lamono #106 UNEXPECTED by lamono magazine

COLLECTION

@globebrand | GLOBEBRAND.COM | est. Australia 1994

The +/+ Collection is a capsule range of unique pieces seasonally influenced and inspired by Dion Agius. Available at select retailers.

DION AGIUS

VOLCOM ×TOTAL× LOOK WWW.VOLCOM.COM LUIZA LACAVA - WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: LAURA STRAC

Music, Creativity & Technology www.sonar.es

Barcelona 16.17.18 Junio

acid arab, alva noto, anohni: antony and the johnsons + hudson mohawke + oneohtrix point never, bob moses, byetone, boys noize, club cheval, congo natty feat. congo dubz + tenor fly + nãnci & phoebe, cyclo (carsten nicolai + ryoji ikeda), david august (live band), ed banger house party: busy p + para one + boston bun, fatboy slim, field by martin messier, flume, four tet (7h set), hiele, homesick, howling, ivy lab, jackmaster, james blake, jamie woon, jean-michel jarre, john grant, john luther adams, john talabot, kasper marott, kelela, kenny dope, king midas sound + fennesz, kode9 x lawrence lek present the nøtel, laurent garnier (7h set), lemonick, magic mountain high, malard, mano le tough, matias aguayo, new order, nozinja, oneohtrix point never, red axes, roots manuva, sapphire slows, section boyz, silkersoft, skepta, soft revolvers by myriam bleau, stormzy, the black madonna, the martinez brothers, toxe, troyboi, tuff city kids y muchos más. una iniciativa de

con el soporte de

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QUIKSILVER ×TOTAL× LOOK WWW.QUIKSILVER.ES LUIZA LACAVA - WWW.LUIZALACAVA.COM MODEL: MATTEO GUARNACCIA

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KIMOS APPAREL @KIMOSAPPAREL JOSEP M. SICART - WWW.SICKART.NET MODEL: ADRIANA URIBE

T: ALEJANDRÍA CINQUE / F: ATTILIO SOLZI “UNTITLED“ FROM THE SERIES TAEDIUM

UNEXPECTED ell*s son Prefacio

Hijos de la turba

Capítulo 1

El Cuerpo Degenerado

Capítulo 2

El Cuerpo Capital

Capítulo 3

El Cuerpo Enfermo

Epílogo

Cuerpos Rebeldes

Voy a poner sobre la mesa tres ejemplos de modos de practicar la vida.  Voy a introduciros en tres fronteras de lo imprevisible.  Voy a presentaros a tres personajes con maneras particulares de entender los cuerpos. Voy a proponeros que salgáis conmigo de nuestra construcción heredada de los afectos. Voy a plantearos tres posibles vías de escape para desertar en el campo de lo normativo.  Voy a mostraros la viabilidad de tomar estas tres figuras de lo subalterno como ejemplos a seguir. Voy a pediros que os libréis de los prejuicios volcados sobre estos tres protagonistas.  Voy a contaros la historia de tres cuerpos que son resultado del cáncer de nuestro sistema social. La historia de tres tumores que la tradición ha tachado de perjudiciales pero que con esta tesis insto en denominarlos como benignos, como posibles fisuras donde resistir y en las que residir. Ell*s son los héroes de una revolución inconsciente.  Ell*s son el caballo de Troya de una batalla invisible.  Ell*s son los insubordinados de la insurrección que llega.  Ell*s son almas ingobernables.  Ell*s son rebeldes sin causa.  Ell*s son los hijos de la turba. El uniforme se ha establecido como una herramienta de control de los cuerpos hacia una aparente homogeneidad. Con la igualdad de vestimenta, las posibles distinciones entre clases sociales quedan veladas. En contraposición, la diferenciación de sexos se subraya. Si en preescolar el binomio de distinción es cromático: rosa o azul (chica o chico), en la escuela primaria es formal: falda o pantalón (chica o chico). La uniformidad es producto de lo normativo y es en ella donde el cuerpo degenerado encuentra su liberación. El cuerpo degenerado está protagonizado por sujeto travesti y sujeto transexual. Estos cuerpos son rebeldes ya que subvierten los mecanismos rígidos de la heteronormatividad para construir nuevas identidades desacralizadas. A través de la saturación de la construcción manida de lo masculino y lo femenino, estos cuerpos encuentran un lenguaje amenazante contra el aparato de poder que promueve el supuesto cuerpo normal. El Capitalismo se formula como la estructura socio-económica de organización global de la masa por excelencia. Este sistema se basa en el concepto de ‘valor’ como medida para establecer el intercambio de bienes. Este valor queda cuantificado a través de la idea de dinero materializada en forma de billetes. En ellos reside un poder simbólico consensuado por la sociedad que lo maneja. Este poder es causa y efecto de la lucha de clases. En el dinero, los activistas han visto el germen de todos los problemas (lo cual es probablemente cierto), pero a través de su uso lascivo el cuerpo capital ha encontrado una puerta de acceso. El sujeto capital, o más bien capitalizado, es aquel que pone un valor económico a su propio cuerpo para favorecer el intercambio. Está protagonizado por la puta y el chapero y su rebeldía reside en el propio hecho de hacer su cuerpo accesible a otros cuerpos que por convención social no están determinados para ser deseados. La clínica se configura como un aparato de poder autorizado para determinar lo que es un cuerpo sano y para patologizar aquel cuerpo que no debe reproducirse. Como método de corrección normativa, y dentro del orden del capital, las farmacéuticas se encargan de suministrar los antídotos que procurarán la curación del sujeto anómalo a través de un control químico del cuerpo. Es en el uso libre de los medicamentos donde el tercer cuerpo rebelde opera. Cuando los fármacos pasan a ser estupefacientes. Cuando las píldoras son ingeridas por decisión propia y con fines recreativos. Cuando uno mismo se diagnostica la enfermedad. L*s travestis, l*s put*s y l*s yonquis se ubican dentro del campo de lo inesperado debido a su sinceridad obscena. Tod*s ell*s son un reflejo pornográfico del paradigma actual. Lo paradójico de su existencia es que no por ser hijos del sistema que los alimenta obedecen sus lógicas, sino que tod*s ell*s serán l*s que le muerdan la mano.  Ell*s serán l*s militantes de la revuelta. Ell*s serán la vanguardia de las pasiones.  Ell*s serán la salvación evangelizada. Ell*s serán la libertad guiando al pueblo. Ell*s serán los definitivos cuerpos rebeldes.

Introduction

Turba’s sons

Chapter 1

The Degenerated Body

Chapter 2

The Capital Body

Chapter 3

The Sick Body

Epilogue

Rebel Bodies

I will suggest three methods of practicing life. I will introduce you three frontiers of the unpredictable. I will present you with three characters that have very particular ways of understanding the body. I will propose you to join me abandoning our inherited construction of affections. I will acquaint you with three possible escape routes to desist from the normative field. I will show you the feasibility of taking these three subordinate figures as examples to follow. I will ask you to free thyself from all possible prejudices that can be strewn upon these three characters. I will tell you the story about three bodies that are the result of the cancer that is our social system. The story of three tumors, which tradition has overruled as detrimental, but which through this thesis I will try to define as benign, as possible fissures where we can resist and reside. They are the heroes of an unconscious revolution. They are the Trojan Horse of an invisible battle. They are the insubordinate of a mutiny that emerges. They are the ungovernable souls. They are the rebels without a cause. They are the sons of the mob. The use of uniforms has established itself as a tool to control bodies in an attempt for apparent homogeneity. Thanks to these identical attires, all possible distinctions between social classes remain veiled, as opposed to genre differentiation, which is highlighted. If in preschool the binomial distinction is chromatic: pink or blue (girl or boy), in primary school it becomes formal: skirt or pants (girl or boy). Uniformity is a product of the norms, and within it, the degenerated body finds its liberation. The degenerated body is characterized by a transvestite and transsexual character. These are rebellious, since they subvert the rigorous mechanisms present in heteronormativity to construct new deconsecrated identities. Through the saturation of the trite construction of the masculine and feminine, these bodies discover a threatening language against the authority that promotes the alleged normal body. Capitalism is presented as the quintessential socio-economic structure for global mass organization. This system is based upon the idea of ‘value’ as a measuring unit to establish the exchange of goods and services. This value is quantified through the idea of money, materialized in the form of bills and coins. These carry a consensual symbolic power granted by the same society that uses them. This power is the cause and effect of the struggle between classes. Money has represented, for the activists, the germ behind all problems (which is probably true), but it’s through its lewd use that the capital body has found an access door. The capital subject, or capitalized would be better, is that which establishes an economic value to its own body to encourage its exchange, a role played out by the prostitute and the hustler, and their rebelliousness resides in the fact of making their bodies accessible to others, who, by social convention, are not expected to be desired. Hospitals are established as an authoritarian apparatus licensed to determine what a healthy body is and to pathologize those who should not reproduce, as a method of normative correction, and within that capital order, pharmaceuticals are in charge of supplying the antidotes that will enhance the recovery of the anomalous subject through a chemical alteration of the body. It’s within the free usage of medicine where the third rebellious body operates. When the medications become drugs, when the pills are taken by choice and recreation, when the sickness is diagnosed by the subject itself. Transvestites, whores and junkies are all found within the unexpected spectrum due to their obscene sincerity. All of them are, a pornographic reflex of today’s paradigm. What is paradoxical about their existence is that, not because they’re children of the system that nurtures them they will obey, quite the opposite, all of them will be the ones that bite the hand that feeds. They will be the militants of the revolt. They will be the forefront of passions. The will be the evangelized salvation. They will be the freedom guiding the people. The will be the definite rebellious bodies.

T: ALEX PUIG

DANIEL CRONIN Unusual portraits Daniel Cronin es un fotógrafo estadounidense obsesionado por captar los elementos más inusuales de nuestra sociedad. Siguiendo un enfoque fotoperiodístico, Cronin persigue captar las situaciones, lugares, comunidades y personas más peculiares que se encuentra en su camino. Realiza trabajos que van desde la documentación del turismo entorno a los restos de Chernóbil hasta el retrato de las comunidades de Juggalos. Este fotógrafo consigue documentarlo todo desde un enfoque diferente; dándole la vuelta al asunto. Daniel Cronin is an American photographer with an obsession for capturing the most unusual elements within society. Thanks to his photojournalistic approach, Cronin achieves to portray the most peculiar situations, places, communities and subjects that come across his way. His works range from the documentation of the tourism there is around the ruins of Chernobyl, to the portrayal of the Juggalos groups. This photographer manages to document everything from a different perspective, turning the focus around.

dcroninphoto.com

Cuéntanos tu proyecto más reciente, Standoff In Burns, Oregón, ¿qué estabas documentando allí exactamente? Es una historia muy compleja, pero en esencia retrata la peripecia de un grupo de militantes armados de varios grupos “patriotas” del oeste de los Estados Unidos, que ocuparon la reserva nacional de Malheur. El refugio es una gran área propiedad del gobierno federal que está rodeada de ranchos. Los militantes estaban tratando de obtener la tierra para dársela devuelta a los rancheros y se atrincheraron en la reserva con armas de fuego durante 32 días. Actualmente todavía hay cuatro personas que ocupan el refugio. Diez han sido detenidas y una persona murió en un tiroteo con la policía. ¿Cuál era tu intención con este proyecto? Me gusta mucho tomar fotos de personas enseñando o mostrando una parte importante de su identidad. El hecho de adoptar una postura armada contra el gobierno federal muestra que esta gente es fiel a sus principios, considera que tiene una superioridad moral y se toma muy en serio esta parte de su identidad. También es algo que no sucede a menudo en Oregón, aunque muestra una creciente ola de desconfianza por parte de este tipo de grupos en el oeste ante el gobierno, además de su creciente voluntad de iniciar algún tipo de confrontación física contra la autoridad. En la mayoría de tus proyectos te centras en la documentación del estilo de vida americano, ¿te consideras un patriota? Patriota es una palabra muy cargada en este país. En los últimos veinte años se ha relacionado cada vez más con los grupos de la derecha radical de los Estados Unidos. Yo no me identifico para nada con esos grupos. Soy un ciudadano estadounidense y me gusta donde vivo, también tengo un fuerte deseo de ver un cambio hacia valores más progresistas. Debido a que la gran parte de mi trabajo se centra en la identidad, a mí me cuesta mucho trabajo tratar con la mía, y decir que soy algo en específico, ya que eso permite a los demás encasillarme o proyectar sus propias ideas acerca de esa identidad sobre mí. Hemos visto que estuviste documentando los restos de Chernóbil en

tu proyecto “Disaster Tourism”, ¿cómo fue la experiencia? Chernóbil fue bastante salvaje y surrealista. Yo quería ir a ver los restos de la ciudad desde que oí que podía visitarla, entonces decidí enfocar mi proyecto alrededor de la industria del turismo que ha surgido en torno a ello. Hay viajes en autobús que salen desde Kiev y te llevan de visita durante el día. De lo que no se da cuenta la gente es de que todavía hay una gran cantidad de personas que siguen trabajando allí, sólo para evitar que la situación empeore. Hay un departamento de bomberos para asegurarse de que los bosques y plantas, que aún contienen una gran cantidad de las partículas radiactivas, no se incendien y se propaguen con el humo. También hay trabajadores de la construcción que están llevando a cabo el montaje de una nueva cúpula de contención para cubrir el reactor número cuatro, que se fundió. Todavía hay una gran cantidad de presencia humana en la zona. ¿Con este proyecto trataste de concienciar a la gente del peligro de la energía nuclear o se trataba sólo de documentar un hecho histórico? Fui allí justo después del desastre nuclear de Fukushima, así que en el momento era un tema muy caliente. Sin embargo, tenía reservado mi billete de avión unos cuantos meses antes de que eso sucediera. La opinión antinuclear era un tema muy controvertido en ese entonces. Yo no quería mostrar una postura política con mi trabajo, ya que considero que puede hacer el proyecto un poco pesado, además prefería dejarlo abierto a la interpretación por parte del espectador. Estaba más interesado en esta pequeña economía turística que se ha desarrollado después del desastre. Es muy parecido a lo que pasó aquí después del huracán Katrina, cuando grupos de turistas empezaron a visitar las zonas más afectadas de Nueva Orleans. Me parece una idea muy curiosa, la de aprovechar los restos de una catástrofe como una atracción turística. ¿Tiene todo el mundo la oportunidad de visitar este lugar o sigue siendo un sitio peligroso? Cualquier persona puede visitarlo pero hay que ir con un grupo turístico registrado. Hay puestos de control en la entrada y en la salida de la zona y tienes que pasar por unos escáneres

de radiación... ¡aunque quién sabe si realmente funcionan! Creo que dentro de diez años, los turistas sólo podrán visitar algunos edificios ya que algunas construcciones empiezan a estar muy deterioradas. Recuerdo estar caminando por el segundo piso de una escuela de la ciudad cuando un tablón de madera del suelo se acabó rompiendo y mi pie se coló hacia abajo. El tiempo, el clima y la naturaleza están arruinando lentamente la integridad estructural de muchos edificios. Uno de tus proyectos más aclamados es The Gathering Of The Juggalos, ¿cómo fue la reacción de este grupo de gente al ser fotografiados? ¿Estaba todo el mundo de acuerdo? Me pasé tres años realizando este proyecto. Al principio estaba muy intimidado, era una situación tan extraña y peculiar que no sabía cómo iban a reaccionar. En general, los Juggalos fueron súper amables y abiertos, aceptando el proyecto que quería llevar a cabo, el cual realicé con una cámara de gran formato 4x5, algo que me ayudó mucho. La gente vio que no era otro periodista con una cámara réflex digital para una publicación que va a hablar mal de ellos. También traté de hablar con todos ellos antes de fotografiarles, para explicarles mi punto de vista sobre el evento y lo que estaba tratando de hacer. Creo que en esos tres años sólo me encontré con dos personas que no me dejaron retratarlas. Tras el primer año la gente comenzó a reconocerme y me dijeron que estaban muy contentos de que hubiese regresado, eso me hizo sentir muy bien. En tu proyecto Portland Alley Sweeper, mezclas la fotografía de color con el blanco y negro, ¿qué tratas de expresar con este recurso? Creo que a veces una foto simplemente queda mejor en blanco y negro. Para ser honesto, en este caso, muchas veces tuvo que ver con la luz. En algunas ocasiones, puedes mejorar mucho una foto que tiene una iluminación plana al pasarla a blanco y negro. ¿Cuál es la diferencia para ti entre la fotografía a color y en blanco y negro? Sólo por cómo ha evolucionado la tecnología fotográfica, el blanco y negro tiene un toque más nostálgico para mí. Muchas veces, parece como si el color no formara parte de la historia de la fotografía,

¿por qué no disparar en blanco y negro y llevar la imagen a los términos más básicos de composición y contenido? Me gusta la simplicidad. En Jerusalem, Florida fotografías un día en este parque temático bíblico, ¿buscabas realizar una crítica o simplemente pretendías documentarlo? (Risas) Un poco de las dos. ¿Cuál ha sido la experiencia más difícil por la que has pasado durante la ejecución de uno de tus proyectos? Chernóbil fue complicado en cuanto a temas de logística, con tantos viajes, visados, los problemas de cargar con los rollos de película de 4x5, la barrera del idioma, etc. Fue duro físicamente también; subíamos a los tejados de los edificios abandonados y sólo comíamos dos veces al día durante los cuatro días que estuvimos en la zona de exclusión. La película pasó por tantas máquinas de rayos X que pensé que acabaría arruinándose, ¡pero no! ¿Qué es lo más importante que has aprendido como fotógrafo? Creo que una de las cosas más importantes que he aprendido de este trabajo es que te da acceso a ciertas comunidades, personas, grupos o lugares a los que no podría llegar de otro modo. Una cosa que siempre trato de hacer es hablar con todo el mundo que voy a fotografiar. Tengo un enfoque bastante formal y me gusta que el sujeto sepa que está siendo fotografiado y por eso entablo siempre una relación antes, para que se sientan cómodos. La gente se relaja un poco cuando hablas con ellos, no les cojo por sorpresa. Así le doy un enfoque más honesto. Con respecto a la investigación, ¿cuál es tu método para encontrar las ideas contenidas en tus proyectos? Creo que simplemente intento buscar historias o ideas que me interesen de verdad. Algunas veces eso funciona, y otras no. Muchas veces no sabes exactamente cómo puedes capturar algo o dónde está la historia que buscas, hasta que llegas allí y sientes las cosas en primera persona. Por eso me gustan los proyectos que yo mismo me asigno, ya que no debo trabajar para nadie ni intentar contar una historia predeterminada por un cliente o editor.

I THINK ONE OF THE MOST IMPORTANT THINGS ABOUT DOCUMENTARY PHOTOGRAPHY IS THAT IT GIVES YOU ACCESS TO CERTAIN COMMUNITIES, PEOPLE, GROUPS, OR PLACES THAT YOU MAY NOT HAVE OTHERWISE

Tell us about your most recent project, “Standoff In Burns, Oregon”, what were you documenting there? It’s a very complex story overall, but essentially; a group of armed militants from various “patriot” groups from around the western United States took over the Malheur National Wildlife Refuge. The Refuge is a large piece of land owned by the federal government, and is surrounded by ranches. The militants are trying to get the land back in the hands of the ranchers, so they blocked themselves into the refuge with guns for 32 days. As of right now, there are still 4 people occupying the refuge, 10 have been arrested, and one person died in a shootout with the police.

Chernobyl ever since I heard you could visit it, and then, try to capture the tourist industry that has popped up around visiting this terrible disaster. There are bus trips that are run out of Kiev, where you get to go for the day and eat lunch in the worker cafeteria. What most people don’t realize is that there are a lot of people still working out there, just to keep the situation from getting worse. There is a fire department to make sure the forests and plants that contain a lot of the radioactive particles don’t catch fire and spread it in the smoke. There are construction workers building a new containment dome to go over reactor 4, which melted down. There is still a lot of human presence out there.

What was the purpose behind this project? I really enjoy taking photos of people displaying or showing a very important part of their identity. To take an armed stand against the federal government shows that you are obviously very righteous and believe in this part of your identity. It is also a very unique event here in Oregon, but it shows a rising tide of distrust by these kinds of groups in the west, and their increasing willingness to take some sort of physical stand against authority.

With this project were you trying to inform the people from the dangers of nuclear energy or you just wanted to make a historical document? I went out there right after Fukushima happened in Japan, so it was a very hot topic. However, I had planned and booked my tickets a few months before Fukushima happened. The anti-nuclear talk was a very hot topic at the time. I didn’t want to have that strong political stance within the work because I have always felt like it can be really heavy-handed and it doesn’t necessarily leave the work open to the interpretation of the viewer. I was more interested in this small tourism economy that has fully developed after the disaster. It’s a lot like how here in the U.S., after Hurricane Katrina, tourists groups were leading tours through the worst hit parts of New Orleans. It’s a very strange idea of profiting off of disaster or even gawking at it.

In most of your projects, you document the American lifestyle. Do you consider yourself as an American patriot? Patriot is such a loaded word in this country. In the last 20 years I would say it has been co-opted by fringe and radical right wing groups. I flat-out do not identify with those groups. I am an American citizen, I like where I live, but I also have a strong desire to see this country change towards more progressive values. Since a lot of my work explores identity, I have a really hard time dealing with my own identity and saying I am one specific thing, because that allows others to pigeonhole you or project their own beliefs about that identity onto you. We have seen that you documented the remains of Chernobyl in your project “Disaster Tourism”, how was that experience? Chernobyl was pretty wild and surreal. I wanted to go and see

Is everybody able to visit this place or it is still dangerous? Anyone can visit but you need to go through a registered tour group. There are checkpoints going in and out of the area too, where they check everyone’s passport, and you go through these full body radiation scanners...who knows if they really work. I do think that in another 10 years they may not let tourists into certain sections just because the buildings are getting very dangerous. I remember waking on the second floor of a school building and my foot went right

through the floorboards. Time, weather, and nature are slowly ruining the structural integrity of a lot of the buildings. One of your most acclaimed projects is “The Gathering Of The Juggalos”, how was their reaction towards being photographed by you? Was everybody happy with that? I spent 3 years photographing that project. I was pretty intimidated the first day out there, just because it was so foreign and I didn’t know how it was going to go. Overall, the Juggalos were super cool and really accepting of what I was trying to do. I shot it all on a large format 4x5 camera, so I think that actually really helped me. People saw that I wasn’t just another journalist shooting a DSLR for some publication that was just going to shit on them. I would also talk to everyone before I shot them, explain my perspective on the event and what I was trying to do. I think over the 3 years I only had 2 people that didn’t let me shoot them. After the first year, people started to recognize me and said they were glad that I came back, which felt really good. In your project “Portland Alley Sweeper”, you mix color and B&W photography. What were you trying to say? I think sometimes a photo just feels better in black and white. To be honest, a lot of times it had to do with how the light was too. You can get away with a shot in flat light looking better, if all of a sudden you convert it to black and white. What’s the difference between color and B&W photography? Just due to how photographic technology has evolved, black and white photography automatically has a more nostalgic quality for me. A lot of times, it seems like if color is not part of the story of photography, why not shoot it in black and white and strip it down to the bare bones of composition and subject matter? I like simplicity. In “Jerusalem, Florida” you show some sort of biblical theme park, was your purpose to criticize or document? (Laughs) A little bit of both!

Which has been the hardest situation you have ever experienced during the execution of one of your projects? Chernobyl was complicated in terms of logistics, as far as travels, visas, and the problems with traveling with a 4x5 film and loading/unloading holders, the language barrier, etc. It was also pretty physical at times, climbing to the top of buildings. We also ate only two meals a day, when we were in the exclusion zone, which lasted for four days. The film went through so many airport x-ray machines that I thought it was going to be ruined for sure, but it wasn’t! Which is the most important thing you have learned as a photographer? I think one of the most important things I have learned, is to appreciate this job and medium, as it gives you access to certain communities, people, groups, or places that you may not have otherwise have access to. One thing I always try to do is to talk to everyone I take a photo of, usually before I take their photo. I guess I have a fairly formal approach to style, so I generally want the viewer to be aware that the subject knows it’s being photographed. People relax a bit when you talk to them, they aren’t caught off guard, and I think it’s a more honest approach. When it comes to research, what method do you follow to discover the ideas embodied in your projects? I think I just try to find stories or ideas that truly interest me. Sometimes that works out, sometimes it doesn’t. A lot of times you don’t know exactly how you can shoot something or where the inherent story is, until you show up and kind of feel things out. That’s why I like these self-assigned projects; I’m not working for anyone or trying to tell a predetermined narrative that a client or editor wants. Are you working on any new projects right now? I have a few ideas popping around in my head but nothing that is in real full progress. I’m trying to find a balance between getting enough paid, commercial

46 SWEATER ELEMENT EDEN

UNFORGOTTEN PHOTOGRAPHY: LAIA BENAVIDES WWW.LAIABENAVIDES.COM PHOTO ASSISTANT: PABLO DE PASTOR MODELS: SUSANNA LIND AND MARCEL PUIG THANKS TO: CAN CAMPMANY FOR YOUR KIDNESS CANCAMPMANY.COM

49 JACKET CHOICE. OVERALL CARHARTT-WIP

50 T-SHIRT VANS. DENIM OVERALL CARHARTT WIP. SNEAKERS BENNIE VANS

52 JACCKET CARHARTT WIP

T-SHIRT OBEY CLOTHING. DENIM OVERALL KR3W

55 T-SHIRT VANS. SHOES VANS

56 OVERALL SCOTCH & SODA. T-SHIRT VOLCOM. SNEAKERS SUPRA FOOTWEAR. HAT BRIXTON

57 EYEWEAR: CARHARTT WIP + SUPERRETROFUTURE

58 PANTS OBEY CLOTHING

59 JACKET CARHART WIP

60 TOP SCOTCH & SODA

T-SHIRT VANS. SHOES VANS

61 PANTS OBEY CLOTHING

T: TEO CAMINO

JASON JAWORSKI AWAKENING UNEXPECTED ENCOUNTERS Jason creció cruzando la frontera que separa su San Ysidro (California) natal de Tijuana (México). Al salir de la escuela solía deambular junto a sus amigos por una zona muy tranquila que con el paso de los años se convirtió en el lugar donde el cartel lanzaba los cuerpos sin vida. Fue entonces cuando nació su interés por retratar personajes extraños y convertirse en el fotógrafo cuyas provocadoras imágenes representan un viaje al interior de las personas que se van cruzando por su camino. En ocasiones ha dormido en la calle, otras veces se ha metido en la selva de Filipinas con un enano al que conoció sentado en la mesa de un bar con dos chupitos, una cerveza y una pistola, y le gusta revelar sus trabajos en el baño. En autostop desde Frankfurt a París o caminando 10 millas diarias durante 100 días retratando Los Ángeles, Jason Jaworski entiende la fotografía como una pulsión por disparar que aparece a cualquier hora. Se pone unos buenos zapatos y se echa a andar, de madrugada, en busca de encuentros inesperados como despertares mientras espera que su mejor foto sea la que está por llegar. Jason grew up in the frontier that divides his natal San Ysidro (California) with Tijuana (Mexico). After school he used to wonder around with his friends along what used to be an open-air market, now it’s the dumping ground for bodies for a drug cartel. It was in this market where his interest for photographing people was born, as well as the guy interested in capturing images that represent an interior journey within the character of the people that cross his path. He has slept on the streets, walked into the Philippine jungle with a midget he met in a bar and he usually develops his film in his bathroom. Either if he’s hitchhiking from Frankfurt to Paris or walking 10 daily-miles for 100 days across L.A., Jason Jaworski understands photography as a compulsion to shoot, an urge than can appear anytime. With a good pair of shoes, he walks as the sun comes up looking for unexpected encounters that resemble awakenings, while he waits for his best picture to arrive.

sskpress.com

ME GUSTARÍA IR A IRÁN, IRAK, AFGANISTÁN, LUGARES DONDE HAY UN VERDADERO CONFLICTO. Y NO PORQUE VAYA EN BUSCA DE ESO, SINO PORQUE QUIERO ENTENDERLO, APRENDER DE ELLO Y VER LA HUMANIDAD Y LA BELLEZA QUE YACE ALLÍ, EN TODAS ESTAS FASCINANTES CULTURAS QUE HAN SIDO MANCHADAS POR LOS TERRIBLES ACTOS DE UNOS POCOS

¿Cuándo surgió tu interés por retratar personajes extraños? Crecí en la frontera entre San Ysidro y Tijuana, en California, y cada día, después de clases, la cruzaba para visitar a mis amigos; solíamos ir a un lugar al que llamábamos “los búnkers”, hoy en día es una fosa común para el cartel, pero en ese entonces era un lugar maravilloso, donde todas estas familias tenían montado un mercado al aire libre. Creo que mi fascinación hacia los demás comenzó allí; iba de caseta en caseta haciendo preguntas y simplemente queriendo saber más de esta gente. Yo no era una persona en forma, era enorme, muy gordo, y gracias a ello, siempre me relacionaba con las personas verbalmente, buscando a aquellos que fueran familiares para mí pero extraños para los demás. ¿Qué buscas en cada retrato? No busco nada en específico. Más que buscar, lo cual implica cierto tipo de juicio, prefiero experimentar a las personas y su presencia, al permitirles revelarme cosas para que yo las descubra. ¿Quién está tras tu cámara, un artista, un humanista, un amigo, un voyerista? Sólo una persona curiosa deseando aprender de extraños. ¿Cómo es tu proceso creativo y método al trabajar? Empieza con un buen par de zapatos y muchas caminatas. Si estoy en un lugar en el cual nunca he estado, empiezo realmente temprano, como a eso de las tres o cuatro de la mañana, y camino para conseguir una idea de cómo funcionan las cosas; se aprende mucho de una ciudad y su gente al verlos despertar. Y eso es lo principal, aprender de un lugar y su gente. Camino, hablo con las personas, con algunos de ellos durante horas, y luego les dejo que me enseñen su ciudad y carácter, de una manera muy espontánea. La última vez que estuve en Filipinas, entré en un bar esperando encontrar a un reemplazo para un videoclip que estaba grabando, y observé a un enano sentado en la barra. En frente tenía dos chupitos, una cerveza y una pistola. Instantáneamente comencé a hablar con él y esa interacción fue la base para mi libro, “Laberynth”, donde él me lleva a través de diferentes tugurios y lugares donde trabajaba y creció. Cuando se trata de proyectos comerciales, me encuentro con los sujetos algunos día antes, hablamos y nos conocemos, algunas veces llevo mi cámara y otras no. Luego, unos días más tarde, durante la sesión, les hago preguntas relacionadas con nuestro primer encuentro, con música de fondo para mantener la espontaneidad y la energía a lo largo del shoot, los llevo a la calle y hago que se relacionen con el entorno, o cuando estoy buscando localizaciones, intento seleccionar a personas locales como modelos. ¿Cómo logras que los personajes de tus fotografías se abran ante ti? Todo el mundo tiene una historia que contar y, muchas veces, tengo la suerte de que me la cuenten a mí. Sólo con escuchar, es suficiente para que una persona se abra a ti. Algunas veces hablo con extraños por horas sin tomar una sola foto. Más que el resultado final de lograr una buena imagen, se trata de conectar con alguien y compartir experiencias juntos.

¿Alguna vez has tenido miedo o te has expuesto a una situación peligrosa? Hace más de diez años, cuando era mucho más joven y arrogante, caminando de Frankfurt a París, hacía autostop de vez en cuando. Una noche un coche se detuvo detrás de mí y tocó la bocina. Un hombre de aspecto extraño me hizo un gesto para que subiera. Acepté y subí. Inmediatamente sentí miedo de esta persona y su presencia, pero decidí ignorarlo. Me ofreció un lugar para dormir y dije que sí, puesto que llevaba en la calle más de una semana. Llegamos a su casa, la cual estaba bastante lejos de la autopista. Exhausto, me quedé dormido, sólo para despertarme y verlo parado junto a la puerta mirándome. Podía ver la sombra de su silueta en la pared. Empezó a acercarse e inmediatamente me di vuelta. Tenía una mirada psicópata en sus ojos que nunca le he visto a nadie más, como la de un predador. Me levanté y le pregunté qué estaba haciendo. “Nada”, me dijo, “sólo estaba viendo que estuvieras bien”, y se alejó. Saqué de mi bolsillo una navaja que tenía conmigo y espere a que volviera. No lo hizo, y unas horas más tarde me fui. Caminando por la autopista otro coche se me acercó y me recogió, era una mujer ofreciéndose para llevarme. Acepté y me dijo que tuviera cuidado, ya que había un hombre secuestrando gente. Fue mi estupidez la que me puso en esa situación, al ignorar mi intuición. Después de eso, aprendí que debo usarla como una herramienta para leer mi entorno. ¿Cómo te afecta lo que ves? El miedo es algo que todos sentimos, algo que nos hace humanos. Mis miedos me permiten relacionarme con los demás, con quienes se asustan de las mismas cosas que yo, o con quienes tienen miedos diferentes. Eso es algo positivo de las emociones negativas, todos las compartimos y albergamos; nunca estamos del todo solos. ¿Disparas con el corazón o con la cabeza? Al final de cada mes revelo todos mis carretes en casa y escaneo los negativos. El escaneo puede ser un poco tedioso, así que mientras lo hago pongo una lista de reproducción de vídeos: conferencias, documentales, etc. Una día, mientras llevaba a cabo este ritual, salió un vídeo de Anders Petersen, un fotógrafo al que admiro mucho. Explicaba cómo dispara con el corazón y edita con la cabeza. Era una declaración bastante curiosa y sentí cierta afinidad, tras examinar mi propio proceso. Miré las imágenes que estaba escaneando y tuve esta compulsión, esta necesidad de salir a disparar. Eran las cuatro de la mañana, me puse los zapatos y salí a caminar desde mi casa hasta el océano, 34 kilómetros de distancia, con el amanecer acompañándome desde que empecé hasta que llegué al agua. Ese se convirtió en el comienzo de mi proyecto “1000 Miles”, que llevé a cabo en Los Ángeles, caminando 16 kilómetros todos los días durante cien días, para luego hacer una serie de pinturas, textos y libros. ¿Prefieres la fotografía analógica o digital? Cuando se trata de proyectos personales prefiero la analógica y revelo en mi cocina o baño. Sin embargo, si estoy haciendo algo comercial y tengo poco tiempo para producirlo, trabajo en digital. Prefiero el tiempo y trabajo extra que requiere el carrete; es como una meditación, mientras repaso

los rollos en mi baño. Siempre he sentido que ciertas cosas son más gratificantes en función de la cantidad de trabajo que les dediques, y cuando trabajas con analógico es igual, es muy satisfactorio ver tus imágenes materializarse con las sales de plata frente a tus ojos, una vez las sacas de esa sopa química. ¿A qué aspiras a través de tus fotografías? A recordar ciertas cosas, olvidar otras y compartir todo lo que pueda mientras estoy aprendiendo de extraños. ¿Cómo ves/sientes la fotografía? La fotografía es algo muy peculiar; es elusiva de maneras que la hacen interesante. Si pudiese verbalizar cómo crear una gran imagen, probablemente dejaría de sacar fotos, pero se trata de un proceso de toda la vida, una manera de relacionar experiencias, tangibles o no, a través de una imagen. Siento que la fotografía está muy relacionada con la memoria, como con la visión. Recuerdo que hace años, hablando con el escritor David Foster Wallace mientras esperábamos un vuelo que estaba retrasado, me comentó lo que la literatura es para él, y cómo tiene ciertas cualidades que también le son difíciles de verbalizar. “Es algo que hace clic dentro de uno”, me dijo, “reconoces algo de ti mismo en la palabras, algo que sólo tú sabes, y que el autor ha decidido transmitirte, y luego te encuentras aprendiendo algo de ti, o del mundo, y eso es lo más poderoso que el arte puede llegar a hacer, y es erradicar la barrera que existe entre las personas, procurar esa familiaridad entre lo privado y lo público, ayudarte a sentirte menos solo”. Aún recuerdo sus palabras, y cada vez que veo, siento o hago una fotografía que hace clic en mí, de la manera que David describió, me siento feliz. Algunos fotógrafos dicen que en cada imagen yace un autorretrato, ¿esto pasa en tus trabajos? No tanto un autorretrato, pero sí una versión de mi visión, la cual puede ser interpretada como lo que soy. Ahora, con todo esto de los selfies y demás, siento que hay una búsqueda de anonimato, así como la hay por reconocimiento. Más que buscar que la gente me reconozca en mis imágenes, prefiero que se reconozcan ellos mismos. Una de las características más frágiles y preciosas de hacer arte es la manera en la cual te puede conectar con un extraño, y eso es algo que valoro más que cualquier tipo de reconocimiento. ¿Qué dicen tus imágenes de ti? Espero que le den una luz a las demás personas, a sus historias, ciudades, etc. Para mí, principalmente explican una interacción que he tenido, algo que estaba viviendo y lo que continuaré haciendo. ¿Es posible cambiar el mundo a través de la fotografía? Hoy en día no creo que la fotografía tenga tal poder, lo cual me parece bueno. El poder parece que se ha trasladado hacia la distribución de imágenes, la cual cambia, y seguirá cambiando al mundo. La fotografía es

una forma de arte espectacular porque, ahora, está más cerca de la escritura que nunca, se ha democratizado, permitiéndole a la gente tomar, editar y compartir imágenes, y lo único que necesitan es un teléfono móvil. Pienso en la Primavera Árabe, las huelgas raciales en Estados Unidos y Guantánamo Bay, como ejemplos donde las imágenes y su distribución han tenido un fuerte impacto en el momento de cambiar las cosas, aunque sea por un instante. Vivimos en un tiempo muy emocionante, donde un extraño, presente en alguna situación en particular o relevante para la sociedad, puede promover un cambio, transmutar su visión a través de una composición que compartirá a través de las redes sociales o cualquier otro medio. Como esas personas en Instagram cuyas imágenes terminan siendo portada de la revista Time o del New York Times, es muy refrescante ver que no tienes que ser un artista con “A” mayúscula, para lograr ese tipo de reconocimiento, y que todo lo que importa es la imagen. ¿Qué país aún no has visitado y te gustaría fotografiar? Hace años conocí al realizador Albert Maysles, los dos estábamos caminando por Harlem, fotografiando gente en la calle. Tras conocernos, paramos para comer algo y me comentó sobre su sueño de promover imágenes positivas. Fue algo que se quedó conmigo. Durante la Guerra Fría, él y su hermano fueron a Rusia y produjeron una serie de trabajos en los cuales se sumergían dentro de la gente y su cultura, y trajeron de allí una colección de imágenes que mostraban la dignidad humana, colocándole una cara a aquellos que estaba siendo estigmatizados como villanos. Siento que es muy común que los estigmas se generalicen y una etnicidad completa se vea acusada por los actos de unos pocos. Por eso mismo me gustaría ir a Irán, Irak, Afganistán, lugares donde hay un verdadero conflicto. Y no porque vaya en busca de eso, sino porque quiero entenderlo, aprender de ello y ver la humanidad y la belleza que yace allí, en todas estas fascinantes culturas que han sido manchadas por los terribles actos de unos pocos. ¿Cuál es la mejor foto que aún no has capturado? ¡Espero que la siguiente! Algo inesperado que te haya sucedido mientras estabas trabajando… Hace como un año estaba en las Filipinas. Allí conocí a esta pequeña persona en un bar en el distrito rojo, quien me llevó a conocer una gran cantidad de tugurios y lugares donde creció. Él formaba parte de una pandilla que vendía vienes robados y drogas por la ciudad. Un día me llevó a una selva que quedaba junto a esta fábrica. Había un carro a lo lejos, y él y sus amigos le prendieron fuego e hicieron que explotara, para luego dejar que las llamas lo consumieran. Más tarde esa misma noche, todos los hombres que trabajaban en la fábrica se acercaron al fuego, disfrazados de mujeres y comenzaron a bailar alrededor de él. Eso ha sido, probablemente, lo más inesperado que me ha pasado en el último año.

I’D LIKE TO GO TO IRAN, IRAQ, AFGHANISTAN, ANYWHERE WHERE THERE’S A REAL DEGREE OF CONFLICT. AND NOT BECAUSE I’M SEARCHING FOR IT, BUT BECAUSE I WANT TO UNDERSTAND IT, TO LEARN FROM IT AND SEE THE HUMANITY AND BEAUTY THAT LIES IN ALL OF THESE MESMERIZING CULTURES THAT HAVE BEEN UNFORTUNATELY STAINED BY THE HEINOUS ACTS OF A FEW

When did your interest for portraying strange characters appear? I grew up on the San Ysidro - Tijuana border, in California, and every day after school, I would cross over to meet my friends and wander around through what we used to call “the bunkers”. It’s now a dumping ground for bodies by the cartel, but back then it was this wonderful place that all these families turned into an open air Mercado. I think my fascination with others started then; I would go from booth to booth, asking questions and just wanting to learn about all these people. Also, I wasn’t particularly fit, I was a huge, fat kid and thanks to that, I would always relate to people in a verbal way, seeking out people that seem familiar to me but strange to others. What do you look for in each portrait? There’s nothing I’m looking for specifically. More than looking, which implies a certain sense of judgment, I’d rather experience a person and their presence by allowing them to reveal things for me to discover. Who is behind your camera, an artist, a humanist, a friend, a voyeur? Just a curious person longing to learn from strangers. How is your creative process and method while working? It starts with a good pair of shoes and lots of walking. If I’m on location in a place I’ve never been before, I’ll start really early, three or four a.m., and walk around to get an overview of the way things operate, there’s a lot to learn from a city and its people by the way it wakes up. And that’s the main thing, learning about a place and its people. When I’m walking around I’ll talk to people, some for a few hours, and let them show me their city and character in a very spontaneous way. Last time I was in the Philippines, I walked into a bar hoping to find a stand-in for a music video I was shooting, and noticed a midget sitting down at the counter. On the table he had two shots, a beer and a gun. Instantly I started talking to him, that interaction became the basis for my book, “Labyrinth”, where he took me around through different slums and areas where he worked and grew up. For commercial projects, I’ll meet the subject a few days early for lunch, to chat and get to know them, sometimes I’ll bring my camera and others I won’t. Then, a few days later, during the shoot, I’ll ask them questions related to our first meeting, playing music to keep the spontaneity and energy throughout the shoot, I also take them out to the street and have them interact with the environment, or I’ll scout a location and cast locals as models. How do you achieve for the characters in your photographs to open themselves up to you? Everyone has a story they want to tell, and every so often, I’m lucky and they tell it to me. Just by listening a person can open up. Sometimes I’ll talk with a stranger for hours and end up not taking one shot. More than the end result of getting a photograph, it’s about connecting with someone and sharing experiences together.

Have you ever been afraid or exposed yourself to a dangerous situation? Over 10 years ago - a lot younger and more arrogant - , I was walking from Frankfurt to Paris, hitchhiking every now and then. One evening a car pulled up behind me and honked. An odd looking man was in the car and motioned if I wanted a ride. I nodded and jumped in. Immediately I got scared about this person and its presence, but I decided to brush it off. He offered me a place to stay and I agreed, having been in the street for over a week. We pulled up to his house, secluded from the highway. Exhausted, I fell asleep, only to wake up with him standing in the doorway staring at me. I could see the shadow of his silhouette on the wall. He started to approach and immediately I turned around. He had this look in his eyes I’ve never seen before in anyone, some kind of predatory gaze. I stood up, asking him what he was doing. “Nothing,” he said, “ just checking on you”, and he walked away. I reached in my pocket for a small knife I had and waited for him to come back. He never did, within a few hours later I left. Walking down the highway another car came up to me, a woman offering me a ride. I got in and she said to be careful, that there was a man going around abducting people. It was stupidity that got me in that situation, not listening to my intuition. After that, I learned to use it as a tool to read my surroundings. How does what you see affect you? Fear is something that we all have, something that makes us human. And my fears allow me to relate to others, others who are scared of the same things as me, or those who have opposite fears. It’s one of the positive things about negative emotions, every body shares and inhabits them; you’re never truly alone. Do you shoot with your heart or with your head? At the end of every month I’ll develop all my shot film in my house and scan the negatives. The scanning part can be sort of tedious, so I’ll put on a playlist of videos to watch: lectures, documentaries, etc. One day, while scanning my negatives, a video of Anders Petersen came on, a photographer I deeply admire. In the video he explains how he shoots with his heart and edits with his head. It was a curious statement and one that I felt a particular kinship with, after examining my own process. I looked over the images that were being scanned and I had this compulsion, this urge to go out and shoot. It was four in the morning; I put on my shoes and started walking, from my house to the ocean, 21 miles away, the sun rising the whole time until I finally reached to the water. That became the start of my “1000 Miles” project, where I photographed Los Angeles, walking 10 miles a day over a 100-day period for 1000 miles, producing a series of paintings, books and texts. Photography: analog or digital? For personal projects I shoot the majority on film, developing it in my kitchen or bathroom. However, if I’m doing commercial work and a deadline demands it, I’ll use

digital. I prefer the extra time and work that film requires; it’s more of a meditation, moving the reels around in my bathroom. I have always felt that certain things are more rewarding depending on how much work you put into them, and working with film is no different, it’s so satisfying to see your images materialize in silver in front of you, once you pull them out of the soup of developer and fixer. What do you aim for with your photography? To remember certain things, forget others and share as much as I can while learning from strangers. How do you see/feel photography? Photography is such a peculiar thing; it’s elusive in ways that make it interesting. If I could verbalize how to create a great image I would probably stop, but it’s somewhat of a lifelong process, a way to link experiences together, tangible or otherwise. I feel photography is very much related to memory, as it is to vision. I can remember, years ago, talking with writer David Foster Wallace in an airport, both of us were waiting for a delayed flight, and he described how great literature is for him, and how it has a certain quality that was hard to verbalize as well. “It kind of clicks with you,” he said. “You recognize something about yourself in these words, something only you know, which the author relays to you through these characters, and then you find yourself learning something about yourself, or the world, and that’s the most powerful thing art can do, to eradicate the barrier between people, have that familiarity between the privacy of your person and the public, making you feel less alone”. I still remember those words. And whenever I see, feel or make a photograph that clicks for me in the way David said literature did for him, I’m happy. Some photographers say that in every picture lies a self-portrait, does this happen with your work? Not so much as a self portrait but a version of my vision, which can be interpreted as who I am. Now, with all these selfies and things, I feel that there’s a want for anonymity as much as there is for recognition. More than having someone recognizing me in one of my images, I’d rather have them recognize themselves. One of the most fragile and precious things about creating art is how it can connect you with a stranger, and that’s something I cherish more than any recognition of who I am. What do your images say about yourself? Hopefully, they’ll give light to other people and their stories, cities and outward things. For myself, they most likely explain an interaction I had, what I was going through and what I’ll continue to do. Is it possible to change the world by photographing it? I don’t think there’s such power in the act of taking photos nowadays, which is a good thing. That power has seemed to be switched over to the

distribution of images, which is something that has already, and will continue, to change the world. Photography is such an amazing art form because, now, it’s closer to writing than it has ever been before; truly democratized, allowing people to take, edit and share images, and all they need is their phone. I’m thinking of the Arab Spring, the race riots here in the U.S., Guantanamo Bay, a few examples where images and their distribution had a strong impact and changed things for a moment. It’s such an exciting time we are living, where an unknown stranger, with access to a certain scene or setting relevant to society, can make a change by transmuting its vision through a composition, sharing it via social media or other outward forms. Like these people on Instagram whose images end up being on the cover of Time magazine or the front page of the NY Times, it’s refreshing to see that you don’t need to be an artist with a capital “A” to achieve that kind of recognition, and that all that really matters is the image. What country haven’t you visited but you would like to photograph? Years ago I met the filmmaker Albert Maysles, both of us were walking around Harlem, photographing people in the street. After we recognized one another, we stopped to get something to eat and he told me about his dream of pushing positive images. It was something that always stuck with me. During the Cold War, he and his brother went to Russia and produced this body of work where they embedded themselves with the people and culture out there, bringing back a collection of images that showed the dignity and humanity of these people, putting a face to this race that was being portrayed as villains. I feel that too often things get generalized and an entire ethnicity of people gets blamed for the acts of a few. Because of that, I’d like to go to Iran, Iraq, Afghanistan, anywhere where there’s a real degree of conflict. And not because I’m searching for it, but because I want to understand it, to learn from it and see the humanity and beauty that lies in all of these mesmerizing cultures that have been unfortunately stained by the heinous acts of a few. Which is the best photo you haven’t taken? Hopefully the next one! Something UNEXPECTED that has happened to you at work… About a year ago I was in the Philippines and I met this little person at a bar in the red-light district who took me around through a bunch of different slums and areas where he grew up. He was part of a gang that sold stolen goods and drugs around the city. One day he took me out to the jungle near this factory. A car was off in the distance and he and his friends set it on fire and blew it up, leaving it to burn. Later that night, all of the men from the factory came over to the fire, dressed up as women and danced around. That was probably the most unexpected thing that has happened to me in the last year.

T: DAVID GONZÁLEZ

SUPER FUTURE KID Being a hero in a parallel universe

Los universos paralelos son tan necesarios como las personas que los crean y descubren. En un universo inventado podemos encontrar una ilusión, algo que habíamos perdido o, incluso, a nosotros mismos. Al final, acaban convirtiéndose en nuestro propio mundo, en el que vivimos y en el que nos entendemos. En su Space Oddity, David Bowie nos descubrió universos que aún estaban por iluminar, decía: “Planet Earth is blue / And there is nothing I can do”. El color del Planeta Tierra no se puede cambiar, pero de alguna manera Bowie nos construiría y pintaría otros. De gran intensidad cromática, de fantasía y, en ocasiones, con un halo psicodélico es el universo creado por Super Future Kid. Entramos en sus obras de manera inesperada. Llevados por una fuerte atracción. Una vez allí, nos vamos codeando con una gran variedad de iconografía Pop y seres particulares. Caballos que visten sudaderas, gatos con sombreros en la hora del té o niños con skate en escenarios misteriosos. En palabras de Bowie, como canta en Life On Mars?, pensaríamos que “It’s the freakiest show”. Un universo personal, potente y prácticamente con otro sentido del tiempo. Un mundo que a muchos nos gustaría habitar y encontrar la fórmula para ser uno más entre sus extraordinarios habitantes. Y, ¿Por qué no? Que pudiéramos ser héroes, aunque solo fuera por un día.

Parallel universes are as necessary as the people who create them. In them, we can penetrate an illusion, find something we had lost or, even better, discover ourselves. Eventually, they end up becoming our world, the place where we live in and feel understood. In his Space Oddity, David Bowie presented us with a universe yet to be explored; “Planet Earth is blue / And there is nothing I can do”. Earth’s color cannot be changed, but somehow, Bowie managed to build and paint other planets through his songs. Super Future Kid has done something similar, forging a universe of her own, a place with great chromatic intensity, fantasy and, sometimes, a psychedelic aura that feels like a cold breeze in the back of the neck. We dwelled into her works unexpectedly, drawn by a strong attraction unusual to reason. Once there, we meander across an enormous variety of Pop iconography and particular beings: horses with sweatpants, cats wearing hats during teatime and kids riding skateboards in mysterious landscapes. As Bowie accurately sang on Life On Mars?, “it’s the freakiest show”; a personal universe, powerful and with a different sense of time. A world many of us would like to inhabit to discover the formula to become one of its extraordinary occupants. Why not? If we could be heroes, just for one day.

superfuturekid.com

Pasas años para aprender mucho sobre algo y, sin embargo, no sabes nada sobre el mundo, el universo o el multiverso. La vida está llena de suposiciones, pero eso precisamente es lo que la hace emocionante

Si hablamos sobre el tiempo, ¿el arte de Super Future Kid se basa en el pasado, el presente o el futuro? Gira entorno a los tres y ninguno a la vez. El presente realmente no existe; y pasado y futuro se funden el uno en el otro constantemente. El tiempo es una cosa extraña. ¿Tu arte se acerca más a un adulto que añora el mundo de su niñez o a un niño adulto que está construyendo su propio mundo? Soy una niña grande y mi trabajo es el reflejo de ello. La niñez y la adolescencia están muy presentes en tus pinturas, ¿crees que cuando somos niños y adolescentes es más fácil vivir en nuestro propio mundo? ¿Es posible vivir en un universo paralelo a medida que vamos envejeciendo? Bueno, en realidad, cuando eres niño no entiendes el mundo y todo está lleno de misterios que sólo los adultos parecen entender, y te preguntas si cuando seas adulto conocerás todas las respuestas. Entonces, cuando alcanzas la edad en que definitivamente te has convertido en parte del mundo adulto, te das cuenta de que no has aprendido ninguna de las respuestas de la vida y que el número de misterios no ha hecho más que incrementar. Pasas años para aprender mucho sobre algo y, sin embargo, no sabes nada sobre el mundo, el universo o el multiverso. La vida está llena de suposiciones, pero eso precisamente es lo que la hace emocionante. En todas tus pinturas hay una rica presencia de iconografía Pop. Hay muchos iconos que nos recuerdan a nuestro pasado, a cuando éramos niños. ¿Qué tratas de contarnos a través de ellos? No trato de contar historias o de transmitir información con mi trabajo. Las imágenes y la pintura van mucho más allá que las historias o el mundo hablado. Si miras algo, una imagen, una pintura, cualquier cosa visual que está desconectada del lenguaje sentirás que estás pensando a un nivel diferente. Las palabras se han construido para describir el mundo a nuestro alrededor, pero sigue siendo una herramienta limitada. Si alguien describe una imagen a un grupo de personas, cada una de ellas se formará una imagen distinta en su mente. El lenguaje y la visión no son realmente compatibles. A través de toda tu obra entramos en un universo paralelo donde exploramos un nuevo mundo, expe-

riencias emocionantes y encontramos cosas escondidas hasta el momento para nosotros, cosas que ni habíamos buscado, ¿qué has encontrado a partir de tu trabajo? Almacenamos mucha información en nuestro cerebro y gran parte de ella es enterrada bajo años y años de recuerdos. A veces, descubres o encuentras algo que sabías pero que de tan enterrado que estaba, ya habías olvidado. Creo que el momento de encontrar y de recordar repentinamente algo es maravilloso. ¿Qué papel juega el simbolismo, el misticismo y el suspense en tus pinturas? Los símbolos, los misterios y el suspense pueden ser elementos muy potentes, pero, al final, son también muy personales y son tan fuertes como lo sea tu conexión y experiencia personal con el símbolo o el misterio en particular. ¿Qué tipo de situaciones y escenas reales te inspiran para crear las historias que hay detrás de tus obras? La vida cotidiana siempre contiene elementos que me inspiran para hacer algo. No hay una respuesta concreta para decir qué evento o qué situación, depende del momento. Si exploramos todo tu trabajo artístico podemos pensar que hay escenas que están pasando en el mismo momento pero en diferentes partes de un universo único. ¿Hay algún hilo conector en todas tus creaciones? Todo mi trabajo está conectado con un hilo invisible pero realmente no puedo decir cuál es. Sería divertido saber si hay otra versión de mí en un universo paralelo. Me encantaría ver en qué está trabajando este “otro yo”. Cuando estaba preparando estas preguntas y observaba tus pinturas, de repente, inesperadamente, pensé en la música de David Bowie quien nos ha permitido explorar otros universos, ¿tienes alguna referencia artística o musical a la hora de crear? Me inspiran muchas cosas, a veces cojo ideas de letras de canciones, videojuegos, películas, sueños, juguetes, en realidad, de cualquier cosa. El tema de este número es UNEXPECTED (inesperado). Cuéntanos algo inesperado que haya pasado en el universo creado por Super Future Kid. Trato de no esperar nada, sino de vivir mi vida y verque sucede. ¡En este sentido todo es inesperado para mí!

We spend many years learning to do something thoroughly and, nevertheless, we know nothing about the world, the universe or multiverse. Life is full of assumptions, but that is exactly what makes it exciting

If we were to establish a chronological order, Super Future Kid’s art would be set in the past, the present or the future? It would be fixed in all three and none at the same time. The present doesn’t really exist, and the past and the future are constantly merging together. Time is a really strange thing. Is your art the depiction an adult would make of the childhood world he yearns for, or that of a childish adult who decides to build its own universe? I’m an adult child, and my work is the reflection of it. Childhood and adolescence are very present in your paintings. Do you think that when we are kids and teenagers it’s easier to live within our own universe? Is it possible to keep on living in a parallel universe as we grow older? Well, actually, when we are kids we don’t really understand the world, it’s full of mysteries that only adults seem to comprehend, so you ask yourself if maybe, when you grow up, you will know all the answers. Eventually, when you reach an age in which you are definitely an adult, you realize that you haven’t found the answer for any of the questions you have about life, and that the number of mysteries that surround you, only seems to increase. We spend many years learning to do something thoroughly and, nevertheless, we know nothing about the world, the universe or multiverse. Life is full of assumptions, but that is exactly what makes it exciting. In all of your paintings there’s a rich and wide presence of Pop iconography, which reminds us of our childhood. What are you trying to convey through it? I’m not trying to tell stories or spread any kind of information through my works. Images and paintings go way further than any story or spoken words. If you look at something, an image, a painting, anything visual that remains unattached from the spoken language, you will realize that you are thinking on a completely different level. Words were constructed to describe the world that surrounds us, but are still a very limited tool. If someone describes an image to a group of people, each one of them will have a different mental picture. Words and images are not really compatible. Your works serve as a gate into a parallel universe where we can explore a brand new world, with

exciting experiences that lead us to find things we didn’t even know we were looking for. What have you found due to your work? We tend to store a lot of information in our brains, and most of it is buried under years and years of memories. Sometimes, we discover or f ind something that we had buried so deep, we had forgotten about it. I think the moment when you suddenly find or remember something is wonderful. What roles does symbolism, mysticism and suspense, have in your paintings? Symbols, mysteries and suspense can be powerful elements, but, at the end of the day, they are also very personal and as strong as your connection, or personal experience, is with that particular symbolism or mystery. What situations, or real scenes, inspire you to create the stories that lie behind each one of your paintings? Every day life constantly provides elements that inspire me to do something. There is no answer to specify a concrete event or situation; it depends on the circumstances. If we explore your complete body of work, it lead us to think that there are scenes happening at the same time but in different regions of your unique universe. Is there a common thread amongst all of your pieces? All of my works are connected through an invisible thread, but I cannot say what it is. It would be fun to know if there is another version of me in a parallel universe. I would love to see my other self, and know on what she is working. As I was elaborating this questionnaire, going through your works, suddenly I thought about David Bowie and his music, which has allowed us to explore different universes. Do you have any artistic or musical referent? Many things inspire me; it can be the lyrics of a song, videogames, movies, dreams, toys, anything and everything actually. T hi s i ssues th em e i s U NEX PECT ED. Tell u s about some unexpected situation that happened in the universe created by Super Future Kid. I try not to expect anything, just live my life and see what happens. Living this way, everything is unexpected!

T: LLEDÓ ALFAGEME

Antonio M. Xoubanova Un pequeño universo

El universo entero se encuentra comprendido y representado en 2,5 segundos y 10 metros de la Gran Vía Madrileña. Así lo prueba Antonio M. Xoubanova, el fotógrafo que quiere descubrirnos la fauna y flor que habita en espacios urbanos esenciales pero tantas veces olvidados como la M30 o Casa de Campo. Estudiante de Turismo insatisfecho que pronto cambió el rumbo hacia la fotografía, Xoubanova tiene la habilidad de sobresaltar las verdades que duermen y retratar los simbolismos del día a día. Ahora ha publicado Un pequeño universo, su segundo fotolibro que tal y como lo define Ricardo Cases, se trata de un largometraje de 2,5 segundos formado por imágenes y secuencias que referencian al principio de las cosas: la tecnología, la religión, el universo, la calle, el amor, la materia y sus distintas formas, lo básico de nuestra contemporaneidad y al fin y al cabo de nuestra existencia. Lo de los 2,5 segundos no tiene truco pero sí magia, se trata de la suma de la velocidad de obturación mediante la cual se inmortalizaron las fotografías, y según sea ésta, de 1/40 o 1/400 segundos, las imágenes se plasman con una mayor o menor dimensión, al fin y al cabo contienen distintos tiempos. El libro es pues un intento de materializar algo tan mínimo, abstracto y complejo como 2,5 segundos de existencia. Menos ambiciosos, desde lamono quisimos comprender este pequeño universo de la mano de su creador. The whole universe is comprised and represented within 2.5 seconds and across 10 meters in one of Madrid’s most important avenues: Gran Via. To prove it, photographer Antonio M. Xoubanova has set to discover and display the fauna found in some of the most essential urban spaces, a fauna and flora that has been forgotten these days. Once an unsatisfied tourism student who suddenly redirected his career path towards photography, Xoubanova has the ability of highlighting the truths that lie dormant and portray the every day symbolisms that compose life. His second photo-book, published recently under the name Un pequeño universo (A small universe), is described by Ricardo Cases, as a full-length film of 2.5 seconds, shaped by images and sequences that lead us to the genesis of various aspects, such as: technology, religion, the universe, the streets, love, matter and all its different shapes, the basic principles of our contemporariness and, eventually, our existence. 2.5 seconds, exempt from trickery but filled with magic, which represent the sum of the shutter speed at which these images were captured, and depending on it, whether if it is of 1/40 or 1/400 seconds, the dimensions of the images within the book. Un pequeño universo is then, an attempt to give form to something so small, abstract and complex as 2.5 seconds of existence are, that’s why in lamono we wanted to understand this universe with its creator as our guide.

xoubanova.net

¿Por qué esos 10 metros de la Gran Vía madrileña y no otros? ¿Por qué 2,5 segundos y no más o no menos? Quería hablar del universo a través de lo pequeño respecto al espacio y al tiempo. Escogí estos 10 metros de la Gran vía porque es el lugar en el que más cosas ocurren por metro cuadrado en mi ciudad y me ofrecía la posibilidad de hablar de todo o hacer referencia a aquello que yo considero esencial en el universo. La primera imagen del libro es una explosión de un obús lanzado desde la Casa de Campo a este mismo punto. Es el Big bang del libro y me gustaba que actuara como nexo entre este libro y el anterior. Es una especie de conexión mística. Respecto al tiempo me resultaba emocionante la aventura de pretender hablar del todo en un par de segundos. Explícanos cómo ha sido el proceso de creación de este fotolibro. Básicamente dos años y medio de ir al lugar para hacer fotografías que hablaran de la condición humana y su relación con el resto del universo. Emocionante y aburrido en ocasiones; como la propia vida. Me planteé una serie de cuestiones como son el amor, las distintas relaciones del hombre con sí mismo y su entorno, la tecnología, la religión el principio del universo o su final... Es una mezcla de muchas cosas desde una perspectiva simbólica. Luego busqué nexos entre los distintos conceptos y junto Aleix Plademunt y Ricardo Cases construimos la narración en base a estas premisas. Nos reunimos dos veces, una en Barcelona y otra en Valencia. Cuando teníamos la secuencia hablamos con Eloi Gimeno para diseñar la portada y la edición especial. Eloi es muy buen diseñador. Nos hizo una propuesta en la que hablaba de la materia de la que se compone el libro y cambiaba el orden lógico del tamaño del título y del autor, en cierta manera era una invitación a fijarse en lo pequeño, que es de lo que va el libro. Luego con él, escogimos unos materiales en función del concepto del trabajo. La portada es brillante como las pantallas y lo artificial; y el papel del interior es mate y más natural, en referencia a lo orgánico. A mí me interesaba la idea de imprimir sobre un papel que transparentara, e hiciera que se fundiera la imagen que ves con la anterior y la posterior. Casi como fundir presente pasado y futuro. Es una simulación de cómo creo que actúa nuestra mente respecto al tiempo. Tiempo, materia y espacio son los elementos indispensables del universo en general y del tuyo en particular. ¿Cómo describirías tu pequeño universo? ¿Quién o qué lo habita? Ricardo Cases lo define como un largometraje de 2,5 segundos y no se me ocurre una definición mejor. También me dijo que para él era un libro que hablaba de la sensación de ansiedad por la rapidez con la que ocurre todo. Podría ser. Lo habita la materia, el tiempo y el espacio. En las páginas de Un universo pequeño las fotografías son contenedores de tiempo que varían su tamaño en función del tiempo que comprenden, tiempo que, escrito en milisegundos acompaña a la fotografía. ¿Por qué es tan determinante el tiempo en tu pequeño universo? Es determinante como en nuestras propias vidas. Me gustaba la idea de que la imagen que más me pudiera interesar del proyecto fuera un instante infinitamente pequeño y por lo tanto ocupase poco. A veces lo más trascendente puede ser algo mínimo en relación con el tiempo que vivimos. Quería trasladar esa mecánica al libro. En dos segundos y medio se puede hablar de lo que quieras, pero nuestra percepción es torpe y yo he necesitado dos años y medio para producir unos segundos. Esto es paradójico y para mí habla del Tempus fugit, Carpe Diem y el Vanitas, es como un bodegón clásico.

En tu anterior trabajo Casa de Campo, presentaste las fotografías acompañadas del texto de Luis López Navarro. En Universo pequeño los números indican el tiempo que contienen las imágenes, los que acompañan las fotografías. ¿Pensaste en la posibilidad de incorporar texto también en este proyecto? En esta ocasión el diseño y la numeración del tiempo creo que actúan como explicación. La edición especial sí contiene un texto de Ivan del Rey de la Torre sobre el principio del universo desde una perspectiva alocada, poética y humana. Dices que lo que buscas en tus fotografías es el carácter simbólico que emana de ellas, como en Hombre Pájaro. ¿Cuál, de entre todas las fotografías de tu último trabajo, destacarías por el simbolismo que encierra? La de una pantalla en la que se ve una esquina de un Iphone formando un triángulo y dentro podemos encontrar el ojo de la cámara. Para mí es como la representación clásica de Dios como un triángulo y un ojo en su interior. Mezcla la idea de religión, ciencia y tecnología. Esto, por otro lado enlaza bien con el momento en el que vivimos, en el que lo mismo usamos tecnología punta que se oficia un funeral de estado en una iglesia o una mezquita. En las fotografías de Casa de Campo encontraste referencias a las figuras fantásticas de El Bosco o a los tapices de Goya. ¿Qué otras referencias podemos encontrar en este pequeño universo de 10 metros de largo? En el libro hay múltiples referencias a la historia de la fotografía de calle: Harry Callahan, William Klein, Mark Cohen, Winograd, Paul Gram, Cristobal Hara, también hay otras no fotográficas como George Perec, Vander Weiyden, Malevich, El Bosco, Cristino de Vera… Y por último, tal vez las más importantes, que tienen que ver con mi educación, mi familia, amigos, la televisión e internet. Hablemos del formato, tu Universo pequeño, cobra vida en las páginas de un fotolibro que se aleja de lo comercial, arriesgado. ¿Por qué elijes el formato fotolibro, y por qué su peculiar maquetación? El libro encierra 2,5 segundos de existencia y me interesaba dar un espacio físico al tiempo. Poder tocarlo, que pesase y que fuera difícil de manejar. Por eso hicimos un libro grande. El hecho de que sea un libro para mí era fundamental ya que fue pensado así desde el comienzo. La maquetación responde al tiempo y tiene un punto que puede parecer aleatorio a primera vista, pero que guarda un paralelismo con la percepción que tenemos de la realidad. Para la publicación de Un universo pequeño has trabajado codo con codo con la editorial Ca l’Isidret, de Aleix Plademunt, Juan Diego Valera y Roger Guaus, cuéntanos ¿cómo ha sido trabajar con ellos? Me encanta lo que hacen y han sido como hermanos. Ellos solo publican sus trabajos y el hecho de que apostaran por el mío fue algo emocionante. Sabían que no era un libro especialmente comercial y aún así decidieron publicarlo. El libro estaba hecho ya y respetaron el planteamiento. Aparte se involucraron en la producción, distribución y venta de éste. Actúan por puro amor a lo que hacen y eso tiene un punto épico y de navegar contracorriente que me encanta. Hablemos del siempre excitante futuro, ¿tienes algún otro proyecto entre manos? Sí, estoy trabajando sobre la invención de la rueda, sobre la rueda como principio de la era moderna.

A VECES LO MÁS TRASCENDENTE PUEDE SER ALGO MÍNIMO EN RELACIÓN CON EL TIEMPO QUE VIVIMOS

Why did you choose those 10 meters in Gran Via and not somewhere else? Why 2.5 seconds and no more or less? I wanted to talk about the universe, employing as a reference what is considered small, regarding space and time. I chose those 10 meters across Gran Via because it is the place where more things happen per squared meter in my city, at the same time, it offered me the possibility of talking about everything or, at least, refer to that which I consider essential in the universe. The first image in the book is an explosion of a bomb thrown from Casa de Campo to this exact location. It’s the book’s Big Bang, and I wanted it to work as a link between this book and the past one (Casa de Campo), like some kind of mystic connection. Regarding the time, I found the undertaking exciting, pretending to talk about everything in just a couple of seconds. Explain to us the process behind the creation of this book. It was basically two and a half years in which I visited the location to make pictures that talked about the human condition and its relationship with the rest of the universe. It was thrilling, and dull at times, as life itself. I started questioning different aspects, such as love, the different bonds men has, as a specie, with its environment, technology, religion, the genesis of the universe, or its end… It’s a mixture of many things, all presented from a symbolic point of view. Then, I started looking for links in-between all these different aspects, and, together with Aleix Plademunt and Ricardo Cases, we built the narrative based upon these premises. We met two times, once in Barcelona and the other in Valencia. When we had the whole sequence done, we met with Eloi Gimeno to design the cover and the special edition. Eloi is a great designer and his proposal referenced all the components used in the making of a book, he also changed the logic size for the title and the author’s name, leading a gateway so that the audience will focus on what’s small, which is the main topic of the book. The cover is shiny, as screens are, very artificial; the paper within is matte, more natural, suggesting what’s organic. I was drawn into the idea of using a transparent paper, so that the printed image would merge with the one before and the one after, as the present, which merges with the past and the future. A simulation of how I believe our mind interacts with time. Time, matter and space are the main elements of our universe, in general, and of yours, in particular. How would you describe your small universe? What or whom inhabits it? Ricardo Cases defines it as a full-length film of 2.5 seconds, and I cannot think of a better description. He also said to me that for him, it was a book that talked about the anxious sensation evoked by the sense of everything happening so fast. It can be. It’s a universe inhabited by matter, time and space. Within the pages of Un universo pequeño, the images change in size depending on the time they comprehend, time, which is captioned under each photograph. Why is time so important in your small universe? Time is determinant, both, in my small universe and in our lives. I enjoyed the idea that the imaged that captured my attention the most was an intensely brief moment and hence, used so little physical space in the book. Sometimes the most transcendental moment in life can be something very short in relation to the time we are alive, and I wanted to embody that in the book. In two and a half seconds you can talk of whatever you want, but our perception is clumsy, reason why I have needed two years and a half to produce some brief seconds. This is a paradox and for me, it speaks about the Tempus fugit, Carpe Diem and Vanitas, as if it was some classic still life painting.

In your previous body of work, Casa de Campo (Country House), you present your photographs along texts written by Luis Lopez Navarro. In Un universo pequeño, the numbers captioned under each photograph indicate the time each of the images has. Did you entertain the possibility of including texts here as well? In this precise scenario, the design and the time-numbers are self explanatory, I belief. The special edition does contain a text from Ivan del Rey de la Torre about the principle of the universe from a wacky, poetic and humanistic point of view. You have said before that what you look for in your photographs is the symbolisms that emanate from them, as in Hombre Pajaro (Birdman). From all the pictures found in your most recent work, which one would you highlight due to its symbolism? The one with a screen in which we see the corner of an iPhone making a triangle, where we can see the camera’s viewfinder. For me it works as the classic representation of God, as a triangle and an eye. It merges the idea of religion, science and technology. This is linked firmly with the moment we live in, where a funeral can be permeated by cutting edge technology, either if it is in a church or a mosque. Within the pictures of Casa de Campo, you make different references to the fantastic figures found in Goya’s or El Bosco’s works. What references can we find in this 10-meter universe? In the book we can find plenty of references to the history of street photography: Harry Callahan, William Klein, Mark Cohen, Winograd, Paul Graham, Cristobal Hara; there are also other non-photographic references to George Perec, Vander Weiyden, Malevich, El Bosco, Cristiano de Vera… and last, but maybe one of the most important, those related with my education, family, friends, television and internet. Let’s talk about the book’s format, which strays from any commercial convention and resembles to the one of a photo-book, something quite risky. Why did you choose this format and design? The book encloses 2.5 seconds of existence and I was interested in giving time a physical space; being able to touch it, it’s heavy weighted and has big dimensions. That’s why we decided to use this format. From the beginning I always had in mind for it to be a book. The design answers to the time factor, a characteristic that might seem random at first, but which has certain parallelism with the perception we have of reality. For publishing Un universo pequeño, you worked side by side with Ca L’Isidret Editorial, which belongs to Aleix Plademunt, Juan Diego Valera and Roger Guaus; how was the experience of working with them? I love what they do and we are like brothers. They only publish their works and the fact that they decided to publish mine was very exciting. They know it’s not a commercial book, and anyways they decided to do it. The book is finished and they respected its approach. Besides that, they participated in the production, distribution and sales stages. They act based on the love for the craft, which endows everything with an epic singularity and the emotion of rowing against the tide, which is something I love. Let’s talk about the future, are there any other projects coming soon? Yes, I’m working on the invention of the wheel, the wheel as the beginning of what we call “modern times”.

SOMETIMES THE MOST TRANSCENDENTAL MOMENT IN LIFE CAN BE SOMETHING VERY SHORT IN RELATION TO THE TIME WE ARE ALIVE

T: EVA VILLAZALA

ELI REED Rebelde con causa

Se queda quieto en un rincón observando fijamente a los demás riders patinando el bowl. Parece que el resto es un mundo que no le pertenece, mira tan fijamente que cualquiera pensaría que es el encargado de puntuar un truco que no se está puntuando. Nos atrevemos a mover un momento su universo redondo, y acepta acompañarnos. De repente olvida lo que hay fuera. Se concentra en descubrirnos a nosotras que le hacemos preguntas. Eli Reed es intenso. Y selectivo. Nos sentimos honradas por sus comentarios y por su apertura a nuestra curiosidad, que sacia con una parsimonia que es la misma con la que camina pero muy distinta de que emplea para patinar. Eli Reed es uno de los riders protagonistas en el video resumen del Converse Cons One Star world Tour y no podía faltar a la première que la marca realizó en los crematorios Silent Green Kulturquartier de Berlin. Aprovechamos para conocerlo un poco mejor y nos quedamos con su autenticidad. He remains still in a corner, observing steadily all the other riders skate inside the bowl, like if everything apart from that resembled a world he’s not part of, his eyes are so fixed that anyone could think he is the judge of a contest that is not being scored. We approach expectantly, trying no to disturb his well-rounded universe, as he accepts to have a talk with us. Suddenly, he forgets everything that surrounds him and focuses solely on our talk, on the questions. Eli Reed is intense and selective. We feel honored by his kind words and his openness to our curiosity, which he satiates with the parsimony he uses in his walk, but is nowhere to be seen when he skates. Eli Reed is one of the starring riders in the video of the Converse Cons One Star World Tour and, clearly, he could not miss the premiere the brand did at the crematorium in Silent Green Kulturquartier, Berlin. Eli, ahora que ha terminado vuestra gira alrededor del mundo, cuéntanos, ¿qué tal fue la experiencia de viajar con el equipo de Converse Cons? Fue bastante divertido la verdad, aunque yo sólo estuve presente durante la gira alrededor de Estados Unidos y Europa, ya que me lesioné hacia finales del verano, y por lo tanto me perdí las giras por Asia y Sur América, pero estuve presente durante la mayor parte y fue genial.

Y cuéntanos, ¿cómo te iniciaste con el skateboarding? Empecé cuando tenía diez años, mi hermano patinaba y yo le seguí, antes jugaba al baloncesto pero el skate ganó la partida. ¿Por qué te mudaste de Boston a NY? Porque es mi ciudad favorita para patinar.

¿Fue un buen viaje para ti? Sí, increíble como siempre.

¿Qué aficiones tienes a parte del patín? Me gusta correr, el yoga, hacer deporte en general, todas mis aficiones son muy físicas.

¿Hubo algún día especial que recuerdes en concreto de la gira? Todos los días son geniales ¿sabes? Cuando tienes la oportunidad de recorrer el mundo y patinar, nada puede superarlo en realidad. Estás patinando sin parar, lo cual resulta agotador pero, sin duda, divertido.

¿Háblanos de tu marca, ER? Mi marca es una extensión de mí mismo, refleja a la perfección mi inspiración de cada día, es donde vuelco todo lo que veo, vivo y siento. Aunque representa mucho trabajo, para mí hacer colecciones no es difícil, por eso mismo porque es la forma que tengo de sacar fuera todo lo que hay dentro.

¿Cómo es tu relación con el resto del equipo Converse? ¿Sois bastante cercanos? Sí, tengo una relación muy cercana con Zered Bassett debido a que crecimos juntos, aunque con el resto del equipo nos llevamos bien también; ellos son más tus compañeros de skate que tus amigos, es una relación diferente a la que tienes con un amigo de la infancia, por ejemplo, pero definitivamente nos llevamos bien y me alegra que todos estén en el equipo, son relajados y es muy fácil y divertido viajar con ellos.

¿Por qué crees que muchos riders tienen esta faceta artística tan desarrollada? Skateboarding y creatividad son una misma cosa, se trata simplemente de dejar volar la imaginación, además el hecho de estar todo el rato viajando te abre la mente.

¿Cuántos años llevas patinando para el Converse Cons Skate Team? Seis o siete… siete tal vez.

¿Qué representa para ti Converse Cons? Converse es una marca que va más allá de los límites, te anima a hacerlo tú también y eso me gusta. ¿Y qué opinas de la One Star Pro que se está presentando hoy? Tiene lo que tiene que tener, es cómoda para patinar, que es lo importante.

Eli, you recently finished touring the world; was it a good experience traveling with the Converse CONS team? Yeah, it was real fun, though I only went on the tour around America and Europe, since I got hurt at the end of the summer, which made me miss out on the Asian and South American tours, but for the most part I went on and it was great. Was it good for you? Yeah, amazing. Always. Did you have any special day you remember concretely along the tour? Everyday is a great day, you know? Just to get to travel the world and skate, nothing can be better, really. It’s just non-stop skating; it’s tiring but fun. And how is your relationship with the rest of the Converse team? Are you guys really close? Yes, I’m very close with Zered Bassett because we grew up together, though with everybody else we are very close too; they’re definitely more like your peers in skateboarding than your close friends, it’s a totally different relation to the one you have with a close friend, but we definitely get along and I’m happy that all of these guys are on the team, they are all easy-going and very easy and fun to travel with. How many years have you been riding for the Converse Cons team? I want to say six or seven… seven maybe. And tell us, how you got started on skateboarding? I started when I was ten, my brother used to skate too,

so I followed him. Before that I used to play basketball, but skateboarding stole my heart. Why did you decide to move from Boston to New York? Because New York is my favorite city to skate. What other hobbies do you have besides skateboarding? I like to run, do yoga, and sports in general; all my hobbies tend to be physical activities. Tell us about your brand, ER. My brand is an extension of myself, it reflects perfectly my day-to-day inspiration, is where I pour everything I see, live and feel. Although it is a lot of work, developing collections for me is not difficult at all, maybe because is the mean I have to exteriorize everything I carry within. Why do you think most of the riders have the artistic vein so developed? Skateboarding and creativity are the same thing; they’re both about letting your imagination fly, besides, when your traveling all the time your mind awakens. W hat does Converse CONS represent to you? Converse is a brand that goes beyond limits, they encourage you to do so too, and I like that. Today is the launching of the One Star Pro sneakers, what do you think about them? They have everything a sneaker needs; they’re very comfortable to skate with, which is very important.

T: NÚRIA EMILIO

MarcDurà

When the waves silently weep

Hay una época del año en que el tiempo se para y empieza a contar desde cero. El final del verano se aviva en el cese del aleteo de las aves y en la sombra de las cabelleras doradas. Los días se acortan y las cosas mueren para volver a nacer, más fuertes, más dulces. La metamorfosis es difícil de apreciar si nos fijamos solo en el aspecto físico de los días, pero se advierte al salir a la calle, cerrar los ojos y coger aire. El cambio, el despertar de las nubes y de los pájaros se palpa en el aire y hay quienes lo escuchan y evolucionan con él. Dicen que Aristóteles fue uno de ellos y que fue en esa época cuando descubrió el significado de la palabra catarsis. Dicen. Lo que también dicen (lo dice él mismo) es que esa es también la época en que Marc Durà, enamorado del Mediterráneo y fotógrafo estacional por vocación, coge su cámara y abraza la vida retratando aquello que ama. Su relación longeva y estable con la marca Quiksilver es parecida a la que mantiene el escritor con el amor; le ha dado el fundamento para hacer aquello que le apasiona y vivir rodeado de las cosas que le personifican: la fotografía, viajar y el deporte. Every year, there’s a moment in which time stands still and starts to count from zero again. As the end of summer arrives, the wings of the birds go inert and the shadows grow longer; the days becomes shorter and everything starts to die to be born again, stronger, sweeter. This metamorphosis is hard to appreciate if we focus solely on the physical aspect of things, but it can be felt walking on the streets, when we close our eyes and grasp some air. This change can be felt in the atmosphere, when the clouds and the birds wake up, giving some of us the opportunity of hearing it as we evolve with it. It’s believed that Aristotle was one of us, lucky ones; it was then when he discovered the meaning of the word catharsis. What is believed too (actually by himself), is that this moment of the year is Marc Durà’s favorite time. A guy enchanted by the Mediterranean, a vocational photographer who walks around with his camera as he embraces life capturing everything he loves. His long term and stable relationship with Quiksilver is very similar to the one a writer has with love; it has offered him the bases to live from his passion, and surround himself by the things that personify him: photography, traveling and sports.

marcdura.com

Puedes encontrar belleza en cualquier parte del mundo, pero conectar con el lugar es mĂĄs difĂcil

Sabemos que viajar es muy importante en tu vida, ¿qué significa para ti conocer nuevos lugares? Considero que viajo poco porque me he vuelto muy selectivo, intento ir solo a sitios que me llamen mucho la atención, por los que sienta algún tipo de conexión. Puedes encontrar belleza en casi cualquier lugar del mundo, pero conectar es más difícil y eso es lo que busco, una conexión real con el lugar, con su historia y sus paisajes. ¿Qué llegó antes a tu vida, tu pasión por los viajes o por la fotografía? Probablemente aprendí a viajar antes que a coger una cámara. Creo que el primer viaje de verdad lo hice con seis años, fui a Cuba con escala en Terranova. La cámara la empecé a usar sobre los dieciséis para sacar fotos de las olas cuando bajaba en tren a surfear, siempre llevaba mi Canon prima y un carrete de 36 fotos en la mochila. Cuando fui mayor de edad me marché a vivir a Gran Canaria y descubrí en la fotografía la válvula creativa que necesitaba para sacar mi inspiración, atrapada entre tantas horas de química, matemáticas y biología en la facultad. Cuéntanos, ¿cuál ha sido tu mejor viaje? ¿Y cuál es la fotografía que has hecho que más te ha marcado? No podría decir cual ha sido el mejor pero sí el peor: bajarme solo en coche desde Barcelona hasta Sidi Ifni, en el sur de Marruecos; 2.400km de conducción solitaria, polvo y sustos… ¡y estaba plato! No me importaría repetirlo pero me quedo con la conexión que tengo con California, cualquier foto que haya sacado allí dando un paseo al atardecer me trae buena energía. Rincon y Malibú son mis dos lugares fetiche. ¿Te definirías como un nómada incapaz de quedarte en el mismo sitio mucho tiempo o sabes que siempre acabarás volviendo a casa? La verdad es que de nómada no tengo nada pero al mismo tiempo esta última década he llevado a cabo un proceso que me ha permitido conocerme mucho por dentro y enamorarme aún más del lugar dónde vivo: ¡El Mediterráneo! Me costaría mucho vivir lejos de él, es una fuente de inspiración eterna para mí. Cualquier lugar a las orillas de éste mar podría ser mi hogar. La mayoría de tus fotografías tienen las olas por protagonistas. Para ti, ¿qué tiene el surf que te apetece tanto fotografiarlo? El surf como tal cada vez tiene menos para mí y sí que lo tienen la soledad y el silencio. El Mediterráneo es un buen lugar para encontrar playas solitarias, donde rompen olas buenas muy pocas veces cada año, que todavía te permiten creer que toda esta pasión tiene sentido. Alejarte de todo el hype, el bullicio y el ruido de las playas llenas de gente. Me fascina esa capacidad tan efímera de unir paisajes bellos, historia y olas perfectas y vacías que tiene el Mediterráneo, si aquél día no estás allí para verlo sólo te queda soñar con ello. ¿Prefieres analógico o digital? Me gustan los dos. El carrete es inigualable y el digital es todo comodidad. Sigo tirando carretes a menudo con la cámara que heredé de mi padre a los dieciocho años, una Olympus OM10 que funciona cómo la seda. ¿Cómo definirías el estilo de tus fotografías? ¿Lo has buscado o éste te ha encontrado a ti? La verdad es que mis fotos sólo son un reflejo de las cosas que me gustan y cómo me gusta verlas. La luz y el color del Mediterráneo, los momentos de camaradería dentro del agua cuando hay buen ambiente y las décadas de historia

que puedes respirar cuando llegas a conocer de verdad California. Probablemente esos sean los motivos que me ayudan a disparar fotos sin pensar fluyendo con el momento. El resultado suele ser bastante positivo siempre. Parece que a través de tus fotografías quieres rescatar la estética del surf clásico de los años 60s, la época dorada, ¿qué fotógrafos han influenciado más tu trabajo? Mi padre siempre fue un enamorado de la fotografía de animales y gracias a él la fotografía siempre fue algo bastante cercano a mí. Más tarde en Canarias compartí piso con Dani del Ordi, que fue quien me abrió los ojos. Sus fotografías y sentido estético me marcaron. Ahora mismo Dani estará haciendo de instructor de buceo en alguna isla del Índico o del Pacífico Sur, sacando auténticos fotones sin que nadie haya oído hablar de él. Un viajero de los de verdad. Me encanta el trabajo de gente como Ron Stoner, Don James o Art Brewer que siempre han sido referentes para mí. En la actualidad sigo a Cameron Oden, Jack Belli, Jeff Johnson o Jimmy Chin, Scott Soens y Nick Lavecchia, por nombrar algunos. También me inspira mucho el arte de John Severson, Tom Adler y Josep Maria Jodar. En el surf, ¿qué crees que ha cambiado desde entonces hasta ahora? Ahora cuesta mucho encontrar silencio, respeto y relax. Entrar al agua es una lucha constante para poder coger olas. Las playas se urbanizan cada vez más y es difícil conectar con el entorno. Recuerdo de chaval bajar en tren con la tabla, patear hasta la playa y rezar para que hubiera alguien en el agua y no entrar solo. Ahora cuando estás en el agua miras hacia fuera y rezas para que no llegue la gente en grupos de diez. Hay una frase de Tom Ford que me parece muy gráfica: “Time and silence are the most luxurious things today”. Silencio y tiempo para poder ir a buscarlos, eso será el lujo del futuro. Si las imágenes pudieran tener banda sonora, ¿qué canciones acompañarían las tuyas? Cualquier cosa de Real Estate o Arthur Lyman seguro. Últimamente estoy en modo repeat con “House Built for Two” de Delta Spirit y con “La curva del Morrot” del Gato Perez. El monotema del próximo número es UNEXPECTED, ¿qué es lo más inesperado que te ha pasado en la vida? Pues para alguien que se ha criado sin gatos ni perros en su vida lo más unexpected me sucedió hace dos años yendo en coche a darme un baño cerca de casa. Era una tarde de otoño con un poniente fuerte y frío; yo conducía estresado para meterme en el agua antes de que anocheciera y apareció en medio de una calle estrecha una bolita de pelo, inmóvil a la que casi atropello. Resultó ser un gato, muy enfermo y con muy mal aspecto, que se asustó y se escondió caminando precariamente en los bajos de una casa de la playa. Yo me metí en el agua y cogí buenas olas con otro chaval mano a mano, pero por algún extraño motivo no podía sacarme a aquel gato de la cabeza, tan pequeño y tan enfermo; con ese frío se moriría esa noche seguro, si es que alguien no lo atropellaba antes. Así que cogí una linterna y una toalla y me fui a ver si por casualidad lo encontraba. El pobrecito seguía en el mismo lugar. Me costó una hora atraparlo y me lo llevé a un veterinario dónde querían sacrificarlo. Me hice la promesa de que si conseguía curarlo le haría un hueco en casa. Dos meses de viajes diarios al veterinario después, inyecciones, cuidados intensivos y muchos sustos, ahora es el alma de la casa, tumbado encima mío, roncando mientras contesto esta entrevista. Familia de verdad.

We know traveling is an important part of your life, what does it mean to you to discover new places? I think nowadays I don’t travel as much, since I have become more selective; I try only to visit places that really interest me, places with which I feel some kind of connection. You can find beauty almost anywhere in the world, but establishing a real connection is more difficult, and that’s what I look for, a real connection with the place, with its history and landscapes. Which one came first, your passion for traveling or for photography? Probably I learned to travel before I ever hold a camera. I think the first real trip I did was when I was six years old; I went to Cuba, passing through Terranova. As for the camera, I started using it when I was sixteen years old, shooting pictures of waves every time I would go surfing. I used to always carry with me my Canon Prima and a 36 EXP film in my backpack. When I turned eighteen I moved to Gran Canaria and discovered that photography was the main mean I could use to express my creativity and convey my inspiration, which was trapped under many hours of chemistry, mathematics and biology classes from high school. Tell us, which has been your best travel and which photograph you will never forget? It’s very hard, not to say impossible, to decide which has been my best trip, but I definitely know which has been the worst: a road trip I did by myself from Barcelona to Sidi Ifni, a city located in southwest Morocco; fifteen hundred miles of lonely driving, dust and one or two scary stories… And no waves! I wouldn’t mind doing it again, but I prefer the connection I have with California, every picture I have shot there, walking under the sunset, offers me and fills me with a very positive energy. Rincon and Malibu are my two favorite places. Would you describe yourself as a nomad, unable to stay still in one location for a long period of time or do you think that all roads lead back home? To be honest, I’m far from being a nomad, nevertheless, this last decade I’ve been carrying out a process that has allowed me to get to know myself better and fell in love with the place I live in: the Mediterranean! It would be very difficult for me to live far from it; it’s an interminable source of inspiration for me. Any place by the shore of this sea I could call home. In most of you photographs the main subject are the waves. What does surfing has that makes you want to photograph it so much? As time passes by, I’m less drawn into surfing and more into loneliness and silence. The Mediterranean is a good place to find secluded beaches, with good but intermittent swells, which allow you to believe that this passion called surfing still has some sense. To feel that, I need to walk away from all the hype, noise and bustle so characteristic from the crowded beaches. I love that ephemeral capacity the Mediterranean has of uniting beautiful landscapes, history and perfect and deserted waves, if you are not there to see it, the only thing you can do is to dream about it. Photography: analog or digital? I like both. Working with film is incomparable, while the digital equipment makes everything more comfortable. I still work with film often, with a camera I inherited from my father when I turned eighteen, an Olympus OM10 that works perfectly. How would you describe the style of your photographs? Have you looked for this or it found you? My pictures are nothing but the reflection of the things I like and how I like to see them. The light

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and color of the Mediterranean, the moments of friendship inside the water when there’s a good atmosphere and the decades of history you discover when you really get to know California. Probably, those are the reasons why I can photograph without thinking too much, just going with the flow. The result tends to be positive most of the times. It seems that through your photographs you are trying to retrieve the aesthetics from the classic surfing imagery from the sixties, surfing’s golden age. Which photographers have influenced you the most? My father was a big fan of wildlife photography, and it was thanks to him that I grew fond of photography. Later, when I moved to Canarias, my roommate, Dani del Ordi, opened my eyes. His photographs and aesthetic sense made a huge impression on me. Right now, Dani is a diving instructor in some island around the Indian Ocean or South Pacific, capturing amazing pictures, and no one has ever heard of him; a true adventurer. I love the work of people like Ron Stoner, Don James or Art Brewer, they have always been referents for me. Nowadays I follow guys like Cameron Oden, Jack Belli, Jeff Johnsn or Jimmy Chin, Scott Doens and Nick Lavecchia, just to name a few. I’m also very inspired by the works of John Severson, Tom Adler and Josep Maria Jodar. Regarding surfing, what do you think has changed the most from the sixties until now? Nowadays is very hard to find silence, respect and relax; inside the water there’s a constant struggle to catch each wave. Day after day the beaches become more urbanized, which makes it hard to establish a connection with the environment. I remember when I was a kid, taking the train with my surfboard, walking up to the beach, and praying for there to be someone so you wouldn’t have to go in by yourself. Now, when you are in the water and look outside, you pray so that no groups of ten people will start coming in. Tom Ford once said something very graphic; “Time and silence are the most luxurious things today”. Time and silence will be tomorrow’s richness. If your images could have a soundtrack, which would it be? Anything from Real Estate or Arthur Lyman, for sure. Lately I’ve been in repeat mode with “House Built for Two” by Delta Spirit and “La Curva del Morrot”, by Gato Perez. This issues theme is UNEXPECTED, which is the most unexpected situation you have ever experienced? Well, for someone that has grown up without any dogs or cats, the most unexpected thing happened to me two years ago, when I was driving to the beach to catch some waves, near where I live. It was an autumn afternoon and the ponente was strong and cold; I was stressed and wanted to go in the water before the sun settled, when suddenly, in the middle of the road, a small ball of fur appeared, I almost ran over it. It turned out to be a cat, which was very sick and looking terrible, he got scared and hid under a beach house that was nearby. I went in the ocean and caught some good waves with a dude that was there too, but for some strange reason I couldn’t stop thinking about the cat, so sick and small; as cold as it was, he would die for sure, if he was not hit by a car before that. So I decided to take a flashlight, a towel and look for him. The poor creature was in the same place. It took me an hour to get him out of there, and then I took him to a veterinary that wanted to sacrifice him. I promised myself that if he got cured, I would take him home with me. After two months visiting the veterinary every day, many injections, intensive care and a lot of bad moments, now he is the soul of the house, laying on top of me, snoring as I answer this questionnaire. True family.

You can find beauty almost anywhere in the world, but establishing a real connection with the place you are in is more difficult

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FILMING FOR A VIDEO IS NOT ALWAYS JUST FUN, BUT ALL IN ALL IT’S BEEN THE BEST YEAR OF MY LIFE!

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T: FELIPE DUARTE

KARSTEN KLEPPAN SHREDDIN’ OUTLAW

Karsten Kleppan, nació en Oslo, Noruega, lo cual me resulta interesante, ya que este país declaró el skateboarding, y todo lo relacionado con él, ilegal por más de una década. Un poco loco, ¿verdad? Karsten nació después de que todo esto sucediera, y aunque ahora afirma que el skate ha tomado mucha fuerza allí, es sorprendente saber que un país hizo de un deporte, un arte o estilo de vida, un delito. Tuvimos la oportunidad de hablar con este tío sobre sus inicios, el skateboarding en Noruega y el filme de Nike SB, The Chronicles Vol. 3, donde es el único amateur y, de acuerdo a la marca, el futuro del skateboarding. Karsten Kleppan was born in Oslo, Norway, and, I believe that is important, since this country made skateboarding, and everything related to it, illegal for more than a decade. Crazy right? Karsten was born after all that, and though he affirms the skateboarding scene there is strong nowadays, it’s a little bit surprising to find out a country declared a sport, art or lifestyle as a criminal offense. We got to talk with this guy about his beginnings, skateboarding in Norway and Nike SB’s Chronicles Vol. 3, on which he is the only amateur and, according to the brand, the future of skateboarding.

Hola Karsten, antes de nada gracias por tomarte el tiempo para hacer esta entrevista. Claro, no hay problema. Empecemos por el principio, ¿cómo fue tu primera experiencia con el skateboarding y qué te enganchó a él? Todo comenzó cuando en la ciudad decidieron construir un skatepark junto a la casa donde crecí. Yo tenía alrededor de siete años en ese entonces y el skateboarding captó mi atención de inmediato. Así que para mi octavo cumpleaños pedí un skateboard, ¡y me lo regalaron! He estado patinando desde entonces. ¿Fuiste uno de esos chicos que hacía vídeos buscando patrocinadores o te descubrieron participando en competiciones locales? Recuerdo haber hecho un vídeo, del cual nunca obtuve respuesta. Aunque un par de años más tarde la tienda a la cual lo había enviado me empezó a patrocinar tras haber ganado una competición.

muchos skaters buenos y nos conocemos todos. Pronto saldrá un vídeo llamado Firetre, ¡creo que le gustará al público! ¡Está muy chulo! ¿Cómo reaccionaron tus padres al saber que tenías el potencial para vivir del skateboarding? Siempre me han apoyado mucho y me respaldan 100% en lo que hago. Tuvimos el placer de ver el filme Chronicles Vol. 3, de Nike SB. Cuéntanos un poco sobre el rodaje. ¿Qué ciudades visitasteis? ¿Cómo fue la experiencia de compartir con el gran equipo de Nike SB? ¡Ha sido muy divertido! Aunque también duro. Grabar partes para un vídeo no es sólo diversión, pero con todo ello ¡ha sido el mejor año de mi vida! Viajando por todo el mundo desde Valparaíso, Chile, hasta Shangai. Me siento muy afortunado de haber vivido todo esto con el equipo de Nike SB. Somos una familia ahora.

¿Sabías que entre 1977 y 1989 el skateboarding y vender skateboards era ilegal en Noruega? ¿Podrías contarnos un poco sobre la escena del skateboarding allí ahora? Sí, una locura, ¿verdad? Pero hoy en día el skateboarding ha tomado mucha fuerza allí. Hay

Durante el invierno dejas Oslo y viajas a Long Beach, California, ¿qué es lo que más te ha gusta del estilo de vida americano? Burritos y sol todos los días.

Hi Karsten, first of all thank you for taking your time with this interview. Sure, no problem.

There is a video coming out soon called Firetre and I think people will be stoked on it! It’s bangin’!

Lets start from the beginning. How was your very first experience with skateboarding and what got you hooked up to it? It all started when the city built a skate park right next to the house that I grew up in. I was around 7 at this time and skateboarding immediately caught my attention. So for my eighth birthday, I asked for a skateboard and I got it! Been skating ever since.

How was the reaction of your parents when they realized you had the potential to be a skateboarder and make a living out of it? They have always been super supportive and have always had my back 100%.

Were you a sponsor-me-video kid or were you found out from skating local contests and stuff? I remember I made one tape. Never got any response on that one. But a couple of years later, I got sponsored by the shop I sent the tape to after winning a contest. Did you know that between 1977 and 1989 skateboarding and selling skateboards was a criminal offence in Norway? Could you tell us a little bit about the skateboarding scene nowadays over there? Yes. That is so crazy, right? But nowadays the skate scene is really strong. So many good skaters and everyone knows each other.

We had the pleasure of seeing the full-length, Chronicles Vol. 3. Tell us a little bit about the filming process. Which cities did you guys visited? How was the experience of sharing with the amazing Nike SB team? It’s been fun! But also hard. Filming for a video is not always just fun, but all in all it’s been the best year of my life! Traveling all over the world from Valparaiso in Chile to Shanghai in China. I feel super lucky to have experienced all this with the team. We’re a family now. In the winter you escape Oslo and go to Long Beach, California, what have you enjoyed the most about the American lifestyle? Burritos and sun every day.

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T: FELIPE DUARTE

TREVOR COLDEN ESTUDIANDO EL ASFALTO

Trevor Colden seems to have had everything figured out since his early-teen years, deciding to quit school in the seventh grade to dedicate fully on skateboarding; not a bad decision if you ask me, since now, a few years later, he skates for brands like Skate Mental, Mountain Dew and Nike SB. Quite an accomplishment for a kid from Virginia Beach, who decided to take he’s amazing grinds and slides to California, and settle there with his ambitious and impressive style. We now can see him in Nike SB’s Chronicles Vol. 3, alongside some legendary riders like Eric Koston and Brian Anderson. Trevor Colden seems to have had everything figured out since his early-teen years, deciding to quit school in the seventh grade to dedicate fully on skateboarding; not a bad decision if you ask me, since now, a few years later, he skates for brands like Skate Mental, Mountain Dew and Nike SB. Quite an accomplishment for a kid from Virginia Beach, who decided to take he’s amazing grinds and slides to California, and settle there with his ambitious and impressive style. We now can see him in Nike SB’s Chronicles Vol. 3, alongside some legendary riders like Eric Koston and Brian Anderson.

Hola Trevor, gracias por responder a nuestras preguntas. Claro, no hay ningún problema tío. Tuviste la oportunidad de dejar tus estudios para dedicarte únicamente al skateboarding, ¿cómo fue el apoyo que recibiste de tu madre? ¿Estuvo de acuerdo con esta decisión? Mi madre siempre me apoya completamente en lo que yo decida hacer. Ella es espectacular, y aunque no le gustó que dejara la escuela, entendió de dónde venía mi decisión y qué quería hacer con mi vida. Creo que en la vida no hay nada más importante que hacer lo que amas y parece que tú lo estás logrando. Aún así, ¿cuál considerarías tu momento más complicado desde que decidiste dedicarte por completo al skateboarding? Para ser honesto, la parte más complicada de ser un skateboarder profesional es, probablemente, las lesiones. No poder patinar; te sientes como si no supieses qué hacer contigo mismo.

Has grabado partes para Emerica, Mystery, Mountain Dew; cuéntanos qué hace tan especial este Chronicles Vol. 3 de Nike SB. Esta parte que grabé para Nike SB es un poco diferente a todas las demás que he hecho y la más importante para mí también. Este es el primer video que realizo junto a otros riders que ha salido en DVD. La mayoría de las cosas que he hecho hasta el momento siempre salen por Internet. ¿Hubo algún momento especial durante el rodaje que nunca olvidarás? Todo el proceso fue increíble. No olvidaré nada de lo que hicimos. Has tenido la oportunidad de patinar y compartir junto algunos de los mejores, Paul Rodríguez, Chris Cole, Eric Koston, ¿qué has aprendido de ellos? Esos tíos son geniales. He aprendido mucho de ellos al crecer viendo todos sus vídeos, queriendo aprender trucos porque ellos lo hicieron cómo lo hicieron.

Dejaste tu ciudad para irte a vivir a California, ¿qué es lo que más extrañas de Virginia? Extraño todo de Virginia Beach. Mi familia, mis amigos, el clima, los pequeños skateparks y spots.

¿Qué planes tienes para el 2016? Este año se supone que haré una parte para el vídeo de Skate Mental Skateboards.

Hi Trevor, first of all thank you for taking your time answering this questionnaire. Sure, no problem man.

You’ve filmed parts for Emerica, Mystery, Mountain Dew; tell us what is so special about this full-length, Chronicles Vol. 3, from Nike SB. This video part is a little bit different from the others and kind of more of a big deal for me. This is my first video I’ve been in with other guys that came out onto a DVD. Most of my stuff always comes out on the Internet.

So, you got the chance of quitting school to dedicate fully on skateboarding, how was the support you got from your mom? Was she ok with it? My mom is 100% behind whatever I do. She’s amazing. She didn’t like me dropping out of school, but she understood where I was coming from and what I wanted to do with my life. I believe there’s nothing more important in life than doing what you love, and it seems you’re doing so. Any way, which would you consider your most complicated moment since you decided to focus solely on skateboarding? To be honest, the most complicated part about being a professional skateboarder is probably just getting injured. Not being able to skate, you feel like you don’t know what to do with yourself. You left your hometown and moved to Cali, what do you miss the most about Virginia? I miss everything about Virginia Beach. My family, my friends, the weather, the little skate parks and spots.

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Was there a special moment throughout the shoot you will never forget? All of it was amazing. I won’t forget anything we did. You’ve had the opportunity of skating and hanging out with some of the best, Paul Rodriguez, Chris Cole, Eric Koston, what have you learned from them? Those guys are great. I’ve learned a lot from them just growing up, watching all the videos, wanting to learn tricks because they did it how they did. Do you have any plans settled for this year? This next year I’m supposed to be filming a Skate Mental part for the Skate Mental video.

WHEN YOU CAN’T SKATE, IT FEELS LIKE YOU DON’T KNOW WHAT TO DO WITH YOURSELF

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T: NÚRIA TORRES

GRIP FACE DETALLES INESPERADOS QUE LO DICEN TODO

Grip Face: “¿Ilustrador? ¿Artista urbano? ¿Pintor? De todo un poco y dependiendo de la situación”. De la calle a las galerías, el mallorquín fue nuestro siguiente agente inspirador en las charlas Talk, Share and Create, un proyecto que lamono está llevando a cabo junto a Miscelanea y Moritz. Hablamos de todo un poco: sus inicios, el anonimato y sus nuevos proyectos en Berlín, Mallorca y Dinamarca. Para Grip Face, los viajes han sido siempre su fuente de inspiración, un recorrido vital que va de la mano del arte, un sentimiento que no puede vivir sin el otro. La clave del éxito es mantenerse fiel a sí mismo. Grip Face: “Illustrator? Graffiti artist? Painter? I’m a little bit of everything, it depends on the situation”. From the streets to the galleries, this Majorcian artist was our guest for the second Talk, Share and Create, a joined project in-between lamono, Miscelanea and Moritz. Here, we had the chance to talk about everything: his beginnings, anonymity and his new projects in Berlin, Majorca and Denmark. For Grip Face, traveling has always been a source of inspiration; necessary journeys that merge with art, as if one could not live without the other. The key to success in life is remaining faithful to thyself.

gripface.blogspot.com lamonomagazine.com miscelanea.info mortiz.com

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¿Has hecho todo un proyecto a partir de los sueños de un niño que te encontraste en el parque? ¿Tu forma de trabajar tiene que ver con la casualidad, con lo que te llena de repente? Así es, me gusta salir a la calle, respirar el entorno urbano, lo que se vive en las calles, en las plazas, observar la forma en la que actúan los niños, a partir de ahí encuentro la inspiración para bocetar y empezar a trabajar. ¿Tuviste alguna influencia familiar en tus inicios? Sí, mi tío es artista plástico y tengo un familiar diseñador. Mis padres me apuntaron a escuelas de dibujo cuando vieron que estaba todo el día pintando la casa, para que manchara en otra parte. Me he relacionado con pintores, escultores y diseñadores desde muy pequeño y yo he sido, literalmente, una esponja, me encanta además dejarme influenciar por el entorno. ¿Cómo afrontaste el momento en que decidiste dedicarte al arte? ¿Estudiaste algo específico o te lanzaste directamente al momento de crear? Para mí era un modus vivendi, una obsesión. Cuando empecé a patinar y a pintar en la calle, simplemente quería hacer eso las veinticuatro horas del día. Me pasaron cosas muy curiosas porque empecé a viajar y a conocer gente que me ayudó mucho. Inicié mis estudios en Bellas Artes pero creo que fui a clase un solo día, porque ya me habían empezado a salir historias y proyectos. Realicé mi primera exposición con diecisiete años. Y partir de ahí se me abrió un campo a viajar: a Sudamérica, Berlín, volver a Mallorca, conexión Barcelona, Madrid… se trata de eso, de conexiones. Los primeros años fueron complicados pero yo tenía esta obsesión, es en lo que creo y lo que siento: una forma de vivir. Además, cuando no iba a clase me pasaba las horas en un museo, en una exposición o en el estudio de un artista, quería conocer sus influencias y sus formas de vivir. Me atrae mucho el nivel sentimental de las cosas. Es por eso que tu obra explora esos sentimientos, como es el caso de Black Face por ejemplo, que hace referencia a parejas desestructuradas. Esa serie la realicé durante un viaje que hice en coche desde Barcelona al sur de Italia. Hacía bocetos y escribía notas en todas las ciudades donde parábamos. Quizá mi forma de hacer es un poco invasiva pero me gusta eso, conocer el tema personal de cada uno, de la ciudad que visito. No sueles estar muy presente en las redes, estamos muy llenos y muy vacíos al mismo tiempo gracias a ellas. No estoy muy metido. Las uso pero no demasiado. De hecho ahora no tengo ni página web, me di de baja porque quiero funcionar de otra forma. Siempre he tenido la suerte de encontrar a personas que me han ayudado en el camino y sé que seguirá siendo así, por eso prefiero seguir buscando esa conexión más mística e interesante. Trabajas más para proyectos particulares que para marcas, ¿verdad? Hago alguna cosa para publicidad pero siempre estoy en la frontera con las marcas. No me importa trabajar para ellas, pero tengo que conocerlas y que haya una conexión directa, una manera parecida de enfocar el proyecto, ya sea por el lenguaje o por la cultura de la marca en sí. El propósito de estas charlas es orientar a la gente que está empezando, ¿los animas entonces a que apuesten por sus proyectos per-

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sonales aunque estén en los inicios y necesiten la salida que les puede dar una marca por ejemplo? Mi mayor cantidad de trabajo es a nivel particular, me llegan encargos procedentes de Japón hasta Sudamérica, y a partir de gente que no he conocido por las redes, sino por algún viaje o por algún proyecto concreto que han conocido. Te cierras puertas con eso y los primeros años es difícil pagar el alquiler pero es una opción que tiene que ver con una conexión y sinceridad conmigo mismo. ¿Qué disfrutas más los proyectos al aire libre o las exposiciones? El espacio público te ofrece un amplio abanico, siempre me ha fascinado el tema urbano, soy muy observador desde pequeño, me atraen las pequeñas cosas y creo que el espacio urbano te permite llegar a más gente, es una manera directa de transmitir sensaciones. Te vas en breve a Berlín, ¿qué proyecto tienes allí? Haré una intervención con el proyecto de las Black Faces. Plasmaré esas complicaciones en las relaciones de pareja en una pared de muchísimos metros. Serán rostros que se hablan a través de pequeños detalles como ojos, boca y pelos. El proyecto aborda el tema de la convivencia, de las relaciones, de lo que funciona y de lo que no, de lo que provoca un movimiento, lo que genera una relación sentimental. ¿Y este concepto sobre el que vas a trabajar lo has elegido tú? Sí, esta vez lo elegí yo, porque estaba en el marco del proyecto que se va a presentar el año que viene en la SC Gallery en Bilbao; sacaremos un libro con todas las intervenciones. ¿Por qué Grip Face? Yo antes patinaba y dibujaba en las tablas. A menudo llevaba la cara magullada y me decían que parecía el Grip (la lija). Al principio firmaba como “Cara de Lija” pero parecía un nombre muy largo y horrendo, y acabé con Grip Face. En Mallorca había calles escondidas con cosas tuyas que después desaparecían... ¿Por qué las eliminabas? Porque las hacía y luego veía que no funcionaban y pensaba: me autoelimino. Cuéntanos, nos decías antes de empezar esta charla que te gusta cambiar de nombre y mantener el anonimato, ¿eres tímido o te gusta el juego? Bueno antes sí era tímido pero más bien fue una cosa natural. Siempre me gustaron las películas de serie B, los antihéroes y las máscaras... y he cambiado de máscaras como tres o cuatro veces. Me gustaba salir a la calle y hacer una intervención tapado, que la gente no te conociera generaba algo raro, una tensión extraña, pero al final les gustaba la obra y no decían nada. ¿Ser tímido te ha ayudado o ha influido en tu estilo? Sí, la timidez me abrió un abanico. Quizás no me hubiera tapado el rostro o tal vez no habría hecho cosas que me han llevado hasta aquí. El tema de la timidez se refleja en la obra: personajes coquetos, que se esconden, no se dejan ver, no se abren. ¿Qué consejo darías a los que están empezando? Que no se rindan y que no se asusten, porque el panorama parece que está complicado para el tema creativo, tanto diseñadores, como ilustradores, artistas plásticos, se genera mucha cantidad de artistas y no hay mercado para que se puedan colocar. Pero siempre hay una salida.

LA TIMIDEZ ME ABRIÓ UN ABANICO. QUIZÁS NO ME HUBIERA TAPADO EL ROSTRO O TAL VEZ NO HABRÍA HECHO COSAS QUE ME HAN LLEVADO HASTA AQUÍ

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Did you develop an entire project based on the dreams of a little kid you met at a park? Does your method while working relies on chance, with circumstances that happen suddenly? That’s right, I like being out on the streets, breathing in the urban environment, whatever is being cooked on the streets, on the squares, observing the way kids behave; there I find inspiration to start sketching and working. Was there any artistic influence within your family when you were starting? Yes, my uncle is an artist, and another family member is a designer. My parents signed me up to art school when they realized I spent the whole day painting the house walls, so that I would go and ruin somewhere else. I’ve been relating myself with painters, sculptors, designers, since I was a little kid, and I’ve literally been like a sponge, I love to allow the environment influence me. How did you face the moment in which you decided to become an artist? Did you study fine arts or something specific, or you just started directly to create pieces? For me it already was a modus vivendi, an obsession. When I started skating and painting on the streets, it was the only thing I wanted to do all day long. Then I began to travel and meet different people who helped me enormously, which led to many curious situations. Later I would start my Bachelor in Fine Arts, but I think I might have gone just one day to class, since then I was already working on some projects. I did my first exhibition when I was seventeen years old. From that moment on, many traveling opportunities arose: South America, Berlin, back to Majorca, connections in Barcelona, Madrid… it’s all about that, connections. The initial years were tough, but I have this obsession, is in what I believe in, what I feel: a lifestyle. Besides, when I was skipping class, I spent the whole day in museums, exhibitions or is some artist’s studio; I wanted to discover their influences and lifestyles. I’m very drawn into the emotional aspects of life. That’s why in your works you explore those feelings, as in Black Face, for example, where you reference unstructured couples. I made that series while I was on a road trip from Barcelona to the south of Italy. I was sketching and writing on every city where we stopped. Maybe my working method can be a little bit intrusive, but I like that, I attempt to discover the personal story of everyone, of the cities I visit. You’re not very active on social media. We tend to be very conceited and insecure at the same time thanks to them. I’m not very into them. I use them but not too much. Actually, right now I don’t even have a website, I closed it because I want to function some other way. I’ve always been lucky enough to find people that help me along the way, and I know it will always be like that, that’s why I aspire to keep on looking for that type of connections, which is more mystic and interesting. You work more often on personal projects than with brands, correct? I might do something with advertisement, but usually I’m always on the frontier when it comes to brands. I don’t mind working for them, but I have to know who they are first, and there most be some kind of direct connection between us, a similar point of view when it comes to addressing the project, either on the language or the culture of the brand itself. The purpose behind these talks is to serve as a guide for those who are beginning; do you encourage them to bet on their per-

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sonal projects, despite that they are starting and might need the resonance a brand is capable to provide? Most of my work is for particular clients. I have orders from Japan to South America, from people I haven’t met online, but traveling, or through a project on which I have worked in and they know about. You close some doors in doing so, and during the first few years it can be hard to pay the rent, but it’s an option that provides this connection and sincerity with yourself. What do you enjoy more, open projects on the street or an exhibition in a gallery? Open spaces on the street offer you a wide range of possibilities; I have always loved the urban movements. Since I was a little kid I’ve been very perceptive, I like and am attracted to the small things, and I believe the urban spaces allow you to reach out to more people, it’s a direct way to convey emotions. You are heading to Berlin soon, on what project are you working there? I’m doing a Black Faces intervention, portraying those complications that arouse in couple’s relationships on a very big wall; faces that talk between themselves through small details, like the eyes, mouths and hairs. This project evokes themes of coexistence, relationships, what works and what doesn’t; the reaction a movement causes, what kindles a sentimental relationship. Have you chosen this concept you will be working on? Yes, this time I picked it since it fits within the frame of a project that will be presented next year in the SC Gallery in Bilbao; we are launching a book containing all the interventions. From where does the alias Grip Face come from? I used to skate and draw on skateboards. Usually my face was hurt, and my friends used to say that it resembled the grip of the board. I started signing as “Cara de Lija”, but it was too long and unappealing, so I changed it to Grip Face. In Majorca there were some hidden streets with interventions done by you, which later disappeared… Why did you erase them? Because after they were finished, I looked at them and realized they didn’t work, so I thought: self-delete. You were telling us, before starting this Talk, Share and Create session, that you like to change your name and remain in anonymity; are you shy or you just like to play? Well, before I used to be shy, but all that started very naturally. I have always enjoyed B movies, antiheroes and masks… and I have changed of mask maybe three or four times. I used to like going out to the streets and carry out an intervention wearing a mask, the fact that people couldn’t recognize you was strange, it generated a bizarre tension, but at the end, they would enjoy the artwork and not say anything. Has being shy helped you or influenced your style? Yes, being shy offered me a wide range of possibilities. If I wasn’t, maybe I wouldn’t have covered my face, or done other things that led me to where I am. My shyness is reflected on my works: flirtatious characters that hide, cover themselves or remain closed. What advice would you give to those who are just beginning? Don’t give up and don’t get scared, because right now the prospect, when it comes to the creative area, doesn’t look too promising, either in design, illustration, fine arts; there’s a huge supply of artists and the market is not big enough. But there’s always a solution.

BEING SHY OFFERED ME A WIDE RANGE OF POSSIBILITIES. IF I WASN’T, MAYBE I WOULDN’T HAVE COVERED MY FACE, OR DONE OTHER THINGS THAT LED ME TO WHERE I AM

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T: ALEX PUIG Y ANTONELLA SONZA

Supra Chino Skate Tour 2016 La familia crece

Lo han vuelto a hacer. Supra amplía su patrimonio de calzado skate atemporal con el lanzamiento de un nuevo modelo: el Chino, que se estrena en tres colores, cada uno representado por un rider de su skate team: Boo Johnson (burdeos), Dee Ostrander (negro) y Oscar Candon (marrón). Cada uno representa un aspecto y enfoque diferente del skateboarding, pero todos tienen algo en común: llevan patinando desde que tienen memoria. Tres todoterrenos a los que no detiene ni la concepción de que son de carne y hueso. Handicaps de ser un simple mortal. “Si tuviera que destacar algo negativo del skate, es que el cuerpo se rompe, nos hacemos daño. Ahora mismo me duele todo, pero sin riesgo no hay emoción”, reflexiona Boo Johnson en nuestra charla con ellos en la parada final del Chino Skate Tour 2016 en Barcelona. Antes, estuvieron sacudiendo Arizona y la Baja California, retando a tiendas de skate locales a patinar hasta en spots vírgenes. Un viaje en el que la única máxima es ‘three words: Just have fun’, como dice con orgullo Boo, y en el que reinaba la anarquía. Lo que pasa en el Tour, se queda en el Tour, ¿o no? “Cuando pásábamos por Baja California, una noche estábamos en un hotel y montamos un juego con dos mesas, dos vasos y una bola de ping pong. Muy divertido, pero no voy a contar toda la historia (risas)” Óscar oye esto de lejos, y, de broma, le recrimina que saque los trapos sucios a la luz. Y es que Óscar Candon es de esas personas que siempre tienen algo que decir. Quizás por eso le apodan ‘Oscar la Bagarre’, pelea en francés. “Cuando era joven, estaba metido en peleas a todas horas. Por defender a mis amigos, en bares, en todos lados. Ahora me estoy comportando pero eso nunca se pierde”. Candon se unió al team hace tan solo dos años pero tiene muy claro que o blanco o negro, no le valen las medias tintas. Con tan solo 23 años, primero se lanza, y luego pregunta. “Cuando me dieron la oportunidad de patinar con Supra, fue un subidón. La primera vez que patiné con leyendas como Muska, casi me da algo. He podido conocerle mejor y me ha dado tantos consejos. Es un tío muy cercano.” La amistad es uno de los valores más importantes para quienes viven este deporte, que además de algo individual, también es de equipo: “Para mí, el skateboard es respeto, lealtad y amistad. Conoces a tanta gente por todo el mundo que te recibe tan bien y te enseña tantas cosas, que esa es la base”. Boo Johnson tiene también 23 años, pero

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es perro viejo. Emprendedor por naturaleza, ha fundado su propia empresa de gorras, JHF, un acrónimo de su mantra de vida, Just Have Fun. Y es que cuando te diviertes, el éxito llega solo, de forma inesperada, y la alegría es doble. “No tengo un plan, no me esperaba llegar hasta aquí cuando empecé a patinar con Kr3w y luego con Supra a los 15 años. No me podía creer que fuera a estar en un equipo que tiene a leyendas como Chad Muska, Eric Ellington, Jim Greco, increíble”. Y en Nashville, Tennesse, Dee Ostrander descubrió su pasión por el patín. Tanto le ha marcado ese momento, que sus spots favoritos para patinar están en su ciudad natal. Como en casa, en ningún sitio. “Mi ciudad natal está muy bien, conozco todos los spots como la palma de mi mano. Ahí empecé a patinar a los 12 años gracias a mi hermano mayor, y el resto es historia”. Pero que no os confunda, porque detrás de esa actitud relajada, hay un guerrero. Solo hay que ver su parte en París durante el Chino Tour, cuando se marca un backside flip enorme justo después de dislocarse el hombro y que un espontáneo se lo volviera a poner. Gajes del oficio, heridas de guerra que se llevan con orgullo, como medallas al valor. “Lo que único que cambiaría del la escena actual del skate es que hay muchísima gente sacando clips demasiado rápido. Lanzan cualquier cosa, y está todo saturado. Así la gente no valora el trabajo de los vídeos buenos, esos en los que hay todo un equipo detrás y los críos los compran para inspirarse”. Óscar Candon, con este tema se enciende: “hay muchos por ahí que pasan demasiado tiempo mirándose al espejo”. Para los tres, las Chino son la materialización de la sencillez, que es precisamente una cualidad que los tres comparten. Cierran esta etapa en Barcelona, uno de sus lugares favoritos por tener todos los ingredientes para vivir plenamente el patín y su estilo de vida, pero algunos no están tan de acuerdo. “China tiene spots que son perfectos y la cultura es increíble. La gente no está acostumbrada y cuando nos ve haciendo trucos, se quedan a vernos, hay libertad. En California si quieres patinar por el centro, la seguridad acaba aguándote la fiesta”. nos cuenta Boo. Aquí, ponen punto y final a este Tour, y recuerdan todo lo vivido hasta el momento. ¿Pero, y qué pasa después? Nada más y nada menos que seguir viviendo el sueño, que según Óscar, es simplemente uno: “Seguir pasándomelo bien”. Amén.

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SKATEBOARDING IS ABOUT RESPECT, LOYALTY AND FRIENDSHIP. YOU MEET SO MANY PEOPLE ALL OVER THE WORLD, SO OPEN, AND THEY WELCOME YOU AND TREAT YOU SO NICE, TEACH YOU THINGS. I THINK THAT’S THE BASIS OF IT ALL

Yes, they’ve done it again; Supra has widen its timeless footwear patrimony by releasing a brand new model: the Chino, which comes in three different colors, each one related to a rider of the team: Boo Johnson (burgundy), Dee Ostrander (black) and Oscar Candon (brown). Three riders that represent a unique quintessential skateboarding aspect, but with one thing in common, they’ve been skating since they can remember. Three unstoppable guys resilient to the perils of being made out of flesh and bones, as if they had nothing to do with those mere mortal characteristics. “If I had to highlight something negative about skateboarding, is the vulnerability of the human body, it breaks, we get hurt. Right now everything aches, my ankles, my knees... but without risk there’s no emotion”; Boo Johnson’s words are as steady as his landings, while he talks with us during the Chino Skate Tour 2016 stop in Barcelona. Before that, they were shredding around in Arizona and California, challenging different local skate shops on some pristine spots around the cities. A tour where the main motif comes along three simple words: “Just have fun”, as Boo proudly affirms: a travel reigned by anarchy. What happens on the tour, stays on the tour, right? “While on California, one of those nights we were in the hotel, we made up this game with two tables, two glasses and a ping pong ball. It was fun, but I rather leave it there and spare the whole story (laughs)”, Oscar listens to this, as he stares and pushes him to tell it all, the dirty little details, and it comes to no surprise, since Oscar is one of those people that always has something to say. Maybe that’s why his nickname is ‘Oscar la Bagarre’, which means brawl in french. “When I was younger, I was always getting into fights, defending my friends, in bars, everywhere. Now I’m behaving a little bit better, but you can never leave it all behind”. Candon joined the team just a couple of years ago, but he knows pretty well it all comes down to black or white, there’s no middle ground with this dude. He’s 23 years old, and used to act before he asks. “When I was given the opportunity of skating with Supra, I was really hyped. The first time I skated along legends like Muska it was mind blowing. I’ve had the chance of getting to know him better and he has given me so many advises. We’re pretty close now”. Friendship is one of the main values within the skateboarding lifestyle, which, nevertheless, is an individual activity, the team plays an important role: “For me, skateboarding is about respect, loyalty and friendship. You meet so many people all over the world, so open, and they welcome you and treat you so nice, teach you things. I think that’s the basis of it

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all”. Boo Johnson is 23 years old too, despite that, he has the experience of an old devil. An authentic entrepreneur, he has founded his own cap company, JHF, which is an acronym that embodies his lifestyle, Just Have Fun. And the reason for that is because when you have fun, success comes along by itself, sometimes unexpectedly, leading happiness to duplicate, like some kind of karmic equation. “I don’t have a plan, I didn’t expect getting all the way up to here when I started skating with Kr3w, and then with Supra when I turned fifteen. I couldn’t believe being part of a team with legends like Chad Muska, Eric Ellington, Jim Greco... it’s unbelievable”. Nashville, Tennessee: Dee Ostrander discovered his passion for skateboarding and from that point nothing was the same; his favorite spots still are the ones from his hometown, the ones that taught him through glory and pain, ‘cause there’s no place like home. “My hometown is all right, I know every single spot like the palm of my hand. I started skating there when I was twelve, thanks to my older brother, the rest is history”. His laid-back attitude might throw us off, but this guy is a true warrior. All the needed evidence to corroborate this is on his Paris part from the Chino Tour video, as he lands a monumental backside flip just after dislocating his shoulder and putting it back into place: classic occupational hazards, proud war wounds, honor medals. “The only thing I would change from the current skateboarding scene is that there is too many people releasing videos too fast. They will just publish anything, and now everything is so saturated. As a consequence, people no longer cherish the amount of work behind the good videos, those in which there is a whole team and inspire young kids”. Oscar Candon gets heated up with this topic: “there are plenty phonies out there spending too much time staring at the mirror”. For the three of them, the Chino are the materialization of simplicity, a characteristic they all share. This stop in Barcelona is the grand finale of the tour, thanks to all those magic ingredients that make the city the European mecca of skateboarding, true to its lifestyle, though on this point they have something to say. “China has some perfect spots, and the culture is incredible. People are not used to skateboarding there, so when they see us pulling out some tricks, they stare at us, enjoying, there’s freedom. In California, if you want to skate in downtown, security comes and ruins the party”, Boo says. Here they close the tour and remind us of all the adventures experienced throughout it, but what happens next? Quite simple, keep on living the dream, which, according to Oscar, is just one: “keep on having a good time”. Amen.

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Javi Corellano vive en uno de los estados de América donde las políticas medioambientales y la concienciación sobre el cambio climático están más presentes aunque que, paradójicamente, sea uno de los más contaminantes del planeta. ¿Cómo se traga eso? Pues no se traga, al pensarlo te atragantas y te dan ganas de echar la pota. En su obra más reciente, Javi denuncia temas como la destrucción de nuestro hábitat natural, el capitalismo o la vigilancia a la que estamos sometidos. Temas que nos preocupan a todos y que deberíamos tener presentes cada día que pasa, cuando tiramos la basura, entramos en Internet o cogemos el coche para ir a trabajar. Pero California tiene también cosas muy buenas, como por ejemplo algo que en España brilla por su ausencia, y es el respeto por el trabajo de los artistas. El 25 de marzo Javi inaugura su primera exposición individual en la Roll-up Gallery de San Francisco y está que no puede con la emoción. Nosotros, desde aquí, solo podemos desearle mucha suerte y que siga aprovechando las situaciones inesperadas que se le presenten en la vida. Solo así seguirá siendo auténtico en una realidad adulterada. Javier Corellano lives in a state where the environmental policies and awareness towards global warming are truly present and important, but where at the same time, paradoxically, the pollution levels are alarmingly high. How can one swallow that? Well, it’s not possible, just thinking about it chokes your throat and makes you wanna throw up. In his most recent series of work, Javi denounces the environmental destruction, capitalism and the constant surveillance we are under by our governments. Topics that worry us all, and which should be present in our heads day after day, as we take out the garbage, browse the Internet or drive the car to go to work. But California also has many positive things, for example, the respect they profess for all artists, something that Spain lacks profoundly. Next Friday, March the 25th, Javi is opening his first solo exhibition at the Roll-up Gallery in San Francisco, and he is really excited about it. From lamono, all we can do is to wish him the best of lucks, and encourage him to keep on taking advantage of all the unexpected situations life scatters across his way, since that’s the only way in which we can keep on being faithful to ourselves in this tainted reality.

www.coreisland.com T: VICKY NAVARRO

JAVIER CORELLANO Tainted Reality

¿La enorme capacidad del hombre de transformar el mundo según sus intereses es una ventaja o un problema? El hombre es un ser excepcional, capaz de crear cosas increíbles como el arte, la tecnología, la medicina o enviar gente a la luna. Eso es maravilloso, y definitivamente bueno, pero aun así seguimos matándonos los unos a los otros, sin ningún motivo coherente. Ser la especie más desarrollada parece que nos dé el privilegio de cargarnos todo el planeta en nombre de la economía y del progreso. Mala idea. Por un lado tener el poder nos beneficia pero, por el otro, podemos provocar una tragedia medioambiental si no sabemos gestionarlo. Y está claro que no sabemos. ¿Qué es lo que denuncias con tus pinturas? En mis pinturas denuncio problemas que me preocupan como la destrucción medioambiental, la vigilancia a la que estamos sometidos o el capitalismo extremo, entre otros. Nos hemos desconectado del animal que somos, del planeta, creemos que podemos vivir sin él. Y es al revés, es el planeta el que puede sobrevivir sin nosotros. Creo que el artista tiene la obligación moral de expresar cómo ve el mundo, plasmar su visión y hacer reflexionar a quien lo ve, y eso no lo digo yo, ya lo dijo Keith Haring en su día. Vives en Santa Rosa, California, ¿cómo notas las consecuencias del cambio climático en tu día a día? Aquí es raro. EE.UU. es uno de los países más contaminantes del planeta. Y California, pese a tener muy buenas políticas medioambientales, contamina muchísimo, es lo que tiene este modo de vida americano de casas unifamiliares, coches y supermercados. Lo curioso es que aquí todo está increíblemente limpio. No hay plástico en las playas, el aire es puro y todo el paisaje es increíble, con una fauna y flora abundante (sobre todo en el norte del estado). Eso me sorprendió la primera vez que llegué aquí, aunque esta gente contamina mucho, las corrientes de aire hacen que no se aprecie localmente. Este año California estaba metida en una sequía muy seria, que te da una idea de que las cosas están cambiando. Se dice que en California hay mucha cultura ambiental a raíz del derrame de petróleo que hubo en 1969 en el canal de Santa

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Bárbara (tienen sus propias políticas de contaminación y la ley es dura en este ámbito). ¿Sientes la diferencia respecto al resto de los EEUU y España? California tiene una cultura medioambiental muy profunda y arraigada, con leyes que la protegen. Pero aquí las compañías petroleras también tienen mucho poder. Hablando de Santa Bárbara; el verano pasado estuve por ahí y me sorprendió la cantidad de petróleo que había en las playas. Fue después del derrame que hubo en 2015. Te asomabas a la playa y apestaba: toda la arena estaba llena de petróleo. Muy triste. Los surfers locales me contaron lo que hacen cuando hay un derrame así. Mezclan el petróleo con una sustancia química que lo divide en trocitos pequeños, minúsculos, que se filtran más fácilmente y se diluyen en el agua, lo que provoca que se lo coman peces, pájaros y otros animales. Lo hacen desaparecer de la vista pero lo filtran en la tierra, con las consecuencias que eso conlleva. Así que parece que ha desaparecido pero nada más lejos de la realidad. En referencia a España, creo que la crisis del Prestige del 2002 habla por sí sola, fue un desastre, y ¿sabes quién la gestionó? El actual Presidente del Gobierno. Lo que conocíamos hasta ahora de tu trabajo eran mayormente ilustraciones en blanco y negro, tinta sobre papel. Con esta serie dedicada a la crisis medioambiental has empezado a pintar en acrílico y añadido color a tu obra, ¿se debe a alguna razón en especial? Yo había pintado bastante con acrílico, pero para mí, mis historias. Hace cosa de año y medio se convocó un concurso de arte en Santa Rosa, con la temática de la sostenibilidad. Hice una pieza gigante y me gustó, gané y eso me animó a seguir plasmando mis ideas en lienzos, con más colorido y algo diferenciado de mis ilustraciones. Supongo que quería experimentar y seguir trabajando distintos medios para ver a donde me llevaban. El surf es otra de tus pasiones y por ello estás constantemente en contacto con el océano, ya sea física o mentalmente, ¿cómo se traduce esto en tu obra? Siempre hay muchas referencias al océano. Me apasiona desde fuera y desde dentro del agua. Me calma y pone todo en su lugar. Le tengo un gran respeto. Por ello creo que es importante

que lo cuidemos y no lo usemos como vertedero. Es nuestro origen y futuro. ¿Qué trabajos de los que has hecho relacionados con el skate o el surf te han motivado más? He estado metido desde siempre en la industria del surf y del skate, desde muchos puntos de vista. Desde trabajar en una editorial del sector, a montar una empresa de skate a ser director de marketing para una multinacional. Pero creo que lo que me motivó siempre más fue todo lo que hicimos con nuestra marca de skate: buenos amigos haciendo cosas divertidas y por puro amor a ellas. La cerramos hace poco y fue un poco triste. En San Francisco el mundo del arte está a otro nivel, ¿cómo lo describirías? Aquí el arte siempre ha formado parte del ADN de la ciudad, que está llena de artistas buscando su hueco, de galerías de arte contemporáneo y de murales por todos lados. Se le tiene un respeto muy grande a los artistas, creo que esa es la gran diferencia. La pena es que con el este meteórico aumento del coste de la vida y de la vivienda en San Francisco, muchos artistas se están yendo de la ciudad. Cuando salga esta edición de lamono seguramente Fecal Face Gallery, un emblema del Mission, cerrará las puertas por ese motivo. ¿En qué momento decidiste trasladarte a California? Yo viví aquí antes, en 2007 y 2008 y me enamoré del Norte del California, es un sitio impresionante. Después de una época en Barcelona necesitaba coger un poco de aire y vivir nuevas experiencias. Así que hace cosa de dos años que volví

El 25 de marzo inauguras expo, explícanos detalles. ¡Sí! Estoy emocionado con esta exposición. Es en la Roll-up Gallery en San Francisco, y se trata de mi primer Solo Show exponiendo mis pinturas en la ciudad. The Charming Apocalypse es un conjunto de pinturas medianas y grandes donde exploro problemas que estamos viviendo como el deterioro medioambiental, la guerra o la supervigilancia, entre otros. Contraponiendo personajes y backgrounds entrañables con un mensaje triste y real, pero siempre hay un poco de luz. El proyecto surgió a raíz de conocer a la curator de la galería, Betty Bigas. Gran persona y buena amiga. En una visita a mi estudio vio las pinturas y empezamos a cocer el tema de la expo. ¿Tienes algún otro proyecto en mente para más adelante? La verdad es que siempre tengo muchos proyectos en la cabeza. Hace tiempo que estoy dibujando un comic con las aventuras de mi fiel perro Jipi y yo. Me gustaría editarlo y publicarlo en algún punto. Quiero seguir experimentando con nuevas series de trabajos a ver dónde me llevan. UNEXPECTED es el monotema de este número. ¿Qué es lo más inesperado que te ha pasado en la vida? Las cosas inesperadas son las que te llevan a lugares donde no te imaginabas estar a situaciones que no esperabas vivir, es lo que te hace crecer si sabes cómo gestionarlas. Filosofadas aparte, para mí fue bastante inesperado encontrar un antiguo establo medio abandonado en medio del campo en Santa Rosa y que los dueños me dijeran que si lo limpiaba lo podía utilizar como estudio. Se ha convertido en un lugar mágico para pintar y dibujar y donde paso gran parte de mi día.

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The human specie has the powerful capacity to change the world according to its interests, is that something beneficial or problematic? The human being is an exceptional creature, capable of creating incredible things, such as art, technology, medicine, or sending people to the moon. That’s fantastic, and definitely beneficial, but even so, we keep on killing each other, without any coherent explanation. Being the most developed specie seems to endow us with the privilege of screwing the whole planet in the name of progress and economics. Bad idea. On one hand, being powerful benefits us, but on the other, we can cause an environmental tragedy if we don’t learn how to manage this, something that is clearly happening right now. What complaints do you try to convey through your paintings? In my paintings I expose the problems that worry me, such as the environmental degradation, the excessive surveillance we are under, or the extreme capitalism that governs us, amongst others. As specie, we have become disconnected from our animal nature, from Planet Earth; we think we can live without it, when it is the other way around; it’s Planet Earth who can survive without us. I think all artists have the moral obligation to communicate the way in which they see the world, portray their vision and encourage the audience to ponder and reflect, and those are not my words, Keith Haring said that long time ago. You live in Santa Rosa, California; how do you experience the consequences of global warming in your day-to-day life? It’s quite strange here. The United States is one of the most polluting countries in the world, and California, even though it has very positive environmental policies, contaminates a lot; it’s something very characteristic from the quintessential American lifestyle, with its big houses, cars and supermarkets. The curious thing about it is that here everything is very clean, there’s no plastic on the beaches, the air is pure and the whole landscape is incredible, with an abundant flora and fauna, especially towards the northern part of the State, something that really surprised me the first time I came here. Though the people that live here contaminate a lot, the air currents help, since they dissipate the pollution. This year, California went through a very serious drought, which leads me to think that things are really changing. It’s commonly believed that California has a strong environmental culture due to the oil spill that happened in 1969 in Santa Barbara (it has its own contamination policies which are very strict). Do you agree with this affirmation? Can you tell the difference in comparison with the rest of the United States or Spain, for example? California has a very deep and profound environmental culture within the collective awareness of its citizens, with laws that protect it. But at the same time, the oil companies have a lot of leverage. Talking about Santa Barbara, last summer I was there and it surprised me the huge amount of oil on the shore. I visited after the oil spill that happened in the year 2015, and if you went near the shore, it stank really bad: all the sand was covered with oil, so sad. The local surfers told me what they do when there’s a spill like that: they mix the oil with a chemical substance that divides it into very small pieces, which helps it to filter faster and dilute easier in the water, what causes birds, fish and other animals to eat it. The oil becomes imperceptible to the naked eye, but it filters itself on the ground, with all the consequences that brings along. So, apparently it has disappeared, but not really. Regarding Spain, I think the Prestige crisis of 2002 speaks for itself, it was a disaster, and do you know who was behind it? The current Prime Minister. Until now, the vast majority of works we have seen from you are black and white illustrations made with ink. For this series, focused on the environmental crisis, you started to work with acrylics, adding color to your paintings. Is this due to any particular reason? Before I had done plenty of works in acrylic, but they were just for me. About a year and a half ago there was a convocatory for an art contest in Santa Rosa, with the main topic being sustainability. For it, I did a huge piece and I liked it; I won

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and that encouraged me to keep on doing my works on canvas, with more colors and, somehow, different to my illustrations. I guess I just wanted to explore and keep on working on different media to see where that could take me. Surfing is another one of your passions and thanks to it you are constantly on the ocean, physically or mentally; how is this portrayed on your works? My works have a great deal of allusions towards the ocean. It is one of my passions; inside and outside of the water, it calms me and puts everything into order. I owe great respect to it. That’s why I think it’s important for us to take care of it, and stop using it as a dumpster. It’s our origin and future. Which one of your jobs, related to surfing and skateboarding, has influenced you the most? I’ve been involved with the surfing and skateboarding industry for a long time now, and in very different fields: from working on an editorial, to opening a skateboarding company, to being the marketing director for a multinational enterprise. I think what motivated me the most was what we did with our skateboarding brand, just a group of good friends doing fun stuff out of love. We decided to terminate it not long ago and it was quite sad. In San Francisco, the art scene is on a whole different level, how would you describe it? Here, the artistic culture has always been part of the city’s DNA; there are plenty of artists looking for their spot, contemporary art galleries and murals everywhere. Artists are highly praised and respected here; I think that’s the main difference with other cities and countries. The problem lies within the cost of life in San Francisco, which has increased tremendously, causing many artists to leave the city. When this issue of lamono comes out, very surely, the Fecal Face Gallery, an emblematic Mission space, will have closed its doors for that same reason. When did you decide to move to California? I used to live here throughout 2007 and 2008, and I fell in love with Northern California, it’s an incredible place. After a sojourn in Barcelona, I needed to refresh and live new experiences, so it’s been two years since I moved back. Your exhibition opens on the 25th of March; can you give us some details? Yes! I’m very excited about it. It will be in the Roll-up Gallery in San Francisco and it’s my first solo-show in the city. The Charming Apocalypse is a series of paintings, in medium and big format, where I explore the problems we are living: the environmental degradation, wars and excessive surveillance, amongst others. I address this by contrasting different characters with endearing backgrounds, conveying a sad but real message, though it is not all negative, since I always try to portray some kind of light of hope at the end of the tunnel. The project originated after I met with the curator of the gallery, Betty Bigas, who is a great person and good friend of mine. In one of her visits to my studio, she saw the paintings and from there we started to work on the topic for the exhibition. Do you have any other projects in mind for the near future? To be honest, I always have a lot of projects in mind. It’s been a while since I’ve been drawing a comic book narrating the adventures of mi loyal dog, Jipi, and myself. I would like to edit it and publish it at some point. I also want to keep on exploring and experimenting with new series of works and see where they take me. This issues theme is UNEXPECTED. What is the most unexpected situation you have experienced in your life? Unexpected events lead you to places you couldn’t have imagined or to situations you couldn’t have predicted, and they push you to grow, if you know how to deal with them. Philosophy aside, for me it was really unexpected to find an old and abandoned barn in the middle of a field in Santa Rosa, and that the owners would let me clean it up and use it as my studio. It has become in a magical place to draw and paint in, and where I spend most of my time.

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T: CRISTINA GONZÁLEZ

Jägermeister: HUNT OR BE HUNTED Ondo Tattoo: El_Uf

Hay formas y formas de innovar. La que se ha marcado Jägermeister en su último proyecto nos tiene en vilo. HUNT OR BE HUNTED es una historia ilustrada contada por el director Ernest Desumbila e impresa fotograma a fotograma en la piel de más de 100 personas que han superado un casting inicial de más de 1.500. El estudio de tatuaje elegido para llevar a cabo el proyecto es Ondo Tattoo, en la capital catalana. Hablamos con el_Uf, uno de los tatuadores que se ha subido al carro. There are different ways to be innovative, and the one chosen by Jägermeister for its most recent project got us quivering with expectation. HUNT OR BE HUNTED is an illustrated story narrated by the director itself, Ernest Desumbila, and printed, frame per frame, on the skin of more of 100 people who were chosen after an initial casting of more than fifteen hundred. The tattoo studio chosen for doing the project is Ondo Tattoo, based in the Catalan capital. We had the opportunity of talking to el_Uf, one of the tattoo artists involved.

www.ondotattoo.com jagermeister.es

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Hola Uf, cuéntanos: ¿cómo empezó el proyecto con Jäger? La productora contactó con mi compañero Fran y lo primero que hicimos fue mirar la agenda porque vamos muy saturados de trabajo, vimos que lo podíamos cuadrar y lo tiramos para adelante. ¿Cuál fue vuestra primera impresión, lo primero que os sorprendió del proyecto por la idea original? Lo primero que pensé fue: el doble de curro (risas). Arrancamos este proyecto con mucha ilusión pero para que os hagáis una idea, si en un mes hacemos 30 tatuajes ahora nos tocará hacer 60 o 100. ¿Y cómo está reaccionando la gente que viene a Ondo a hacerse el tattoo? ¡Muy bien! Llegan muy contentos y se van más contentos todavía. ¿Participasteis en el proceso creativo, en la realización de la storyboard? Sí, desde el primer momento. ¿Cómo hicisteis para fusionar vuestros estilos y que quedara una línea homogénea y coherente? Cada uno de nosotros tenemos un estilo muy distinto por eso decidimos que los diseños los preparara el mismo y así todos siguieran la misma línea. Luego todos nos amoldamos. Como todos llevamos muchos años tatuando podemos ceñirnos a cualquier estilo sin problema. ¿Cuántos tattoos te han tocado hacer a ti? Pues no sé, somos cuatro tatuando y no hemos contado muy bien cuántos hace cada cual, nos vamos coordinando tan pronto van llegando. ¿Tienes ganas de ver el resultado final? Porque realmente es un proyecto inédito y original. ¡Claro! ¡Es de lo que más ganas tengo! Como es algo que nunca se ha hecho no te puedes imaginar el resultado final. La gente de Jäger se ha dejado aconsejar mucho por nosotros porque, aunque tenían el concepto claro, no todo se puede tatuar, no es como un corto de animación al uso por eso hemos intervenido en todo el proceso. ¿Cuál es la relación que tienen con Jägermeister los que vienen a tatuarse? Pues le procesan un gran amor.

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¿Y tú te harías uno? No, porque yo solo llevo tatuajes a colores y toda la historia que estamos tatuando es en blanco y negro, mis compañeros igual sí porque sí llevan ese estilo pero yo no. ¿Cómo definirías tu estilo? Es una mezcla de neotradicional, como se le llama ahora, coge bases del tradicional pero sin que sea tan simplificado, yo soy de poner mucho color, luces, varias gamas, detalles, por eso es un poco más neotradicional, tirando a comic. ¿Y con algún apunte japonés? Bueno casi todos los tattoos tienen apuntes japoneses. Piensa que en el tema de la ilustración los japoneses son pioneros. Incluso la gran mayoría de artistas tienen una base japonesa. ¡Hasta Mucha si te fijas se basa en ilustraciones japonesas, fíjate en como pone los colores, en cómo los va degradando de un lado a otro! Yo me he empapado mucho del arte japonés, la mayoría de los artistas que me gustan no son japoneses pero hacen arte japonés, es algo que te llama mucho. ¿Cuánto tiempo llevas dedicándote al mundo del tattoo? A lo que es el tattoo, unos nueve o diez años, antes del tattoo hacía grafitti y dibujaba. Empecé con el grafitti cuando tenía trece o catorce años y a los veinte y pocos me puse a tatuar. Ahora no puedo compaginarme tanto con la pintura así que ya no pinto tanto. ¿Cuánto tiempo lleváis con el estudio? Somos tres socios que decidimos abrir el estudio hace un año y nos pusimos manos a la obra durante un mes, lo hicimos todo, no había nada de todo esto; estamos muy contentos y orgullosos con el resultado. ¿Cuántos tatuajes hacéis en el estudio por persona? Depende mucho del estilo, por ejemplo Fran puede hacer desde uno a cuatro o cinco al día porque tatúa cosas más pequeñas y es muy rápido, diría que es el tatuador más rápido que he visto en mi vida. Yo me pongo un tattoo grande al día y le dedico todo el día, si son seis horas, pues todas al mismo.

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Hi Uf, tell us, how did the Jäger project start? For us it started when the producer contacted with my partner Fran, then, the first thing we did was to check up our schedule, because we have tons of work, and we saw we could fit it in and we decided to move forward. What was your first thought about it, the thing that surprised you the most about this original idea? The first thing I thought was: twice the amount of work (laughs). We started the project with a lot of excitement, but for you to have an idea, usually in a month we do 30 tattoos, well, now we’ll have to do 60 or 100. How are the reactions from the people that come to Ondo to get the tattoo done? Really good ones! They arrive very happy and leave even happier. Did you participate in the creative process and the development of the storyboard? Yes, I was involved from the first moment on. How did you guys manage to merge the style of each one of you so that the line would be homogeneous and coherent? Each one of us has a very different style; therefore, we decided that the same person should make all of the designs, so that they would all have the same line. From there on, we all adapted. As we all have been tattooing for many years, it is not a problem for us to adjust to any particular style. How many tattoos have you done? I don’t know the exact number; it’s four of us tattooing and we haven’t counted exactly how many each one does, we just schedule them as they come in. Are you l ook i n g for w a rd se e i n g t h e f i n a l re s u l t ? B e c au se it c er t a i n ly i s a n u npre cedented a nd ver y orig ina l project . Of course! It’s what I want the most! Since it’s something that has never been done before you cannot imagine the final result. The people from Jäger have been open to take advice from us because, though they have the concept pretty clear, not everything can be tattooed, it’s not like if it was a short film or regular animation, that’s why we have been involved throughout the whole process. How is the relation the people, which come to get tattooed, have with Jäger? They profess a great love for the brand.

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Would you get one? No, because I only have color tattoos, and the whole story we are doing is in black and white. My partners maybe would, because they do have that type of tattoos, but not me. How would you define your style? It’s a neo traditional mixture, as it is called nowadays. It has the same bases as the traditional tattoo style, but less simplified; I like to use a lot of color, lights, different gradations, details, that’s why it’s more neo traditional, in some way similar to comic art. Does it have any Japanese influence? Well, almost all tattoos have Japanese influences. Think about it, when it comes to illustration, the Japanese were pioneers. Even so, most tattoo artists have some type of Japanese basis or core, and, if you pay close attention to the Japanese illustrations, you’ll see how influential they are, in the way color is applied, for example, its degradations. I’m very into Japanese art, and though most of the artists I like are not Japanese, they definitely do that kind of art. It’s something that really appeals to me. For how long have you been involved in the tattoo scene? Around nine or ten years, before that I used to do graffiti and draw. I started doing graffiti when I was like thirteen or fourteen years old, and then when I was around twenty I started tattooing. Now I cannot do both as often as I wished, so I’ve been painting less. How long has Ondo Tattoo studio been open? We are three partners that decided to open a tattoo studio about a year ago, and we worked on it for about a month, we built it from scratch, there was nothing here. We are very happy and proud with the final result. How many tattoos each one of you does? It depends on the style, for example Fran can do up to four or five tattoos a day, since he usually does small things and does them very fast, I would say he is the fastest tattoo artist I’ve ever seen. I can do one big tattoo a day, on which I will work for the whole day; I can spend six hours working on the same one.

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lamono VIAJA A RON BARCELÓ DESALIA 2016

RON BARCELÓ DESEALIA 2016. 20 de febrero en República Dominicana.

Uno de esos placeres infinitos que se nos presentan pocas veces en la vida es el de poder disfrutar del verano en pleno invierno. Poner la rutina del revés y cambiar el frío aire de la ciudad por la cálida brisa de la playa. Y qué playas. Esas de arenas blancas y vírgenes, donde el sol solo se esconde para dejar paso a la luna. Donde corre el ron mientras suena esa canción que estabas deseando escuchar. ¿Bonito eh? La imaginación es algo imparable. Pero quién nos iba a decir que Ron Barceló lo iba a hacer realidad. Nos vamos a Punta Cana para vivir desde dentro el gran evento anual que sacude el Caribe por estas fechas: el Ron Barceló Desalia 2016. Con un cartel de bandas y DJs de infarto, esta 9ª edición del festival está llamada a ser la mejor edición hasta la fecha. Los chicos de Supersubmarina, son los encargados de poner el toque pop en este paraíso electro, y prometen ser la banda sonora perfecta a una tarde frente al mar. Junto a ellos, Najwajean, un dúo que redefine constantemente los límites entre el pop y la electrónica y que regresa tras siete años de silencio. El plato fuerte está a cargo de Blasterjaxx, que nos harán saltar sin parar, cargándonos con su energía traída directamente de La Haya. Además, el DJ y productor Albert Neve pondrá a girar su set en la playa Cabeza Del Toro, frente a las 5.000 personas que estarán allí, vestidas de blanco y ron en mano. La lista la completan los españoles Abel Ramos, JP Candela, Alexander Som, además de las chicas de Crush DJs, unas imprescindibles del panorama clubber, y Nap Team, los ganadores del concurso de talentos emergentes Vive Ahora Talent. Un cartel de primer nivel que en la guinda del pastel a la noche del 20 de febrero. Una experiencia que os iremos contando desde dentro y primera fila. Ya tenemos el modelito blanco, la crema solar y un montón de carretes para gastar entre palmeras. Si queréis echarle un vistazo a nuestras andanzas por República Dominicana, seguir la expedición tropical por @lamonomagazine. com. ¡Y qué corra el ron! There’s one specific pleasure we can enjoy very few times in life: to have a week of summer in the middle of winter. Fuck routine and change the cold weather of the city for the warm breeze of the ocean and the white sand of the beach, and not any beach, the secluded and pristine beaches of the Caribbean, where the sun only hides to open the door for the moon. Where the rum flows as you listen to your favorite song. Sounds nice, right? Once your imagination starts running, there’s nothing you can do. And who would have said that Ron Barceló would make our dreams come true? We got invited to Punta Cana to experience from within the huge annual event that shakes up the Dominican Republic: The Ron Barceló Desalia 2016. With a line-up with the best bands and DJs, this 9th edition is expected to be the best one so far. The guys from Supersubmarina are in charge of adding some Pop to the electronic mixture, with the promise of offering us the best soundtrack for party by the sea. Along them, Najwajean, a duo that is constantly redefining the limits between pop and electronic music, come back after a seven-year hiatus. The main dish is going to be served by Blasterjaxx, and it will for sure make us jump non-stop, charging us with their of-the-wall energy, brought directly from The Hague. On top of that, Spanish DJ and producer Albert Neve will play his set in the beach Cabeza Del Toro, in front of 5.000 people, all dressed-up in white, with a cold glass of rum in one hand, as the other pumps up in the air. In the line-up we can also find Abel Ramos, JP Candela, Alexander Som, and the beautiful girls from Crush DJs, plus the Nap Team, winners of the emerging talents contest Vive Ahora Talent; quite extraordinary if you ask us, it will for sure put the cherry on the pie the night of the 20th of February, after a week of amazing events and parties. An experience we’ll be narrating from within and front row. We have our all-white-everything suit geared up, sunscreen, shades, and a lot of film to shoot from the middle of the palm trees. If you want to follow this expedition, and all of our tropical adventures in the Caribbean, look for @lamonomagazine in Instagram and on our website, www.lamonomagazine.com. Give me some rum!

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ARNETTE SURFCITY FESTIVAL

ARNETTE SURFCITY FESTIVAL. Fabra i Coats. 8 y 9 de abril de 2016.

Lo mejor de los dos mundos Si hay algo que nos enseñan desde pequeños, es que los polos opuestos se atraen. Una teoría física que tarde o temprano hemos podido comprobar en diferentes aspectos de la vida. Para un surfer, no hay concepto más antagónico que la ciudad. Llegar hasta el mar y por fin poder coger olas significa huir del asfalto, del ruido y de la contaminación de los cinco sentidos. Pero, como siempre acaba pasando, el surf y la ciudad han encontrado un punto de encuentro, una tregua a su eterna lucha. La segunda edición del Arnette Surfcity festival llegará el fin de semana del 9 y 10 de abril, una muestra multidisciplinar para surfers, pero también para acercar el mar y su filosofía de vida al urbanita más de secano. Y lo hacen a través de la exposición We Are Antonyms, en la que se verán obras inéditas en las que surf y ciudad se enfrentan y, a la vez, se complementan. Nómadas incansables, amantes de amaneceres con piel de neopreno, de la sobriedad del blanco y negro o el minimalismo de las siluetas de la propia naturaleza plasmarán su concepción de belleza en las paredes del Fabra i Coats, su nueva ubicación este año. Ellos son, de momento, Grant Ellis, Brooks Sterling, Thomas Lodin en el apartado internacional, y Álvaro Sánchez-Montañés, Víctor Bensusi, Sergio Villalba y Sergi Castellà, en el nacional. Mención especial para Tyler Spangler, el llamado a sí mismo ‘deconstructor posmoderno’ que sacudirá el festival con su refrescante irreverencia. Y como siempre, mercado de artesanos del sector, una oferta gastronómica orgánica muy cuidada, conciertos y sesiones de DJ, y estrenos a nivel europeo de películas del género. Si el año pasado tuvimos in da house a Kai Neville presentando Cluster, film sobre el más puro hedonismo surfer, este año podemos esperar algo al mismo nivel. Con toda esta información, podemos dar un paso más en el desarrollo de esta teoría: los polos opuestos no solamente se atraen, sino que al fusionarse, crean algo totalmente único con lo mejor de los dos mundos. Since childhood we are taught opposite poles attract each other. This physical theory, sooner or later, will be corroborated in various aspects of our life. For a surfer, there is nothing more antagonistic to its lifestyle, than the concept of city. Being able to reach the ocean and ride some waves, means to leave behind all the noise and contamination for all five senses present in the concrete jungles we are live in. But as usual, it has happened again, surf and city have found a common place, a truce in their eternal dispute. The second edition of the Arnette Surfcity Festival is happening during the weekend of the 9th and 10th of April; a multidisciplinary display for surfers, but as well an opportunity for the most urbanized person to get closer to the sea and its magnificence. Through the exhibition “We Are Antonyms”, we’ll be able to see unprecedented art pieces where surf and city confront each other, but at the same time, complement and reinforce themselves. Tireless nomads, sunset lovers with neoprene skin, the black and white sobriety or the minimalist silhouettes of nature, they will all be portrayed in the walls of the Fabra i Coats, the urban location chosen this year for this exclusive event. With works from Grant Ellis, Brooks Sterling, Thomas Lodón, on the international level; Álvaro Sánchez-Montañés, Víctor Bensusi, Sergio Villalba and Sergi Castellà on the national, attendants will have the opportunity to appreciate the quintessential surf spirit within the city. Our special mention goes to Tyler Spangler, self-proclaimed “postmodern deconstructor”, who will marvel the whole festival with his refreshing irreverence. On top of that, will be able to enjoy from the usual craft market, a wide organic gastronomic selection, great concerts and DJ sessions, as well as the premiere of remarkable national and international films from the genre. If last year we had Kai Neville presenting his movie “Cluster”, apropos the most pure surf hedonism, this year we can expect something on the same level. Thanks to all this information, we can continue to believe the aforementioned theory, and take a step forward by affirming opposite poles not only attract each other but, when merged, create something rare and unique with the best of both worlds.

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REVIEW / BARCELONA / 28TH NOVEMBER 2015

HARLEY-DAVIDSON PRESENTED LAMONO 10TH ANNIVERSARY PARTY F: LUIZA LACAVA / ANNA PAREDES / MARCEL PEDRAGOSA

El pasado sábado 28 de noviembre será una fecha que nos vamos a grabar a fuego en nuestra memoria colectiva. Porque ese día, que para cualquiera puede parecer algo intrascendente o trivial, marcaba un punto de inflexión en la historia de lamono como revista de arte, cultura urbana y boardsports. Un punto donde culminaban más de 10 años de trayectoria, de recuerdos, de anécdotas, de trabajo duro, de buenos momentos (y no tan buenos) y, sobre todo, de ser un altavoz para nuestras pasiones. Pasiones que compartimos con todos aquellos que han dedicado aunque sea un minuto de su vida a leer alguna de nuestras líneas, sea en papel o en online, y a todas esas personas que han puesto su granito de arena durante el camino. Por eso, nos reunimos todos con Harley-Davidson, que fue el maestro de ceremonias y nos contagió el espíritu ruta 66 a través del característico sonido del motor de sus Dark Custom, las chupas de cuero que andaban de aquí para allá y el exquisito olor a gasolina. Una combinación explosiva que fue la base de esta fiesta, a la que se le añadieron aún más ingredientes: si sumamos los increíbles Mojitos y Sidecars del brandy Torres 15, el frío néctar dorado de Moritz, la fusión de música y gastronomía que propone Electronic Bakery, la explosión de sabores de la comida vegana de Eureka Street Food y la sazón criolla de Warike Peruvian Food, el lamono’s Hall of Fame hecho con las fotografías de todas esas personas que forman parte de nuestra historia gracias a la impresión de Instagrafic, los retratos locos e instantáneos de Noelia Rueda, las maravillosas bolsas estampadas de Tric Taller, y los vibrantes directos en acústico de All Indians No Chief, Santa Rita, Holy Bouncer y Vidus, las sesiones de Bofirax, Urfabrique y el petardazo final con Loli Zazou a los mandos. Además, aprovechamos la ocasión para que vieran la luz nuestras dos primeras criaturas, los dos lamono BOOKS sobre fotografía de skate (apoyado por Nike SB) y surf (apoyado por Oakley), que se presentaron a través de una exposición con fotografías. Y si a todo esto le añadimos un montón de gente con ganas de celebrar, de brindar, de bailar, de saltar, de besar, de llorar, de tocar, de reír, de surfear y de patinar, ya lo tenemos. Una noche memorable en la que miramos hacia atrás solo para coger impulso para todo lo que viene por delante. Gracias a todos por venir, a los que habéis estado siempre ahí y a los que siempre estarán. Empieza una nueva etapa, y hemos llegado hasta aquí casi sin darnos cuenta: lo que venga después, es ya otro capítulo. Saturday, November 28th of 2015 is a date that will be engraved in our collective memory forever. A date we won’t forget, because that day, which may seem trivial and insignificant to strangers, established a milestone in lamono’s history, as an arts, urban culture and boardsports magazine; an inflexion point where a trajectory of more than ten years culminated with memories, anecdotes, hard work, good moments (and others not quite) and, above all, the opportunity of becoming an amplifier for all of our passions. Passions we share with everyone that has dedicated at least one minute of their lives to read some of our lines, printed or online, or that has helped us in any way throughout our path. That’s why we decided to join with Harley-Davidson, who played out the role of the emcee, serving us with their Route 66 spirit through the characteristic sound of their Dark Custom engines; leather jackets moved back and forth, floating above the exquisite and hypnotic smell of gasoline. An explosive combination that served as a bedrock for this party to be conceived, and to which we must add even more ingredients: starting with the incredibly tasty mojitos and sidecars brought to us by brandy Torres 15, the frosty golden nectar supplied by Moritz, the fusion between music and gastronomy offered by Electronic Bakery, the savory explosion of Eureka Street Food’s vegan cuisine and the Creole seasoning from Warike Preuvian Food; besides that, we also had a space dedicated for lamono’s Hall of Fame, built with numerous photographs of all the people that are part of our history and brought to reality by Instagrafic’s printing skills, Noelia Rueda’s crazy portraits and the beautiful tote bags from Tric Taller. Musically we had the fortune of presenting the acoustic live performances of All Indians No Chief, Santa Rita, Holy Bouncer and Vidus, plus the DJ sessions of Bofirax, Urfabrique and the encore by Loli Zazou, rocking the decks. That wasn’t all, this amazing party also presented us with the opportunity of launching our first two creatures, our very own lamono BOOKS, one with skateboarding photographs (supported by NIKE SB) and the other with surfing photographs (supported by Oakley), which were presented along a photographic exhibition, showcasing some of the best pictures found within them. And if on top of all that magnificent elements we add a bunch of people eager to celebrate, dance, jump, kiss, cry, touch, laugh, drink, toast, surf and skate, we have it all. It was a memorable night in which we decided to look back, but just to gain momentum to face all the new challenges that will come our way, and because of that, we want to thank everyone for joining us, and everyone that has always been there and always will. A new phase begins; we have gotten here without almost realizing it: whatever follows is a brand new chapter.

lamonomagazine.com harley-davidson.com 138

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REVIEW / BERLÍN / 19TH - 21TH JANUARY 2016

BRIGHT TRADESHOW T Y F: EVA VILLAZALA

En la vida hay momentos y momentos, algunos son imprescindibles porque nos hacen crecer y ampliar nuestros puntos de mira. Y esos momentos son los que vivimos cada edición del BRIGHT Tradeshow en Berlin, por eso (y porque son parte de nuestra gran familia), la feria de skateboarding y arte urbano está siempre marcada a fuergo en nuestro calendario. Esta edición nos rodeamos de nuestros fotógrafos fetiche, de libros, de Budweiser y de amigos que nos vinieron a visitar a nuestro booth. Nos plantamos entre el bar y el espacio de Obey Clothing con una exposición de fotografías de algunos de los publicados en nuestros libros: Rafael González, Mike O’Meally, Benjamin Deberdt, Mark Whiteley, Marcel Veldman, Jaka Babnik, J. Grant Brittain, Craig Stecyk, Jack Coleman, Brian Bielmann, Jeff Divine y Jeremy Koreski, un lujo enmarcado del que disfrutaron tanto los visitantes del BRIGHT, como del SEEK, dos ferias en una. Como siempre, al caer la noche, salimos del Espacio Arena para patinar sobre hielo en la pista nevada de la ciudad alemana y fuimos a parar al LIDO para los premios BESA y a un crematorio en la particular fiesta de Converse Cons, además de otras lindes como las que montaron Carhartt WIP y Obey Clothing, en las que seguimos aprendiendo de arte, cervezas y bailes. Throughout our lives there are moments that turn out to be essential, mainly because they make us grow as people, widen our viewpoints and, eventually, increase our awareness. Moments like those are the ones we always experience during each edition of the BRIGHT Tradeshow in Berlin, and that’s why (and because they are already part of our big family) this event is established in our agenda with an indelible iron branding. In this edition, we surrounded ourselves with some of our fetish photographers, books, some Budweiser and friends who came and visited us in our booth, - located between the bar and the Obey Clothing space – where we mounted a photographic exhibition of some of the most acclaimed images that were published in our brand new books. Works from photographers such as: Rafael González, Mike O’Meally, Benjamin Deberdt, Mark Whiteley, Marcel Veldman, Jaka Babnik, J. Grant Brittain, Craig Stecyk, Jack Coleman, Brian Bielmann, Jeff Divine and Jeremy Koreski, offered an unmatched candy for the eye, framed for the delight of all the BRIGHT, and SEEK, visitors, who enjoyed with the mind-blowing images. As usual, when the night arrived, we went out to the Arena to ice skate on the court the city has, to then go to the LIDO to enjoy the BESA Awards, and finally end the evening at a crematorium where Converse Cons decided to host their particular party, besides other stands set up by Carhartt, WIP and Obey Clothing, where we continued to learn more about art, beers and dancing.

brighttradeshow.com

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REVIEW / BERLÍN / 20TH JANUARY 2016

CONVERSE CONS ONE STAR Hacía mucho frío, pero Berlin ni por esas pierde su encanto. La nieve le sienta bien. Las calles se tiñen de blanco y tú, con el gorro, los guantes y el forro polar como armas, la abrazas hasta que notas un escalofrío. Y es que a Berlin se va para sentir algo. Y allá que fuimos, un año más, a revivir el Bright Tradeshow con ganas de descubrir algo nuevo. Una de las noches, la más esperada, la búsqueda acabó en un gran bowl octogonal en el Silent Green Kulturquartier, un antiguo crematorio de la capital alemana, ¿morboso, eh? La ocasión merecía una localización espectacular: celebrábamos el regreso para esta Primavera de uno de los hijos pródigos de Converse Cons: el modelo One Star Pro. El acontecimiento comenzó con un Tour de este a oeste del Planeta Tierra donde los pros del equipo vivieron una gran experiencia que se recogió, como no, en un vídeo con las mejores partes de los riders del team en lugares como Rio de Janeiro, Buenos Aires, Shangai, Manchester, Seul o Kansas City. Pudimos disfrutar de la première mundial en pantalla gigante sobre el espectacular bowl. Pero no solo en un vídeo quedó el tema, también se han lanzado a la publicación de un súper libro de fotografías que recoge los mejores momentos de la expedición, fotos que se expusieron en la tercera planta del crematorio, junto a las lápidas. Y ahí, en medio de esa enorme sala, mientras sonaba muy apropiadamente Highway to Hell de AC/DC, nombres como Eli Reed (con el que tuvimos la oportunidad de sentarnos a charlar) se lanzaban a volar sobre la madera fresca del impresionante bowl, abierto a cualquiera que quisiera dejarse llevar por la energía que había entre esas cuatro paredes. Y parece que así, cuando menos te lo esperas Berlín te acaba enseñando alguna de sus mil caras. Y entonces, vuelves a sentir el escalofrío. Hacía mucho frío, pero Berlin ni por esas pierde su encanto. La nieve le sienta bien. Las calles se tiñen de blanco y tú, con el gorro, los guantes y el forro polar como armas, la abrazas hasta que notas un escalofrío. Y es que a Berlin se va para sentir algo. Y allá que fuimos, un año más, a revivir el Bright Tradeshow con ganas de descubrir algo nuevo. Una de las noches, la más esperada, la búsqueda acabó en un gran bowl octogonal en el Silent Green Kulturquartier, un antiguo crematorio de la capital alemana, ¿morboso, eh? La ocasión merecía una localización espectacular: celebrábamos el regreso para esta Primavera de uno de los hijos pródigos de Converse Cons: el modelo One Star Pro. El acontecimiento comenzó con un Tour de este a oeste del Planeta Tierra donde los pros del equipo vivieron una gran experiencia que se recogió, como no, en un vídeo con las mejores partes de los riders del team en lugares como Rio de Janeiro, Buenos Aires, Shangai, Manchester, Seoul o Kansas City. Pudimos disfrutar de la première mundial en pantalla gigante sobre el espectacular bowl. Pero no solo en un vídeo quedó el tema, también se han lanzado a la publicación de un súper libro de fotografías que recoge los mejores momentos de la expedición, fotos que se expusieron en la tercera planta del crematorio, junto a las lápidas. Y ahí, en medio de esa enorme sala, mientras sonaba muy apropiadamente Highway to Hell de AC/DC, nombres como Eli Reed (con el que tuvimos la oportunidad de sentarnos a charlar) se lanzaban a volar sobre la madera fresca del impresionante bowl, abierto a cualquiera que quisiera dejarse llevar por la energía que había entre esas cuatro paredes. Y parece que así, cuando menos te lo esperas Berlín te acaba enseñando alguna de sus mil caras. Y entonces, vuelves a sentir el escalofrío.

www.converse.com

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REVIEW / BERLÍN / 22TH JANUARY 2016

LAMONO BOOKS @19:28 TATTOO PARLOUR F: GINÉS PEDRERO

Barcelona. Berlín. Será que las dos empiezan por B. O que hemos pateado su suelo tantas veces que ya forman parte de las suelas de nuestros zapatos. Después de presentar nuestro nuevo proyecto en la ciudad que lo vio nacer, la siguiente parada natural no podía ser otra que la capital alemana. Y más cuando nuestros colegas de 19:28 Tattoo Parlour estrenan local en el nº 62 de Krumme Strasse, en Charlottenburg. Juntamos dos eventos en un uno y el resultado fue una unión natural entre las dos familias. Nos pasaron a ver el fotógrafo Eudes de Santana y el ilustrador-tatuador Adrian de Yzaguirre, de Ocho Cuervos, que tiene su estudio y su vida actualmente en Berlin, además de otros amigos y conocidos que se quedaron para recomponerse del Bright Tradeshow antes de volar a casa. El pequeño estudio de los Parlour nos acogió con su armario de puerta secreta, el licor KR/23 Kräuterlikör hecho en Neukölln, un catering a base de picante y mucho buen rollo hasta las tantas. Expusimos las fotografías de nuestros artistas en la cabina de tatuaje y sumamos un grado más de melancolía a nuestro viaje de invierno a la ciudad alemana. Veremos qué nos depara la primavera. Barcelona. Berlin. Maybe is because they both start with the letter B. Or because we have kicked its floor so many times that it has become part of our shoe soles. Anyway, after presenting our most recent project in the city that conceived it, the next natural step could be no other than taking it to the German capital, specially now that our friends from 19:28 Tattoo Parlour decided to open their second studio at the nº62 Krumme Strasse, in Charlottenburg. Two events that merged as one, and the result could be no other than the natural union between two families that love each other. Photographer Eudes de Santana came by to say hello, along Adrian de Yzaguirre, illustrator and tattoo artist from Ocho Cuervos, another tattoo studio located in Berlin; besides them, many other friends and acquaintances visited us, seizing the opportunity as the perfect one to recover from the Bright Tradeshow before flying back home. The small Parlour Studio greeted us with its secret door, some KR / 23 Kräuterlikör, made in Neukölln, and a spicy catering, which we enjoyed thanks to the good vibe, always present when we meet these guys, who entertained us until we forgot about the clock. We exhibited the pictures of our photographers in the studio and added a pinch of melancholia to our winter trip to the German city. We’ll see what surprises come along in spring.

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#106 · UNEXPECTED · MARCH · 2016 DIRECTORA Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep M. Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com TRANSLATION Felipe Duarte felipe@lamonomagazine.com CONTRIBUTORS REDACTORS Alejandro Cinque + Manuela Alcatraz + Eva Villazala + Felipe Duarte + Vicky Navarro Teo Camino + Antonella Sonza + David González + Núria Emilio + Núria Torres + Lledó Alfageme PHOTOGRAPHERS Luiza Lacava + Laia Benavides For circulation customer service in Spain please send an email to felipe@lamonomagazine.com International Distribution: France, Portugal, Germany, UK, US and Australia. For annual subscription please send an email to suscripcion@lamonomagazine.com or visit lamono store online. SUBSCRIPTION / 6 issues per year Spain: 40 euros / Europe: 50 euros / Other countries: 70 euros DEPÓSITO LEGAL: B 51664-03 ISSN: 2014–9395 LAMONO HEADQUATERS: Aribau, 15, 1º 1º, 08011 Barcelona T. +34 932724980

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