lamono #113 ENTSCHULDIGUNG

ART & RIDE LIFE ES 6 €, UK 8 £ FIND US ALSO IN: FRA, GER, USA, AUS

ENTSCHULDIGUNG L A M O N O V O L. # 113

Cover by Jane Hilton Carla Tramullas / Olivier Culman / Julia Baedcker / Fyodor Telkov Legi ALonso / Jane Hilton / Lantomo / Scott Sheffield 1

ES T. 2003

2

3

4

5

8

JESSE GUGLIELMANA RESERVE CHINO PANT

9

PAUL HART | THE MAHALO SG

Introducing Paul Harts’ new guest colorway of Mark Appleyard’s Mahalo SG. Globe’s Shogun cupsole adds greater support and flexibility with a deep cushioning footbed for impact control.

@globebrand | GLOBEBRAND.COM | est. Australia 1994

adidas SKATEBOARDING ×TOTAL× LOOK WWW.ADIDAS.ES PHOTO: LAURA ADÁN – WWW.LAURAADAN.COM MODEL: CARLA MONDEJAR Y CINTIA SHAPIRO THANKS TO: WWW.CASAGRACIABCN.COM

“FORT COMME UNE PAIRE D’AS”

adidas Skateboarding and Hélas are about to mix business with tennis. Sit back and marvel at the sparkle, equal parts sport and chill, as we embark on an exploration of ‘80s overindulgence through the eyes of the European jet set glitterati. C’est magnifique!

BRIXTON ×TOTAL× LOOK WWW.BRIXTON.COM SOCKS AMERICAN SOCKS WWW.AMERICANSOCKS.COM PHOTO: LAURA ADÁN – WWW.LAURAADAN.COM MODEL: MARÍA AMARO LUQUE THANKS TO: WWW.CASAGRACIABCN.COM

VOLCOM ×TOTAL× LOOK WWW.VOLCOM.ES PHOTO: LAURA ADÁN – WWW.LAURAADAN.COM MODEL: ROBERT PATRU THANKS TO: WWW.CASAGRACIABCN.COM

VANS ×TOTAL× LOOK WWW.VANS.ES SOCKS JAGERMEISTER PHOTO: LAURA ADÁN – WWW.LAURAADAN.COM MODEL: CINTIA SHAPIRO THANKS TO: WWW.CASAGRACIABCN.COM

DIAMOND SUPPLY×TOTAL× LOOK WWW.DIAMONDSUPPLYCO.COM PHOTO: LAURA ADÁN – WWW.LAURAADAN.COM MODEL: MARÍA AMARO LUQUE Y ROBERT PATRU THANKS TO: WWW.CASAGRACIABCN.COM

18

19

DIAMOND SUPPLY×TOTAL× LOOK WWW.DIAMONDSUPPLYCO.COM PHOTO: LAURA ADÁN – WWW.LAURAADAN.COM MODEL: MARÍA AMARO LUQUE THANKS TO: WWW.CASAGRACIABCN.COM

20

HERSCHEL×TOTAL× LOOK WWW.HERSCHEL.COM PHOTO: LAURA ADÁN – WWW.LAURAADAN.COM MODEL: CARLA MONDEJAR THANKS TO: WWW.CASAGRACIABCN.COM

21

TODOS LOS Dร AS SON LAS DOCE P. 24

OLIVIER CULMANN A PASO FIRME P. 32

no more

excuses Photography by

Julia Baedcker P. 44

FYODOR TELKOV

Del amor al perdรณn P. 56

Jane Hilton

No hay perdรณn en el viejo oeste P. 66

SANGRE HIRVIENDO (Historia de deriva atlรกntica) P. 74

22

Lantomo Entre la tristeza, el dolor y el perdรณn P. 92

PAUL HART

Asphalt Bones P. 116

Scott Sheffield

SUMARIO/INDEX

No dejes huella P. 104

BARCI IS THE PLACE TO BE adidas SKATE TEAM visits BARCELONA P. 118

SURVIBE The art of a shared journey

P. 128

23

ENTSCHU T: EVA VILLAZALA

24

Hay palabras que crean adicción, por lo menos a mí. Y ENTSCHULDIGUNG es una de ellas. Si la repites muchas veces, parece que vuelves a escena redimido, habiéndote vaciado de conflictos y llenado de humildad. Sabemos que no es la palabra oficial para sobrellevar el pecado, pero a nosotros nos funciona como bálsamo redentor, así que la convertimos en nuestra palabreja para pedir perdón, a los que herimos sin querer, a los que rozamos clavándoles una espina en el alma ignorando nuestra fuerza en la arremetida, a ellos y ellas les decimos ENTSCHULDIGUNG, un excuse mua, porque a veces cometemos errores sin ser conscientes, porque dañamos sin saberlo, pero eso no nos libra del pecado. Porque hoy queremos ser conscientes de que no somos dioses de la misericordia, ni nosotros ni nadie, vamos a lanzar este número para el perdón del aire, de la falta de escrúpulos, de la desigualdad, de la no-humildad de tantas veces, y todas cuentan. Vamos a intentar que nos absuelva el papel. Y para ello hemos convocado a sacerdotes de varias partes del globo. Comenzamos con las palabras de nuestra redactora Vicky Navarro y las fotos de Carla Tramullas, entre las dos piden perdón a nuestros mayores, mientras ellos envejecen nosotros volamos y al aterrizar ya no están y se quedan en la memoria como un tiempo arrugado, un reloj parado en las 12 en punto, entre una piel con manchas y una sonrisa de comprensión infinita. Seguimos con el frío en los huesos que nos provoca Fyodor Telkov que nació en Nizhny Tagil, en la frontera entre Europa y Asia, allí donde la industria convierte los sueños en humo que sale de una fábrica en forma de polución abusiva. Seguimos con Olivier Culmann y su creatividad en la serie donde compara la vida del soldado con los pollos envasados.

Somos así, nos envasan al vacío para participar en una guerra para la que no estamos preparados. Luego nos pasamos la vida entera pidiendo perdón. Legi Alonso viajó a las Azores y se sintió un insecto ante la inmensidad de la naturaleza, pide perdón “por haber arrancado hojas, pisoteado hormigas o meado en un río: no estáis aquí por mí sino conmigo”. Que así sea. Scott Sheefield es muy joven, pero quizá por eso tiene muy claro que hay que pasar por la naturaleza sin imprimir nuestra huella, dejando las cosas tal cual las hemos encontrado para que las futuras generaciones puedan disfrutarlas. Seguimos con lantomo y sus ilustraciones en blanco y negro, febriles, de personajes que buscan el perdón con esperanza, confiando en la capacidad humana para pasar página, porque de los errores se aprende y lo que no nos mata nos hace más fuertes, también en las relaciones. Y acabamos con Jane Hilton y sus personajes del sueño americano, ellos no tienen que pedir perdón por ser como son y a nosotros nos parece bien, porque no siempre hay que hacerlo y en este caso es así, que nos ame quién de verdad quiera amarnos y quién no, que hable ahora o calle para siempre.

LDIGUNG Some words can become an addiction, at least for me, and ENTSCHULDIGUNG is one of them. If you repeat it over and over again, many times, it seems like if you could go back to a state of atonement, free of conflicts and full of humbleness. We know it’s not the official word to redeem our sins, but for us it works as redemption balm, so we have turned it into our word to ask for forgiveness, to those we hurt unwillingly, to those we prick by stabbing their soul with a thorn, ignoring our strength, to all of them we say ENTSCHULDIGUNG, an excuse moi, because sometimes we make mistakes without knowing, we hurt obliviously, but that doesn’t render us innocent. Because today we want to be conscious that we aren’t compassionate gods, not us or anyone, so we are presenting this issue to scream forgiveness, for our lack of ethics, for the inequity we have embraced, for our repetitive loss of humbleness, for each and every one of our faults. We want to be acquitted through these pages, and for that we have appealed to various priests and priestesses, from different parts of the world. We start with the words of one of our writers, Vicky Navarro, and the photographs of Carla Tramullas, between both of them we apologize to our elderly, because while they grow older we fly away, and when we land back, many times they’re gone, but remain in our memory as a wrinkled paper, as a clock stuck on 12, as stained skin and an understanding smile. We continue with shivering bones due to the cold provoked by Fyodor Telkov, who was born in Nizhny Tagil, the virtual border between Europe and Asia, a place where the industry turns dreams into smoke coming out of a factory as abusive pollution. We continue with Olivier Culmann and his creativity, in a series where he compares the life of a soldier with packed chickens. A very effective metaphor, since we are vacuum packed to go fight in a war we are not ready for, to then spend the rest of our lives asking for forgiveness. Legi Alonso traveled to Azores and felt like an insect among the immensity of Mother Nature; he ask for forgiveness for “having ripped out leaves, stomped on ants and pissed on rivers: you are not here for me but with me”. Certainly. Scott Sheffield is very young, maybe that’s why he has so clear that we must relate with nature without leaving any traces, leaving everything as we found it, so that the future generations can enjoy it too. We continue with lantomo and her illustrations in black and white, feverish, of characters seeking hopefully for forgiveness, trusting in the human capacity to move on, because we learn from our mistakes, and what doesn’t kill us makes us stronger, even in our relationships. We finish with Jane Hilton and her American Dream characters, who have nothing to apologize for, because they are true to themselves, and we are fine with it, because is not always necessary to ask for forgiveness, like in this case; let us be loved by those who really want to love us, and those who don’t, speak now or forever hold your peace.

25

T: VICKY NAVARRO / F: CARLA TRAMULLAS

TODOS LOS DÍAS SON LAS DOCE

Un día me dijiste que estar a mi lado te daba fuerza, que aunque estuviéramos lejos el uno del otro, me llevarías siempre contigo. Te compraste un reloj de mano y prometiste que cada vez que la aguja marcara las doce te acordarías de mí. A esa hora, al mediodía, es cuando solía ir a tu casa todos los días. Yo me encargaba del aperitivo y tú cocinabas para los dos. El menú era siempre el mismo: judías verdes con aceite y sal (y algo más debían tener, porque nunca las he vuelto a probar tan buenas) y de segundo, pechuga de pollo super crujiente. Después íbamos a dar una vuelta por el barrio y, aunque había ciertos momentos de silencio, éstos nos unían todavía más.

Me enseñaste que a menudo es mejor callar que hablar de más, que si hubiera que pagar por cada palabra que se pronuncia, el mundo iría mejor. Así que a las palabras las sustituían los abrazos, las miradas y, de vez en cuando, algún suspiro. Al volver a tu apartamento y antes de marcharme, me pedías que te pusiera música. Te apasionaba escuchar a Frank Sinatra, Duke Ellington, Count Basie o Lionel Hampton, mientras descansabas en tu poltrona y pensabas en tus cosas. Tus pies se movían al son de las big bands norteamericanas y en los momentos más álgidos, incluso seguías la melodía con los brazos alzados y el dedo índice apuntando hacia el techo.

En esa época ya te habías jubilado, pero todavía eras bastante joven y yo una adolescente con muchos pájaros en la cabeza. En ocasiones se me hacía un poco pesado tener que repetir la misma rutina cada mediodía. Tenía muchas cosas que hacer, gente por conocer y experiencias que vivir, y sentía que aprovecharía más el tiempo si lo dedicaba a esos proyectos. Por eso, cuando me preguntabas cómo me había ido el día, a veces te respondía malhumorada. Incluso en ocasiones, me ponía a hacer cosas con el móvil para que pensaras que estaba ocupada y no me dirigieras la palabra. Entonces, acabé el instituto y decidí irme a vivir al extranjero, aprender inglés y buscarme un trabajo. En esos planes no entrabas tú. Por eso te

26

compraste aquel reloj, para en cierto modo, sentir que todavía estaba a tu lado.

Me costó despedirme de ti, pero una vez me instalé en mi nuevo apartamento, hice amigos y empecé mi nueva vida, dejaste de estar en mis pensamientos diarios. Nunca fui mucho de hablar por teléfono, de hecho, lo aborrezco bastante. Además, era innegable que a nosotros lo que nos unía no eran las palabras, sino los silencios, aquellos besos en la mejilla o los paseos cogidos del brazo. En ningún momento pensé que aquello podía desaparecer, en mi mente tú siempre ibas a estar en tu apartamento de Barcelona, esperándome. Hasta que un día recibí la llamada de mis padres para anunciarme que el Alzheimer se había agravado y que te costaba recordar las cosas más cotidianas, decías palabras inconexas y en los días malos, ni siquiera les reconocías. Yo ni siquiera sabía que sufrieras esa enfermedad.

Al poco tiempo, cuando conseguí escaparme de mi nueva vida en el extranjero, fui a visitarte. Fue lo primero que hice al llegar a Barcelona, porque temía que fuera demasiado tarde. Quería pedirte perdón por no haber estado a tu lado en los peores momentos, por haber escogido un camino lejos de ti, por no haber querido afrontar tu vejez y, sobre todo, por haberte respondido de malas maneras todas aquellas veces en las que no me apetecía ir a comer a tu casa, porque creía que tenía cosas mejores que hacer. Tú siempre me habías dicho que el perdón no se pronuncia, sino que se siente y se traspasa al otro, como una afección o enfermedad (porque a veces puede llevar consecuencias).

Lo que pasa es que ya habíamos callado por mucho tiempo y necesitaba decirte tantas cosas… quería explicarte con pelos y señales cómo me habían ido los últimos trescientos sesenta días de mi vida. Entré en tu habitación y te encontré sentado en tu poltrona marrón. Me miraste fijamente y, antes de que pudiera emitir un solo sonido, me dijiste adiós.

27

28

29

30

I remember one day you told me that being by my side gave you strength, that despite the distance between each other, I would always be with you. You bought a wristwatch and promised me that every time the needle hit twelve o’clock you would remember me. At that time, midday, was when I used to go to your house, everyday. I would be in charge of the aperitif and you would cook for two. The menu was always the same: green beans with olive oil and salt for starter -for sure they had something else, because I’ve never tasted better- and chicken breast for second, super crunchy. After eating we would go take a walk around the neighborhood, and though there were moments of silence, they only brought us closer.

You taught me that, more often than not, is better to remain silent than to talk too much, that if we had to pay for every spoken word, the world would be a better place. Hence words were replaced by hugs, looks and, now and then, a sigh. When we got back to your apartment and before I left, you asked me to put some music on. You were passionate about Frank Sinatra, Duke Ellington, Count Basie and Lionel Hampton, as you rested in your brown armchair, lost amid your thoughts. Your feet would move to the rhythm of the big American bands, and in the most intense moments, you would even follow the melody with your arms up high and index fingers pointing the roof.

You were already retired by then, though you were still young; I was a teenager, with a head full of dreams and ideas. Sometimes I found it dull, having to repeat the same routine every midday. I had many things to do, people to meet, experiences to live, and I felt I could seize life further if I focused myself to those other projects. That’s why, when you asked me how my day was, sometimes I would answer in a bad mood. Other times even, I would start using my phone, so that you would think I was busy and wouldn’t talk to me. By then I had already finished high school and decided to go live abroad, learn English and look for a job. You

didn’t fit in my new plans. That’s why you bought that wristwatch, to sense me in some way by your side.

It was hard saying goodbye to you, but once I had settled into my new apartment, made new friends and started my new life, you were no longer in my daily thoughts. I have never been a big fan of talking on the phone, actually I hate it. On top of that, it was undeniable that what brought us together were not words, but our silences, those kisses on the cheek, or the walks holding our hands. At no point I though that could vanish, on my mind you were always going to be there, in your apartment in Barcelona, waiting for me. Until one day I got a phone call from my parents to tell me that the Alzheimer had gotten worse, making it difficult for you to remember the most common tasks, that you had started talking incoherently and, on the bad days, you couldn’t recognize them. I didn’t even know you suffered from that disease.

Shortly after, when I managed to escape from my new life overseas, I went to visit you. It was the first thing I did as soon as I got to Barcelona, I feared it was too late. I wanted to apologize for not being by your side during the tough times, for having chosen a path away from you, for not facing your old days, and, specially, for having answered you in a bad mood all those times that I didn’t feel like going to have lunch at your house, because I thought I had better things to do. You always told my that forgiveness was not a matter of words, that it was felt and transferred to the other person, like an affection or a disease (since it can bring along consequences).

The thing is that we went silent for too long, and I needed to say so much... I wanted to explain to you thoroughly the past three hundred and sixty days of my life. So I walked into your room and found you sitting on your brown armchair. You looked straight at me and, before I could even utter a word, you said goodbye.

31

32

33

34

T: VICKY NAVARRO

OLIVIER CULMANN A PASO F IR ME

Aparentemente, no existe ninguna relación entre un pollo envasado y un soldado, exceptuando que ambos son seres vivos. Pero a menudo, lo que nos hace ser como somos es el camino que recorremos, cada paso que damos. Para un soldado, cada paso significa estar más cerca del final de una etapa y más lejos de la libertad. “Las inmutables etapas de la vida de un recluta, el invariable ritual de su cotidianidad bajo las órdenes de otros, es extrañamente similar a la no elección de un ave, a la anulación del libre albedrío que rige el destino de un pollo industrial”, explica Olivier Culmann. En 1996, el fotógrafo francés documentó el día a día de los últimos reclutas del contingente, unos meses antes de que se anulara el servicio militar obligatorio. Entonces, acababa de unirse al colectivo de fotógrafos Tendance Floue, que nació como un espacio de libertad en el que preservar su independencia.

At simple sight, there is no relationship between a packed chicken and a soldier, except for the fact that both of them are -or were- living creatures. Nonetheless, more often than not, the path we cover, every step we take, determines who we are. For a soldier, each one of these steps means to be closer to the end of a phase, further away from freedom. “The immutable stages of the life of a recruit, the invariable ritual of his daily life, following orders, is strangely similar to the lack of freedom a chicken has; the annulment of free will, which determines the destiny of a farmed chicken”, Olivier Culmann affirms. In 1996, this French photographer documented the everyday life of the last contingent recruits, a few months before the compulsory military service was revoked. By then, he had just joined the French photography collective Tendance Floue, which was conceived as a space to embrace freedom and to preserve their independence.

tendancefloue.net/olivierculmann/en

35

Tanto en el cuartel como en la cadena, el proceso de acondicionamiento se acerca a lo absurdo, hasta hacerte sonreĂ­r ante el ridĂ­culo espectĂĄculo de esta vida de pollos.

36

Dos años más tarde, se adentró en la industria avícola para retratar el proceso por el que millones de pollos pasan todos los años desde que nacen hasta que acaban en nuestro plato. “Colgados de las patas, desangrados y desplumados a una velocidad vertiginosa, los pollos destinados a terminar envueltos en celofán en el expositor refrigerado de un supermercado, son una imagen perturbadora de la aceleración loca y descerebrada de nuestro mundo consumible y consumista”, afirma Culmann.

La falta de consideración hacia estos seres vivos, que son maltratados y ejecutados para satisfacer una demanda desproporcionada, es el reflejo de una sociedad sin escrúpulos que prefiere cerrar los ojos ante ciertas situaciones. Observando ambas historias, Culmann se dio cuenta de que tenían en común más de lo que imaginaba: “Tanto en el cuartel como en la cadena, el proceso de acondicionamiento se acerca a lo absurdo, hasta hacerte sonreír ante el ridículo espectáculo de esta vida de pollos”.

Tanto una escena como la otra, muestran la deshumanización del hombre que, por un lado, es capaz de aparcar sus deseos y ponerse a las órdenes de su país y, por el otro, no tiene ningún reparo en acabar masiva y descuidadamente con la vida de unos animales para poder llenar nuestras estanterías y responder al consumismo.

El libre albedrío y el condicionamiento social son cuestiones fundamentales en la obra de Olivier Culmann. Pero, aunque son temas básico, en su obra suelen ir acompañados de ciertos toques de humor, rechazando el dramatismo con el que la mayor parte de fotógrafos documentan la realidad. “Así es como ellos ven el mundo o piensan que hay que representarlo”, dice Culmann, pero “lo que hay que entender es que la fotografía es muy subjetiva y eso es lo que la hace interesante”. Asumiendo esta subjetividad y para huir de una visión del mundo demasiado negativa, Culmann recurre muchas veces a “la ironía o la burla, y al humor como forma de expresión”.

También explica que, lejos de buscar “una forma fotográfica demasiado definida”, su objetivo ha sido siempre la experimentación de una fotografía que “cuestiona más que afirma o muestra”.

Con sus primeros trabajos se centraba en el sujeto, como hizo con “Une vie de poulet” (la serie sobre los soldados y los pollos), o “Les Mondes de l’école”, donde viajó por distintos países del mundo en busca de rastros de insubordinación y sumisión en las instituciones educativas. Más tarde, a principios de los 2000, buscaría interrogarse sobre el punto de vista, situándose al otro lado del campo de acción. En “Autour, New Yor”’, capta las miradas desoladas de los turistas y viandantes que pasean alrededor de la Zona Cero, tras el 11-S, mientras que con “Watching TV”, investiga el estado del cuerpo y el alma de los espectadores de un mundo que se filtra por la pantalla. “Cada proyecto ha significado una etapa necesaria para mi reflexión personal y ha permitido la concepción del siguiente proyecto”, explica.

Su trabajo “The Others”, por ejemplo, le ha llevado a vivir unos años en la India y a cambiar completamente su metodología. En esta ocasión, ha usado su propia imagen como instrumento, autorretratándose disfrazado de indio. Y es que, en una sociedad segregada como la india, hay varios elementos que constituyen la identidad de la persona, desde la religión o la clase social, hasta la casta, ocupación u origen geográfico.“En este sentido, ha sido probablemente uno de los proyectos más importantes de mi carrera”, afirma.

Al contrario de los pasos de un soldado, que se dirigen firmemente hacia un destino incierto, los de este fotógrafo son determinantes. Cada uno de ellos, definirá el rumbo de su carrera como fotógrafo y como persona. Cuando le pregunto sobre el monotema de este número, el perdón (ENTSCHULDIGUNG), y sobre si opina que perdonar puede también suponer el principio o el final de una etapa, Culmann responde que no cree en él. “La palabra perdón me suena un poco religiosa y no estoy muy familiarizado con este tipo de nociones, que me parecen un poco arcaicas”.

38

39

Two years later he delved within the poultry industry in order to depict the process through which millions of chickens go through every year, since the moment they are born until they land on our table. “Hanging by their legs, bled and plucked at a vertiginous rate, these chickens are destined to end up rolled in cellophane, exhibited on a refrigerator shelve in the supermarket; it’s a perturbing image that depicts the crazy and brainless acceleration of our consumable and consumerist world”, Culmann states. The lack of consideration towards these living creatures, who are maltreated and killed to satisfy a disproportionate demand, is the reflection of a society that lacks ethics, and which prefers to close its eyes in certain situations, rather than face them. After witnessing both stories, Culmann noticed they had a lot more in common than he imagined: “Both, in the barracks or in the chains, the conditioning process is almost absurd, to the point it can even make you smile before the ridicule spectacle this chicken life is”. The two scenes show the dehumanization of men, who, on one side, is capable of setting his desires aside to serve his country, but, on the other, has no objection against killing massively and carelessly millions of animals just to conciliate our consumerism.

Free will and social conditioning are fundamental aspects within the work of Olivier Culmann, but, despite that they are vital subjects, they always come along with a tinge of humor, rejecting the drama with which many other photographers portray reality. “That’s how they see the world, or believe it must be represented”, Culmann says, but, “what we have to understand is that photography is very subjective and that’s what makes it interesting”. By assuming this subjectivity, and in order to escape from a too-negative vision of the world, Culmann appeals many times on “irony and mockery, to humor as a means of expression”.

In his first projects he focused on the subject, as he did in “Un vie de poulet” -the series about chickens and soldiers-, or “Les Mondes de l’école”, for which he traveled across different countries around the world looking for traces of insubordination and submission within educational institutions. Later, by the beginning of the new millennium, he would start to question the importance of personal perspective, placing himself on the other side of the action field. In “Autour, New York”, he captures the desolated faces of the tourists and pedestrians walking around Ground Zero after 9-11; while on “Watching TV”, he examines the bodies and souls of a worldwide audience that perceives the world through the screen of a television. “Each project has constituted a different stage, necessary for my personal reflection, and has allowed the conception of the next”, he explains. His series “The Others”, for example, lead him to live some years in India, changing his methodology completely. In this occasion he employed his own self as instrument, through self portraits wearing the traditional Hindi garments. In such a segregated society as the Indian, there a countless elements that constitute the identity of an individual, starting with religion and social status, to chaste, occupation and geographical origin. “In this sense, it has been, probably, one of the most interesting projects of my career”, he states.

Contrary to the marching of a soldier, who goes straight and decided to an uncertain destination, the steps of this photographer are determinant. Each one of them defines the course of his career and his life. When I asked him about this issue’s title, ENTSCHULDIGUNG, and if he thinks that forgiveness can mark the beginning or the end of a chapter, Culmann answered that he doesn’t believe in it. “The word forgiveness sounds a little bit religious, and I’m not acquainted with these kind of notions, which I believe are quite archaic”.

40

Both, in the barracks or in the chains, the conditioning process is almost absurd, to the point it can even make you smile before the ridicule spectacle this chicken life is.

41

42

43

44

45

46 SHIRT SCOTCH & SODA

no more

excuses Photography by

Julia Baedcker ASSITANT: ANTONELLA SONZA ESTILISM: LAMONO MODEL: ALESSA MAKE UP: ESTHER CONDE (CAZCARRA IMAGE GROUP) LOCATION: ERMITA SANT RAMÓN. SANT BOI DE LLOBREGAT (BARCELONA)

47

48 DRESS VOLCOM. SUNGLASSES D’BLANC. HAT BRIXTON

SHIRT SCOTCH & SODA

49

50 DRESS SCOTCH & SODA

51

52 TOP AND SKIRT VOLCOM HELMET HARLEY-DAVIDSON

53

54 SHIRT AMUSE SOCIETY HAT BRIXTON

55 JACKET VOLCOM (GEORGIA MAY JAGGER COLLECTION) SNEAKERS NIKE

56 JACKET SCOTCH & SODA SKIRT ROXY

57

58

T: FELIPE DUARTE

FYODOR TELKOV

Del amor al perdón

Aquello que nos rodea determina nuestros intereses, gustos y expectativas, en definitiva, quienes somos. Fyodor Telkov nació en Nizhni Tagil, una ciudad industrial rusa ubicada en la frontera virtual entre Europa y Asia, fue allí donde su amor por la fotografía nació. En sus capturas vemos rostros afligidos, imágenes monocromáticas llenas de sentimiento, en algunos casos sombras misteriosas que nos llenan de preguntas; ¿quién es el ser humano? ¿Cómo es nuestro entorno? ¿Qué hemos hecho para adaptarlo a nuestras necesidades? ¿A costa de qué? A medida de que el tiempo pasa, la Tierra como la conocemos pierde sus recursos, aquellos que nos ayudan a sobrevivir, en gran medida por culpa del sistema capitalista y su tremenda fuerza industrial. Al fin y al cabo, ¿a quién debemos pedirle perdón y perdonar, al ser humano como especie o a nosotros mismos como individuos?

That which surrounds us determines our interests, tastes, and expectations, eventually, who we are. Fyodor Telkov was born in Nizhni Tagil, an industrial city located in the virtual Russian frontier between Europe and Asia; it was there where his love for photography began. On his snaps we can see afflicted faces, monochromatic images full of emotion, and, in some cases, mysterious shadows that swamp us with doubts: who is the human being? How is our environment? What have we done to adapt it to our needs? At what cost? As time goes by, Earth as we know it, loses its resources, those that keep us alive, mainly because of the capitalist system and its tremendous industrial power. At the end of the day we all need to ask: to whom must we plead for forgiveness and forgive, the human specie as a whole or ourselves as individuals?

fyodortelkov.ru 59

60

61

LA FOTOGRAFÍA SIEMPRE CAPTURA MÁS DE LO QUE EL OJO VE. ¿Cómo y cuándo comenzó tu relación con la fotografía? Me interesé por la fotografía mientras cursaba el primer año en la Academia. Luego trabajé como seguridad nocturno en una tienda, donde mostré e imprimí unas fotos que hice de los habitantes de esa zona de la ciudad donde vivía. Por la noche revisaba la fotos que imprima durante el día. Eran fotos de familiares en su mayoría, de viajes y vacaciones. Yo quería hacer algo diferente. Luego empecé con mis primeros experimentos en la fotografía. Era consciente de la experiencia dentro del mundo moderno de la fotografía.

Todo ello llegó después. Estudié para ser profesor de Bellas Artes, pintura y diseño gráfico. Tuve grandes profesores, todos ellos eran artistas y nos enseñaron acerca de la libertad creativa. Durante el segundo año en la universidad provincial, nos visitó una delegación de la República Checa, entre la cual, afortunadamente, se encontraba el dueño de una galería fotográfica de Cheb. Este encuentro fue decisivo para mí. Hizo que conociese a otros fotógrafos famosos, talleres, etc. En el 2008 un amigo y yo decidimos que queríamos trabajar con un sujeto más serio, y empezamos a hacer los primeros reportajes sobre albergues de niños y el servicio policíaco. Queríamos alejarnos de la abstracción de la escuela de arte, de la academia, y hacer algo que hablase de la vida real en diferentes segmentos de la población. Así que comencé a trabajar con un fotógrafo documentalista y con énfasis en Bellas Artes. ¿De qué manera, el hecho de haber nacido en Nizhny Tagil, ubicado en la frontera virtual entre Europa y Asia, ha determinado tu personalidad, y por lo tanto tu trabajo fotográfico? Creo que el lugar donde naces influye en gran medida. Para mí, ha definido el rango de temas que me interesan. Nizhny Tagil o Pervouralsk, no importa. Me interesa su industria, su gente, la mitología, las prisiones y la naturaleza.

Muchas de tus fotografías elegidas para este número de la revista pertenecen a tu serie titulada ‘Smog’. ¿Intentabas transmitir algún tipo de crítica a través de ella? No es una crítica. Este proyecto ha estado en marcha desde el año 2008, y de hecho son imágenes de lo que me rodea a diario. Es un intento por analizar la región Ural a través de un prisma de las relaciones humanas y la industria.

Hace algunas semanas, el científico Stephen Hawking afirmó que a la humanidad solo le quedan 100 años sobre la Tierra. ¿Qué opinas acerca de la excesiva contaminación producida por las grandes potencias mundiales como lo son Rusia y los Estados Unidos? Por supuesto que este cálculo me asusta. Pero para mí es difícil hablar de un proceso tan grande y global. Está claro que nuestros países son altamente polutivos, pero yo no sé cómo puedo influir en la situación. Tan solo puedo decirte lo que siento y observo. ¿Por qué decidiste fotografiar las imágenes de dicho proyecto en blanco y negro? La fotografía en

62

blanco y negro te permite asociar imágenes tomadas en diferentes momentos del tiempo y con diferentes técnicas. Además, esta solución monocromática resalta a la perfección el estado anímico que yo quería transmitir en esta serie. ¿Qué te inspira? Hay muchas cosas que me inspiran.

Por supuesto la vida y toda su diversidad. Muchas veces consigo inspiración del arte clásico y de la literatura, así como de archivos fotográficos.

En tu opinión, ¿en qué se diferencia la fotografía del arte? Para mí la fotografía es una forma de arte.

La única diferencia es que una fotografía siempre captura más de lo que el ojo ve.

Las localizaciones y las condiciones climáticas parecen ser un aspecto crucial en de tu trabajo fotográfico. ¿Cómo haces para manejar estos factores tan impredecibles? Soy una persona a la que le gusta observar. Creo que el clima y las condiciones de la naturaleza logran transmitir muy bien la atmósfera de un lugar, así como mis experiencias. ¿Qué equipo sueles utilizar? Para diferentes proyectos intento utilizar técnicas diferentes. Aunque dentro del mismo proyecto utilizo la misma técnica. Para ‘Smog’ trabaje únicamente con una cámara digital Canon EOS 5D Mark II, y un lente de 24 - 75 mm. ¿Qué fotógrafos o artistas te han influenciado más?

Me gustan los maestros del Renacimientoy Katsushika Hokusai. Entre los fotógrafos: Eugene Smith, Martin Parr, Alecc Soth, David LaChapelle, pictoralistas.

El monotema de este número de la revista es ENTSCHULDIGUNG. Como individuo, ¿te gustaría disculparte por algo en particular? Primero de todo, ante todos aquellos a quienes amo y me aman.

Me parece que les causo muchos problemas a mis familiares.

Si pudieses disculparte en nombre de toda la humanidad, ¿por qué pedirías perdón? От имени

человечества я бы извинился перед самим человечеством. “Si tuviese la oportunidad de discul-

parme en nombre de toda la humanidad, le pediría perdón a la humanidad misma.”

¿Crees que a la raza humana le hace falta saber perdonar? La raza humana es un elemento, como la erupción de un volcán. Las personas son inteligentes por separado, pero cuando se unen se convierten en lava. ¿Cuáles son tus próximos planes para este año?

Ahora estoy trabajando en varios proyectos a la vez.

Algunos de ellos continuarán por varios años más.

En otoño presentaré un proyecto basado en el culto al valor hecho en Osetia del Norte.

63

64

65

66

PHOTOGRAPHY ALWAYS CAPTURES MORE THAN THE EYE CAN SEE

When and how did your relationship with photography start? I became interested in photography during my first year at the Academy where I studied. Then I worked as a night watchman in a store, where I had the opportunity of showing and printing the photos I captured of the inhabitants of that part of the city where I lived. At night I reviewed the photos that I had printed throughout the day.

They were mostly family photos, from travels and vacations. Though I wanted to do something different. Then I began my first experiments with photography. I was not aware of the modern photographic experience. All that came later. I studied to be a Fine Arts teacher, focusing on painting and graphics. We had great teachers there, they were artists and taught us about creative freedom. During the second year in our provincial University, a delegation from the Czech Republic visited us, among them, fortunately, there was the owner of a photographic gallery in Cheb. This meeting was decisive for me.

It was followed by the acquaintance of famous photographers, participation in workshops, etc. In 2008, a friend and I decided that we wanted to work on a serious subject, and began to make our first photographic reports on children’s homes, police service, etc. We wanted to get away from the abstractism of art school, which we were taught at the Academy; we wanted to do something related with the real life of different segments of the population. So I began to work simultaneously with a documentary and fine arts photographers.

In which ways being born in Nizhni Tagil, located near the virtual border between Europe and Asia, has determined your personality and, hence, your photographic production? I think that the place of birth really matters. For me, it defined the range of topics that interest me. Nizhny Tagil or Pervouralsk it does not matter. I’m drawn into its industry, people, mythology, prisons, nature.

Most of your photographs featured in this issue come from your ‘Smog’ project. Were you aiming to convey some kind of criticism through it? It’s not a criticism. This project has been running since 2008 and in fact, they’re pictures of what surrounds me on a daily basis. That’s what it is, an attempt to analyze the Urals through the prism of human relations and its industry.

A few weeks ago Stephen Hawking affirmed that humanity has 100 years left on planet Earth. What do you think about this and the excessive contamination produced by world superpowers such as Russia and the United States? Of course this figure scares me. But it’s hard for me to talk about such a global process. Clearly our countries are highly polluting, but I do not know how I can influence the situation. I can only tell what I feel and observe.

Why did you decide to shoot the photographs of this project in black and white? Black and white photography allows you to associate pictures taken at different time periods and with different techniques.

In addition, this color solution perfectly highlights the mood that I wanted to convey in this series.

What inspires you? I have a lot of things that inspire me. Of course, life in all its diversity. I often draw inspiration from classical art and literature, as well as from photographic archives.

In your opinion, what differentiates photography from art? For me photography is the same as art. The only difference is that photography always captures more than the eye can see.

Locations and weather conditions seem to be a crucial aspect in your photographic work. How do you handle these unpredictable factors? I’m a person who likes to behold. I think factors such as weather and the conditions of nature convey the atmosphere of a place very well, as well as my experiences.

What kind of equipment do you use? For different projects I try to use different techniques. And I use the same technique within the same project. For “Smog” I only used a digital camera, a Canon EOS 5D Mark II, and a 24-75 mm lens.

Which artists or photographers have influenced you the most? I like the Renaissance masters, I like Katsushika Hokusai. Among the photographers: Eugene Smith, Martin Parr, Alec Soth, David La Chapelle, pictorealists.

T his issue’s t itle is ENTSCHULDIGUNG. As an individual would you like to apologize for anything in particular? First of all, before those whom I love and those who love me. It seems to me that I am giving a lot of trouble to my relatives.

If you could apologize in the name of all humankind, what would you apologize for? От имени че ловечества я бы и зв ини лся перед са ми м человечеством. (If I had the chance to apologize in the name of all humankind, I would apologize to humankind itself.)

Do you think the human specie lacks forgiveness?

The human specie is an element, like the eruption of a volcano. People are intelligent on their own, but when their in mass they turn into lava.

What are your upcoming plans for this year? Now I’m working on several projects at once. Some of them will continue for several years. In autumn I will present a project about the cult of courage that happens in North Ossetia.

67

68

T: FELIPE DUARTE

Jane Hilton No hay perdón en el viejo oeste

Jane Hilton es una fotógrafa inglesa cuya su pasión se encuentra en el oeste americano, en su hermosa luz y en todos esos personajes que lo hacen único y formidable, como una película imposible de olvidar; vidas ordinarias con historias extraordinarias. Su ojo le permite captar una belleza difícil de describir pero que colma el alma con orgullo y fortaleza, sin importar el aspecto físico de sus sujetos, quienes desafían los cánones tradicionales de aquello que es considerado como bello, estoicos. En un mundo donde ser diferente muchas veces es entendido como una ofensa, es importante resaltar el valor del individuo y la manera en la cual cada persona nos puede inspirar, porque a veces pedir perdón cuesta, pero muchas otras es innecesario.

Jane Hilton is an English photographer whose passion resides in the Wild West, in its beautiful light and in all those characters that make it unique and formidable, like a movie that is hard to forget; ordinary lives with extraordinary stories. Her keen eye allows her to see a beauty hard to describe, but which endows the soul with pride and strength, regardless of the physical aspect of her subjects, who defy the traditional beauty canons, remaining stoical. In a world where being different is sometimes understood as an offense, it’s important to highlight the value of the individual, and the way in which every body can inspire us; because sometimes asking for forgiveness is complicated, but many others unnecessary.

janehilton.com

69

70

71

ES DIFÍCIL PEDIR PERDÓN, YA QUE TIENES QUE AFRONTAR EL PROBLEMA Y SER HUMILDE.

En tus inicios estudiaste para ser músico clásico y te graduaste con honores en Música y Artes Visuales en la Universidad de Lancaster. ¿Cómo realizaste la transición hacia la fotografía? ¿Cuándo y qué hizo que decidieras que esta sería tu carrera? Como parte de mi programa en Artes Visuales en la Universidad de Lancaster, hice unos cursos en fotografía; nunca antes había pensado en ella para ser honesta, y simplemente ¡me enganchó! Mi instrumento principal en la música era el piano, pero no era lo suficientemente buena como para ser una pianista solista, que era lo que quería ser. Por otro lado, me fue muy bien con la fotografía, y al terminar la universidad conseguí un trabajo en Londres como aprendiz de tres fotógrafos comerciales. Me encargaba de mantener sus estudios y les ayudaba en sesiones de fotos publicitarias y con bodegones, desde entonces no he vuelto a mirar hacia atrás.

Gran parte de tu trabajo gira entorno al oeste americano. ¿Qué es lo que te atrae tanto de esta cultura? Creo que el hecho de que, aunque hablamos el mismo idioma, su cultura sea tan diferente a la europea. La primera vez que viajé a los Estados Unidos fue a Tucson, Arizona, y no podía ser más diferente al lugar donde yo crecí. Cielos sumamente enormes y panorámicos con montañas a una gran distancia y la luz más preciosa que haya visto. Todo era muy cinematográfico, lo cual me atrajo mucho, y la parte excéntrica de su cultura también me fascinó; el hecho de que ‘solo en América’ se podían llegar a ver cosas así, una capilla para bodas en plena carretera o en un burdel en la mitad del desierto.

Para muchos artistas, por lo general, el aspecto de negocio les parece aburrido y lo evitan. Si tuvieses que destacar tres factores dentro de este aspecto, indispensables para lograr sobrevivir en este mundo, ¿cuáles serían? Tener un sistema contable fácil de utilizar, de esta manera se evitaría el terrible caos al final del año, corriendo y sufriendo buscando recibos, para luego tener que pagar un dineral en impuestos. El buen manejo del tiempo también es indispensable, así te puedes librar de todas esas cosas esenciales con respecto al ‘negocio’ lo antes posible y dedicarte plenamente a tus talentos creativos. Cumplir con los plazos y fijarte fechas límite también es esencial para manejar todo y cumplir con todo lo que debes hacer.

Muchas de las fotografías que aquí aparecen son de tu serie ‘Legends of the Burlesque’, donde podemos ver mujeres inusuales, mas aún llenas de confianza y orgullo, a pesar de lo que la tradición machista y conservadora condenaría. ¿Qué te llamó la atención sobre ellas? La revista Highlife me pidió que fuera a Las Vegas a fotografiar a estas ‘leyendas’ en su convención anual. ¡Estas mujeres me parecieron tan inspiradoras! La primera noche del fin de semana se presentaron sobre el escenario e hicieron su número, ¡algunas con sus ochenta años! Me hizo tan feliz verlas aceptar su edad y sus cuerpos. Fotografié tantas como pude durante ese fin de semana, luego continué el proyecto cuando se fueron de Las Vegas, retratándolas en sus hogares.

¿Cómo definirías el ‘Sueño Americano’ y qué papel juega la palabra libertad en éste? El ‘Sueño Americano’ hace que cualquier cosa sea posible. Hollywood juega un rol muy importante en ello, al igual que el oeste americano, donde la hermosa luz hace que todo se vea y se sienta mejor. Para los americanos, el ‘Sueño Americano’ significa tener la libertad de conseguir una vida mejor, el hacer de una pequeña idea o negocio una corporación multimillonaria. Ellos se enorgullecen de tener la inspiración y las herramientas necesarias para hacer sus sueños más salvajes realidad.

El monotema de este número de la revista es ENTSCHULDIGUNG. ¿Para ti que es más difícil, pedir perdón o perdonar? Creo que siempre es más difícil pedir perdón, ya que tienes que afrontar el problema y ser humilde. Me parece mucho más fácil perdonar, ya que en dicho caso es más fácil encontrar cosas positivas para seguir adelante con tu vida, que ya de por sí es corta.

Hoy en día, las artes, como lo son la música, la fotografía y las artes plásticas, parecen ser más accesibles para las nuevas generaciones, sin embargo también es más difícil lograr vivir de ellas. ¿A dónde ves que se dirige esto? ¿Crees que en el futuro todos los artistas pasarán hambre? Sinceramente espero que no. Aunque históricamente los artistas siempre han tenido que luchar y pasarlo un poco mal, así que las cosas no han cambiado mucho en ese sentido. Sí creo que el enorme volumen de gente trabajando con el arte ha contribuido a que éste se haya devaluado en algunos lugares. Muchos de los artistas que conozco necesitan tener otros ingresos para poder sobrevivir.

¿Estás trabajando en algún proyecto que te gustaría compartir con nuestros lectores? Un par de proyectos en los Estados Unidos, uno de archivo y otro nuevo, pero no puedo decir mucho más al respecto ya que están en una fase muy primaria. El otro es un documental sobre el circo y el último domador de leones del Reino Unido, quien todavía se presenta con leones y tigres, a pesar de la presión por parte de los activistas por los animales y los cambios en la sociedad que han llevado a que su práctica ya no sea aceptable.

Llevo filmando tres años y parece que todavía nos queda un año más para terminar.

72

¿Hay algo por lo que te gustaría pedir perdón de manera pública?

No que yo sepa.

73

IT’S HARD TO ASK FOR FORGIVENESS, WHERE YOU HAVE TO CONFRONT THE PROBLEM AND ULTIMATELY BE HUMBLE.

You started out as a classical musician, graduating with a BA (Hons) in Music and Visual Art from Lancaster University. How was your transition to photography? When and what made you establish it was going to be your career? As part of my Visual Arts degree at Lancaster, I did part of it in photography, which I had never thought of, and just got hooked! My main instrument in music was the piano and I wasn’t good enough to be a solo pianist, which is what I wanted to do, but I did really well in Photography, and after getting my degree I found a job in London as an apprentice to 3 commercial photographers. I looked after the studio and helped them out with still life and advertisement shoots, and never looked back.

Most of your work revolves around the American West. What is it about the American culture that draws you into it so much?

I think that, even though we speak the same language, their culture is so different to a European one. My first visit ever to the United States was to Tucson, Arizona, and it couldn’t have been more different from where I grew up; huge vast panoramic skies with mountains in the distance and the most gorgeous light. It was very cinematic, which was very appealing to me; the eccentric quirky side of their culture also influenced me, the fact that ‘only in America’ you would see those things, whether if it was a drive through wedding chapel, or a brothel in the middle of a desert.

For most artists usually the business aspect seems dull and they try to avoid it. If you had to list three key things within the business side of being an artists, indispensable to make it in the field, which ones would they be? Have an easy to use ‘account system’, avoiding the horrendous chaos at the end of the year when you are running around looking for receipts, etc., and therefore get a huge tax bill to match. Time management is also key, so you can get rid of all the boring essential business stuff quickly and then focus on your creative talents. Deadlines are also essential in order to juggle things and get everything done.

Most of the photographs featured in this issue come from your series ‘Legends of the Burlesque’, which depict these unusual woman, full of confidence and pride, despite what conservative or patriarch beliefs would condemn. What called your attention about them? I was commissioned by Highlife Magazine to go to Vegas and photograph the ‘legends’ of burlesque at their yearly convention.

I found these women so inspiring! The first night of the weekend introduces all the legends, they come on to the stage and still perform, some of them being in their eighties! It made me smile so much to see women embracing their age and defying their bodies. I photographed as many as I could over the weekend, but then continued the project after Vegas, and went to their homes.

How would you define the ‘American Dream’ and what role does the word freedom play in it? The ‘American Dream’ makes anything possible. Hollywood plays a big part in it, and the American West, where the beautiful light adds to everything looking and feeling good.

For Americans, the ‘American Dream’ means you have the freedom to make a better life for yourself; from a small idea or a small business that you can turn into a multimillion dollar corporation. They pride themselves that they have the inspiration and tools to make your wildest dreams come true.

This issue’s title is ENTSCHULDIGUNG. For you what is harder, asking for forgiveness or to forgive? I think it is always harder to ask for forgiveness, where you have to confront the problem and ultimately be humble. I find it much more easy to forgive, where I can see lots of positive reasons to move on, in a life which is relatively short anyway.

Nowadays the arts, such as music, photography and fine arts, look way more accessible to the younger generations, nonetheless it seems harder to make a successful living out of them. Where do you see this going? Do you think that in the future all artists will be starving artists? I sincerely hope not. Although artists have always struggled historically, so not much is different there. I do think that the huge volume of people working in the arts has contributed to it being devalued in some places. Most of the artists I know need to have other forms of income in order to survive.

Are you currently working on any project you would like to share with our readers? A couple of projects back in the US, one an archival one and one a new one, but I can’t really say much at the moment, as it is very early days... the other is a documentary film about the circus, and the last lion tamer in the United Kingdom, who still performs with lions and tigers, despite the ongoing pressure from animal rights activists and a changing society that finds it no longer acceptable. I have been filming this for the past three years, and it looks like it might be another year before it will be finished.

74

Is there anything you would like to apologize for publicly?

Not that I am aware of.

75

76

SANGRE HIRVIENDO (Historia de deriva atlรกntica) FOTO: JOSร ALBERTO PRIETO Y LEGI TEXTO: LEGI / BACKREAL.EU

77

78

79

80

Sólo los muertos y la basura se dan el capricho de permanecer quietos en Berlín. Hasta los monumentos quiebran la rigidez y parecen cobrar vida más allá del mármol mientras las fachadas reviven a través de los carteles y las pintadas. ...Siempre sucediendo algo, un segundo tras otro. Infatigablemente.

está en verdad a dos días de camino de mi casa. Las olas por las que pierdo la cabeza y el alma existían antes que yo y lo seguirán haciendo después de que me haya muerto. Ninguna me echará en falta y así permanecerán, jugando a coger hasta el final de los días cuando el pasado ya no importe y no exista el futuro.

Tras nuestra primera incursión berlinesa para el proyecto Backreal.eu, las calles de Cádiz y Lisboa se apoderaron de nosotros hasta tal punto que una mañana nos despertamos con hambre de vacío y silencio.

De ahí que la elección de nuestro siguiente destino, Azores, viniese marcada por el aislamiento y la inmensidad remota del Atlántico norte.

Todo cuanto me rodea es fruto del azar más frágil y bello: la niebla que se arrastra por esa colina como queso fundido; la luz del sol derramándose después de la lluvia... Incluso el agua termal de las calderas que permanece a 39º: tres grados más y me quemaría.

Tres grados menos y ya no resultaría tan reconfortante. ¿Acaso no es la vida el mayor homenaje al azar?

Azores es una grieta en el mar, un lugar abandonado y salvaje fruto de la lucha a muerte entre tres placas continentales con la sangre hirviendo. Lo que en su día fue un desierto yermo y oscuro es hoy una tierra rica, frondosa, brutal... Hileras de volcanes coronan como dioses soñolientos bastas extensiones prados, colinas y bosques. Lagos verdes y azules bañan las cicatrices más profundas de una infancia violenta. Y la lava, dispuesta caprichosamente bajo el océano por el azar y los siglos, da forma a unas olas por las que merece la pena adentrarse en la nada. Nada es evidente en Azores.

Todo permanece escondido, callado, quieto. Nada de lo que veo tiene algo que ver con las viejas ciudades europeas. Aquí el silencio es una opción que se disfruta y la oscuridad no provoca temor. Por eso Azores permanece oculta en el mapa y aguarda, perdida en el mar y en el tiempo, la visita de alguien cansado de tanta mentira.

¡”Disfrútalo”!, me susurra Azores, “pero no te equivoques, no está hecho así para ti”.

Yo he despertado. Azores se ha encargado de ello.

Antes de ir todo era pequeño y yo era grande. Todo estaba hecho a mi medida: la olas, el clima, la tierra...

Yo mandaba; el universo obedecía.

La lluvia era un castigo por mi mal comportamiento.

La marea... Un toro desbocado que intentaba puñarme.

Y el viento no parecía despeinar otra cabeza que la mía.

Pero yo soy sólo un hombre; un insecto. Azores me lo ha dicho.

Lo que sobre una pantalla tiene el tamaño de una uva,

Yo estoy aquí por las olas y ellas lo están por la lava.

La lava nació de la tierra y no hay tierra sin agua. El agua coloreó la lava de verde y repartió flores y bosques sobre lo que podría haber sido un trozo de roca muerta. El aire es puro aquí porque esta tierra permanece alejada del hombre y una exhalación de azufre me recuerda que el planeta late mientras sigo buscando las palabras exactas que expresen lo que siento. ...Y buceando en mi pecho, en mitad del Atlántico, llegué a encontrarlo y sentí vergüenza.

Lo siento. Pido perdón por ser un hombre, un insecto, y haberme creído más importante que una roca o un árbol. Perdón por haber arrancado hojas, pisoteado hormigas o meado en un río: no estáis aquí por mí sino conmigo. Por fin he comprendido...

Pido perdón a quien deba o a quien quiera escuchar. ¡Al fin he despertado! Creedme.

Azores me ha despertado con su dulce melodía de azar.

Miradla desde el aire tan quieta, tan sola, tan sabia...

Tan diferente a Berlín y a la vez igual: hija de la sangre. ¡Cuánta lucha ha presenciado tu suelo!

La miro por última vez mientras la frente se me quiebra al contemplar su costa ruda. Ya no soy el mismo de hace una semana. ¿Y si nunca hubiera venido? ¿Y si dejase de llover para siempre? ¿Y si hubiesen ardido en un incendio todas las partituras de Beethoven?

81

82

83

84

Only those who are dead, and the garbage, can allow themselves to stay still in Berlin, where even the monuments shatter any possible glimpse of stiffness, and seem to come alive breaking their marble rind, while the façades resurrect through the posters and graffiti...

There’s always something happening in this city, one second after the other, untiring.

After our first Berliner incursion for the Blackreal.eu project, the streets of Cadiz and Lisbon took hold of us, to the point that one day we woke up hungry for silence and void. Hence the election of our next destination, Azores, a place characterized by its isolation and the vast immensity of the Northern Atlantic Ocean.

Azores is a crack in the middle of the ocean, an abandoned wild place, fruit of the never-ending struggle among three tectonic plates and their boiling blood.

What once was a savage desert, today is a rich land, verdant, amazing... A line-up of volcanoes rise up like sleepy gods before broad extensive meadows, hills and forests. Green and blue lakes cover the deepest scars that come from a violent childhood. And the lava that runs whimsically under the ocean by chance gives shape to magnificent waves that deserve a soulful engagement with nothingness. Because nothing is clear in Azores, everything remains hidden, still, quiet.

Nothing I see here reminds me of the European cities.

Here silence is an option to be enjoyed, and darkness is source of no fear. That’s why Azores remains invisible in the map and waits, lost in time and sea, for those who are tired of all the bullshit.

I’ve been awoken; Azores made it happen.

Before, everywhere I went to was small and I was big.

Everything was custom made for me: the waves, the weather, the land... I ruled; the Universe followed.

The rain was a punishment for my bad behavior; the tide... an unleashed bull trying to spear me, and the wind seemed to only blow my hair.

But I am just a man, Azores told me so.

What on a screen has the size of a grape, it’s actually two days away from home. The waves that drive me crazy and gratify my soul have existed long before I

did, and will be there long after I’m gone. They will not miss me and stoic will remain, playing by themselves until the end of time, when the past no longer matters and the future has dissolved.

Everything that surrounds me is the result of the most beautiful and fragile chance: the fog that slides over that hill like grilled cheese; the sunlight that spatters after the rain... Even the thermal waters that remain at 39ºC: three degrees more and I would burn myself; three degrees less and they wouldn’t be so comforting.

Isn’t life the greatest homage to chance?

“Enjoy it!”, Azores whispers, “but don’t get confused, this wasn’t made for you”.

I am here for the waves and they are here because of the lava. Lava that was born from the land, and there would be no land if there was no water. The water that turned the lava green and covered it with flowers and forests, on what might as well could have been a piece of dead rock. The air is pure in Azores because this land remains untouched by men, and a sulfuric ventilation reminds me that the planet keeps on pulsating while I try to find the precise words to express how I feel. ...And as I dive in my chest, amidst the Atlantic Ocean, I find them and feel ashamed.

I’m sorry. I’m sorry for being a man, an insect, for believing I was more important than a rock or a tree.

I’m sorry for having ripped out leaves, stomped on ants and pissed on rivers: you are not here for me but with me. I finally understood that...

Azores has awoken me with its sweet melody about chance. Look at it from the sky, so quiet, so lonesome, so wise... So different from Berlin and at the same time so alike: offspring made of blood. So much struggle has your land witnessed!

I see it for one last time and my countenance breaks as I contemplate its tough coastline. I am not who I was a week ago. What if I had never come? What if it stopped raining forever? What if all of Beethoven’s scores were lost in a fire?

85

86

Desert Point

--------------------------------------------------------------------------------Photography by Bensusi Models: Sara Parro + Inma Mercant

Disponible de forma exclusiva en Trait Store Barcelona y on line en www.lamonomagazine.com y www.verdugoclothing.com

87

88

Somos la energĂ­a del desierto

89

90

91

92

Y la memoria del mar.

93

94 NOIR

T: JÚLIA MARTINELLI

Lantomo

Entre la tristeza, el dolor y el perdón

Volvemos a donde empezó todo, a las técnicas tradicionales, al papel y al lápiz, a la esencia del arte. El dibujo continúa siendo un método de expresión capaz de retratar lo abstracto y de hacer sentir lo que los propios ojos perciben. Lantomo, alias Antonella Montes, es un claro ejemplo del dibujo renacentista, realista y detallista adaptado a la actualidad. La artista italiana residente en Barcelona estudió arquitectura y se adentró en el mundo de la ilustración de forma autodidacta. Sustituyó su profesión por su pasión: dibujar. Su obra ha derivado en la creación de un mundo de personajes sensibles con obsesiones, miedos y secretos. A través de sus miradas y de las expresiones que moldean sus rostros, transmiten emociones tristes y angustiantes. Son seres caracterizados en blanco, negro y gris, aunque siempre utiliza un toque de pintura roja para que su obra realista se adentre en una atmósfera fantasiosa y atractiva. La mayor parte de los retratos se encuentran atrapados en los recuerdos y buscan la libertad. La inspiración fluye cuando se descubre lo desconocido y esto es lo que le sucedió a Lantomo. Hace poco estuvo una temporada en Beijing y, allí, su obra cogió una identidad consolidada con influencias de la cultura oriental. En sus ilustraciones tenéis un claro reflejo de lo más profundo del corazón de cualquier ser humano.

We are taking you back to where it all started, to the most traditional technique: paper and pencil, the essence of art. Drawing continues to be the method through which it is possible to depict abstractism, in a way that you can feel what your eyes perceive. Antonella Montes, a.k.a. Lantomo, is a clear example of this, with her pieces, realistic and full of detail, adapted to today’s world. This Italian artist, currently based in Barcelona, studied Architecture and became a self-taught illustrator. She replaced her profession with her passion. Her works have evolved into a world filled with sensitive characters, drenched with obsessions, fears and secrets. Through their eyes and the expressions on their faces, sad and distressing emotions are conveyed. They are monochromatic beings with a tinge of red paint, which helps create a fantastic atmosphere, restrained within memories and aching for freedom. Inspiration flows when the unknown becomes known, and this is what happened to Lantomo. Not long ago she spent a long sojourn in Beijing, where her works adopted a solid identity with strong Oriental influences. In her illustrations it’s easy to find a reflection of that which resides deep in the heart of every human being.

www.lantomo.com

95

96

PINES ON THE BACK

97

No hay duda de que a algunos de mis personajes les ha pasado algo malo, o les está pasando. Pero no, no es culpa de nadie en particular, no hay disculpas que puedan devolverle la sonrisa. Tal vez las del azar que los sacudió.

Tu trabajo más reciente tiene una gran influencia asiática, debido a la inspiración que recibiste tras una larga estancia en Pekín. ¿A partir de qué factores de la cultura asiática obtuviste dicha inspiración? Lo que más me impactó de mi estancia en China fue la soledad del individuo en la masa anónima y compacta, el aislamiento en la multitud, la lucha para distinguirse y la vez el deseo de sentirse parte del grupo. Algo que pasa también en nuestra sociedad, pero allí es tan evidente que en mis dibujos lo he proyectado de forma emblemática.

Obviamente también me impresionó el contraste irreconciliable entre tradición y modernidad a toda costa. Y la delicadeza / fragilidad femenina, quizás más una fachada que una realidad, me llamó mucho la atención por la diferencia tan grande con mi forma de ser mujer.

De las exposiciones que has hecho, ¿cuál de ellas ha revelado más de ti y de tu vida personal? La exposición SansSens en Artevistas (2014) por haber sido la primera personal donde pude resumir la experiencia y el cambio de tendencia en mi trabajo después de mi estancia en Asia. También Cycles (2017), la última colectiva en la que he participado, en Arteria, comisariada por Mitte Barcelona, donde pude exponer, como en un ciclo, la primera obra que ha marcado mi cambio estético y formal (Tinta Roja, 2012), realizada en Beijing, y la última (biunivoco, 2017) donde creo que se evidencia la última etapa creativa en la que me encuentro.

La precisión con la que trabajas hace que tus dibujos sean claramente realistas y capaces de ser emotivos. ¿Cuál es la emoción principal que rige a tus personajes? Creo que mis personajes expresan soledad, desamparo, valor y su esfuerzo de autoanálisis. Una fragilidad y un miedo a lo imprevisible, siempre en contraste con la voluntad de superarse y mirar hacia adelante.

Todos los artistas tienen una obsesión por algún elemento que aparece de manera recurrente en sus obras. En tu caso son los rostros, en particular los ojos, ¿por qué son estas dos partes del cuerpo humano las que más aparecen en tus piezas? Antes solía dibujar mucho más cuerpo, y no niego la posibilidad de volver a hacerlo mañana. Pero, en un afán de sacar lo superfluo de mis obras y minimizar los elementos necesarios para expresar una sensación, nada me sirve más que una mirada, o una boca atormentada en una expresión de dolor o sorpresa.

Parece como si tus personajes revelaran una parte de su alma pero, al mismo tiempo, escondiesen otra. ¿Qué es lo que en realidad quieren compartir y lo que quieren dejar oculto entre las sombras? Tal vez mis personajes escondan un recuerdo, un pasado que no quieren asumir. Tal vez no quieran que se adivine que tienen miedo a que las heridas se vuelvan a abrir, a volver a experimentar dolor. Lo que comparten es melancolía y cierta dureza adquirida, en choque constante con su enorme sensibilidad.

Algunos de tus dibujos parecen estar invadidos por la tristeza, ¿tienen alguna esperanza de escapar de esta energía negativa?

En mis dibujos aparece lo que cada uno ve a veces al mirarse al espejo: una condición de tristeza que no es constante, es tan solo un momento, pero tan profundo que queda inmortalizado para siempre.

98

Estos seres viven solo en aquel instante, exorcizando con la suya mi propia tristeza. Pero quizás su condición no sea del todo negativa, parecen decir que pueden vivir con ello, que en el fondo todo está bien.

Muchos de tus personajes parecen asustados, como si algo malo les hubiese sucedido. ¿Están a la espera de una disculpa? No hay duda de que a algunos de mis personajes les ha pasado algo malo, o les esté pasando. Pero no, no es culpa de nadie en particular, no hay disculpas que puedan devolverle la sonrisa. Tal vez las del azar que los sacudió. ¿Por qué solo utilizas los colores negro, blanco y rojo en tus piezas? ¿Hay algún significado personal tras esta combinación o un propósito en especial? El blanco y el negro son los colores del “Dibujo”, el lápiz y el carboncillo son herramientas que amo usar en pureza, para que eleven a ícono una imagen. El rojo se insinúa a veces en este monocromatismo y estalla con su fuerza dramática, romántica, sangrienta y apasionada, rasgando la imagen. Y una noche negra a veces envuelve mis personajes.

En muchos de tus trabajos más recientes, los personajes que has dibujado tienen puntos rojos en los ojos, como si combatieran una reacción alérgica. ¿Cuál es la emoción que quieres expresar con ello y por qué lo repites de manera tan constante en tus obras?

Mis personajes de ojos rojos han llorado mucho e intentan ocultarlo.

O solo son alérgicos a su entorno, o tienen los ojos típicos de las cobayas en un laboratorio. Con solo un enrojecimiento, sus miradas se vuelven tan expresivas que no puedo dejar de dibujarlas así.

Cuando decides agregar el color rojo entre tus precisas líneas blancas y negras, lo haces a través de puntos de pintura. ¿Por qué utilizas esta técnica de mezclar pintura acrílica con el lápiz, la tinta o el carboncilo? El rojo es como una adición, un añadido a mi trabajo, y por eso tiene que contrastar y ser otro material. El resto es representación fiel, lineal y realista, es dibujo puro. Solo intercambio las herramientas de dibujo según las necesidades de la imagen (ahora por ejemplo estoy trabajando con pasteles y carboncillo, y no solo con grafito, en algunas obras).

Parece como si siempre utilizases el papel como base, aunque en algunas ocasiones has experimentado trabajar sobre madera. ¿Por qué has elegido este material y no otro? La madera fue el material que elegí en el pasado. Cálido y natural, su textura aportaba mucho contenido a mis trabajos. Hoy prefiero disminuir informaciones, simplificar, y que mi punto de partida sea solo el “papel en blanco”.

Nuestro monotema este número es ENTSCHULDIGUNG. Si tuvieses que pedir perdón ahora mismo, ¿por qué lo harías? Por ser tan jodida como soy con las personas que más quiero. Por caer a veces en la rabia y en la tristeza como mis personajes, olvidando por un momento lo que de verdad importa, el ahora y la suerte que tengo hoy. Por no acordarme en algunos momentos de lo feliz que soy. Por esto, digo Entschuldingung.

99 CHRYSANTHEMUM I

100 OCTOPUS PART II

101 OCTOPUS PART II

ETONNÉ 01

102

Without a doubt some of my characters have been through a bad situation, or are still going. But it’s nobody’s fault in particular, there’s no apology that can bring the smile back to their faces. Maybe they are waiting for an apology from fate itself, who came running by and disturbed them.

Your most recent works have a strong Asian influence, due to your sojourn in Beijing. What factors from this culture inspired you the most? What shocked me the most during my visit to China was the loneliness of the individual amidst the anonymous and compact mass, the isolation within the crowd, the struggle to stand out, and at the same time the desire to belong to the herd. Something that also happens in our society, but there it is so clear that in my drawings I have depicted it in an emblematic manner. Obviously I was also impressed by the unrecognizable contrast between tradition and modernity, pushed forward at all costs. As well by the feminine delicacy and fragility, which maybe is more of a façade than reality; that absolutely called my attention, because of the way I am as a woman.

tary, but so profound that it’s immortalized forever. These beings live only in that precise moment, exorcising with their’s my own sadness.

But maybe their condition is not all negative, it seems that they can live with it, deep down everything is ok.

Which exhibition, of the ones you’ve done, has represented your personal life more thoroughly? The SansSens exhibition in Artevistas (2014), since it was the first solo show where I could summarize my experience and the change present in my work after my sojourn in Asia. Also Cycles (2017), the last group exhibition I participated in, at Arteria, curated by Mitte Barcelona; there I had the opportunity to exhibit the first piece that marked my formal and aesthetic change (Tinta Roja, 2012), which I did in Beijing, and the most recent one (biunivoco, 2017), which I think represents my current creative phase.

Why do you only use black, white and red in your paintings?

Is there any personal meaning or purpose behind this combination of colors? Black and white are the “Drawing” colors. I love using both, pencil and charcoal, purely, so that they can elevate the status of an image to iconic. The red appear sometimes among that monochromism, and explodes with dramatic force; romantic, bloody and passionate, tearing the image apart. A black night sometimes surrounds my characters.

Many of you characters seem frightened, as if something bad happened to them. Are they claiming for an apology? Without a doubt some of my characters have been through a bad situation, or are still going. But it’s nobody’s fault in particular, there’s no apology that can bring the smile back to their faces. Maybe they are waiting for an apology from fate itself, who came running by and disturbed them.

The accuracy with which you work makes your drawings clearly realistic and truly sensitive. Which are the main emotions that invade your characters? I think my characters express loneliness, abandonment, courage and a strong drive for self-analysis; fragility and fear of the unpredictable, always contrasting with their will to overcome themselves and look forward.

In many of your most recent works, the characters you draw have red spots in their eyes, as if they had an itchy reaction. What’s the emotion you want to convey through this and why do you repeat it constantly in your work? My red-eyed characters have cried a lot and they are trying to hide it. Or maybe they are just allergic to their environment, or they have typical rat lab eyes. Through this simple technique their eyes become much more expressive, so much that I can’t stop drawing them like this.

All artists have an obsession for a certain element that appears constantly in their work. In your case it’s the eyes and faces, why is this? Before I used to draw the human body more complete, and I can’t deny the possibility of doing that again in the future. But, in a quest of getting rid of the superfluous in my works, minimizing all the necessary elements to convey an emotion, nothing is more effective than a glance or a stare, or a tormented mouth with a painful or surprised expression.

When you decide to add red color to your accurate black and white line drawings, you do it through spots of paint. Why do you use this technique, mixing acrylic paint with charcoal or pencil?

The red color is an addition to my work, that’s why it has to create a contrast, and hence be another material. The rest of it is a faithful representation, lineal and realistic: pure drawing. I change my drawing tools depending on what the image needs -now, for example, I’m working with pastels and charcoal in some pieces, not just pencil.

Your characters seem to be revealing a part of their soul and, at the same time, hiding another. What do they actually want to share and what do they want to leave hidden in the shadows?

Maybe my characters are hiding a memory, a past they don’t want to assume. Maybe they don’t want people to know that they are scared that the wounds will open again, of feeling pain once more. They are sharing their melancholy, and a certain acquired strength, which is constantly colliding with their huge sensibility.

It seems that you always use paper as base, but occasionally you have experimented with wood as well. Why did you choose wood and not another material? Wood was the base I decided to use in the past. Warm and natural, the richness of its texture added a lot to my work. Today I rather subtract information, simplify, and make my starting point plain “white paper”.

Some of your drawings seem to be surrounded by sadness; is there any hope for them to escape from this negative environment? In my drawings you can perceive what each person sees when they look at themselves in the mirror: a sadness that isn’t constant, just momen-

This issue’s title is ENTSCHULDIGUNG. If you had to apologize right now, what would you say sorry for? For being as complicated as I am with the people I love the most. For falling sometimes in anger and sadness as my characters; forgetting for a moment what really matters, the present and how lucky I am. For not remembering sometimes how happy I am. For that I say entschuldigung.

104 CHRYSANTHEMUM III

105 CHRYSANTHEMUM II

106

T: ANTONELLA SONZA

Scott Sheffield No dejes huella

Nos enseñan desde pequeños a ser los mejores, a ir siempre a más, a imprimir tu huella en este mundo. Todos tus movimientos vitales están orientados a eso, a hacerte un hueco en la historia. Scott Sheffield hace de este concepto su bandera, pero en un marco contextual un tanto polémico: el nacimiento de pequeños núcleos de comercio turístico alrededor de los grandes parques nacionales de EEUU. En su serie Frontiers nos lleva de road trip por alguno de ellos, sin pretender criticarlos, ya que al fin y al cabo piensa que es una idea de negocio que responde a una demanda, pero, por otro lado, sí pretende denunciar que estos pueblos se encuentran en una especie de limbo de las legislaciones de preservación natural que rigen estos parques, al encontrarse fuera de sus límites. La mejor manera de ilustrar este proyecto sería el dicho popular “No Dejes Huella”, que viene a decir que en la naturaleza hay que dejar las cosas tal y cómo están y procurar disfrutar y admirar el ecosistema sin alterarlo. Simple, pero difícil de entender para una especie cuyo principal motor es precisamente el de dejar su marca sobre cualquier otra cosa, sin pensar en la herencia que dejamos para futuras generaciones. ¿Somos capaces de evolucionar sin causar daños irreversibles a nuestro alrededor? El eterno dilema de la autoproclamada como especie dominante.

Since we are kids we are taught to be the best ones, to go further, to leave our mark on this world; each and every one of our movements is directed towards that goal, to ensure we go down in history. Scott Sheffield focuses his photographic practice around this concept, but without escaping controversy: he has decided to work around the development of small touristic centers adjacent to some of the biggest national parks in the United States. In his series Frontiers, he takes us on a road trip through one of them, not aiming to criticize, since he is aware that the blooming of a certain industry is nothing more but the response to an existing demand. On the other hand, he does want to denounce that these touristic centers lay in some kind of middle ground free of any legislations set forward for the preservation of these parks, since they are founded outside their boundaries. The best way to depict this project is through the phrase, “Leave No Trace”, meaning that when in a natural habitat, is always better to leave things as they are, admiring and enjoying of the ecosystem without disrupting it. A simple idea, hard to understand for a specie that is driven by the desire of leaving its mark on everything, without taking into account our legacy for the future generations. Are we capable of evolving without causing irreversible damages to our environment? That’s the ever-lasting dilemma of the self-proclaimed dominant specie.

www.scottsheffield.net 107

Eres muy joven, aun así tienes un gran portafolio. ¿Cuál fue la chispa creativa que despertó tu pasión por la fotografía? Quiero empezar por daros las gracias, tanto por vuestro apoyo como ¡por decir que soy joven! Me acabo de graduar en mayo y el hecho de saber que no regresaré a clases el próximo otoño me ha hecho sentir viejo. No estoy seguro de si hubo algún momento específico que pueda mencionar, pero el arte siempre es algo hacia lo que regreso con ansias en mi vida, y, una vez aprendí el proceso analógico, me enamoré de la fotografía, de la cámara y de la imagen impresa.

Te has graduado hace poco en el Milwaukee Institute of Art & Design. ¿Te ha parecido difícil encontrar proyección pública y difundir tu trabajo al ser un artista emergente? ¿Qué es lo más difícil de presentarte a ti mismo ante el mundo? Existe un gran debate entre los fotógrafos alrededor de Instagram y la noción de que todo el mundo es un fotógrafo porque siempre tienen una cámara con ellos, integrada en su teléfono móvil. Mientras que el número de fotografías capturadas ha incrementado dramáticamente, la fotografía siempre ha sido algo en lo cual el público general de no-artistas puede participar, especialmente en comparación con otros medios, como lo son la pintura y la escultura. Habiendo dicho esto, creo que los artistas y creativos de hoy en día son sumamente afortunados al existir internet y las redes sociales como herramientas para compartir su trabajo con individuos alrededor del mundo (el hecho de que mi trabajo sea publicado en esta revista es un ejemplo perfecto de ello). Aunque es un gran recurso para hacer visible tu trabajo, hacer piezas capaces de llamar la atención es una tarea mucho más difícil. Mi mayor reto como artista emergente ha sido intentar mantener el futuro presente en mi mente, y cómo diferentes series van a ir de la mano como un todo dentro de mi práctica profesional, también la manera en la cual se me proyecta como artista y fotógrafo.

Tu serie Frontiers, la cual presentamos aquí, se enfoca en los pueblos turísticos que se han desarrollado junto a parques nacionales. Al mostrar dicha realidad, ¿estás intentando presentar una crítica hacia la industria del turismo como producto del sistema capitalista? Mi intención no radica en criticar a toda la industria del turismo a través de esta serie. Creo que la decisión de empezar un negocio dentro de estos parques nacionales es tan válida como cualquier otra de cualquier otro empresario, simplemente intentando satisfacer una demanda existente. Sí estoy, sin embargo, de acuerdo con criticar tanto la mercantilización de la cultura y la historia (cuando no se tiene el derecho a hacerlo) como la indiferencia por la preservación y el cuidado de las maravillas naturales de un país.

Así mismo, dicho trabajo apunta al impacto sobre la fauna y la flora que vive en los alrededores de estos parques. ¿Qué ha sido lo más loco e impactante que has visto durante tus visitas a estos pueblos? Debido a que estos pueblos y negocios se encuentran directamente fuera de los límites de estos parques nacionales, hay libertad a la hora de seguir la legislación que existe dentro de éstos para su preservación natural. Mientras que estos negocios no suelen ser más que una monstruosidad visual, sí se me viene a la cabeza un lugar que me molestó. Fuera del Parque Nacional Arches, en Moab, Utah, existe un pequeño complejo turístico llamado Hole N” the Rock, compuesto por una tienda, un puesto de comercio, un gran jardín con esculturas metálicas, un zoológico con “animales exóticos” que puedes acariciar y, por último pero no menos importante, una casa con catorce habitaciones construida en un acantilado de piedra arenisca monumental. No sólo de un lado del acantilado, sino de los dos, para así captar la atención de aquellos que pasan en coche por allí en ambos sentidos. “HOLE N” THE ROCK” está pintado en letras blancas gigantes que deben medir por lo menos 5 metros de alto. Hay un dicho, “No Dejes Huella”, que traduce a medias, dejar las cosas como las has encontrado, y preservar la naturaleza para las futuras generaciones. Mientras yo espero que debido a su proximidad con los parques nacionales y dependencia económica en quienes los visitan, los dueños de estos negocios deberían respetar dicha ética, tristemente no es el caso.

108

109

110

Hay un dicho, “No Dejes Huella”, que traduce a medias, dejar las cosas como las has encontrado, y preservar la naturaleza para las futuras generaciones.

La industria turística ha desarrollado su propia iconogafía y algunas personas parecen sentirse cómodas realizando viajes a lugares “diseñados” para ellos, donde pueden ver y comer sin salir de su zona de confort. ¿Crees que es necesario que al viajar descubramos más cosas por nosotros mismos para así aprender y ver de verdad? Desafortunadamente, creo que descubrir algo por nuestra propia cuenta se ha convertido en casi una misión imposible. Esencialmente lo mismo pasa en todos los aspectos de nuestra vida; a menudo vemos los trailers de las películas un puñado de veces antes de ir a ver la película, utilizamos reseñas escritas por personas que no conocemos para ayudarnos a elegir un restaurante al cual ir a cenar, y hacemos planes vacacionales después de ver fotografías en internet o basándonos en las recomendaciones de amigos y familiares. Afortunadamente, al menos en mi caso, experimentar lugares en persona es mucho más satisfactorio que hacerlo a través de un ordenador o en la pantalla de un móvil.

Estás radicado en Milwaukee, Winsconsin. Como local, ¿qué nos recomendarías visitar allí para conocer su verdadera esencia y evitar los lugares turísticos?

Al haber crecido en Chicago, una ciudad mucho más grande, Milwaukee definitivamente tiene muchos menos turistas, y por lo tanto menos lugares turísticos.

Definitivamente os recomendaría probar las cosas por las cuales Milwaukee y Wisconsin son conocidas: su cerveza, queso, sus bratwursts y flan congelado. A parte de comer y beber... también os sugiero pegarse a los turistas para visitar nuestro hermoso museo de arte, ubicado en la costa del Lago Michigan, y si por casualidad estáis por allí en agosto, un viaje a la Feria Estatal de Wisconsin es algo que vale la pena experimentar al menos una vez en la vida.

Si pudieses estar en cualquier lugar del mundo ahora mismo, ¿dónde sería?

Definitivamente tengo una larga lista de lugares donde me gustaría estar ahora mismo. Mientras que mi respuesta debería ser un parque nacional para así poder continuar fotografiando para dicha serie, si pudiera estar en cualquier lugar en este momento, probablemente sería en algún lugar en Islandia. Me encantaría un pequeño descanso del calor y la humedad del verano, y tras unas vacaciones inolvidables en Alaska hace casi diez años, me repito a mí mismo constantemente que necesito ver más glaciares antes de que desaparezcan para siempre. ¿Tienes alguna idea loca que te gustaría convertir en una serie fotográfica?

Afortunadamente (para mi propia diversión) tengo muchas ideas locas constantemente, desafortunadamente, casi ninguna de ellas tienen que ver con mi práctica fotográfica. Aunque no me gusta arruinar las sorpresas, recientemente he pensado mucho acerca de las autopistas interestatales y la red de carreteras. ¿Crees que un requisito para ser un buen fotógrafo es no arrepentirse de nada y simplemente hacerlo? No creo que exista un solo trabajo en el mundo donde esté permitido cumplir con éste sin tener en cuenta sus repercusiones y el efecto que puede causar en otros. Sé que este es un tema sensible para los fotoperiodistas; sin embargo, en resumidas cuentas, siento que la ayuda y los aspectos positivos de las acciones de alguien siempre deben sobrepasar el daño y lo negativo.

Este es tan solo el comienzo para Scott Sheffield. Si tu futuro fuese una imagen, ¿qué veríamos en ella? En este momento, tan solo un mes después de haberme graduado, estoy intentando tomarme las cosas con calma sin preocuparme demasiado por el futuro. En cuanto a lo de la imagen, creo que un libro encuadernado de tapa dura está, espero, no muy lejos en el futuro. Más allá de esa meta, definitivamente voy a continuar haciendo fotografías a la entrada de los parques nacionales, probablemente por varios años, y otro trabajo enfocado en los paisajes urbanos como mi propio medio para comentar acerca de la cultura y la sociedad en la cual vivimos.

111

112

113

You are very young, nonetheless you have developed a strong body of work.

What was the creative spark that ignited your passion for photography? I want to start off by saying thanks, both for your support towards my work, and for calling me young! I just graduated in May, and knowing that I will no longer be returning to class again this coming fall has been making me feel old. I’m not sure there’s any specific instance I can look back on, but art has always been the one thing I’ve eagerly returned to in life, and once I was introduced to the analog process I fell in love with the magic of photography, the camera, and the printed image.

You are a recent graduate of the Milwaukee Institute of Art & Design. Do you find it hard, as a new artist, to have public projection and diffusion? What is the most difficult challenge when you are introducing yourself to the world?

There is a wide debate among photographers revolving around Instagram and the notion that everyone is a photographer because they walk around with a camera built into their phone. While the number of photographs being taken has risen dramatically, photography has always been something open for the general public of non-artists to participate in, especially in comparison to other art mediums like painting or sculpture. That being said, I think that today’s artists and creatives are incredibly fortunate to have the internet and social media as tools for sharing our work with individuals across the world (my work being featured in this magazine is a perfect example of this). While the internet is a great resource in getting your work noticed, making work that’s capable of being noticed is a much greater task.

My biggest challenge as a young artist has been trying to keep the future in mind, and how separate bodies of work will sit together as part of my entire practice, also how I’m portrayed as an artist and photographer.

Your series Frontiers, the one that we feature here, is about the touristic towns that have grown near national parks. By showing this reality, are you trying to criticize the tourism industry as a product of capitalism? I have little intention of criticizing the entire industry of tourism through this work. I think the choice to start a business within one of these national park entrance towns is just as valid as the choices of any other entrepreneur simply trying to fulfill a demand. I am, however, ok with criticizing both the commodification of culture and history (when it’s not rightfully theirs to capitalize on) and the disregard for preservation and care of our country’s natural wonders.

Also, the series seem to be about the impact on the flora and fauna of the parks’s surroundings. What is the most crazy and shocking thing you have seen during your trips to these towns? Given that these towns and businesses are directly outside the parks’ boundaries, they are free from following the legislature set in place to preserve nature within the national parks. While these businesses are usually not more than an eye sore, there is one place that comes to mind that was actually somewhat upsetting. Outside of Arches National Park in Moab, Utah there is a small tourist complex called Hole N” the Rock, comprised of a general store, a trading post, a large garden of metal sculptures, an “exotic animals” petting zoo, and, last but not least, a fourteen room home built into a monumental sandstone cliff. On not one but both sides of the cliff, in order to catch the attention of drivers coming from both directions; “HOLE N” THE ROCK” is painted in giant white block letters that must be at least fifteen feet tall. There is a saying, “Leave No Trace,” that broadly means to leave things as you find them in order to preserve nature for future generations. While I would hope that because of their close proximity to national parks and financial dependence on the visitors of these parks, business owners in these towns would abide by these ethics, sadly it’s not the case.

114

115

116

There is a saying, “Leave No Trace,” that broadly means to leave things as you find them in order to preserve nature for future generations.

The tourism industry has developed its own iconography, and some people seem confortable making a trip to a site to see and to eat in places “planned” for them. Do you think that it is necessary to discover more things by ourselves in order to learn and to really SEE? Unfortunately, I think discovering something truly on our own has become a nearly impossible task. Essentially the same thing happens in all avenues of our lives; we often see movie trailers a handful of times before actually seeing the movie, we use reviews given by people we’ve never met to help us choose a restaurant to eat dinner at, and we make vacation plans after seeing photographs online or based on the recommendations of friends and family.

Fortunately, at least for myself, experiencing places in person is much more rewarding than experiencing them on a laptop or cell phone screen.

You are based in Milwaukee, Wisconsin. As an insider, which places would you recommend to visit to see its real essence and avoid the touristy spots? Growing up in Chicago, a much larger city than Milwaukee, Milwaukee definitely has a lot less tourists, and thus less “touristy spots”. I would definitely advocate for getting a taste of the things Milwaukee and Wisconsin are most known for; beer, cheese, brats and frozen custard. Apart from eating and drinking... I’d recommend tagging along with the tourists to visit our beautiful art museum along the shore of Lake Michigan, and if you happen to be here in August, a trip to the Wisconsin State Fair is something to experience at least once in your life.

If I were to tell you, you could be anywhere in the world right now, where would it be? There is definitely a long list of places I wish I could be right now. While my answer should be a national park in order to continue making photographs for this body of work, if I could be anywhere at this moment it’d probably be somewhere in Iceland. I would love a small break from the heat and humidity of summer, and after an unforgettable vacation to Alaska nearly ten years ago, I am constantly telling myself I need to see more glaciers before they are gone forever.

Do you have any crazy ideas in your mind that you would like to turn into a photographic series? Fortunately (for my own amusement) there are a lot of very crazy ideas that go through my head, unfortunately, almost none of them have anything to do with my photographic practice. While I’m not one for ruining surprises, I have recently been thinking a lot about interstate highways and road networks.

Do you think that a requisite to be a good photographer is not being sorry for anything and just do it? I don’t think there’s a single job in the world that you should be allowed to fulfill, without fully realizing the repercussions and effects you might have on others. I know this is a sensitive subject for photojournalists; however, in short, I feel the help and positives of someone’s actions should always outweigh the harm and negatives.

This is just the beginning for Scott Sheffield. If your future were to be shown as an image, what would we see in it? At this point, only a month after completing my undergraduate studies, I’m trying to take things slow and not worry too much about the future. As for an image, I think a hardcover bound book is, hopefully, in the not too distant future. Regardless of that goal, I will definitely be continuing to make photographs in the entrance towns of national parks, likely for years to come, and other work addressing the built landscape as my own means of commenting on culture and the society we currently live in.

117

PAUL HART

Asphalt Bones

Paul Hart es uno de esos chicos que siempre tiene una sonrisa en la cara, lo que no quita que esté dispuesto a llevárselo todo por delante. Empezó a darle al skate a los cuatro años y con 22 entró a formar parte del team de Globe, con quienes ha vivido un sinfín de aventuras y presentará nuevas zapas en agosto. El joven norteamericano, que no le tiene miedo a nada, nos habla de los nuevos proyectos que tiene entre manos. Solo nos queda desearle mucha suerte.

Paul Heart is one of those guys who always has a smile on his face, this doesn’t mean he is not willing to give it his best every time. He began skateboarding when he was four years old, with 22 he joined the Globe Team, with which he has lived a myriad of adventures, and now he is launching his own signature shoes in August. This young American, who doesn’t fear anything, talks to us about the projects he is handling, and all we want to do is wish him the best luck in the world.

www.globebrand.com

¿Cómo te metiste en el mundo del skateboarding? ¡Me hermano me enganchó! Desde el momento en el cual lo vi deslizándose por una pequeña colina que había en nuestro jardín, quise estar a su nivel. Por ese entonces yo tenía unos cuatro años.

Eres muy joven y te queda mucho por delante, pero ¿cuál ha sido el mejor momento de tu carrera hasta ahora? ¡Creo que todas las excelentes relaciones que he hecho con las personas dentro del mundo del skate! Ha sido una gran experiencia. ¿Hasta dónde te gustaría llegar? ¿Cuál es tu mayor sueño? ¡Simplemente seguir adelante! Mantenerme saludable, concentrado y motivado; continuar pensando de manera creativa y fuera de los parámetros convencionales.

Ya hace tres años que entraste en el team de Globe. ¿Cómo describirías la experiencia? Puedo decir mil palabras de cómo me siento, ¡pero simplemente estoy muy agradecido por formar parte de esta gran familia y de esta icónica marca! Ha sido muy divertido. Estoy muy emocionado por lo que traerá este año y por todas las cosas en las que trabajaremos. Tenemos un par de viajes planeados; creo que iré a Dinamarca para el CPH el próximo mes con algunos de los chicos del equipo.

Llevas algunos años en la industria del skate. ¿Cómo ves el panorama actual? ¿Crees que ha cambiado mucho en los últimos años?

Definitivamente los tiempos han cambiado dentro de la industria, sin lugar a dudas. Ahora es como si tú fueses tu propia marca, con Instagram, Snapchat, Facebook... No sé, es un poco loco pero yo intento no pensar mucho en ello, simplemente quiero patinar y seguir jugando dentro de las reglas.

Aparte de patinar, ¿qué otras cosas te gusta hacer? Me gusta investigar sobre todo, para mantenerme al tanto de lo que está sucediendo.

He estado aprendiendo a cocinar y me ha ido bastante bien, pero a parte de eso, ¡disfruto de todas las cosas que la vida tiene que ofrecer! ¿Tienes entre manos algún proyecto paralelo? He invertido en un negocio llamado Black Plague Brewing con, probablemente, otros 20 skaters y de momento ¡todo nos ha ido de maravilla! Ha sido una gran experiencia de aprendizaje para todos nosotros. A todos nos apasiona la empresa porque nos apasiona igualmente nuestro amor por la cerveza y nuestro amor los unos por los otros (risas).

118

How did you get into skateboarding? My brother got me hooked!

Once I saw him rolling down a little hill we had in the backyard I wanted to get on his level. I was about four at the time.

You are very young and you still have a big future ahead of you; nonetheless, tell us which has been the best moment of your career so far. I think just all the great relationships I’ve made with people in the skate world! It’s been a Real Trip.

How far would you like to go? What is your biggest dream? Just to keep on keeping on! Stay healthy, focused, and motivated. To keep on thinking outside the box.

It’s been three years since you joined the Globe Team. How would you describe such experience? I can say a thousand words about how it feels, but I’m just so very thankful to be a part of this great family and iconic brand! It’s been super fun! I’m really excited for this next year and the stuff we’ll get to work on. We’ve got a couple of trips planned; I think I’m heading to Denmark for the CPH open next month with some of the guys too.

You’ve been in the skate industry for some years now. How do you see the current situation? Do you believe that it has changed a lot in recent years? Times have definitely changed in the industry, that’s for damn sure. Now it’s like you’re your own brand with Instagram, Snapchat, Facebook… I don’t know, it’s wild but I try not to think about it, I just want to skate and keep it by the Book.

Aside from skateboarding, what other things do you like to do?

I love researching about all things to keep me aware of things going on. I’ve been learning how to chef it up pretty well, but other than that I enjoy all things that life has to offer!

Do you have any side projects apart from skateboarding going on right now? I’ve invested in a business called Black Plague Brewing with probably about 20 other skaters and everything has been going so well! It’s been a great learning experience for us all. We’re all so passionate about the company because we’re all passionate about the love for beer and the love of one another (laughs).

MI OBJETIVO ES MANTENERME SALUDABLE, CONCENTRADO Y MOTIVADO; CONTINUAR PENSANDO DE MANERA CREATIVA Y FUERA DE LOS PARÁMETROS CONVENCIONALES

119

TEXTO Y FOTOS: MARCOS GÓMEZ, TEAM MANAGER DE ADIDAS SKATEBOARDING EN ESPAÑA

BARCI IS THE PLACE TO BE adidas SKATE TEAM visits BARCELONA @SLS - 21st – 22nd May

¿Cuántas veces a lo largo de tu vida has escuchado la frase “el circo llega a la ciudad”? Dependiendo de la generación a la que pertenezcas quizás ya no lo recuerdes por lejanía en el tiempo o quizás no lo hayas oído nunca por eso de que los circos ya no se estilan, bueno, quizás el Cirque Du Soleil, pero eso es otro tipo de circo en el que predominan las artes más escénicas sobre el ratio de bestias/homo sapiens que participan en el espectáculo. En Barcelona, digamos más bien en otro municipio a las afueras, el circo llega una vez al año a la ciudad y la lía bien. Éste no atrae solo a locales anónimos sino también a foráneos y extranjeros que se aúnan estos días para observar, si les dejan o el dinero lo permite, a sus ídolos del más puro formato olímpico en modo competitivo dentro y fuera de la pista.

Alentados por el fervor de la prueba, masas de “skate-tourists” invaden la capital catalana en busca de la experiencia definitiva del Skateboarding. La élite del patín se junta durante unos días y se les puede ver planchar trucos no sólo encerrados de día en un circuito sino que te los cruzas fácilmente por el centro neurálgico de las relaciones sociales sobre madera, metal, uretano y cerveza.

“Barci is the place to be” pero para algunos el tiempo lo es todo. Es el punto de encuentro en las mañanas para despertarse antes de salir por ahí con los amigos; es los lugares a los que decides ir co n ellos a patinar. Es las calles por las que te desplazas y en las que distraes tu mirada al pasar por cada esquina en busca de ese nuevo rincón que ripar. Es esos bares en los que te comes un bocadillo para reponer fuerzas y distraer tu mente de tanto patín con un futbolín. Es las paredes en las que descansa tu espalda apoyada mientras los amigos se hacen con un nuevo spot o prueban nuevos trucos. Es la “happy hour” en la plaza que se llena de niños y te indica que ha llegado el momento de seguir moviéndose calle abajo. Es esa última sesión al final de la luz del día que se adentra en la noche bajo farolas y el foco de tu paciente amigo manejando la cámara bajo la mirada y el apoyo de tu gente que no abandona la sesión hasta que el último intento es caído limpiamente, trabajo en equipo en estado puro. Es la tienda 24 horas, “el paki” o el “shawarma” que te asienta y reconforta el cuerpo y te manda a la relajación de tu ritmo biológico bajo el efecto de las endorfinas.

El circo siempre acaba yéndose de la ciudad llevándose puntuaciones y resultados, pero a nosotros siempre nos quedan las calles, de donde venimos y a las que pertenecemos.

How many times in your life have you heard the words, ‘the circus is coming to town’? Depending on the generation you belong to, you might not recall this at all, since circuses are not as common as they used to... well, unless we mention Cirque Du Soleil, but that’s another story, where the main attraction are the scenic arts, instead of the classic beasts and human freaks that used to participate in the spectacle. In Barcelona -more precisely in a city nearby- the circus comes once a year, and it brings along tons of excitement. This circus gathers not only the locals, but also foreigners that can afford to visit end enjoy the show, a show brought upon by their idols on a concrete surface where the sun shimmers and magic happens.

Summoned by the relevance of the competition, masses of “skate-tourists” take over the Catalan capital, looking for the definitive on-wheels experience. As the skateboarding elite comes together for a few days, the lucky ones get to see them land tricks that might seem impossible for any other human being. Outside the course it’s easy to run into the stars, who move on top of their wood, metal and polyurethane toys, drinking beer as they slide.

“Barci is the place to be”. It’s the chosen meeting point, where every morning friends convene and go rolling around, looking for the next best spot. It’s the streets you shred along with eyes wide open, browsing behind every corner for the perfect place to skate, which you never know where it might be. It’s one of those bars, where you stop for a bite to charge up again, and take the mind away from all the skateboarding by playing some foosball. It’s the wall where you lay your back while your buddies enjoy a new spot and try to land some new tricks. It’s the “happy hour” at the packed square, full of children that let you know it’s time to keep on moving down the street. It’s that last session at the end of the day, as the sun sets and the street lights start to shine, while your patient friend keeps on recording every trick and your colleagues support is never missing, until you land it clean; team work in its purest form. It’s the 24h store, the “shawarma” that fills up your belly and comforts your soul, giving your body the needed relaxation after the rush of endorphins.

The circus always ends up leaving, taking with it scores and results, but for us the streets will always remain; the place where we come from, the place where we belong.

120

121

122

123

T: ANTONELLA SONZA

LOS SENIORMEISTER DE JÄGERMEISTER: SER JOVEN ES UNA ACTITUD Inge Ladd y Doc Caribbean El paso del tiempo es lo único inevitable, o eso dicen. Pero pensar así es como dar por hecho que somos sus esclavos. Sí, el tiempo corre y nos arrastra a su paso, pero podemos dejarnos ir o luchar por dejar huella. Por ser quien somos a cada momento, y en cada periodo de nuestra vida. La esencia de una persona no cambia con la edad, simplemente se hace más gourmet, como en el caso de los buenos licores. Si tenemos la suerte de encontrar cuál es nuestra pasión, no podemos soltarla nunca, al contrario: hay que cultivarla y hacer que crezca cada vez más, que nos acompañe a cada paso que damos. Dos ejemplos en carne y hueso de que el paso del tiempo es simplemente un cúmulo de experiencias que te hacen más sabio y más fuerte son los dos SeniorMeister escogidos por Jägermeister, Doc Caribbean e Inge Ladd, que nos enseñan que ser joven es una actitud.

José Muñoz es un visionario que en 1975 creó un negocio de la nada enmarcado en la incipiente cultura del skate (monopatín, por aquel entonces) en España. Así nació Caribbean, la tienda de skate y surf más antigua del país y con más solera: y es que oírle hablar de lo suyo es toda una masterclass sobre cómo disfrutar de lo que haces en cada momento. Por otro lado, también tenemos a Inge Ladd, un espíritu libre que ha encontrado en la música, la interpretación y sobre todo en los tatuajes (cada 5 años se hace uno nuevo) otra manera de expresarse.

Peinarán canas, pero seguramente serán más jóvenes que tú y que yo juntos. Porque como dice el cliché, la edad es un estado mental y nada más que eso. Porque ser joven es exprimir cada segundo haciendo lo que realmente te da la gana. Y no parar de crear. Al fin y al cabo, la vida es nuestra única obra maestra.

The passage of time is unavoidable, or at least that’s what people say. The problem is that such mind-set turns us into slaves. Yes, time moves forward and drags us with it, but we can either let go ir fight to leave a mark, to be ourselves at every single moment, in each period of our lives. The real essence of a person doesn’t change with age, it simply becomes more gourmet, just as it happens with the good liquors. If we are lucky enough to find our passion, we can never let it go, au contraire: we must nurture it and make it evolve, keeping it next to us every step we take. And there’s no better example that the passage of time is nothing but the accumulation of experiences that make you wiser, and stronger, than the two SeniorMeisters chosen by Jägermeister: José Muñoz and Inge Ladd, who taught us that being young is about attitude.

José Muñoz is a visionary that in 1975 created a business out of nothing within the, at the time, newborn skateboarding culture in Spain.

That’s how Caribbean was conceived, the oldest skateboarding and surfing shop in the country. That’s why every time he talks is like having a masterclass about how to enjoy what you do. On the other hand there’s Inge Ladd, a free spirit that has found in music, performing and, especially, in tattooing (every five years she gets a new one) another means of expression.

They might be going white, but surely are younger than you and I together. Because even though it’s a cliché, age is a state of mind and nothing else; being young is enjoying every second doing what you really want, without ever stop creating. Because, at the end of the day, our life is our biggest master piece.

124

Con 64 años, cada vez que monto en un monopatín, me siento feliz.

SeniorMeister:

Doc Caribbean ¿Qué cualidades crees que te han hecho ser coronado como SeniorMeister? Seguir disfrutando con la misma pasión y emoción de aquello que me gusta.

La edad es equivalente a sabiduría y experiencia, ¿cuál es la lección más valiosa que has aprendido con el paso del tiempo y a base de prueba y error? Que la perseverancia y la apuesta por lo que uno tiene ilusión siempre tiene recompensa. El SeniorMeister es esa figura creativa, rebelde y con actitud que los más jóvenes aspiramos a convertirnos algún día. ¿Cuál sería tu SeniorMeister, si tuvieras que elegir a alguien? Como skater; me quedaría con Tony Hawk, Steve Caballero, o en realidad, con toda la Bones Brigade. ¿En qué momento empezó a desarrollarse tu pasión por el monopatín? En los años 60, empecé a surfear y a finales de los 60 me compré mi primer monopatín; un Sancheski 4 en Deportes Todo, y a partir de ahí no lo he dejado.

Viste una oportunidad de negocio cuando el mercado del monopatín en España estaba en pañales y así nació Caribbean, tu criatura.

Desde tu perspectiva, ¿cómo ha evolucionado el consumo del monopatín desde los principios hasta ahora que ha evolucionado hasta llamarse skate y ser todo un estilo de vida? El monopatín, SK8, ha tenido décadas, normalmente de mediados a mediados, con sus altos y bajos, influenciados por tendencias y modas. En sus comienzos; en España duró poco, pero fuimos sólo algunos los que continuamos enamorados de aquello que nos daba una sensación de libertad difícil de

describir. A mediados de los 80; el SK8 fue brutal y toda la gente joven se movía por las calles con uno. Con el paso del tiempo, el SK8 evolucionó en diseño (formas de las tablas, ruedas, ejes) debido a la forma de controlar y manejar los SK8. En la actualidad, el nivel de trucos que controla la “peña” era impensable en los años 70. La evolución ha sido brutal en todas las modalidades.

Los comienzos siempre son duros. ¿Cuál fue el momento más difícil de cuando empezabas tu negocio? Uno de los momentos más duros, fue cuando el SK8 sufrió una crisis en USA y eso repercutió en el resto del mundo, no duró muchos años pero si algunos que dieron entrada al Roller y el BMX. Eres una figura clave para que hoy en día estemos hablando de escena del patín nacional: ¿qué sientes cuando miras atrás y ves todo el camino recorrido? Con 64 años, cada vez que monto en un monopatín, me siento feliz. Ya no hago lo que hacía con 15, pero simplemente el hecho de poder seguir deslizándome sobre uno, es todo un lujo y un auténtico placer. Y de momento, hasta que el cuerpo aguante.

Como hemos dicho, el skate ha evolucionado en algo más que un deporte que nació en las calles, es un estilo de vida, una actitud, una forma de ver el mundo y expresar la creatividad. ¿Cómo ves el futuro? Creo que una parte de las generaciones venideras seguirán disfrutando de este invento y serán aún más creativas.

Eres un espíritu inquieto que no para ni un momento. ¿Qué le dirías a alguien que opine que por ser mayor tiene que dejar de hacer lo que realmente te apasiona? Que realmente debes de tener una actitud positiva y que las ganas de hacer algo muchas veces están en tu mente.

Nuestro monotema es ENTSCHULDIGUNG. ¿Cuál dirías que ha sido tu mayor pecado? Seguir siendo un fanático del monopatín.

125

Ahora mismo, estoy donde debería de estar y mientras respondo a tu pregunta estoy sonriendo, así que es una buena señal.

SeniorMeister:

Inge Ladd Ingle Ladd y Jägermeister. ¿Qué crees que tenéis en común para ser coronada como una de las SeniorMeister de la marca? Se trata de ir más allá de la vida, del espíritu de la personalidad, de vivir y dejar vivir, de mantenerte fiel a ti mismo…Inge Ladd es esa persona.

Si tú pudieras elegir a otra persona creativa y con actitud para convertirse en Seniormeister, ¿qué persona sería? Mick Jagger Crear es otra de tus pasiones, de hecho tienes una marca de joyería y has hecho de coach para cine e incluso has participado en una película de Ventura Pons. ¿Cómo compaginas todo esto? Todo empieza cuando veo o escucho algo, ahí es cuando nace la inspiración y ahí comienzan las cosas. He participado en dos películas de Ventura Pons, este año formaré parte de una serie de Shonda Rhimes en ABC y en el 2º episodio me preguntan cómo puedo hacer lo que hago y la respuesta es simple: con un montón de energía y un gran deseo de participar. Las cosas son más fáciles cuando lo estás pasando bien.

lo común de mí misma es que nunca he tenido pelos en la lengua, soy muy directa. Yo siento y lo expreso, y por eso hay algunos que han escogido quedarse, y otros marcharse. No puedes cambiar algo de ti misma solamente para gustar a alguien o a la sociedad, esa no debería de ser una opción. Por eso, estoy agradecida de no haber perdido la perspectiva, incluso cuando era más joven y no sabía si iba o venía.

Dice la sabiduría popular que la edad no es un número, es un estado mental. ¿En qué momento de tu vida estás ahora mismo?

La vida se construye por momentos, es lo que hacemos con ellos lo que cuenta. Es un tópico pero es real. Ahora mismo, estoy donde debería de estar y mientras respondo a tu pregunta estoy sonriendo, así que es una buena señal.

Tu amor por los tatuajes es algo evidente y esta historia de amor sigue más viva que nunca. De hecho, dices que te haces uno nuevo cada 5 años. ¿Cuáles son las bases de este amor? Mis tatuajes cuentan mi historia, los cambios constantes que han ocurrido y los que están por venir. Se trata de transformación, del viaje de mi vida. Me recuerdan donde he estado.

La música es tu constante. ¿Cómo te expresas a través de este lenguaje artístico? Simplemente encaja siempre conmigo, no importa el estado de ánimo o el temperamento que tenga en ese momento. Me transporta a las sensaciones y recuerdos del pasado y hace que me levante de la cama por la mañana. La última canción que he escuchado que me ha encantado ha sido No One Knows Me de Sampha.

Cada día escucho algo nuevo con lo que conectar.

Parece que hablar del paso del tiempo es inevitable. ¿Cuál es el secreto para mantenerte fiel a ti misma a pesar de las responsabilidades y los cambios? No perder nunca la perspectiva de quién soy y en qué creo. Porque hago lo que tengo que hacer pero de forma correcta, no me gustan las chapuzas. Si haces las cosas bien desde un principio, no puedes equivocarte. Quiero una vida fácil, pero no importa que hayan obstáculos, no son excusa para coger un atajo.

Desde muy joven, has sido una rebelde, y da la impresión de que siempre te has sentido completamente libre de hacer lo que sentías, yendo en contra de cualquier convención social que no encajara con tu personalidad. ¿Hoy en día es complicado ser así de libre? ¿Qué se siente al experimentar algo así? ¡Es fabuloso!

Nunca me han prohibido ir a ningún lado, he sido siempre yo la que ha tomado la decisión de no ir. La única característica algo fuera de

Nuestro monotema es ENTSCHULDIGUNG. ¿Hay algo en la vida de lo que te arrepientas o que piensas que hubieras hecho de otra manera? Creo que la única cosa que hubiera hecho diferente es parar y escuchar más. He conocido a gente increíble a lo largo de mi vida que hubiera amado si les hubiera escuchado. Y sí lo he hecho, pero también quería que me escucharan a mí. Y cuando me he dado cuenta, ya se habían ido. Ahí es cuando empieza mi historia.

126

127

SeniorMeister:

Doc Caribbean Which do you think are the qualities that have taken you to be crowned SeniorMeister? Keep on enjoying the things that I like with the same passion and excitement as always.

Age is equivalent to wisdom and experience. Which is the most valuable lesson you have learned with the passage of time through trial and error? That perseverance and betting for what you have will always be rewarding.

The SeniorMeister is a creative and rebel figure full of attitude, an icon the younger generations look up to and aim to become some day. Who would be your SeniorMeister if you had to chose one? As a skater I would chose Tony Hawk, Steve Caballero... actually the whole Bones Brigade.

When did you passion for skateboarding start? During the 60s, when I started surfing, and by the end of the decade I bought my first skateboard; a Sancheski 4 at Deportes Todo, since then I haven’t stopped.

You saw a business opportunity when the skateboarding market was just starting in Spain, and decided to found Caribbean. From your point of view, how has the demand for skateboards evolved since then until now, when it has become a whole life style?

Skateboarding has had its decades, usually divided by halves, with its ups and downs, influenced by trends and fashion. At the beginning, in Spain, it didn’t last long, and only a few of us kept on loving it, due to the sense of freedom it gave us, which it’s hard to describe.

By the mid 80s the SK8 arrived and was mind-blowing, everybody on

128

the streets was riding one. With the passage of time the SK8 evolved in design (shape of the decks, wheels, trucks) due to the way people were riding them. Nowadays the level of the tricks the guys are doing was unthinkable back in the 70s. The evolution has been astonishing in every single way.

Starting is always complicated, tell us about the most difficult moment when you were starting your business. One of the most difficult moments was when the SK8 went through a crisis in the U.S. and it was felt all over the world. It didn’t last long but it allowed the expansion of rollerblades and BMX. You are a key figure within the national skateboarding scene.

How do you feel when you look back and see what you have achieved? At 64 years old, every time I get to ride a skateboard I’m happy.

I cannot longer do what I did when I was fifteen, but the simple fact of being able to slide on one it’s a luxury and a real pleasure. I’ll do it until my body can take it.

As we said, skateboarding has evolved, turning into something bigger than a sport conceived on the streets; it’s a life style, an attitude, a way of seeing the world and expressing your creativity.

How do you see the future of skateboarding? I believe that a part of the future generations will keep on enjoying it, and they will be even more creative.

You are a restless spirit that doesn’t stay still for a minute. What would you say to those who think that just because you’re getting older you have to stop doing what you’re passionate about? That you really need to have a positive attitude, and that the will of doing something, many times resides in your head.

This issue’s title is ENTSCHULDIGUNG. Which has been your biggest sin? To keep on being a skateboarding fan.

SeniorMeister:

Inge Ladd Inge Ladd and Jägermeister: what do you think you both have in common to be crowned as one of the SeniorMeisters of the brand?

It’s about going further than life, than the spirit, than personality itself, it’s about living and letting live, about being faithful to oneself... Inge Ladd is that kind of person.

If you could chose another creative mind, full of attitude, to be a SeniorMeister, who would it be? Mick Jagger.

Creating is another one of your passions, as a matter of fact you have a jewelry brand and have even been a coach for cinema and participated in a movie by Ventura Pons. How do you manage to do all of this? It all starts when I see or hear something, that’s when inspiration arises and everything begins. I have participated in two movies by Ventura Pons, and this year I will be part of a series

by Shonda Rhimes in ABC, in the second episode they ask me the same question, and my answer is simple: with a lot of energy and a great desire to participate. Things are easier when you are having a good time.

Music is a constant in your life. How do you express yourself through this artistic language? It just fits me, no matter my state of mind or temperament. It transports me to feelings and memories of the past, and it makes me get up from bed every morning. The last song I listened to, which I love, is No One Knows Me by Sampha.

Everyday I listen to something new in order to connect.

Since you were very young, you have been a rebel, and we can tell that you have always felt absolutely free to do whatever you want, against any social conventions that doesn’t match your personality. Is it hard to be that free nowadays? How it is to feel that way?

It’s amazing! No one has ever denied me to go anywhere, it has always

been me who decides not to go. The only characteristic I have, which is not common, is that I speak my mind, I’m very direct. What I feel I express, and that’s why some people have decided to stay and others to leave. You cannot change something about yourself just to be liked by someone else, or to be accepted by society, that should never be an option. That’s why I’m thankful for never having lost my perspective, even when I was younger and didn’t know if I was going or coming.

People say that age is not a number but a state of mind. In which moment of your life are you right now? Life is built up of moments, and what actually counts is what we do with them. It sounds like a cliché but it’s true. Right now I am where I’m supposed to be, and while I answer your question there’s a smile on my face, that’s a good sign.

Your love for tattoos is quite clear and this love story is more alive than ever. In fact, you told us that you get a new one every five years.

Which are the bases behind this connection? My tattoos tell my story, the constant changes that have happened, and those that are about to come. They’re about transformation, the journey that’s my life. They remind me where I’ve been.

It seems like the passage of time is unavoidable. Which is the secret to keep on being true to yourself, despite responsibilities and the constant changes? The secret is never losing the perspective of who I am or what I believe in. Because I do what I have to do, but in the right way, I don’t like things to be shoddy. If you do everything right from the beginning, you can’t go wrong. I want an easy life, but I don’t mind if there are obstacles, they cannot be an excuse to take a shortcut.

This issue’s title is ENTSCHULDIGUNG. Is there anything in your life you regret or would have done differently? I think the only thing I would have done differently is to stop and listen more. I have met amazing people throughout my life, who I would have loved if I’ve just listened to them. And I have done it, but I also wanted for them to listen to me, and when I’ve realized, they were gone. That’s when my story begins.

129

The art of a shared journey

SURVIBE

T: ANTONELLA SONZA

Las verdaderas aventuras empiezan con un punto de partida, un marco temporal y la visión de todo un camino delante por descubrir. Y para ser un verdadero aventurero, tienes que ser un poco superviviente. Ser capaz de enfrentar situaciones y lugares nuevos exprimiendo lo mejor de ellos. Porque aquello será el bagaje intangible que te lleves para siempre y, en cierta manera, te cambiará. 45 días, 4139 millas y 3 artistas es la primera premisa de Survibe, un proyecto colaborativo en el que el arte se convertirá en el único mapa que guiará los pasos de tres intrépidas personalidades que se lanzan a la carretera con el único objetivo de dejar huella: los artistas urbanos e ilustradores Joan Tarragó y Sabek, y el fotógrafo Elliot Alcalde. Un triunvirato que se ha propuesto conquistar Estados Unidos, comenzando por Texas y acabando en Nueva York, a golpe de spray. Su recorrido nos descubrirá los spots secretos de la primera potencia mundial a través de todos los murales, festivales, pop-ups y exposiciones que tienen planeado visitar por el camino. La furgoneta será el principio, y a través de sus redes sociales podremos seguirlos parada a parada: desde su salida en San Antonio (Texas), al mural que tienen planeado pintar con Outer Space en Atlanta (Georgia), su colaboración con la Wynwood Embassy en Miami (Florida), sus creaciones junto a la marca Big Secret en Richmond (Virginia), su intervención pública con el apoyo de la embajada española en Washington o el petardazo final en Nueva York. Además, también cuentan con el respaldo de Montana Colors e Iazzu, la app que te descubre lo más fresco de la escena del arte urbano a nivel internacional y lo trae directamente a tu pared. El proyecto producirá una experiencia multiplataforma a 360º en el que el espectador estará conectado a cada paso de los tres protagonistas. Este es un viaje de descubrimiento, en el que el arte es el único motor y GPS para seguir la ruta. Como dice su único claim, “es el viaje, no es el destino”, y un viaje va de vivir la experiencia pero también de compartirla. Survibe es lo que pasa en todas sus paradas, pero también lo que ocurre en la carretera y sus bambalinas. Por eso, lamono es el cuarto pasajero (referencia a Alien, queridos freaks) y nos colamos virtualmente en su furgoneta como polizones para ser testigos de absolutamente todo. Además de a través de las redes sociales, podréis seguir todos los updates de Survibe mediante el diario que publicarán los chicos en nuestra web y por el que estaremos al día de todo lo que se traigan entre manos. Ya lo tienen todo listo: solo faltas TÚ. Por eso, nos hemos sentado a hablar con el mismísimo Joan Tarragó en persona para que nos explique qué tienen en la cabeza, y también en la maleta: ¿cabemos dentro?

Real adventures begin with a starting point, a time frame and the sight of a road to discover. In order to be a real adventurer, you must also be a survivor, able to face new situations and places, hauling the best from them, because at the end of the day, that is the intangible reward you’ll take with you forever, what will change you somehow. 45 days, 4139 miles, and 3 artists, that’s the main idea behind SURVIBE, a collaborative project where the only map is art itself, guiding the way for these three intrepid souls, who will throw themselves on the road with one goal in mind: enjoy the experience. A team conformed by street artists and illustrators Joan Tarragó and Sabek, and photographer Elliot Alcalde. A triumvirate that has set its sights on conquering the United States, starting in Texas and finishing in New York, in a journey by which we’ll be able to discover the secret spots of this vast country, through all the murals, festivals, pop-ups and exhibitions they have planned along the way. It all begins with a van, departing from San Antonio (TX), moving on to Atlanta (GA) and the mural they are planning to do there with Outer Space, next they will go to Miami (FL) to work in collaboration with the Wynwood Embassy, in Richmond (VA) they will work along the brand Big Secret, then, in Washington, D.C., they will do a public intervention with the assist of the Spanish Embassy, and the grand finale will be in New York. On top of that, they count with the support of Montana Colors and Iazzu, the app designed to discover the latest urban art additions worldwide, bringing the pieces straight from the streets to your device. This project will create a 360º multi-platform experience, where the audience will have the opportunity to follow every step of each one of the protagonists through their social media. A journey of discovery where the main drive are the arts, and passion is the GPS. As the three of them claim, “it’s about the journey, not the destination”, and a big part of this journey is to share it with the world. SURVIBE is what will be happening in each one of their stops, but as well on the road and behind the scenes. That’s why lamono is the fourth passenger -a small reference to Alien my dear freaks-; we will be virtually everywhere with them, in order to witness everything that happens. Besides their social media, we will also be able to keep up thanks to the diary journal they will be periodically posting on our website. Everything is ready, the only thing missing is YOU. That’s why we decided to have a small chat with Joan Tarragó, face to face, so that he himself could explain to us what’s on his mind, and in his suitcase.

www.survibe.es 130

131

¿Cómo surgió la idea del proyecto y por qué Estados Unidos? Todo empezó como una broma por teléfono, llamé a Sabek a ver qué se contaba y le propuse, “coño, vamos hacernos un painting roadtrip en USA y atravesarnos el país de costa a costa”. Un poco a lo Jack Kerouac en On The Road pero pintando, claro. Después de habernos cruzado por Asia hace un par de años, la idea era buscar una segunda parte mas occidental, quizá con una logística más organizada. La imagen de roadtrip parece que coge más fuerza cuando piensas en la mítica ruta 66, furgoneta, colegas y pinturas, es un formato que se vende solo. Bueno, al final, las risas de esa conversación se fueron transformando en un proyecto redondo, gracias a los partners, sponsors y colaboradores que se han ido sumando por el camino.

Sois tres en este proyecto: ¿qué visión aportará cada uno al resultado final? Al principio éramos dos, Sabek y yo. Cada uno de nosotros tiene su predilección por viajar y pintar y la idea era unir fuerzas y aportar cada uno su visión, experiencia, contactos e ideas. Más tarde, nos dimos cuenta de que la figura de un fotógrafo-videógrafo era clave para poder hacer cada uno su proyecto. Ahí es donde la tercera pieza, Elliot, se sumó al equipo. Él es otro amigo de hace años, un crack en su materia y directamente vinculado al mundo del arte más urbano, participativo, graffiti y demás. El proyecto se ha elaborado entre los tres, de una forma muy horizontal. Cada uno atacando varias tareas, muchas reuniones, skype, cientos de whatsapps, vídeos, cachondeos, risas, curro y horas extras. Durante la organización del proyecto, cada uno de nosotros en algún momento u otro ha estado en otros países por otros proyectos, como New Zeland, Marruecos, Berlín, Copenhagen, Finlandia, etc.. así que la atmósfera de viaje siempre ha estado ahí. Antes de Survibe, durante y después. ¿Cuál es la parada del viaje que vas a coger con más ganas y por qué? La verdad es que no tengo expectativas especiales por ninguna parada en concreto. El último tour que hice por USA pasó por NYC, Richmond y Miami, y Richmond es la que me sorprendió más, fue de forma totalmente inesperada. Así que para este proyecto, realmente vamos con ganas de disfrutar todas las estaciones. ¿La furgoneta es la protagonista de este road trip? ¿Cuál será el

132

hilo conductor de este viaje? Yo creo que la furgoneta es una herramienta, quizá la más icónica de este painting roadtrip, pero quizás no la protagonista. Lo esencial será la visión 360º de tres colegas avanzando por territorios desconocidos e interactuando con la ciudad y sus personas de cada parada. El arte aquí quizá es el de compartir una experiencia única. Desde lo más organizado, hasta los eventos más inesperados que surgen de la improvisación de viaje. Como dijo Chuck Norris: “no es el viaje, sino el trayecto “ (risas) Esto es un proyecto multiplataforma que iréis comunicando mientras va pasando, pero, ¿qué tenéis planeado después del viaje para que Survibe pase a la historia? Sabemos que es un challenge importante conseguir trasladar las vivencias de un viaje así a un espectador, por eso, contamos con Elliot, el hijo de Dios, que estará non stop trabajando en varios proyectos de fotos y vídeo, no solo de nosotros pintando, también de la gente, una visión 360º, de lo que sucede en cada momento. Con todo el material gráfico reunido en esos 45 días de Survibe, vamos a realizar un documental y un libro. Sabemos que son propuestas ambiciosas pero bueno, la idea del proyecto Survibe también lo era y aquí estamos, a punto de embarcar. Así pues, estamos felices de poder decir que en unos meses después del viaje, presentaremos el SURVIBE Documental y SURVIBE, el libro.

Esto promete ser la mejor experiencia de tu vida hasta el momento, ¿qué sientes días antes de embarcarte en un viaje así, a nivel profesional y personal? Creo que los tres sentimos que nos va a petar la patata (risas). A parte de que una gran parte de preparación del proyecto ha sido bien freestyle, hay otra parte, bien sólida, que ha consistido en organizar, contactar, mails, reuniones, re-reuniones, re-re-reuniones, mucha pantalla, pdfs, textos, fotos vídeos, esbozos, maquetación, presentaciones, etc… combinando con todos los proyectos que hemos ido realizando cada uno por su cuenta a título propio. Tenemos muchas ganacas de cerrar el ordenata, hacer la maleta y empezar a gozar el fruto del curro, es hora de recoger lo sembrado.

En todos los aspectos, personal y profesional. ¿Cuál será vuestro mantra para el viaje? Imagino que bastante dub, hip hop y algo de trapeo para Sabek (risas)

Tell us how was this project conceived and why the United States.

It all started as a joke during a phone call; I called Sabek to see what was up and told him, “ fuck dude, lets do a painting road trip across the United States, traveling the country from coast to coast”. Something like Jack Kerouac in ‘On The Road’, but painting, of course. After having traveled across Asia a couple of years ago, the idea was to plan a second part, but this time more to the east, and maybe more organized too (laughs). The idea of this road trip seems to reinforce itself every time we think about the mythical Route 66, a van, friends and spray cans, it’s just formidable. Well, eventually, after that conversation and the laughs it brought about, the project started to take shape thanks to our partners, sponsors and collaborators who have been joining along the way.

There’s three of you in this project. What will each one bring to the table? At the beginning we were just two, Sabek and I. We both like to travel and to paint, and the main idea was to come together so that each one would contribute with its vision, experience, contacts and ideas. Later on we realized that we needed a photographer/filmmaker, it’s here where Elliot came into the team. He is another long friend of ours, and a genius doing his thing, directly related with street art, graffiti, etc. The project has come together thanks to the three of us, in a horizontal manner. Each one being in charge of different tasks; a lot of meetings, Skype, hundreds of Whatsapp messages, videos, pranks, laughs, work, and extra hours.

During the first stages planning the project we had to go to different countries because of other projects we were each involved in separately; New Zealand, Marrakesh, Berlin, Copenhagen, Finland, etc., so the traveling atmosphere has always been there. Before SURVIBE, during and after.

Is there any stop along the way you are waiting for eagerly?

Honestly, I don’t have any particular expectations for a specific stop.

The last tour I did across the US went through NYC, Richmond and Miami, and the city that surprised me the most was Richmond, totally unexpected. Hence, for this project, we are really looking forward for each and every stop.

Is the van the real protagonist of this journey? Which will be the main narrative thread? I think the van is a tool, perhaps the most representative one, but not the protagonist. The protagonist will be the 360º vision about how three friends move along, stop after stop. The real art here is sharing a unique experience, from all the planning we’ve done to the most unexpected events that can come up along the way. As Chuck Norris said, “its about the journey, not the destination” (laughs).

This project will be available in various platforms, as you will be showcasing it as it happens, but do you have anything planned out for after the journey, so that SURVIBE goes down in history? We are aware of how difficult it is to convey the experience of a journey like this one to an audience, that’s why we have Elliot, the son of God, who will be working non-stop on various pieces, both in photography and video, not only of us painting, but of the people we come across, giving a 360º vision of what is happening all the time. With all the visual material gathered after these 45 SURVIBE days, we are planning to do a documentary and a book. We know how ambitious this is, but well, so was SURVIBE and here we are, ready to start. We are really happy to be able to say that a few months after the journey we will be presenting SURVIBE, the documentary, and SURVIBE, the book.

This seems to be the best experience in your life so far. How are you feeling a few days before embarking on such adventure, on a personal and professional level? I think the three of us feel like we are going to lose it (laughs). A big part of the planning of the project was made freestyle, and the other, instead, is really solid: organizing, contacting, emailing, meetings, more meetings, more meetings, PDFs, texts, photos, videos, sketches, designs, presentations, etc... bringing together all the projects each one of us has done on our own. We are really looking forward closing our laptops, packing up our stuff and start enjoying the results of all this hard work, in every aspect, personal and professional.

What will be your mantra for this journey? I reckon a lot of dub, hip hop and some trap for Sabek (laughs).

133

T: FELIPE DUARTE

R I C A R D O C AV O L O X

W BARCELONA Ricardo Cavolo y W Barcelona se unen para celebrar el nuevo e insólito diseño de la icónicas habitaciones del hotel con el lanzamiento de una edición limitada de calzado en colaboración con Muroexe, la marca de calzado urbano con base en Madrid. Eligiendo como fundamento creativo la inigualable localización del hotel, a orillas del Mediterráneo, pero al mismo tiempo a una distancia perfecta del centro de la ciudad, las zapatillas materializan el espíritu dinámico de éste. “Quería que mi diseño reflejase la interminable energía del hotel y sus animados alrededores. Si tuviera que describir nuestra colaboración en tres palabras, serían: Barcelona, mar y diversión”, afirma Cavolo, quien en el pasado ya ha colaborado con el prestigioso diseñador Alexander McQueen y marcas como Bally y Zara. Para esta colección de sneakers el artista ha decidido utilizar elementos distintivos de una manera única y original; por un lado vemos olas, palmeras, el sol y el color azul, característicos de la identidad del hotel, mientras que por el otro tenemos las llamas y los corazones que siempre han distinguido las piezas visuales de Cavolo. Con esta mezcla, el resultado logra representar la alegría y el espíritu de diversión de Barcelona, sin dejar atrás el cuidado por el diseño, con un look informal pero al mismo tiempo clásico e imperecedero. La edición limitada de sneakers fue desvelada en un exclusivo evento de presentación durante el pasado mes de mayo, y desde entonces están disponibles para los huéspedes de las suites del hotel. De esta manera, W Barcelona ha creado un exclusivo pack de alojamiento diseñado para todos los amantes del diseño y la moda, incluyendo un segundo par de las zapatillas de Cavolo a un precio especial. “Es un honor tener la oportunidad de trabajar con un hotel con una apuesta semejante en moda y diseño” afirma Ricardo Cavolo mientras observa el resultado final de esta colaboración con una sonrisa en su cara. Desde el momento de su instauración en el año 2009, W Barcelona siempre se ha mantenido a la vanguardia, redefiniendo la escena hotelera en la Ciudad Condal, implementando las últimas novedades en cuanto a diseño e infraestructura, es por esta razón que dicha colaboración con encaja perfectamente con el perfil de ambos. “El trabajar con uno de los artistas emergentes más importantes de España es realmente inspirador. W Barcelona y Ricardo Cavolo comparten la pasión por lo último y lo venidero, tanto en moda como en diseño. Esta exclusiva colección proporcionará una experiencia de plena diversión y diseño puntero que nuestros huéspedes y habituales esperan del W”, afirma Stijn Oyen, Director General del W Barcelona. Esta es la segunda colaboración de moda que realiza hotel, tras el éxito logrado en el año 2015 al trabajar con el joven diseñador William Tempest. Para todos aquellos interesados, un número determinado de zapatillas se podrán adquirir en www.w-barcelona.com/rcxw por 150€ el par, para así llevar la esencia de Barcelona por donde quiera que vayáis, con el talento de Cavolo presente.

Ricardo Cavolo and W Barcelona have come together to celebrate the unusual design of the new hotel’s iconic rooms by launching a limited edition of sneakers in collaboration with Muroexe, the footwear brand based in Madrid. The sneakers materialize the hotel’s dynamic spirit, setting as creative platform its unparalleled location, right by the Mediterranean, but at the same time at the perfect distance from the city’s center. “I wanted my design to reflect the never-ending energy the hotel has, as well as its cheerful surroundings. If I had to describe our collaboration in three words, they would be: Barcelona, the sea and fun”, Cavolo stated, who has collaborated in the past with the prestigious designer Alexander McQueen and brands like Bally and Zara. For this collection the artist has decided to use some distinctive elements in a unique and original manner; on one hand we can see waves, palm trees, the sun and the color blue, characteristics of the hotel, and on the other we have the flames and hearts, classic components in Cavolo’s work. Through this blend, the result brings out the energy and fun nature of a city like Barcelona, without leaving behind the care for detail, highlighting an everyday look but at the same time classical and timeless.

This limited edition was presented during an exclusive event that took place in May, and since then, the sneakers are now available for all the guests that stay in the hotel. W Barcelona decided to create an exclusive pack thought for all of those who love design and fashion, including a second pair of Cavolo shoes for a special price. “It’s an honor to have the opportunity of working with a hotel that promotes in such a way fashion and design”, Cavolo affirmed as he observed the final result of this collaboration with a smile on his face. Since the moment of it’s foundation in the year 2009, W Barcelona has always been at the forefront, redefining the hotel scene in the Cataln capital, bringing forward the latest when it comes to design and infrastructure, that’s why such collaboration fits perfectly with both, the artist and the hotel’s profile.

As Stijn Oyen, general manager for the hotel, said, “being able to work with one of the most important Spanish artists is truly inspiring. W Barcelona and Ricardo Cavolo share the passion for the latest trends, for what’s to come, both in fashion and design. That’s why this exclusive collection offers a fun experience and state of the art design to our guests, who already know what to expect from W Barcelona”. This is the second fashion collaboration for the hotel, after having worked in the year 2015 with the young designer William Tempest, in a collection that brought, as well, nothing but success. For all of you interested in having a pair of this unique shoes, there will be a limited number of sneakers available at www.w-barcelona.com/rcxw for 150€; this way you’ll be able to take with you the essence of Barcelona wherever you go, with Cavolo’s talent printed on it.

134

135

REVIEW / CCCB - BARCELONA / 19TH - 20TH MAY 2017

MARCEL VELDMAN – DEFINITELY NOT THE NEW FLUFF – EXHIBITION F: DILAYLA ROMEO + RUBÉN GONZÁLEZ

El 19 de mayo lamono reunió a la crême de la crême del skateboarding en la exposición del fotógrafo Marcel Veldman, Definitely Not The New Fluff, el libro que ha creado con el apoyo de Nike SB para mostrar el resultado de dos años viajando con sus riders por todo el mundo.

Un submundo cuyas luces y sombras quedan retratadas en estas increíbles fotografías que son un catálogo generacional de la escena del patín a nivel internacional. No falta ni uno, y por eso, en su presentación en Barcelona nadie quiso perderse su puesta de largo, teniendo en cuenta que todos los pros se encontraban en Barcelona con motivo de SLS Pro Open y las Nike SB Euroseries. Muchos de los invitados se vieron retratados en las fotos de Veldman, un objetivo silencioso e insider que ha congelado para siempre los instantes más bizarros, auténticos e intimistas que ha vivido durante sus viajes, competiciones, juergas y descansos con ellos.

La increíble Sala Mirador del CCCB fue el marco espacial de esta exposición: por un lado, Barcelona desde las alturas, y por otro, una ventana abierta al mundo a través de las instantáneas de Veldman. Y no está bien que nosotros lo digamos, pero estamos orgullosos del sarao que montamos y por eso agradecemos a Nike SB su confianza en nosotros para llevarlo a cabo, a Pedra su creatividad, a Moritz Barcelona y 7 Magnífics por quitarnos la sed, a Soren Manzoni por hacernos bailar, y a dos de nuestros invitados, Chino Cob y Loli Zazou por saltar al rescate, a Willy y sus chicos por dejarlo todo perfecto, al CCCB por la paciencia y a Marcel y Marco por ser tan participativos. Sin vosotros, no hubiera sido posible. Y vamos si lo fue: para muestra, un montón de fotos gracias al objetivo sagaz de Dilayla Romeo y Rubén González.

Y atención, amenaza: ya estamos cociendo la siguiente.

The past 19th of May, lamono gathered la crême de la crême of the skateboarding world in Barcelona for the exhibition of Dutch photographer, Marcel Veldman, titled Definitely Not The New Fluff, based on the book he recently launched with Nike SB, under the same name, and through which he portrays the two years he was been traveling with the Team’s riders across the globe. An underworld depicted in an amazing selection of photographs that represent a generational catalogue true to the international skateboarding scene. That’s why, during its launching in Barcelona, no body wanted to miss it, and since all the the Pros were in the city ready to compete in the Nike SB SLS Pro Open, the cast could not have been better. Many of the guests had the chance of seeing themselves in Marcel’s images; a silent insider who has managed to capture forever some of the most bizarre, authentic and intimate moments that have taken place during the Team’s travels, competitions, and parties.

The incredible Sala Mirador, inside the CCCB, was the chosen place for this exhibition: on one side a panoramic view of Barcelona, and on the other, an open window into the skateboarding world thanks to Marcel’s images. And it might not be cool for us to say it, but we are proud of the revelry we put together, and that’s why we want to thank Nike SB for giving us their trust, to Pedra for their creativity, to Moritz and 7 Magnifics for quenching our thirst, to Soren Manzoni for making us dance, to two of our guests, Chino Cob and Loli Zazou, for saving the night, to Willy and his crew for making it all look perfect, to the CCCB for their patience, and to Marcel and Marco for their disposition and participation. Without all of you, it would have been impossible. But it was a big hit, and to show it, we have the amazing pictures captured by the talented Dilayla Romeo and Rubén González... Beware: we are all ready planning our next big thang!

136

137

138

139

REVIEW / PARÍS / 1ST JUNE 2017

GEORGIA MAY JAGGER X VOLCOM: THE NEXT GENERATION Sí, hemos caído en la tentación. Cuando se nos pone delante la oportunidad de volver a París, inevitablemente vamos de cabeza. Así, Volcom nos metió en un avión para aterrizar en la capital francesa y vivir en primera persona su lanzamiento más esperado para esta temporada: la colaboración con una de las pequeñas de la saga de los Jagger, Georgia May. Modelo de profesión (y vocación, heredada de Jerry Hall, su madre), empresaria (desde hace poco es propietaria de parte de la marca BLEACH London de productos para el cabello), se estrenó a los 16 años en pasarela y con 25, tiene un largo recorrido a sus espaldas. Ahora, un nuevo alto en el camino: ser la nueva brand ambassador y diseñadora de Volcom. El resultado de esta unión es una colección diseñada y presentada por ella, dos facetas que saltaban a la vista en todo el maravilloso Pavillion Puebla, el lugar escogido por la marca para lanzar la fiesta de presentación, aprovechando que estaban de estreno por la apertura de una nueva flagship store en la famosa rue Faubourg Saint-Antoine. Allí, Georgia May nos esperaba en la terraza, relajada, con el vestido de neopreno de su colección puesto, “mi pieza favorita”, decía. Cercana y amable, comenzamos nuestra charla con la inevitable mención a Barcelona para romper el hielo: “he estado y quiero volver muy pronto”. Pero entrando en materia, ¿cuál es la semilla de toda esta colección? “La inspiración fueron esas sesiones de fotos de moda en la playa de los años 70, y la estética de los partidos de basket de la época. Pero más allá de esto, lo que realmente me inspiró es el reto de transformar el tejido reciclado en algo estéticamente diferente”. Volcom utiliza un tejido patentado hecho de redes de pescar recicladas para crear sus prendas de baño, la punta del iceberg de las iniciativas sostenibles que ha llevado la marca durante los últimos años. La propia Georgia es miembro de la organización de protección de los océanos, Project 0 y por eso, considera que gracias a que la industria de la moda está adoptando una actitud más consciente, las cosas están cambiando. “Es muy importante que Volcom, como una empresa global, haya dado este paso porque el ser humano tiene que ser consciente del impacto de su huella. No podemos ignorar el problema. Por eso para mí es importante colaborar con ellos, y también ayudar a cambiar la percepción estética de este material reciclado, que puede usarse para crear cosas realmente bonitas y acorde con las tendencias actuales. La forma de producir moda más consciente con su impacto medioambiental e incluso las formas de consumirla están cambiando”. Esta unión parece el siguiente paso natural para alguien que lleva toda la vida rodeada de skateboarding, música y arte, habiendo crecido en un ambiente rico en influencias. Toda esta mezcla se respira en las 15 piezas de esta primera colección que también llega a la línea más premium de la marca, Stone Row, y se estira hasta la primavera de 2018. “En mi mundo, ser femenina y un poco masculina a la vez no son excluyentes. Supongo que esto se me ha quedado gracias a la música, que era muy importante para mí cuando era una adolescente: por un lado, mi hermano me introdujo en la música punk, sobre todo con los Pixies, pero mi hermana era más de soul, tipo Fiona Apple y este tipo de música de los noventa. Todo se ha mezclado en mí. Yo solo quería ser Slash (Guns ‘N’ Roses)”. Quizás por eso ha decidido incluir en su colección una chaqueta militar masculina, porque, según ella, no paraba de ponerse la de su novio. Además, muchas de las piezas son un homenaje a las prendas más usadas en el mundo del skate (camisetas gráficas con el Volcom Stone o pantalones chino), con un toque moderno y femenino para actualizarlas y que se conviertan en básicos de armario. Pero, ¿cuál es el suyo? “La pieza favorita de mi armario es una chaqueta de cuero que compré por 50 pounds en Grecia y me la pongo con todo, aunque ahora ya empieza a oler a tabaco”. Nacer en el seno de una familia tan artística en la que la creatividad forma parte del ADN tiene que ser como ver el futuro: dentro de ti hay un artista latente, solo tienes que encontrar tu propio lenguaje y expresar todo aquello que las palabras no pueden decir. Georgia fue a una escuela de pintura, y cuando hablamos sobre arte, nos transmite una verdadera segunda vocación: “sí, me encanta el arte. De hecho, estudié en una escuela de pintura, y aunque no he podido retomarlo por el volumen de trabajo, siempre formará parte de mi vida. Solía hacer esculturas de cabezas de personas y cosas así. Quiero volver a crear pronto”. Nuestra charla acaba con dos besos, la promesa de volver a Barcelona, una foto y una impresión final: con tan solo 25 años, Georgia es un espíritu creativo que nos ha conquistado por su honestidad, espontaneidad y por sus imparables ganas de dejar su propia huella en el mundo. Atentos a ella.

140

Yes, we have fallen into temptation, once more; every time we have the opportunity of visiting Paris, we won’t doubt it. And just like that, Volcom got us on a plane all the way to the French capital, in order to experience at first hand the biggest launching of this year: the collaboration with one of the Jagger offspring, Georgia May. This glorious model, just as her mother, Jerry Hall, and entrepreneur, started walking the runway when she was only 16 years old; now, at 25, she has made a name of her own within the industry. Now she can mark a new milestone in her career: being the new brand ambassador and designer for Volcom. The result of this coalition is an amazing collection designed and presented by her, at the Pavillion Puebla, the selected location by the brand to celebrate the launching party, taking advantage of the fact that they were also commemorating the opening of their new flagship store in the famous Rue Faubourg Saint-Antoine. There, Georgia was waiting for us in the terrace, wearing the wet suit of her collection, “it’s my favorite piece”, she would tell us. Close and terribly kind, we had the chance of talking to her, using as an ice-breaker the city of Barcelona, “yes, I’ve been there and would love to go back soon”... But, now talking about the subject that brought us together, what was the catalyst behind this collection? “My inspiration came from all those seventies photo shoots at the beach, and the aesthetics of the basketball games from back then too. But, beyond that, what really inspired me was the challenge of transforming the recycled fabric into some aesthetically different”. Volcom, keeping up with its innovation, uses, to create its bathing suits and board shorts, a patented fabric made up with recycled fishing nets, keeping the brand at the forefront when it comes to sustainable initiatives to protect our oceans. Georgia herself is a member of Project 0, an organization focused in taking care of our oceans, and that’s why she wanted to work along Volcom, since she knows how important it is that the fashion industry adopts a more conscious attitude towards the environment; things are changing. “It’s very important that Volcom, as a worldwide enterprise, takes a step forward, because humankind must be aware of the impact it’s causing on nature. We cannot longer ignore the problem. That’s why it’s important for me to collaborate with them, and also help change the aesthetic perception people have towards this recycled material, which can be used to create really beautiful pieces, keeping up with today’s trends. The way the fashion industry is evolving is leading to a more conscious production chain, taking into account its environmental impact; even the way people consume fashion are changing”. This union seems to be the next natural step for someone that has been related, all of her lie, to skateboarding, music and art, having grown up in a creative household. All this blend of ingredients can be seen in the 15 pieces of this first collection that reaches to the most premium line of the brand, Stone Row, and will be available until Spring 2018. “In my world, being feminine and a little masculine are not excluding traits. I think this is because of music, which was very important for me growing up: on one side, my brother introduced me to punk music, specially to the Pixies, but mi sister lead me more towards soul music, like Fiona Apple, and nineties music. It all has mixed for me. When I was young, I only wanted to be Slash (Guns ‘N’ Roses)”. Maybe that’s why in her collection she decided to add a men’s military jacket, because, according to her, she would always wear her boyfriend’s. On top of that, many pieces are homage to some of the most demanded garments within the skateboarding culture -the Volcom Stone t-shirts and Chino pants-, with a modern and feminine twist, designed to become classics. So, we had to ask, which is her favorite piece in her closet? “My favorite piece is a leather jacket I bought for 50 pounds in Greece, and I wear it all the time, although it’s starting to smell like tobacco”. Being born in such a creative family, where creativity is part of the DNA, must be like having a sphere that allows you to look into the future: an artist within, all you have to do is find your own language en express all that which words can’t. Georgia went to an arts school, her second vocation: “I love the arts. As a matter of fact I studied in an arts school, and though I haven’t been able to go back due to the huge amount of work I have, it will always be a part of me. I used to do sculptures of heads and stuff like that. I want to go back creating soon”. Our talk finished with kisses and the promise of visiting Barcelona, a photograph and a final mental image: with only 25 years, Georgia is a creative soul that has conquered us thanks to her honesty, spontaneity, and unstoppable drive to leave her mark in the world. Keep an eye on her.

141

REVIEW / BARCELONA / 10TH JUNE 2017

LAMONOTV PRESENTA MORITZ BOTTLE DARE F: ARIANOOSH

El pasado sábado 10 de junio, tomamos la fábrica Moritz para presentar #MoritzBottleDare, una serie de seis capítulos creados y dirigidos por Alex Jover y producidos por lamonoTV, nuestra nueva plataforma de TV online. Fue una fiesta muy emotiva en la que la creadora pudo reflexionar sobre la manera en la que los jóvenes consumimos cultura y de qué forma ésta puede ser más accesible. A partir de ahí surgió el concepto del programa, en el que una serie de cuatro invitados que se enmarcan dentro de un contenedor cultural grande, como Música, Deportes, Ilustración, Cine, Gastronomía o Literatura, se sientan alrededor de la botella para someterse al dios más impredecible, el azar. Cada invitado representa una aproximación diferente en su disciplina: por ejemplo, en el capítulo de libros, una librera puede hablar cara a cara con una gran editorial y un escritor, o como en el de Gastronomía, una instagramer foodie puede hablar con un joven emprendedor. Y cuando la botella gira, solo dos opciones: pregunta o reto. Y así vamos viendo a nuestros artistas favoritos sudando la gota gorda para superarlos, pero con mucho sentido del humor ya que acaban descubriendo habilidades que no pensaban ni remotamente que tenían. Además, lamono presentó lamonoTV con el fruto de su colaboración con IDEP Barcelona en el que los alumnos de la asignatura de audiovisual cogieron el copy de “Nos gusta que nos miren” y lo reintepretaron a su manera para realizar un teaser. El video ganador fue de la alumna Arantxa Álvarez, que partió del concepto de nacimiento inspirado en el personaje del arquitecto de Matrix Reloaded.

Los que os apuntasteis al evento pudisteis ver el capítulo íntegro, pero los que no, ha llegado el momento de darle al play: YA podéis verlo en exclusiva en nuestra nueva plataforma, lamonoTV cada martes hasta el mes de agosto.

Past Saturday, 10th of June, we took over the Moritz factory to launch the #MoritzBottleDare, a series composed by six episodes, created and directed by Alex Jover, and produced by lamonoTV, our new online TV platform. It was a very emotive party where the creator had the chance of pondering about the way in which the young generations relate to culture and how, through innovative proposals like this one, it can be more accessible for them. With this idea in mind, the program was conceived; in it four guests, exponents of wide cultural frames such as Music, Sports, Illustration, Cinema, Gastronomy and Literature, sit around a bottle and succumb before the most powerful god of them all, chance.

Each guest represents a different approach to each one of these disciplines: for example, in the Literature episode, a librarian talks face to face with a big publishing house, or in the Gastronomy one, a foodie instagramer discusses with a young entrepreneur. When the bottle spins there are only two options: truth or dare; through them we get to know our favorite artists, either if it is by watching them strive to overcome the challenge, laughing as they discover habilites they didn’t even know they had, or answering questions about their field of expertise. lamono launched lamonoTV thanks to the collaboration of the IDEP Barcelona, where the audiovisual students were given the copy “Nos gusta que nos miren”, and they re-interpreted it in their own way, to come up with a teaser. The winning video was a piece made by Arantxa Álvarez, who used as starting point the architect character from Matrix Reloaded.

Those of you who signed up for the event had the chance of seeing the full episode, but those of you who couldn’t, it’s time for you to press play: NOW you can see it, exclusively, on our new platform, lamonoTV. Now, each Tuesday until August we will launch a new episode, and you can’t miss it.

tv.lamonomagazine.com 142

143

REVIEW / BIARRITZ / 14TH - 18TH JUNE 2017

WHEELS AND WAVES F: GINÉS PEDRERO Y EVA VILLAZALA

Ser libre te da clase. Eso ya la sabíamos, pero citas como esta lo ponen aún más de manifiesto. La combinación es natural y, vista desde dentro, hasta necesaria. Motor, surf, arte, música y una pizca de skateboarding. Al final son los componentes que nos hacen ser quiénes somos, al menos en esta revista que traes entre manos, por eso nuestra cita al Wheels and Waves, es tan reconfortante. Este año, como otros, agradecemos la invitación de Harley-Davidson que nos acogió con el cariño al que ya nos tiene acostumbrados. Se repitieron pruebas como la Punks Peak Sprint Race, las rutas, la exposición ArtRide en Pasaia, los pases vídeos, los stands y la competición de surf. Se sumaron novedades como la competición local de skateboarding que apadrinó el mismísimo Steve Caballero, invitado por Indian Motorcycles y el espectáculo ofrecido por la misma marca en una jaula de motos. No faltaron a la cita los habituales Alberto García-Alix, cámara en mano, Brian Bent, que nos volvió a deleitar con su estilo surfeando y su música, fotógrafos a los que admiramos como Nick Clements, Larry Niehues y leyendas del motor como Go-Takamine. Además el escenario de Cité de l’Ocean se puso a todo gas con los conciertos de Moon Duo, Tom Curren, Elliott Murphy, Rocco Deluca, Ryder el Águila. Un desfile total de leyendas y de nombres, como la de la piloto Katja Poensgen que se proclamó ganadora del Punks Peak a lomos de su Indian Scout. En definitiva, un espectáculo continuo que se admira con solo pasear por las calles de Biarritz, porque el cuello se cansa de girarse continuamente admirando las bellezas custom que ruedan erguidas, orgullosas y narcisistas.

Freedom gives you class; we already knew that, but gatherings such as this one just make it more evident. The ingredients that compose it, are simply natural, and, when seen from inside, even necessary to enjoy this thing we call life: engines, surf, art, music, and a pinch of skateboarding. At the end of the day, they are the elements that determine our DNA, the DNA of the magazine you’re holding between hands. That’s why our attendance to the Wheels and Waves Festival is always so comforting. This year, as in past occasions, we must thank Harley-Davidson for the warm invitation and being the amazing hosts the always are. As in previous editions, we had the chance of enjoying once again of events such as the Punks Peak Sprint Race, the route, the ArtRide exhibition at Pasaia, the stands and the surf competition. There were some new activities too, like the local skateboarding competition, hosted by no one else but Steve Caballero himself, invited by Indian Motorcycles, who also organized an amazing spectacle with daredevil motorcycle riders crisscrossing madly inside a metal sphere. Regular guests such as Alberto García-Alix, with his camera ready to shoot, and Brian Bent, who delighted us once again with his surfing style and music, couldn’t miss, as they mingled with other photographers we admire such as Nick Clements and Larry Niehues, and legends such as Go-Takakami. On top of that, at the Cité de l’Ocean, we could enjoy with the performances of bands like Moon Duo, Tom Curren, Elliott Murphy, Rocco Deluca, and Ryder el Aguila. All around, a parade composed of stars, among which there was the rider Katja Poensgen, winner of the Punks Peak, on top of her Indian Scout. At the end, an on-going spectacle on the streets of Biarritz, where we couldn’t stop admiring the custom beauties rolling along, bright, proud and narcissistic.

www.wheels-and-waves.com

144

145

#113 · ENTSCHULDIGUNG · JUNE / JULY / AUGUST · 2017 DIRECTOR Eva Villazala eva@lamonomagazine.com ASSOCIATE DIRECTOR Julio Amores julio@lamonomagazine.com ART & DESIGN Josep M. Sicart siki@lamonomagazine.com · www.sickart.net REDACTORS Antonella Sonza antonella@lamonomagazine.com TRANSLATION Jaime Felipe Duarte felipe@lamonomagazine.com CONTRIBUTORS REDACTORS Eva Villazala + Felipe Duarte + Vicky Navarro + Antonella Sonza Manuela Alcatraz + Rocío Carrasco + Marcos Gómez

C

M

Y

CM

MY

CY

CMY

K

PHOTOGRAPHERS Laura Adan + Julia Baedcker + Bensusi For circulation customer service in Spain please send an email to felipe@lamonomagazine.com International Distribution: France, Portugal, Germany, UK, US and Australia.

For annual subscription please send an email to suscripcion@lamonomagazine.com SUBSCRIPTION / 6 issues per year Spain: 40 euros / Europe: 50 euros / Other countries: 70 euros DEPÓSITO LEGAL: B 51664-03 ISSN: 2014–9395 LAMONO HEADQUATERS: Aribau, 15, 1º 1º, 08011 Barcelona T. +34 932724980

www.lamonomagazine.com tumblr.lamonomagazine.com Twitter: @lamonomagazine Facebook: lamonomag Instagram: lamonomagazine Pinterest: lamonomag

*

All rights reserved. No part of this publication may be reproduced in whole or part without permission from the Publisher. The views expressed in lamono magazine are those of the respective contributors and are not necessarily shared by lamono and its staff.

146

CON CADA BICIMENSAJERO EL MUNDO AHORRA 7,2 KG DE CO2 AL DÍA.

CUESTIÓN DE PEDALES

apinyó bicimissatgers · 931 125 293 · www.apinyo.cat

147

MÚSICA

I LUSTRACIÓN

GASTRONOMÍA

L ITE R ATU R A

CINE

DE P ORTES

RITA ARNAUS

MARCOS BARTOLOMÉ DELICIOUS MARTHA

DANI QUINTERO

MASSIMO PIGNATA

NELSON MARTÍNEZ ALEX KNOEPHEL

IVÁN SURINDER

ADA CASTELLS

JOAN DAUSÀ PAU ROCA

VICTOR BALCELLS

BAD GYAL

EDITORIAL MALPASO LORING ART

ANDREA MOTIS

MARC CREUET

TXEMY

BRUNA CUSÍ

LYONA ALYONA PRODUCIDO:

FLAVITA BANANA

PRESENTADO Y DIRIGIDO:

CISCO TATTOO

ALEX JOVER

JOSE LUIS ROMEU

PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL:

CADA MARTES EN TV.LAMONOMAGAZINE.COM

CON EL APOYO DE:

#MORITZBOTTLEDARE 148

ORIOL PLA