato mayor pronto, ya que cuando estás publicando una imagen con un pie de foto del largo de una frase, sólo obtienes un fragmento muy pequeño de la historia. En tu trabajo encontramos imágenes de la naturaleza, carreteras, paisajes con y sin personas, donde siempre está presente el concepto de libertad. Así mismo tienes una serie llamada “Me In My Place” (Yo En Mi Lugar), donde aparecen personas interactuando con su entorno más cercano. ¿Siempre intentas encontrar el lugar y la persona adecuada al fotografiar? Depende de para qué o para quién esté fotografiando. Cuando el trabajo es personal, tiendo a estar fuera o viajando y de allí proviene ese sentido de libertad del que hablas, porque, literalmente, es allí donde soy más libre. Pero intento llevar ese mismo espíritu hacia mi otro trabajo también. Espero no tener que sacrificar jamás mi integridad fotográfica por mis clientes. Ya sean fotografías de deportes, moda o viajes, intento poner algo de mí para que se sepa que son mis imágenes. ¿Qué significa la moda para ti? Procuro no caer presa de ella. Si alguien me pide fotografías para un catálogo, intento llevar al modelo a un lugar interesante y así contar una historia, en lugar de hacer la sesión de fotos en un estudio. Tengo un gran respeto por las personas que logran capturar imágenes hermosas en un estudio, yo en lo personal prefiero imágenes donde no sólo quien las ve experimenta algo asombroso, sino también quienes las han creado. ¿Qué quieres expresar de la juventud al fotografiar a esta generación? No tengo ningún objetivo concreto al retratar a la juventud de hoy. Si esa es mi temática principal es porque son ellos quienes me rodean. Mi objetivo principal es inspirar a la gente para que creen una vida en la cual hacen lo que aman. Lo cual yo creo que es una meta para muchos de esta generación: ganarse la vida a su manera. Cuéntanos una anécdota que siempre recordarás de tus viajes. Uno de los momentos más fuertes que he vivido fue mientras viajaba sola en coche por Sedona (Arizona). Quería capturar el amanecer desde esa espectacular roca llamada Cathedral Rock. Me tomó alrededor de una hora escalar un muro bastante empinado, lo cual hice a oscuras con una linterna frontal, ya que quería estar en la cima cuando el sol saliera. Después de una escalada un poco mediocre llegué a la cima para el amanecer. Era la única persona allí arriba, sentada al borde del acantilado, disfrutando de este maravilloso paisaje. Cuando trabajas así para lograr algo, la experiencia es mucho más poderosa. Esa

ha sido una de las mejores sensaciones que jamás he tenido y dibujó una sonrisa en mi cara por días. ¿Cómo te enteraste de que serías embajadora para Arnette? ¿Cómo te sientes con esa nueva responsabilidad? Un amigo mío, Eric Meyers, es el Manager de Marketing Digital de la marca y me contactó para decirme buscaban una creativa, me preguntó si estaría interesada. Con mi experiencia en el snowboard y el aprecio que tengo hacia la historia de Arnette, es un placer formar parte de ello. No os voy a mentir, fue bastante divertido pasar un día del otro lado de la cámara para ese proyecto. Arnette ha distinguido en ti una visión especial y un punto de vista inspirador… Es un gran halago que alguien te elogie por tu trabajo o por quién eres, ya sea en una simple entrevista online o para toda una campaña publicitaria. Este tipo de reconocimiento es, más que nada, una afirmación de que todo el trabajo que he realizado está dando sus frutos, lo cual me inspira a seguir empujándome a mí misma. Agradezco mucho cuando algo así sucede, y espero que nunca se me suba a la cabeza y dejé de valorar los cumplidos provengan de donde provengan, sea grande o pequeño. ¿Al trabajar con marcas hay libertad creativa o no? En realidad depende del proyecto. Hasta el momento he tenido la suerte de trabajar junto a personas que aprecian lo que he hecho anteriormente y quieren que incorpore mi estilo y estética en lo que voy a fotografiar. Espero lograr mantener cierta libertad artística a lo largo de mi carrera, ya que de lo contrario no eres más que un mono presionando un botón. ¿Qué deportes te gusta practicar y fotografiar? Solía ser algo atlética mientras crecía. Practiqué atletismo y jugaba a fútbol, basketball y softball en la secundaria. Pero al mismo tiempo era una pequeña snowboarder y skater. Disfruto haciendo todas esas cosas, me gusta mantenerme activa. En cuanto a fotografiar, soy feliz capturando todos esos deportes. Aunque suelo preferir el estilo de vida asociado a éstos. Me gusta ver los rostros de las personas y contar una historia a través de las imágenes. Lo cual es más difícil si estás fotografiando a un snowboarder saltando de una rampa, a distancia. ¿Qué pasa con los mensajes como Shit Is Real (La Mierda Es Real) o It’s Time To Go Adventuring (Es Hora de Irse de Aventura) en tus fotos? La serie Shit Is Real fue parte de una campaña que hice para Vans junto al artista Cody Hudson. Estábamos pensando en maneras ingeniosas de mostrar su trabajo, Shit Is Real es más su mensaje… no el mío. La imagen It’s Time To Go Adventuring no fue más que una increíble postal que encontré, la cual tiene un mensaje que apoyo (risas). En ciertos escenarios es divertido incluir palabras para darle mayor narrativa a las imágenes. Con respecto al futuro, ¿hay algo que te falte por capturar o experimentar? Todavía hay tanto que quiero hacer, siento que mi carrera justo está comenzando. Tengo aspiraciones comerciales de trabajar en proyectos y campañas más grandes. Pero por ahora quiero contar con un proyecto personal que sea más significativo para mí y para las personas que lo vayan a ver. Todavía estoy en el proceso de averiguar cuál será. Manteneros atentos. El monotema de nuestra revista esta edición es NOSTALGIA, ¿hay algo que te la produzca? Claro que sí, soy una persona bastante nostálgica. Creo que lo que más me causa nostalgia es la naturaleza. Crecí en las montañas, algunas veces con el vecino más cercano a kilómetros de distancia. De pequeña lo daba por sentado, ya que era todo lo que conocía. Ahora que vivo en Los Ángeles, soy muy nostálgica cuando se trata de la naturaleza y de los espacios abiertos, probablemente por eso son una parte tan importante de mi trabajo.

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Being a journalist helps you capture and explain yourself better in your pictures? Definitely. Working as a journalist made me notice that telling a story is what matters the most. I think I’ve always been a bit of a natural storyteller through my photography, but having to write helped me have a better understanding of the best way to supplement those words with images. From your own experience, do you recommend to any journalist or photographer to travel in order to discover stories? Off course… There are so many great stories out there. One of the most recent photographers I discovered, who is an incredibly storyteller, is Theron Humphrey. He is probably most known for his work on Instagram (@ thiswildidea), at this website he shows how he spent an entire year on the road shooting a different person every day and telling their story. Very inspiring. When do you feel more comfortable expressing yourself, when you’re writing or taking photos? I’ve been writing less and less which I feel guilty about. Photo work has been non-stop lately, so my only storytelling outlet has been through Instagram. I’m determined to take the time to do more long format pieces/articles soon, since you really only get a tiny fraction of the story when you are posting one image and a sentence-long caption. You take images from nature, roads, views with and without people, but the concept of freedom is always there. As well you have your own series called Me In My Place, with people interacting with their closest environment. Do you try to find the right place or the right person to shoot? It just depends on what/who I am shooting for. For personal work, I normally tend to be outside and traveling which is where that sense of freedom comes from, because literately it is then that I am most free. But I try to carry that same spirit into my other work as well. I never want to completely sacrifice

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my photographic integrity for clients. Whether it is photos of sports, fashion or travel, I want to bring some of myself into it so you can tell it is my image. What does fashion mean to you? I try not to get too caught up in fashion. If someone wants me to shoot clothing, then I would rather take a model out into an interesting setting and tell more of a story rather than just shooting them in a studio. I have immense respect for the people who do create beautiful images in a studio, I would just personally rather shoot an image where not only the viewer is experiencing something amazing, but the people who created that image are as well. What do you want to express about today’s youth by photographing this generation? I don’t think I have any set goal to embody today’s youth in my images. If that happens to be my subject matter, it is simply because it is what I am around. My main goal is to inspire and show people that they can create a life for themselves by doing what they love. Which I think happens to be a goal for much of this generation: to make a living their own way. Tell us an anecdote from your trips that you will always remember. I think one of the most powerful moments I’ve had while I was traveling was along one of my solo road trips in Sedona (Arizona). I wanted to catch the sunrise at this amazing rock structure called Cathedral Rock. I was about an hour hike up a very steep rock face, which I had to do in the dark with a headlamp since I wanted to be at the top when the sun was rising. After a pretty sketchy hike I made it to the top right at sunrise. I was the only one up there, sitting on the edge of a cliff, overlooking this incredible landscape. When you have to put in work like that it makes everything that much more powerful. That was one of the best feelings I’ve ever had and left a smile on my face for days.

How did you know that you were going to be an ambassador for Arnette? How does this new responsibility feels like? A friend of mine, Eric Meyers, is Arnette’s Global Digital Marketing Manager and he reached out to me letting me know they were looking to feature a creative female and was curious if I would be interested. With my background in snowboarding and the appreciation I have for Arnette’s history, I was happy to be involved. I’m not going to lie; it was pretty fun spending a day on the other side of the lens for that project. Arnette has seen in you a special vision and an inspiring point of view… Well, it’s flattering anytime someone wants to highlight you for your work or who you are, whether if it is on a simple online interview or an entire ad campaign. That type of recognition is mostly an affirmation that all the work I’ve put in is paying off and inspires me to keep pushing myself. I’m incredibly grateful when anything like that comes my way, and I hope I never let anything like that go to my head and stop appreciating a tip of the hat from someone else, either big or small. Working with brands means artistic freedom or not? It depends on the project really. So far I have been incredibly lucky to be hired by people how appreciate what I have already done and want me to incorporate my style and aesthetic into what I shoot for them. I hope I can maintain a decent amount of artistic freedom in all the work I do, otherwise you just become a monkey pushing a button. Which sports do you like practicing and shooting? I used to be a bit of a jock growing up. I ran track, and played soccer, basketball, and softball in high school. But at the same time I was a little snowboarder and skater kid. I enjoy doing all of those things; it’s nice to

stay active. As far as shooting goes, I’m happy shooting any of those sports. I tend to prefer the lifestyle side of it though. I like to be able to see people faces and tell a story through the images. That’s harder to do if you’re shooting a snowboarder going off a jump far in the distance. What about the messages in your photographs like “Shit Is Real” or “It’s Time To Go Adventuring”? The “Shit Is Real” was part of something I shot for Vans with the artist Cody Hudson. We were just trying to find cool ways to showcase his work; “Shit Is Real” was more of his message… not mine. The “It’s Time To Go Adventuring” image was just an awesome postcard I came across with a message I support (laughs). Sometimes it’s fun to include words into a certain setting to create more of a storyline to your images. Let’s talk about the future… is there anything you have on your mind you still want to capture and experiment with? There is so much I still want to do, I feel like I am just starting my career. I have commercial aspirations as far as working on bigger projects/ campaigns. But right now I want to come up with some sort of long personal project that will be more meaningful to me and to the people who are viewing it. I’m still working on figuring out what that might be. Stay tuned. The magazine’s theme this issue is NOSTALGIA, do you ever feel nostalgic? Oh yes, I’m a pretty nostalgic person. I think the thing I am most nostalgic for is nature in general. I grew up in the mountains, sometimes with the closest neighbor miles away. I took it for granted when I was younger because it was all I knew. Now living in the middle of Los Angeles, I am very nostalgic for nature and open spaces, that’s probably why it is such a big part of most of my work.

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T: DAVID GONZÁLEZ

SILV I A GR AV SENTIR NOSTALGIA POR UN LUGAR AL QUE NUNCA HAS IDO

El universo de Silvia Grav guarda una esencia muy propia. Imágenes en blanco y negro. Gran presencia de luces y sombras. Fotografías que emanan un halo onírico, con ápices surrealistas. Una obra con tintes autobiográficos, un mundo interior que deducimos implícitamente. Un interior que expresa siempre lo mismo a través de diferentes lenguajes, desde la fotografía a la escritura. Ella dice que “al final, cada cosa que se dice y se hace es simplemente un esfuerzo constante e inútil por sentirse comprendido”. The Universe of Silvia Grav has its very own essence; black and white images with strong contrasts between shadows and light, photographs that exude a dreamlike halo amidst surrealist apices. Her work projects autobiographical overtones from where we can derive an inner world, which is expressed through different languages, from photography to writing. “In the end, everything that’s said and done is nothing but a constant and futile struggle to feel understood”, she says.

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¿Qué tiene la cámara y qué ha provocado ese lazo vuestro tan estrecho? Una mezcla de demasiadas cosas. Me desenvuelvo bien con ella y esa facilidad me permite ir más y más lejos siempre. Si no existiese, no sé. Dibujaría, bailaría. Aprendería a hablar mejor. En tus fotografías, ¿hay más necesidad de expresar o más inspiración que contar? Necesidad de expresar. ¿Podríamos hablar de un trabajo puramente autobiográfico? Totalmente. Pero no en un sentido directo. Quiero decir, utilizo mi vida y todo lo que me afecta como motor y materia sobre la que trabajar, no siempre como diario. Tu obra se compone de muchos lenguajes: escribes, fotografías… ¿Qué te permite expresar cada uno de ellos? Es siempre el mismo sentimiento que simplemente se canaliza de formas diferentes y por diferentes motivos. Supongo que, al final, cada cosa que se dice y hace es simplemente un esfuerzo constante e inútil por sentirse comprendido, lo más comprendido posible. O dicho de otra forma, de sentirse menos solo. Así que solo elijo el método más rápido y coherente con lo que quiero expresar en cada momento. Es difícil definir qué me permite cada uno, el lenguaje es algo que evoluciona inevitablemente contigo y que difícilmente mantiene la misma función o utilidad durante mucho tiempo. ¿Cuánta preparación y cuánta espontaneidad hay en tus imágenes? Nunca hay preparación. Eso implica tener un método concreto con el que trabajar y con el que sabes que vas a funcionar cómodamente. Y todo se vuelve previsible, y eso está bien si no te aburres con facilidad y si no tienes la suerte de poder permitirte experimentar. Trabajando espontáneamente la organización es mínima y la intuición lleva todo el control; y así la posibilidad de desastre es mucho mayor, pero es en este desastre donde he encontrado siempre el siguiente paso a dar. Creo que no conozco otra forma de aprender. En tu obra apreciamos un halo onírico, con gran presencia de luces y sombras, en la que deducimos un mundo interno. ¿Cómo podrías describir tu imaginario? ¿Qué te permite? Creo que solo trato de suplir carencias que veo en las palabras, de llenar vacíos. Habitualmente a costa de mal educar mi cobardía, es más sencillo esconderse detrás de una imagen. ¿Hay algún motivo más allá del contraste y la dureza en el uso del blanco y negro en tus imágenes? No conscientes… Supongo que hay algo en lo viejo, en lo que no va a volver, que tiene una atracción curiosa y

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algo absurda para muchos. No sé si es exactamente masoquismo, pero tendemos a apreciar más y mejor lo imposible. ¿Qué importancia tiene para ti, como fotógrafa, el uso de programas de edición de fotografía que te permiten acercarte a la idea que pretendes proyectar? El hecho en sí de llamarlo fotografía ya es algo bastante limitante. Supongo que al haber dibujado durante toda mi vida sin reglas y casi ni estudios me malacostumbré a la libertad que te brinda un papel en blanco. Con la cámara tienes muchas otras facilidades y ventajas que no hallas con el dibujo, pero también el problema de la dependencia a la realidad. Esta dependencia es la que arreglan los programas de edición. En tus imágenes la mirada cobra una importancia especial. A veces está, otras desaparece. ¿Qué pretendes transmitir con ella? En realidad me mueve lo que a mí me han transmitido con ella. Supongo que la mayor parte de mi vida he observado más al resto en lugar de interactuar con ellos. Interactuar de verdad, quiero decir. Durante mucho tiempo me sentí tan fuera de lugar en todas partes que fingía estados y entender por no quedarme fuera. Como muchos. Veía cómo la vida me pasaba cerca pero no tenía la certeza de estar sintiendo nada real. Como si nunca ninguna cosa llegara a rozarme. Y después de asumirlo como la normalidad, en algún momento de mi adolescencia me crucé con alguien que me miró y me vio por dentro. Y a través de ese gesto absurdo sentí por primera vez que algo me atravesaba. Y esa fue la primera vez que entendí y sentí, de una forma totalmente sincera. ¿Qué aspectos positivos conlleva ser autodidacta y qué parte negativa? La libertad, no hay nada comparable. Poder moverme completamente por impulsos, no depender de nadie, que nadie dependa de mí. Lo negativo quizá sea la sensación de que nada permanece en mi vida mucho tiempo y ser consciente de que mis decisiones son solo mías y también las consecuencias de cada paso que doy. Dices que uno de tus sueños es dirigir una película. ¿Qué crees que te proporcionará el cine, que no te aporten tus imágenes, dibujos o escritos? Que es precisamente todo eso, pero junto. Creo que es la culminación del arte, aunque deteste las palabras culminación y arte, y hacer afirmaciones tan contundentes. Pero es indiscutible que ningún otro medio de expresión reúne tantos lenguajes en uno solo y tiene tanta potencia de transmisión. Y con esta ventaja supongo que es mucho más fácil llegar a lo profundo, lo complicado es saber y tener los medios para hacerlo.

HAY ALGO EN LO VIEJO, EN LO QUE NO VA A VOLVER, QUE TIENE UNA ATRACCIÓN CURIOSA Y ALGO ABSURDA PARA MUCHOS 117

What has led you to develop such a strong bond between you and the camera? It’s a mixture if different things. I feel comfortable with it; that allows me to go further and further each time. If it didn’t exist, I don’t know, I would draw, dance... I would learn to speak better. Within your work, which is stronger: the necessity to express yourself or an inspiration to convey? The necessity to express myself. Could we consider your work absolutely autobiographical? Totally, but not in a direct manner, I mean, my life, and everything that happens to me, serve as a catalyst and motif when I create my work, but is not meant to be portrayed as a journal or a diary. We can find different languages within your pieces: written words, photography… What does each one allows you to express? The feeling is always the same, just canalized in a different way and for different reasons. I guess in the end everything that’s said and done is nothing but a constant and futile struggle to feel understood, at least as much as it is possible. Or in other words, to feel less isolated. So I just pick the faster way, the one that’s more coherent with what I want to express at any given time. Its hard to define what each one offers; language is something that evolves along with you, this is inevitable, it rarely keeps the same function or purpose for long. When working, what’s your ratio between preparation and spontaneity? There’s no preparation whatsoever. Preparation involves having a concrete working method with which you will run comfortably. This turns everything predictable, and that’s ok if you don’t get bored easily or if you can’t afford to experiment. When you work spontaneously there’s barely any organization, intuition takes control; and thus, chances for disaster are much higher, but it’s within disaster where I always find the next step to take. I guess I don’t know any other learning methods. In your pieces we can appreciate a dreamlike halo, a strong presence of lights and shadows from where an inner world can be derived. How would you describe your imaginary and what it allows you? I think I just try to fill in the void I see amidst words, fill in the gaps. Usually at the expense of feeding my cowardice, it’s easier to hide behind an image. Are there any reasons behind the strong contrasts and hardened use of black and white in your works?

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Not deliberately… I guess there’s something about the past, something about what’s left behind, that exceeds some curious, and for many absurd, attraction. I don’t know if it’s masochism, but we tend to appreciate more that which is impossible. As a photographer, what role does photo editing software takes when achieving the idea you intend to convey? The very act of calling it photography is quite restraining. Having drawn all my life without any rules and almost no studies got me used to the freedom a blank paper gives you. With the camera you have many other facilities and advantages that you won’t find when drawing, but as well, you depend on reality. This dependency is solved by the use of the aforementioned software. A stare or a glare can take a special significance in your works. It’s sometimes there and others, it disappears. What are you trying to convey through them? Actually, what moves me is that which the stare or glare has made me feel. Throughout most of my life I’ve been observing others, instead of interacting with them. For a long time I felt out-of-place; I was always pretending so I wouldn’t feel like an outcast. As many of us do. I could see how life was passing me by without the certainty of feeling anything real. As if nothing could touch me. After accepting that as something normal, at some point during my teens I met someone who looked at me, and saw me from within. And through that absurd gesture I felt for the first time like if something pierced me. And that was the first time I understood and felt in a sincere way. Tell us about the pros and cons of being a self-taught artist. The freedom, nothing can match that. Being able to let my impulses guide me, I don’t depend on nobody and nobody depends on me. The negative aspects may be the feeling that nothing in my life remains for a long time, and the awareness that my decisions are my own, as well as the consequences of every step I take. You’ve said one of your dreams is to direct a film. What would cinema give you that you cannot find in photography, drawing or writing? Cinema is precisely the combination of them all. I think is the culmination of art, though I prefer to avoid the words culmination and art, as well as making such strong statements. But it’s undisputable, no other means of expression can converge as many languages as cinema does, as well as its communicative capacities. All this advantages allow you to reach deeper, what’s complicated is to know how to and to have the means to do so.

I GUESS THERE’S SOMETHING ABOUT THE PAST, SOMETHING ABOUT WHAT’S LEFT BEHIND, THAT EXCEEDS SOME CURIOUS, AND FOR MANY ABSURD, ATTRACTION

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T: IBONE IZA

IBON ANTUÑANO

Principios que definen una vida

Ibon Antuñano es uno de los artistas seleccionados por Movistar Surficity Festival para inaugurar esta primera edición en Barcelona que se está gestando con un cariño inmenso por el mar y la ciudad. Su perseverancia en todo lo que hace se traslada a sus films y a sus fotografías, que son el puro reflejo de una persona coherente consigo misma y sus pensamientos positivos, aunque se gesten en la melancolía. Las fotografías de Ibon muestran el estilo cinematográfico de sus experiencias vitales recogidas en fotogramas de colores cálidos, de vidas muy vividas. Ibon Antuñano has been selected as one of the artists to be present at the opening of the Movistar Surfcity Festival’s first edition, happening in Barcelona, an event that’s emerging filled with love for the sea and the city. The perseverance Ibon has towards everything can be seen in his films and photographs; though conceived from melancholic state, they’re the clear reflection of someone who stays true to himself and his positive thoughts. His photographs have a cinematographic feeling due to his life experiences, which are gathered in frames full of warm colors that expose a fully lived life.

www.totorika.tv 121

En casi todos mis proyectos personales creo que hay una pizca de Nostalgia. Me gusta recordar algo que vivĂ, viajar en el tiempo. QuizĂĄs soy o quiero ser poco realista, el pasado me gusta, el futuro no tanto

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Buscando retos desde la infancia. Ya desde pequeño empezaste a pelear cada ola en los campeonatos de surf para seguir haciéndolo con tu espléndida obra audiovisual. ¿Es el mar lo que te inspira para empezar tu trabajo? El mar sigue siendo desde que lo conocí un lugar al que acudir, ya sea para recuperarme de algo malo o celebrar algo bueno y el surf me ayudó a estar siempre en contacto. Es ahí donde surgen ideas constantemente para hacer nuevos proyectos, es como una purga del alma, te deja limpio y desintoxicado de la sociedad y del día a día y te da pie a pensar y crear sin ningún tipo de influencia externa. Tienes un estilo de vida muy auténtico, amante del mar, vegetariano, buscas la autosuficiencia, concienciado con tu entorno, ¿se refleja también esa pureza en tu obra? Cuando creo algo lo intento gestar desde la mirada del principiante, no desde la visión de alguien que ya ha hecho algo parecido y tiene la experiencia de varios años. Sería un error, a mi gusto, hacer algo ya basándote en tu experiencia con proyectos anteriores, se intoxicaría de muchas cosas y perdería identidad propia. ¿Ficción o realidad? Últimamente he estado haciendo varios proyectos documentales. Depende del momento y del proyecto le doy a los dos palos. Con tu fotografía transmites paz y serenidad... en cambio como realizador de videoclips eres bastante cañero, resulta curioso, ¿utilizas la música como vía de escape? Intento ser una persona tranquila en mi estilo de vida. Cada día más busco la simplicidad, el “menos es más”. Y como bien dices es raro alguien que alguien con este tipo de pensamiento haga muchos trabajos de rock duro y metal, es gracioso pero realmente resulta otra vía de escape, además me he encontrado a gente maravillosa en el mundo del metal, todo lo contrario a esa imagen de tipos duros, son personas con mucha sensibilidad y corazón. ¿Tocas algún instrumento? La guitarra un poco y mal. Estoy intentando ponerme un día y aprender. Me encantan todos los instrumentos. Nuestro tema esta edición es Nostalgia, ¿dirías que parte de tu obra la transmite? En casi todos mis proyectos personales creo que hay una pizca de Nostalgia. Es algo que siempre he llevado dentro, no sé por qué la verdad. Siempre me gusta recordar algo que viví, viajar en el tiempo. Quizás soy o quiero ser poco realista, el pasado me gusta, el futuro no tanto (risas). ¿En este momento qué es lo que te inquieta en la vida? Me inquieta la felicidad de Adur (mi hijo) con lo que ello implica y estar lejos en muchos momentos de él. Me inquieta no hacer muchas veces lo que quiero hacer. Y sobre todo la problemática ecológica, sin la madre tierra no somos nadie ni lo serán nuestros hijos. Con tu primer corto “Una Bala” en 2003, te nominan a los Óscars, ganas premios en Japón, Brasil, Francia.. ¿Qué supuso todo este reconocimiento? Pues si te digo la verdad en aquella época mi cabeza estaba muy metida en el surf y todo lo que pasó con aquel corto casi ni lo saboreé. Tuve una llamada de la Warner Bros para hablar sobre una futura película pero apenas me importaba así que lo deje de lado. Años más tarde me dije “pero que coño hice!! soy imbécil” (risas). Pero bueno siempre digo que todo pasa por algo y tampoco me arrepiento, ya llegará otra oportunidad igual si tiene que venir.

Cómo es trabajar con uno de los grandes, Ridley Scott. El año pasado me llamaron una primera vez para rodar unas semanas en Almeria en la segunda unidad de EXODUS y dio la casualidad de que estaba en Canarias trabajando, me fastidió bastante porque no siempre se tiene la oportunidad de trabajar en una producción de Ridley Scott. Un mes más tarde volví a recibir otra llamada para ir a Canarias, también con la segunda unidad y esta vez estaba en Bilbao a punto de irme a trabajar en otro proyecto a Berlin, pero me dio tiempo a cambiar de planes y me fui para Canarias. Una vez allí todo fue increíble, nunca había colaborado en algo semejante, 300 técnicos trabajando a la vez con todos aquellos medios, un kilómetro de trailers solo de material venido desde England o EEUU. En la segunda unidad de acción el director era el hijo de Ridley, así que pensé que iba a ser imposible verle la cara y menos conocerle. Pero no fue así. Era domingo y la primera unidad estaba de descanso por lo que Ridley, como buen obseso del trabajo que es, se acercó a ver rodar a su hijo. Me acuerdo que después de una toma nos llamaron a los tres cámaras que estábamos al camión donde se encontraba el director visionando lo que estábamos haciendo, nos quería dar ordenes para la siguiente toma. Al llegar y abrir la puerta la sorpresa fue ver a Ridley Scott sentado y ofreciéndonos sitio a su lado para darnos instrucciones mientras ponían cada una de nuestras tomas. De vuelta a mi cámara y ante mi emoción pensaba que ya me podía retirar después de haber recibido órdenes suyas (risas). Hoy en día no es fácil sobrevivir en el mundo audiovisual, aun así estás trabajando en tu primer largometraje, háblanos de él. Ahora mismo lo tengo un poco apartado ya que estoy con varios proyectos y primero tengo que terminarlos antes de ponerme de lleno con ello. La verdad es que sí está difícil el sector, creo que todo los sectores en general, pero la crisis nos ha venido bien para darnos una buena torta en la cara y ver las cosas de otra manera, estábamos inmersos en una burbuja irreal, la maldita era industrial ha terminado y esperemos que llegue la era de las relaciones humanas. Conoces bien Barcelona, estudiaste aquí. Ahora formas parte de un bonito proyecto que relaciona la ciudad con el arte, el surf.. SurfCity Festival. ¿Qué te parece la iniciativa? Viví como 7 años en Barcelona ya que estudié cine allí. Me gusta Barcelona, tiene mar (risas). Me hace ilusión formar parte de este proyecto ya que me ha traído muchos recuerdos de mis vivencias allí, mis baños en la Barceloneta… Yo viví aquel Surf In City. Esta vez he intentado hacer algo distinto, quería juntar dos formas de ver esa temática, por eso invite a Sandra Calderon a formar parte del proyecto, juntos hemos hecho un vídeo algo experimental, uniendo sus vivencias y las mías: nos ha salido algo muy loco pero muy realista creo. ¿Qué crees que aportará un festival así a la ciudad? Dará a conocer la relación tan estrecha del surf con la ciudad en Barcelona, algo que pasa también en Donostia. Y sobre todo una reunión de arte acojonante. Está siendo un buen invierno de olas en el Mediterráneo, ¿cómo ves a la nueva Barcelona surfera? Hace mucho que no viajo a Barcelona, he visto fotos y vídeos de gente surfeando. Me acuerdo de que ya hace unos años cuando yo surfeaba allí te encontrabas una treintena de surferos en La rotonda o Barceloneta y ya había gente con un buen nivel. ¿Te veremos por la ciudad Condal? Igual caen unas onditas :) Espero ir al festi, me hace mucha ilusión. Quiero dar las gracias a Marc Conca por pensar en mí para este proyecto.

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You’ve been seeking for challenges since childhood. As a kid you were always seizing the waves during the surf championships and then you continued with your splendid audiovisual work. Is the sea an inspiration to start working? Since the first time I saw the sea it has always been a place to go, either to recover from something bad or to celebrate something good, and surfing has always helped me to stay in touch with it. Ideas for new projects emerge constantly when your at sea, it’s like a cleansing of the soul, after which you’re purged and detoxified from society, from the day-to-day hustle, leaving you in a estate where you’re free to think and create without any external influences. You have a very authentic lifestyle; you’re a sea lover, a vegetarian, you seek self-sufficiency as well as being truly aware of the environment. Is this purity reflected in your work? When I’m creating something I always try to keep a novice perspective, I avoid the viewpoint of someone that has done something similar before and has several years of expertise. For me it would be wrong to do something based upon preceding experiences attained on previous projects, that would intoxicate the final product, making it lose it’s own identity. Fiction or reality? Lately I’ve been working on different documentaries. Depending on the time and project I work on both. Your photography conveys peace and serenity… instead, when directing video clips you come out as boastful, which is curious. Does music gives you a mean of escape? I try to keep a quiet and serene lifestyle. Each day I aim more for simplicity, the “less is more” philosophy. And as you say, it’s unusual that someone with this reasoning works as much as I do directing hard rock and metal video clips; it’s funny but it does turn out to be another mean of escape. Besides I’ve found wonderful people in the world of hard rock, quite the opposite of that image of tough guys, they’re people with a big heart and great sensitivity. Do you play any instrument? I play a little guitar and badly. I’m trying to catch up and learn. I love all instruments. What worries you in life right now? I worry about the happiness of Adur (my son) with all that implies, and being away from him. Many times I worry about not doing what I want to do. And above all I worry about the environmental issues, without Mother Earth we are nothing nor our children will be. Your first short film, “Una Bala” (2003) got you an Oscar nomination, awards in Japan, Brazil, France… What came along with all this recognition? To tell you the truth, back then I was into surfing so much, that I barely got to taste everything that happened. I got a call from Warner Bros. to discuss a future film but I hardly cared, so I walked away. Years later I told myself, “What the hell was I doing? How stupid!” (Laughs). Anyway I believe everything happens for a reason, I don’t regret it, if it’s meant to be, another opportunity like that will come. How is working alongside someone like Ridley Scott? The first time they called me was last year; the idea was to shoot during some weeks in Almeria for the second unit of EXODUS. At that time I happen to be working in the Canary Islands, which bummed me big time

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since you not always get the opportunity to work besides Ridley Scott. A month later I got another call, they wanted me to go to the Canary Islands to work as well for the second unit; this time I was about to leave Bilbao to work on another project in Berlin, but I had enough time to change my plans and head to the Canary Islands. Once there everything was amazing, it was my first time in a project like that; 300 technicians working at once with all that equipment, one kilometer of trailers filled with material brought from England and the United States. Ridley’s son was directing the second unit, which made me think I would never get to see, much less meet Ridley. But I was wrong. On a Sunday, the first unit was resting so Ridley, as a good workaholic, came by to see his son direct. I remember after shooting one take, they called all us three cameramen to the truck where the director was; he wanted to give us some headlines for the next take. I remember my surprise when arriving and seeing Ridley Scott there, offering us a seat and giving us instructions while our takes were being projected. When I was back on my camera, filled with excitement, I thought I could retire already, after having received orders by him (laughs). Nowadays it’s not easy to make a living working in audiovisuals, still, you’re working in your first full-length film. Tell us about it. Right now it’s a little bit on the shelf as I’m busy working on several other projects, which I have to finish before coming back to it. You’re right, it is a tough market, as are all markets in general, but the economic crisis has served us as a wake up call to see things through another perspective, we were immersed in an illusory bubble. The dammed industrial era is over and hopefully now it is time for the era of human relationships. Since you studied in Barcelona, you know the city. Right now you’re part of a special project that bends the city with art, surf… SurfCity Festival. What do you think about this initiative? I lived in Barcelona for seven years while I was studying cinematography. I like it; it has the sea (laughs). I look forward being part of this project, which has brought to me many memories of my years there, my baths in Barceloneta… I experienced that Surf In City. This time I’ve tried something different, I wanted to merge two different viewpoints about this topic, that’s why I invited Sandra Calderon to be a part of the project; together we’ve made a somewhat experimental video, joining her experiences and mine: the end result is a little crazy but very realistic. What will a festival like this bring to the city? It will expose the close relationship there is between the city of Barcelona and surfing, something that happens as well in Donostia, and above all, a gathering of mind-blowing art. The waves have been good this winter in the Mediterranean. What’s your outlook on this new surfer Barcelona? It’s been a while since I don’t go to Barcelona, though I’ve seen pictures and videos of people surfing. I remember when I used to surf there, some years ago, you could find like 30 surfers at La Barceloneta’s roundabout, and some of them were pretty talented. Are we going to see you in Barcelona? There might be some waves :) I hope I can make it to the Festival; I really look forward to it. I want to thank Marc Conca for inviting me to join this project.

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T: ANTONELLA SONZA + LAURA BONET F: VICTOR GONZÁLEZ - WWW.VICTORGONZALEZPHOTO.COM

GONY ZUBIZARRETA EL LÍMITE NO ESTÁ EN LA CRESTA

Para un surfista, su relación con el mar es un compromiso. Porque una vez surge la chispa, es para toda la vida. Pura pasión que te lleva a viajar hasta los confines del mundo buscando la mejor ola, por muchas hostias que te lleves por el camino. Porque al océano también hay que tenerle respeto: solo así se mantiene la emoción del primer día. Para Gony Zubizarreta, ese primer día fue hace 21 años. Y después de cientos de tablas gastadas y de kilómetros recorridos, hay mucho que contar: rider del equipo europeo de Volcom desde 1998, nació en Buenos Aires y creció en Vigo, aunque actualmente vive en Ericeira, Portugal. El mar se ha convertido en el eje de su vida y la dedicación y la auto superación han sido las armas que le han llevado a ser uno de los mejores surfistas de Europa. Gony se caracteriza por su humildad y admira a cualquiera que intente superar sus propios límites. El surf le ha abierto las puertas al mundo y su ambición lo ha llevado a la cresta de la ola. Y esto es sólo el principio. The relationship between a surfer and the sea is a commitment. Because once their romance kindles, it lasts forever. It’s just a plain raw passion that guides you through world’s end looking for the perfect wave, regardless all the beatings along the way. The ocean deserves respect; through it the excitement felt the first day will eternize. For Gony Zubizarreta that first day was 21 years ago. After hundreds of broken boards and covered miles there are many stories to tell: rider for the Volcom European team since 1998, born in Buenos Aires and raised in Vigo, though currently living in Ericeira, Portugal. His life revolves around the sea, and through dedication and self-improvement he has emerged to be one of the best European surfers. One thing that characterizes Gony is his modesty; he admires anyone who tries to overcome their own limitations. Surf has opened many doors for him and his ambition has taken him to the crest of the wave. But wait, this is only the beginning.

gonyzubizarreta.blogspot.com 130

La competición ya ha llegado a su fin después de unos días intensos. ¿Qué te ha parecido la acción en esta edición del Volcom Pipe Pro? El VPP 15 ha sido un gran evento, Pipe no suele defraudar y este año ha ofrecido tubazos en backdoor como el 10 de Kelly Slater en cuartos de final que nadie pensaba que iba a salir. Un campeonato en Pipe es lo máximo que hay: ¡cuatro en el agua en la ola más prestigiosa del mundo! Y ver a gente como Kelly, Kon, Jon, Jamie y Bruce es un espectáculo garantizado. El aéreo slob de JonJon en la final fue algo de otro mundo, no entiendo como no se parte las piernas cada vez que hace una maniobra de esas. Mereció ganar, es muy difícil ganarle al joven hawaiano en el jardín de su casa, creo que solamente Kelly podía contra él pero estuvo un poco perdido, bastante fuera de ritmo, algo raro para Slater, pero hay que aceptar que también es humano y puede cometer fallos. Has visto esta edición del Volcom Pipe Pro desde casa, ¿por qué tomaste la decisión de no participar? Sí, estaba cansado de tantos viajes y campeonatos, necesitaba un tiempo para entrenar, descansar y pillar con más fuerza este 2015. Quería llegar a Australia en forma, si iba a Hawai no tenía tiempo de entrenar ni de descansar psicológicamente, ¡el 2014 fue un año muy ajetreado! Cuando estaba viendo las mangas desde casa me entraron muchas ganas de estar ahí en el agua, por supuesto, pero hay momentos en los que hay que tomar decisiones y creo que hice lo correcto, no quería ir a un campeonato sin ganas. El año es muy largo y tenemos que preparar bien el circuito. Este campeonato siempre cuenta con los tops del circuito. Como surfer, ¿qué dirías que tiene de especial? El Pipe Pro tiene a algunos de los mejores surfistas del mundo porque es una ola muy respetada, la más respetada del mundo posiblemente. Todos quieren hacerse tubos en Pipe, la oportunidad de surfear con solamente tres más en el agua es algo que no tiene precio. Dices que John John Florence es el futuro mejor surfer del mundo. En tu opinión, ¿qué batallas épicas nos esperan en las siguientes competiciones? ¿A quién te gustaría enfrentarte? Para mi JonJon es el mejor del momento. Está a la altura de Kelly en tubos y olas grandes y en maniobras sorprende constantemente, nunca sabes lo que va a hacer. Mentalmente está muy fuerte, cada vez con más confianza en los campeonatos. Creo que va a haber muy buenas batallas entre él y Gabriel Medina este 2015. Con Kelly también, ya que nunca se queda atrás. A mí me gustaría competir contra JonJon, es muy tranquilo en el agua, compite con respeto y ganarle sería algo muy especial. En tu opinión, ¿el surf español goza de buena salud? El surf español tiene mucho nivel, no en grandes cantidades, pero hay muy buenos surfistas en toda la costa. Me quedo con Nato González de los juniors, un chico que va a dar mucho de qué hablar en el futuro, sobretodo en olas grandes. Ya lo está haciendo ahora, es uno de los mejores. Me encanta ver a juniors españoles haciendo cosas así, sorprendiendo al mundo del surf como lo ha hecho él en Punta Galea o en Chile. Aritz Aranburu, Hodei Collazo y Jonathan Gonzalez todavía están a un nivel top y darán mucha guerra en estos años que vienen.

Eres rider de Volcom desde 1998, ¿qué ha significado para ti? ¿cuál ha sido la evolución? Volcom me apoya desde que tengo 13 añitos, se dice fácil. Les estoy inmensamente agradecido por todo lo que han hecho por mí, he aprendido muchísimo con ellos, sobretodo con Xabi Pintor, Helder Ferreira, Mike Mailman, Simon Young, Troy Eckert y Richard Woollcott. He tenido la suerte de hacer amistad con Ben Brough, Mike Morrissey, Alex Gray, Ozzie Wright, Carlos Muñoz, Miguel Tutela, Dave Wassel, Dustu Payne y muchos otros. Es la mejor marca de surf que hay. Me siento muy afortunado por haber tenido la oportunidad de estar en el equipo de Volcom desde pequeño. Háblanos un poco sobre tus inicios en el surf. ¿Recuerdas la primera vez que te subiste a una tabla? Creo que nadie se olvida de la primera ola. Yo tenía siete años, fue en Nemiña, una playa de la costa gallega, con mis padres y mi hermano. Era una espuma que me llevó hasta la orilla. Desde ese momento supe que quería surfear para siempre. Veintidós años después sigo pensando lo mismo. Cuéntanos: tu mejor y tu peor experiencia como surfista. Mi mejor experiencia, si tengo que elegir, ha sido ganar el Mundial Grommet en Narrabeen, Australia en el 2002 junto con Hodei que quedó segundo. Éramos unos enanos y conseguir ese resultado nos dio la confianza que necesitábamos para afrontar con fuerza nuestra carrera de surfistas profesionales en aquel momento. La peor fue en Tahití, el susto que me lleve después de una caída bastante potente en Teahupo’o un día de olas de tres metros, lo pasé bastante mal, suerte que estaban en el agua Pablo Gutierrez y el local Raimana Van Bastoler, quiénes me ayudaron a salir del apuro en el que me había metido. Has conseguido muchas de tus metas como surfista, todo el sacrificio ha dado sus frutos, ¿estás satisfecho? He conseguido grandes resultados como el mundial en Australia, ganar en Zarautz el WQS y terminar segundo en el WQS de Ericeira, Portugal. Pero todavía tengo mucho que dar y espero poder cumplir mis objetivos para este 2015. ¿Cuáles son tus lugares favoritos para surfear? Indonesia y Portugal. Has viajado por todo el mundo, has conocido a gente de diferentes lugares, ¿alguno que te quede pendiente? ¡Todavía me quedan muchos lugares y a mucha gente por conocer, ojalá pueda seguir viajando durante mucho tiempo! Me gustaría ir a Perú, Chile y también a Suecia, Noruega y Cerdeña. Y para terminar, ¿hasta dónde te gustaría llegar en el mundo del surf? ¿te has marcado algún objetivo en concreto para 2015? Como todos los años mi objetivo competitivo es clasificarme para el top 32 mundial. El año pasado estuve cerca y finalicé 51. ¡Espero tener un buen año y lograrlo! ¡Estoy con muchas ganas la verdad! También he iniciado un proyecto de marca de accesorios con mi amigo Marlon Lipke, hacemos inventos, grips y fundas por ahora, poco a poco. Se llama JAM traction. ¡Empezamos a vender el mes que viene y estamos muy ilusionados! Para acabar: ¡un saludo a todos los seguidores de lamono y gracias por esta entrevista!

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I WOULD LIKE TO COMPETE WITH JONJON, HE’S VERY SERENE IN THE WATER AND ALWAYS COMPETES WITH RESPECT, BEATING HIM WOULD BE SOMETHING VERY SPECIAL.

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Finally the competition has ended after some really intense days. ¿What’s your take on what we have seen during this edition of the Volcom Pipe Pro? The VPP 15 has been a great event, the Pipe usually never disappoints and this year we have seen backdoor pipelines like the 10th Kelly Slater did in quarterfinals, in which nobody thought he would come out. The Pipe Championship is the best there is: four surfers trying to catch the most prestigious wave in the world! As well having people like Kelly, Kon, John, Jamie and Bruce make it a magnificent display of talent, that’s guaranteed. JonJon’s slob air during the finals was out of this world; I don’t understand how he doesn’t break his legs every time he pulls out a maneuver like that. He deserved to win; it’s really hard to beat the Hawaiian youngster who’s surfing in his own backyard, I think the only one with chances there was Kelly, but he was quite lost, out of timing, not usual for Slater, though he is human and he can make mistakes. You watched this Volcom Pipe Pro edition from home, why you decided not to participate? I was tired of all the traveling and championships, I needed some time at home to train, rest and be fully prepared for this 2015. I wanted to go to Australia in full shape, and I knew that if I went to Hawaii I wouldn’t have time to train or rest psychologically; last year was a busy one! When I was watching the rounds from home, off course I wanted to be there, paddling in the water, but there are moments in life when you have to make a decision and I think I did the right thing, I would never compete reluctantly. The year is very long and I have to prepare well the circuit. This championship always counts with the best surfers in the circuit. As a surfer yourself, what can you say is so special about it? The Pipe is a highly respected wave; probably the most respected one in the world, that’s why some of the best surfers go there. All surfers want to ride the pipeline and the chance to surf it with only three other guys is priceless. You say John John Florence is going to be the next best surfer in the world. In your opinion, which are the next big battles we’ll see on the up-coming championships? With whom would you like to compete? For me, JonJon is the best one out there right now. All the way up to the level of Kelly, regarding pipes and big waves, they’re always surprising everyone with their maneuvers; you never know what’s coming up next with them. Mentally he (JonJon) is very strong, each time he has more confidence during the championships. I think there’s going to be some epic battles between him and Gabriel Medina this 2015. With Kelly too, he never falls behind. I would like to compete with JonJon, he’s very serene in the water and always competes with respect, beating him would be something really special. Do you find the surf in Spain in good health? The surf in Spain has a good level, not quantity-wise, but there are very good surfers throughout the whole coast. I like Nato Gonzales from the junior category, you will hear a lot from this kid in the future, specially when it comes to big waves. He’s doing it already; he’s one of the best. I love seeing the young Spanish surfers doing stuff like that, surprising everyone like he has done it in Punta Galea or Chile. Aritz Aranburu, Hodei Collazo and Jonathan Gonzalez maintain their top level and will keep on giving the fight for years to come.

You are a Volcom rider since 1998, what does Volcom mean to you? Tell us about your evolution. Volcom supports me since I’m 13 years old, easy to say. I’m very grateful for everything they have done for me, especially with Xabi Pintor, Helder Ferreira, Mike Mailman, Simon Young, Troy Eckert and Richard Woollcott. I’ve been lucky enough to develop a friendship with people like Ben Brough, Mike Morrissey, Alex Gray, Ozzie Wright, Carlos Muñoz, Miguel Tutela, Dave Wassel, Dustu Payne and many others. Is the best surf brand out there. I feel extremely lucky of having the chance to be in the Volcom team since I was a little kid. Tell us about your beginnings as a surfer. Do you remember your first time on a board? I think no one ever forgets their first wave. I was seven years old; it was in Nemiña, a beach on the Galician coast, with my parents and my brother. I will never forget this foam that carried me all the way to the shore. From that moment on I knew I wanted to surf forever. Twenty-two years later I think the same way. Tell us your best and worst experience as a surfer. My best experience, if I have to pick one, was winning the World Grommet title in Narrabeen, Australia in 2002, alongside Hodei who came up second. We were just kids, and achieving that result gave us the confidence we needed to gather up the strength to pursue our careers as surfers back then. My worst experience came in Tahiti after a huge fall while surfing three-meter waves in Teahupo’o, I was really scared, luckily Pablo Gutierrez and native Raimana Van Bastoler were in the water and helped me get out of the trouble I got myself into. You have achieved many of your goals as a surfer; all the hard work has paid off, are you satisfied? I’ve achieved some good results like the world championship in Australia, winning the WQS in Zarautz or the second place during the WQS at Ericera, Portugal. But there is a lot left to achieve and I hope I can accomplish all the goals I have settled for this 2015. Which are you favorite spots to surf? Indonesia and Portugal. You have traveled all over the world, met people from different places, anything left to check off the list? There are still many places to visit and plenty of people to meet! I hope I can keep on traveling for a long time. I would like to go to Peru and Chile, but as well to Sweden, Norway and Cardeña. To wrap up, which goals have you settled for this 2015? Like every year, my main objective is to qualify inside the TOP 32. Last year I was close running up at number 51. I hope this turns out to be a good year and I accomplish all of my objectives! I’m really looking forward to it! As well I started a project with my friend Marlon Lipke, it’s a brand of accessories, we create things, we have grips and board bags so far, one step at a time. It’s called JAM traction. We open up our sales next month and we are really excited! Finally I would like to send a warm greeting to all the readers of lamono and thank you for this interview!

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¡Quién me iba a decir que acabaría entrevistando a El Ciruelo en Barcelona! Bueno Mario háblanos de tu proyecto: El ciruelo On the road... ¡Ibo! se llama El Ciruelo por Europa, es fácil: ¿Quién? El ciruelo, ¿Por donde? Por Europa. Sin complicaciones (risas). Este es un proyecto que llevo ya bastante tiempo queriendo hacer, en un principio mi idea era ir a Italia, y dándole vueltas pensé que Suiza está al lado y en Alemania hay un río muy guapo con olas. Así fue creciendo la idea. También tenía ganas de surfear el Mediterráneo, que hay unas olas muy buenas que la gente no conoce y que son para flipar. Es verdad que hay que tener suerte pero si te toca buen parte, puedes disfrutar mucho. Desde pequeño he viajado en busca de olas, pero siempre lejos: Australia, Hawaii, de repente me di cuenta de que no conocía mi continente. Considero que Europa tiene mucho rollo, así que en eso se basa todo. Tiene mucho rollo, sí. Londres, Paris, Berlin... ¿cuánto va a durar la aventura? Lo que duré el dinero. Mis patrocinadores son Reef, Pukas, Stance y Burn. Les agradezco el apoyo pero como no me cubre todo el viaje surgió la idea de vender camisetas, así también hago promoción. ¡Te las quitan de las manos! ¡De hecho me he quedado sin! Sí, sí una pasada, ¡en una semana y media se han acabado! La gente se ha volcado. Las he numerado para que sean más especiales y he sorteado regalos entre los compradores, así que con un poco de aquí, de allá y mis pequeños ahorros, la intención es estar viajando por lo menos dos meses. ¿Qué ciudad te hace más ilusión o te genera más curiosidad? Tengo muchas ganas de Italia, pero me han dicho que en Suiza hay diferentes ríos y bastante rollo con el surf.

T: IBONE IZA

F: LUIZA LACAVA

MarioAzurza El vergonzoso lanzado

¿A quién no le atrae un surftrip por Europa y más si es de la mano del más travieso? Mente inquieta donde las haya, capaz de llevar a cabo sus ilusiones sin una pizca de miedo, en esta ocasión se propone el reto de recorrer Europa con un Opel Corsa del 97, descubriendo olas y buscando nuevas aventuras. Año tras año vemos como este pequeño showman crece y no nos lo queremos perder. Charlamos con él en Barcelona sobre su nuevo proyecto, que realiza gracias a sponsors como Reef. Who would not enjoy a surftrip through Europe, and even more if it’s alongside the wickedest: a restless mind capable of fulfilling his dreams without a hint of fear. This time the challenge is to drive across Europe in an Opel Corsa ’97, looking for waves and searching for new adventures. Year after year we see this little showman grow and we don’t want to miss it. We talked to him in Barcelona about his new project, carried out thanks to sponsors like Reef.

elciruelosblog.com

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En lugar de viajar en avión, vas a hacerlo con un Opel Corsa del 97, vamos tu coche de toda la vida, te sentirás como en casa. Mikel Landa me lo regaló un día de puntazo hace un par de años, ha sido mi único coche y es muy cachondo porque en las puertas pone Euskal Sofá Servicio Técnico y si lo piensas bien ahí no cabe ni un cojín (risas), va a 90km/h y su primer viaje largo lo hizo ayer hasta Madrid (risas) a ver hasta donde aguanta. El auténtico coche de El Ciruelo. ¿Ola Europea a la que le tengas ganas? Surfear Escocia, ya he estado pero muy poquito. Promete. ¿Con quién compartes esta aventura? Con quien me acompañe, pero como fijo voy Con Borja Respaldiza que curra en una productora, thefeelms. Le propuse venirse, a ver si lo resiste. La idea es contar por foto y video la aventura. Quiero transmitir que por fin he conseguido materializar mi idea y lo voy a hacer por cojones y cueste lo que cueste. Al final ha sido coger mi coche, la tienda de campaña que me ha dado Poler y tirar millas. Barcelona segunda parada, ¿olas? Hemos pillado sí, nada del otro mundo pero bien. Ahora vamos hacia Italia, a ver si tenemos suerte con el Mediterráneo. Estoy conociendo a mucha gente, me escribe peña que no conozco invitándome a sus casas, lo que es genial. La idea es ir improvisando. ¿Qué finalidad tiene este proyecto? Lo principal: conocer gente nueva, sitios donde nunca he estado y la aventura, que está siendo acojonante. Después la idea es hacer un vídeo de todo el viaje y mini fiestas, pinchando en ellas. ¿Cómo alimentas a tus fans? Con fricadas y chorradas. Este proyecto viene también de que mi blog ha sido una herramienta que me ha reinventado como surfista, ya que gracias a mi él sigo teniendo patrocinios y he hecho muchas cosas para la tele con este personaje “El Ciruelo”, que es un tío dicharachero y mediático. ¿Se parecen Mario Azurza y El Ciruelo? Sí, sí… bueno tengo que admitir que, en parte, Mario, aunque no lo parezca, es un tío vergonzoso. ¡te lo digo en serio! Y luego está esa parte de El Ciruelo al que esa vergüenza le pone cachondo, el hecho de superarla me mola a saco, por eso me gusta hacer el capullo. Cuando me veo en los vídeos, veo a otra persona y me parto la caja. Mira este tonto... Esto cada vez se pondrá más emocionante, hasta ahora a sido lo fácil… Madrid, Barcelona... ¡ahora empieza la aventura! Sí, ¡empieza lo bueno! Mucha mierda Mario, y ¡ven a vernos pronto! Sin duda. Y animo a toda la gente a que si tiene una idea, qué cojones, que la lleve a cabo, que los límites nos los marcamos nosotros.

Who would have thought I was going to interview El Ciruelo in Barcelona! So Mario, tell us about your project: El Ciruelo On the Road Ibo! It’s called El Ciruelo por Europa, that’s easy: Who? El Ciruelo, where? Across Europe. It’s not complicated (laughs). It’s been a long time since I wanted to do this project, at the beginning my idea was to go to Italy, and thinking about it I noticed that Switzerland is close by and in Germany there’s a very cool river with waves. So the idea began to grow. I also wanted to surf in the Mediterranean, where there are amazing waves that most people don’t know about. It’s true that you need to be lucky, but if you nail it, it’s a blast. Since I was a kid I’ve traveled the world seeking for waves, but usually to places that are far away: Australia, Hawaii… Suddenly I realized I didn’t know my own continent. I believe Europe has an amazing attitude, so that is what it’s all about. It does have an amazing attitude. London, Paris, Berlin… how long will this adventure last? As long as the money lasts. My sponsors are Reef, Pukas, Stance and Burn. I appreciate their support, but as they don’t cover all expenses I decided to sell t-shirts, that way I’m promoting myself as well. And they don’t last long! Matter of fact I missed on mine! Yes, it was quite crazy; they were all gone after a week and a half! Everyone wanted one. They’re all numbered for them to be more special; as well I have given out presents to the buyers. This way, with a little bit from here and there, and my savings, I’m planning to travel for around two months. Which city do you want to visit the most or causes more curiosity in you? I really want to go to Italy, though I’ve heard in Switzerland there are different rivers and a lot of feeling for surfing. Instead of traveling by plane, your going to do it a board an Opel Corsa ’97, the only car you’ve had so far, you’re going to feel like home. Mikel Landa gave it to me a couple of years ago and it’s the only car I’ve ever had. It’s pretty cool because across the doors it says Euskalsofá Technical Service, and if you come to think about it you cannot even fit a cushion in there (laughs), it reaches 55mph and the first long trip I ever did on it was to Madrid (laughs), we have to see if it endures until the end. The authentic Ciruelo car. Which European waves do you want to surf the most? Scotland, I was there but for a short time. Looks promising. With whom are you sharing this experience? With who ever wants to join, so far there’s Borja Respaldiza, who works at a production company called thefeelms. I invited him to come, we’ll see if he endures it. We have in mind to keep a photo and video journal of the adventure. I want to show that I have finally managed to realize my idea; I’ll do it out of courage, at all costs. At the end it’s all about taking my car, my tent that was given to me by Poler and start rolling. Second stop: Barcelona. How were the waves? We’ve caught some, nothing out of this world but they were ok. Now we are heading towards Italy, to try our luck in the Mediterranean. I’m meeting tons of people, some of them have been writing inviting me to stay at their houses, which is great. The idea is to keep on improvising.

What’s the purpose behind this project? Mainly, to meet new people, visit places I’ve never been to and the adventure, which has been mind-blowing. Afterwards the idea is to produce a video of the whole trip and organize some small parties, where I’ll be DJing. With what do you feed your fans? Just by acting crazy and fooling around. This project also arises from my blog, which has been a great tool to reinvent myself as a surfer, and thanks to it I still have my sponsors. As well it has allowed me to do many things on television with this character called El Ciruelo, he is a very witty guy and into the media. How similar is Mario Azurza to El Ciruelo? Well I must admit that to some extent, Mario, though not at first sight, is a shy guy. And then we have El Ciruelo, whose main characteristic is that he gets aroused with that embarrassment. The fact of overcoming this embarrassment through him makes me really enjoy it. That’s why I like to play the fool. When I see myself in the videos is laughable, it’s like I’m seeing someone else. Like “look at this fool…” Along the way it will become more and more exciting; so far it’s been easy… Madrid, Barcelona… The adventure is just beginning. Yes, it’s starting all right! Break a leg Mario, and come visit us soon! No doubt. And I encourage everyone that has an idea, what the hell, accomplish it, see it through; we are the only ones setting our own limits.

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F: XAVIER BARAGONA

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Movistar

SURFCITY FESTIVAL BARCELONA

SURFICITY FESTIVAL 14 DE MARZO CONVENT DEL ÀNGELS (MACBA) BARCELONA WWW.SURFCITYFEST.COM

Surf versus Ciudad es el concepto del Movistar SURFCITY FESTIVAL Barcelona, un evento artístico multidisciplinario que gira entorno a la naturaleza y la sostenibilidad. Esta iniciativa, que se celebrará el sábado 14 de marzo en el Convent dels Àngels (MACBA), reunirá a artistas de diferentes disciplinas que buscan concienciar y fomentar el cuidado y la protección del medio natural por excelencia: el Mar. Surf y Ciudad, dos términos en apariencia antónimos, se verán fusionados a través de la visión artística de jóvenes talentos nacionales e internacionales. Música, diseño, fotografía, confección de tablas de surf, escultura, pintura, ilustración, así como otras actividades paralelas, estarán enfocadas a exponer un particular estilo de vida en la cultura del surf. Entre los invitados al Movistar SURFCITY FESTIVAL Barcelona habrá personalidades como Clark Little, reconocido fotógrafo, y Craig Steycyk, integrante del legendario equipo de skate ‘Z-Boys’. La programación oficial del Movistar SURFCITY FESTIVAL comenzó el pasado 19 de febrero con la muestra SURFCITY ‘We are antonyms’, en la sala Mutuo Centro de Arte de Barcelona. Esta muestra que reúne a artistas de los cinco continentes con el compromiso de fomentar y apoyar la creación artística como Aaron Beasley (USA), Aldo Crusher (México), Benjamin Jeanjean (Francia), Cecilia A.H. Arias (España), Chris Burkard (USA), Christian Conradie (Suráfrica), Clark Little (California), Coagulo Colectivo (España), Cocolia (España), Ibon Antuaño & Sandra Calderon (España), Jon Aspuru (España), Joran Briand (Francia), Joseba Self (España), Kenny Hurtado (USA), Luko (Argentina), Matteo Meta (Italia), Mercedes Bello (España), Natalia Escaño & Antonio Rueda (España), Nuno Carvalho (Portugal), Oscar Diezmar (España), Primoz Zorko (Eslovenia), Suave (España), Reskate Artes & Crafts (España), Ryan Ady Putra (Indonesia), Sebastian Stranger (Alemania), Shaf (España), Virgulillas (España), William Sager (USA), Xavi Baragona (España), Xavier Davies (Australia) e Yvan & Gaetan Duque (Francia), se trasladará al Convent dels Àngels durante el festival con el propósito de impulsar los nuevos medios creativos presentes en la actualidad relacionados con el surf. Además La Capella se convertirá en una sala de cine inédito, albergando el estreno de films como Cluster, que llega gracias a la colaboración con Surfilmprojects o Death 2 hipsters, de la mano de Barcelona Surf Film Festival, complementado con la proyección de One City, el primero de los cuatro capítulos de la serie My Road Serie, un documental sobre la vida del pro-surfer Nic Von Rupp. La música, en colaboración con Mutuo Centro de Arte, irá a cargo de Ljubliana & Seawolf, Stand Up Against Heart Crime y Dj Raver Jewish. En resumen, una celebración completa del surf dentro de una ciudad como Barcelona. Surf vs. City is the concept behind the Movistar SURFCITY FESTIVAL Barcelona, a multidisciplinary event that revolves around nature and sustainability. Happening on Saturday March 14th at the Convent dels Angels (MACBA), this initiative, which will gather artists from different disciplines, aims to raise awareness and encourage the protection of the quintessential natural habitat: the Sea. Surf and City, two terms that might seem antonyms, will be merged together through the artistic vision of young national and international artists. Music, design, photography, surfboard building, sculpture, painting, illustration and other parallel activities will be focused on exposing the particular lifestyle of the surf culture. Among the guests invited to the Movistar SURFCITY FESTIVAL Barcelona we find Clark Little, renowned photographer, and Craig Steycyk, member of the legendary skateboard team, the ‘Z-Boys’. The official program of Movistar SURFCITY FESTIVAL began on February 19th with the SURFCITY ‘We are antonyms’ show, in the Mutuo Centro de Arte de Barcelona. This exhibition which, featuring artists from all five continents, as Aaron Beasley (USA), Aldo Crusher (México), Benjamin Jeanjean (France), Cecilia A.H. Arias (Spain), Chris Burkard (USA), Christian Conradie (South Africa), Clark Little (California), Coagulo Colectivo (Spain), Cocolia (Spain), Ibon Antuaño & Sandra Calderon (Spain), Jon Aspuru (Spain), Joran Briand (France), Joseba Self (Spain), Kenny Hurtado (USA), Luko (Argentina), Matteo Meta (Italy), Mercedes Bello (Spain), Natalia Escaño & Antonio Rueda (Spain), Nuno Carvalho (Portugal), Oscar Diezmar (Spain), Primoz Zorko (Slovenia), Suave (Spain), Reskate Artes & Crafts (Spain), Ryan Ady Putra (Indonesia), Sebastian Stranger (Germany), Shaf (Spain), Virgulillas (Spain), William Sager (USA), Xavi Baragona (Spain), Xavier Davies (Australia) e Yvan & Gaetan Duque (France), commits to encourage and support all artistic creation, will move to the Convent dels Angels during the festival in order to promote the new creative media present today and which is related to surf. On top of that, La Capella will be, for the first time, a theater hosting the premiere of films like Cluster, which is present thanks to a collaboration with Surfilmprojects or Death 2 hipsters, alongside the Barcelona Surf Film Festival, as well as the projection of One City, the first of four episodes of the My Road Series, a documentary about the life of pro-surfer Nic Von Rupp. Music will be in charge of Ljubliana & Seawolf, Stand Up Against Heart Crime y Dj Raver Jewish, in collaboration with Mutuo Centro de Arte. In short, a complete celebration around surf in a city like Barcelona.

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Harley Davidson

THE BATTLE OF THE KINGS BARCELONA

THE BATTLE OF THE KINGS 26 DE MARZO EVENTO EXCLUSIVO CON INVITACIÓN EN TATTOO PARLOUR (CARRER DEL PLANETA, 13). BARCELONA. WWW.H-D.COM/DARKCUSTOM

La nueva Harley-Davidson Street 750, modelo rebelde y underground de la gama Dark Custom, se ha sometido a la creatividad de los concesionarios oficiales de la firma más importantes de nuestro país, en un concurso que tras esta primera fase se extenderá a nivel europeo. La línea elegante de la Street 750, con acabados vintage, se ha convertido en un lienzo en blanco abierto a la estética Dark Custom que sus transformadores han querido darle, participando en una competición histórica. Y el resultado de esta batalla apoteósica por conseguir la belleza custom absoluta se mostrará el próximo 26 de marzo en un evento exclusivo organizado por lamono. Ese jueves conoceremos el nombre de los cinco finalistas que competirán entre sí para que solo uno de ellos participe en el concurso de customización de la Street 750 a nivel Europeo. Este es el preludio de la jornada final que se vivirá en Biarritz en junio, dentro del marco de “Wheels & Waves”, una cita legendaria que ningún amante de motor racer debería perderse. The new Harley-Davidson Street 750, a rebel and underground model from the Dark Custom series, has been exposed to the creativity of the official dealerships for the most important manufacturer in our country, in a contest, which after this first stage, will now extend to all Europe. For the participants, the elegant line of the Street 750, with vintage detailed finishes, is now a white canvas open to the aesthetics of Dark Custom, making this an historic competition. The result of this epic battle to achieve the maximum costume beauty, will take place on March 26th, in an exclusive event organized by lamono. That Thursday we’ll meet the five finalists that will compete for a place in the Street 750 customization European finals. This is the warm-up for the final round happening in Biarritz next June, within the fourth edition of the “Wheels and Waves” festival, a legendary gathering that no motor racer should miss.

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Berlinist COGIENDO IMPULSO T: ANTONELLA SONZA

PH: SILVIA R. MAY

No hay nada más difícil de explicar que una emoción. Porque es algo abstracto que no se puede describir solamente con palabras si quieres transmitirla en todos sus matices. Una emoción se siente, y ya está. Y la música es uno de esos gatillos que nos remueve por dentro. El motor de Berlinist es convertir emociones en melodía a través de la elección de los instrumentos adecuados. Si has escuchado su primer EP, Landscapes, sabrás de lo que hablo: canciones que crean una atmósfera propia y que se impregnan de lo vivido. The Winter Hexagon es su primer largo y si quieres disfrutarlo al máximo, ya sabes: headphones, introspección y a dar rienda suelta a las emociones. Sin miedo. There’s nothing harder to explain than emotions. They are abstract notions; it’s impossible to describe them through words alone if you want to convey them thoroughly. An emotion is felt, and that’s that. And music is a trigger to our guts. Berlinist’s goal is to turn emotions into melodies through the choice of the appropriate instruments. If you have heard their first EP, Landscapes, then you know what I’m talking about: songs that create an atmosphere of their own, which permeates itself from the experience. The Winter Hexagon is their first LP and if you want to enjoy it properly, you know: headphones, introspection and unleashed emotions. Leave all fear behind.

berlinistband.com

Con tan solo un EP habéis llamado la atención de festivales, críticos y medios musicales. ¿Cómo os habéis tomado las fantásticas críticas y el buen recibimiento? No teníamos ningún tipo de expectación, con lo cual ha sido una sorpresa en positivo y nos ha ayudado a confiar más en nuestro proyecto y avanzar. The Winter Hexagon es vuestra primera criatura. ¿Cómo ha sido el proceso de concepción? El disco se ha empezado a construir al mismo tiempo que el EP y se ha ido gestando en paralelo. La creación del LP necesitaba más tiempo y los temas han ido evolucionando en estos dos años, ligados a los cambios en el grupo. El concepto del disco en sí nace de la idea de situarse a medio camino entre la canción pop, la banda sonora y un cierto sonido intenso y emocional. En The Winter Hexagon seguís la misma línea empezada por Landscapes, ¿Cómo describiríais vuestro universo sonoro? ¿Qué importancia le dais a la experimentación? Más que experimentar nos hemos concentrado en la intensidad, que ésta aumentara de forma progresiva en cada tema jugando con contrastes de volúmenes e instrumentos.

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A veces fastidia que para que la gente pille más rápido a qué sonáis, os comparen con otros grupos. A vosotros os lo hacen con Bon Iver, Yann Tiersen, Sigur Ros o Phillip Glass. ¿Coincide con vuestras influencias? Estos nombres son un poco grandes y todavía nos queda camino para decir que nos parecemos a ellos. No cabe duda de que nos gustan, pero creo que no nos parecemos a ellos porque en Berlinist el foco está en el juego de dos voces: una masculina y una femenina. Esta característica no se encuentra en los músicos con los que nos suelen comparar. ¿Creéis que en el panorama actual se está perdiendo la esencia original del folk de evocar a la naturaleza, a la ensoñación, la tensión atmosférica y la melancolía? No tenemos muy clara la escena folk en este momento. Este punto también es importante. A nosotros nos gusta dibujar atmósferas con un método y una impostación, tanto a nivel musical como a nivel de texto, más europeos. Si os referís al folk entendido como el folk americano, no sabríamos bien qué decir. Lo que sí es que no siendo americanos, nos gusta contar historias con la forma y la fuerza típica de las estructuras clásicas.

El artwork de The Winter Hexagon creado por el estudio Querida es precioso. ¿Qué concepto queríais transmitir a través del arte? Un estado de ánimo en plena tormenta, feliz y desesperado a la vez, soñador y desilusionado al mismo tiempo. Con lo cual se contrastan dos realidades, la del mundo idealizado y soñador a través de la pintura y, por otro, la tensión y un ambiente frío y hostil representado por el mar en movimiento. Digamos que la portada es lo que mejor interpreta el disco, que según como estés te puede hacer viajar y darte paz, o puede exasperar la sensación de melancolía, dependerá de tu estado de ánimo. También hemos podido conocer vuestra faceta como versionadores, especialmente con Pioneer To The Falls de Interpol. ¿Os parece un reto reinterpretar una canción original y adaptarla a vuestro sonido? Siempre que hacemos una cover intentamos tener poco o nada que ver con la versión original, el reto está en hacerla nuestra, como un tema más. Es cierto que con algunos temas esto sale de manera natural por como están concebidos. Pioneer está estructurado en tres fases distintas y reconocibles, algo que para nosotros es una marca concreta de nuestro estilo de composición. El monotema de este número es NOSTALGIA y creo que vuestra música encaja a la perfección ¿Qué os sugiere esta palabra? El concepto de nostalgia ha ayudado mucho a la evolución de este disco sobretodo si se interpreta como una especie de caja o un marco en el cual confluyen y se guardan momentos que cada uno identifica como extremamente positivos, la nostalgia de un día en la playa, de un viaje con amigos o cualquier otra cosa. Expresar este concepto con música es muy complicado porque hay que encontrar los harmónicos y las notas correctas que hagan vibrar los recuerdos (distintos) de cada oyente. El hecho de utilizar instrumentos diferentes, mucha textura y deconstruir cada tema como una espiral firmemente apoyada en pocos acordes permite desarrollar un sonido intenso, sólido, que inspire también una cierta sensación de nostalgia.

With just one EP you have drawn the attention of festivals, critics and the music media. How do you feel about the fantastic reviews and public reaction? We had no expectations, so it was a positive surprise; it helped us believe and trust more in our project and, hence, move forward. The Winter Hexagon is your first offspring. How was the process of conception? The production of the album began at the same time as the EP, and they have both been evolving in parallel. The creation of the LP needed more time and some of the songs have been evolving these past two years; so as the band. The concept behind the album comes from the idea of placing ourselves in-between pop music, soundtrack music and this emotional and intense sound. In The Winter Hexagon you follow the same path established in Landscapes, please describe your musical universe. It’s important

to experiment? We do not experiment as much; we are focused on the intensity, increasing it at a progressive pace in each song, playing with the contrasts of volume and instruments. Sometimes it’s annoying that the public labels you under a genre, being compared with other bands. In your case it might be with Bon Iver, Yann Thiersen, Sigur Rós or Phillip Glass. Does these, match your influences? We consider these names a little “big” and there’s still a long path left to cover so we can determine if we resemble them. We like them, no doubts about it, but I think we don’t sound like them, because in Berlinist the spotlight is on the duet played by the two voices: a masculine one and a feminine one. This characteristic is not present within the other musicians we are usually compared to. Do you think that in the current scenario we are losing that original essence inherent in folk music, which used to evoke nature, daydream and contain narrative tension and melancholia? We don’t know much about the folk scene right now. Just to be clear. We like to depict atmospheres through a method and a choir, at the musical level as well as at the lyrical, more European. If what you’re talking about is American folk, we wouldn’t know what to say but that, though we are not Americans, we like to tell stories with the shape and traditional strength of the classic structures. The artwork developed for The Winter Hexagon by the Querida studio is gorgeous. Which concept did you guys wanted to convey through it? We wanted to represent a certain mood through a storm, happy and desperate at once, idealist and hopeless. Through which two realities were faced; one idealist in a dreamlike world represented by the paint, and the other, a cold environment hostile and tense represented by the swaying sea. We could say that what better describes our album is its cover, which, depending on your state of mind, can take you on a journey and give you peace, or it can agitate the feeling of melancholia; it depends on your mood. We’ve had the opportunity to hear your cover of the song Pioneer To The Falls, by Interpol. Is it a challenge to remake a song and adapt it to your characteristics? Every time we do a cover we try to divert from the original version, the challenge is to make it ours, as any other song of our repertoire. Sometimes it happens in a natural manner because of how the song is conceived. Pioneer has three concrete and visible phases, something very characteristic in our compositions. This issue’s theme is NOSTALGIA, and in my opinion your music suits perfectly to it. What does this word bring to your minds? The concept of nostalgia has been of great help for the evolution of this album, especially if we consider nostalgia as some type of box or frame where positive moments of our past are saved; the nostalgia behind a day at the beach, a trip with friends or anything else. It’s really complicated to convey this concept through music; you have to find the correct harmonies and notes that will trigger the memories of each person that hears the album. By employing different instruments and lots of texture, while deconstructing each song in a spiral, which is soundly supported in a few chords, we manage to develop an intense sound, very solid with certain hints of nostalgia.

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REVIEW / BERLIN / 19TH - 21TH JANUARY 2014

BRIGHT TRADESHOW PH: LUIZA LACAVA & MONTSE RAJA

Y llegamos a Berlín, la capital del underground, el street art y la moda urbana. Está claro que el BRIGHT Tradeshow es la feria más importante en este sentido, y arrancó por todo lo alto. Este año llegamos con nuestro propio booth, un rincón que creamos a nuestra imagen y semejanza, donde expusimos las fotografías de los dos ganadores de nuestro PHOTOcontest: Diana D. Reinoso y Pablo Di Prima. Improvisamos una galería pop up en la segunda planta de la feria, sin perder detalle de todo lo que pasaba a nuestro alrededor o más allá de la feria: en el BRIGHT, la noche siempre es joven y las fiestas son de esas en las que acabas con barro en las zapatillas o cerveza en el pelo. Nuestra agenda en la feria empezó con la presentación de las KA3 de Converse CONS con una demo del team, capitaneado por Kenny Anderson, en el subterráneo de un edificio mítico, y seguimos con la entrevista a Chima Ferguson en un maravilloso brunch dentro del House of Vans, lugar que nos vería más tarde bailar hasta el amanecer en primera fila al ritmo de los beats más hip hop. Celebramos la llegada de la primera fiesta Brixton Broadcast, un evento que es puro nervio musical (atención, que pronto llegará a Barcelona), y nos despedimos de Berlín con la closing party de mano de Obey y el desgarrador directo de los Modern Pets. Pero back to basics, no nos podemos olvidar del motor de todo esto: la moda. Durante esos tres días, sus instalaciones se convirtieron en una pasarela en directo, llena de vida, donde sentarse en un rincón y observar es algo que te pide el cuerpo. El BRIGHT es un escaparate de tendencias, algo así como mirar en una bola de cristal para saber qué se va a llevar el año que viene. Y como tal, había que estar a la altura. Daba igual que hubiéramos ido a la fiesta de nuestra vida: al día siguiente, the show must go on. Y como grita nuestro nuevo lema que surge del número 100 de la revista y que nos acompañará todo este año, nos toca decir un gran THANK YOU a Reflectism, Eurostars Hotels Berlin y Our/Berlin, ya que gracias a ellos esto no hubiera sido posible. Esta fue la edición XX de la feria y el futuro pinta muy bien: lo mejor aún está por llegar. Nos vemos en verano, Berlín. Yes, we made it to Berlin, the underground, street art and urban fashion capital of the world. Clearly, the BRIGHT Tradeshow is the most important event of its kind and it started on a high note. This year we had our own booth, which was designed faithfully to our image and likeness; here the works of the two winners of our PHOTOcontest, Diana D. Reinoso and Pablo Di Prima, were exhibited. We improvised a pop up gallery on the second story of the fair, without missing any detail of what was happening around us or beyond: at the BRIGHT, the night is always young and the parties you’ll find are those where you end up with mud under your shoes or beer in your hair. For us the fair started with the launch event of the Converse CONS KA3 along a demonstration from the Team, led by Kenny Anderson, in the basement of a mythical building. Then we had the pleasure of interviewing Chima Ferguson while we had a marvelous brunch inside The House Of Vans, where later that day we would dance ‘til dawn to the rhythms of the hip hop beats. We enjoyed the first Brixton Broadcast party, a raw, high-energy music show (that will soon be held in Barcelona), and said goodbye to Berlin with the closing party by OBEY and the wrenching performance of Modern Pets. But back to basics, we cannot forget the motif behind all this: fashion. Throughout the three days all the facilities turned into a live catwalk, full of life, where it was compelling to seat and observe. The BRIGHT is a showcase for trends, something like looking into a crystal ball where you can see what will come next year. And off course we had to keep up. It didn’t matter that the night before we had the party of our lives: the next day the show goes on. And as our new slogan says, which arises from the magazine’s 100 issue and will accompany us throughout this year, we owe a big THANK YOU to Reflectism, Eurostars Hotels Berlin and Our/Berlin, as without them this would not have been possible. This was the twentieth edition of a fair that has a bright future shining ahead: the best is yet to come. See you in the summer Berlin.

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REVIEW / BERLIN / 19TH JANUARY 2014

CONVERSE CONS KA3 BRIGHT TRADESHOW PH: LUIZA LACAVA

El primer día del Bright tuvimos la oportunidad, como medio invitado, de ver y probar en exclusiva las KA3, las nueva signature del pro Kenny Anderson, la tercera que el rider crea bajo el ala de Converse CONS y que es la más versátil de las tres. La cita fue en un edificio imponente cuyas paredes parecían haber visto todo tipo de guerras (hasta las que libras con la mente). Bajamos unas escaleras larguísimas hacia el subsuelo, y después de pasar una sala llena de instrumental quirúrgico antiguo, volvimos a nuestro siglo. Pasamos el día con los chicos del team de Converse CONS, que se lo curraron montándose una demo subterránea y echando la carne en el asador por conseguir el mejor truco. Comimos, bebimos, charlamos y vuelta al lío: cuando estás engorilado, es lo que hay, la tabla te llama. Aprovechamos para hablar con Kenny Anderson sobre su nueva criatura y todo lo que le espera en este 2015: para él, no ha hecho más que calentar. Esto fue lo que vivimos en este día con ellos, que acabó en una after party que queda en secreto de sumario. Lo que pasa en el subsuelo, se queda en el subsuelo, ¡amén! During the first day of the BRIGHT Tradeshow we had the opportunity, as guest media, to see and exclusively try out the KA3, the new signature shoes developed by pro-skater Kenny Anderson. This is the third design created by the rider working alongside Converse CONS, being the most versatile so far. Our appointment was held in a monumental building whose walls seem to have been through all kind of wars (even those fought within the mind). We went down some very long stairs until we reached the basement and, after walking through a room filled with old surgical instruments, we returned to our century. We spent the day with the guys from the Converse CONS Team, who buckled down assembling an underground demonstration and did the hard yards to pull off the best trick. We ate, drank, chatted and back to it: when you’re thrilled shredding that’s what happens, your skateboard calling is all you can hear. We seized this opportunity to talk with Kenny Anderson about his most recent creation and all that awaits this 2015: for him it’s just starting. This is how we spent the day with them, which ended in an after party, which we’ll leave off the record. What happens in the basement stays in the basement, amén!

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#101 · NOSTALGIA · MARCH / APRIL · 2015 DIRECTORA Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep Manel Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com PHOTOGRAPHY Luiza Lacava luiza@lamonomagazine.com TRANSLATION Jaime Felipe Duarte felipe@lamonomagazine.com CONTRIBUTORS REDACTORS Alejandro Cinque + Bárbara Esteban + Xavi Ocaña + Lorena Pedre + Laia Antúnez + Ana Paula Tovar Ana Miguel + Ane Pujol + Vicky Navarro + Bea Salas + Antonella Sonza + Lara Tuner + Jaime Felipe Duarte + David González + Ibo Iza. PHOTOGRAPHERS Luiza Lacava + Ward Robinson + Sara Guix ORIGINAL ART DESIGN Hernan Verdinelli · www.hernanverdinelli.com For circulation customer service in Spain please send an email to felipe@lamonomagazine.com International Distribution: France, Portugal, Germany, UK, US and Australia. For annual subscription please send an email to suscripcion@lamonomagazine.com SUBSCRIPTION / 6 issues per year Spain: 40 euros / Europe: 50 euros / Other countries: 70 euros DEPÓSITO LEGAL: B 51664-03 ISSN: 2014–9395 LAMONO HEADQUATERS: Aribau, 15, 1º 1º, 08011 Barcelona T. +34 932724980

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