lamono / núm. 81 / abril ’12
secci贸n
cr猫dito
f: dara scully (cargocollective.com/darascully)
ANALĂ“GICO
staff
il: jocelyne dana gilead (jocelynegilead.com)
Portada: Scott Marr (scottmarr.com.au) Edita: Edicions La Nit., S.L.U. Aribau, 15 1º1ª (BCN) / Directora: Eva Villazala > eva@lamono.net / Director adjunto: Julio Amores > julio@lamono.net / Dirección de Arte & Diseño: Hernán Verdinelli > hverdinelli@gmail.com / Maqueta original: Iñaki Guridi & Pau Aguilar (bang-bang.ws) / Directora marketing y publicidad: Anthya Tirado +34 615 087 531 > anthya@lamono.net / Responsable de comunicación y proyectos online: Marina Morell > marina@lamono.net / Redacción: Xavi Ocaña > xavi@lamono.net / Moda: Anthya Tirado + Xavi Ocaña / Contenidos blog: Yuppi Eff! (Fran Gallego y Julio Amores) / Redactan: Maria Aranda + Txema Argente + Victor Cardona + Alan Queipo + Erika Leiva + David López + Xavi Ocaña + Thaïs Planes + Marta Rosella + Antonella Sonza + Lara Turner / Fotografían: Eudes de Santana + Karina Eibatova + Will Broadhurst / Ilustran: Jocelyne Dana / Depósito Legal: B 51664-03 / Distribuye: Tengo un Trato, S.L > www.tengountrato.com
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>FRASE DEL CIERRE: "Un punto y seguido es una línea contínua" >HIT DEL CIERRE: First Aid Kid, The Lion's Roar >PELI DEL CIERRE: Man with a movie Camera de Dziga Vertov Lamono no se responsabiliza de la opinión de sus colaboradores. No reproduzcáis los textos ni imágenes aquí presentes sin consultarnos.
actualidad invigente
Redes nucleares\
t: raimundo lozano / f: will broadhurst (www.flickr.com/williamswishwellingtons)
El tiempo vuela. Pero en nuestro caso, echando la vista atrás, más que volar da escalofríos. Los que nacimos en los 70 fuimos a llamar por teléfono a la única casa del pueblo con el dispositivo para hacerlo, escribimos decenas de cartas de amor y de amistad a nuestros compañeros del colegio durante las vacaciones escolares, nos paseamos con nuestro “loro” por el campo, recogimos rollos de cinta de cassette enganchados con el corazón en un puño y hablamos por los primeros móviles gigantes en el autobús camino de la universidad rojos como un tomate de la vergüenza. Ahora ha cambiado todo. Las vergüenzas no son las mismas y los temores se llaman Troyanos. Nuestra mente va a toda velocidad para no perdernos ninguna actualización de nuestras redes, corremos para no quedarnos oldies sin aprovechar todo lo que la tecnología puede hacer por nosotros. Y nos machacamos por ser estúpidos si aún no tenemos Pinterest o no nos hemos enterado del “trending topic” en Twitter. Hace ya rato que lo analógico quedó atrás, justo cuando la revolución tecnológica empezó a hacernos sentir más listos y más tontos a partes iguales. Ahora, pasados estos primeros momentos de subidón de amor, llega la nostalgia por lo pasado. En realidad somos tan simples en nuestro funcionamiento que deberíamos asumir de una vez por todas que nuestros avances siempre se quedan dando vueltas al mismo centro, o a la misma mierda, según como se mire. Así por mucho que lo digital haya invadido cada parte de nuestra rutina, lo analógico sigue manteniéndose fuerte, ni siquiera como una parte romántica, sino como un centro existencial. Extrapolando este comportamiento, este amor por la memoria histórica, no está de más ir pensando que si la cosa se pone fea y todos los troyanos del mundo infectaran nuestro sistema informático o lo que es lo mismo, cerebral, lo suyo sería contar con un rincón apartado del mundo donde poder calzarnos las alpargatas, plantar tomates y no ducharnos durante tres días, que agua, a este paso, habrá bien poca.
imperdibles
t: xavi ocaña
Lo importante
Protección impermeable
Eastpak\ Cuando experimentas cómo el gran palo puede convertirse en el gran empujón que estabas esperando, inevitablemente cambias y lo que queda ante ti es lo importante. Para que una vez descubierto te lo puedas llevar a todas partes llega lo nuevo de Eastpak. Celebrando sus 35 años como una de las soluciones más inteligentes de movilidad urbana, la firma vuelve a sus raíces y se decanta por la autenticidad y la sostenibilidad en su nueva colección. De entre su gama de nuevos estilos destaca la línea Authentic Returnity. Piezas de altísima calidad retro, hechas para durar y con olor a historia. Como guiño a su pasado, sus nuevos diseños han sido fabricados en Seattle. La gama nos trae las versiones más vintage de sus clásicas Delegate, Duffelson y Killington en Returnity Black, la Light Brown y Blue con ante y elementos en piel. Porque aunque provoque una reacción alérgica en la piel de muchos, lo bueno del cambio es que lo único que deja intacto es lo que realmente importa para empezar un nuevo capítulo. eastpak.com @eastpak_espana
Palladium\ En un mundo en el que mirar a otro lado parece haberse convertido en el deporte de moda y el olvido ha evolucionado hasta ser uno de los mecanismos de autodefensa más populares, puede que proteger nuestros pasos no sea una idea descabellada. Momento de ir a por unas Palladium. Basándose en el éxito de su última Pampa boot, uno de los diseños fundamentales de su línea, la firma presenta su versión para el buen tiempo con la Palladium Sport Collection. Conservando gran parte de su forma original, la marca reinventa el modelo a base de lona, con una amplia gama de colores audaces que tiñen hasta sus costuras y cordones, una silueta más delgada y suela de caucho más ligera en blanco a juego con el logo de Palladium que decora cada una de sus nuevas botas. Reflejo de sus raíces aviadoras, no descuidan la parte más técnica de sus nuevas creaciones, especialmente resistentes al agua, con una capa de goma que va de la puntera a la parte alta del talón cubriendo toda la planta. El olvido nos hace frágiles ante el mundo. Aprender a vivir bajo con el peligro acechando nos hace más astutos, pero no más felices. Porque la felicidad es algo mucho más profundo que la ausencia de problemas. palladiumboots.com @palladium_boots
imperdibles
Conciencia natural
El antídoto
Sitka\ Puedes vivir sin saber lo que te pasa por dentro, pero cuando lo sabes, en un solo segundo, todo cambia por fuera. Por eso es importante. La realidad no entiende de tiempo, no desaparece y es toda nuestra. Desde la costa oeste de Canadá, Sitka presenta su nueva colección Vision Quest. Un viaje directo a la esencia de la humanidad, donde todo empieza y todo acaba. De la salvaje soledad al reencuentro con la conciencia colectiva como centro final de todo. Una inspiración directa de los elementos de la tierra y el cielo. Todo tipo de prendas para chico y chica dispuestas a cubrir nuestros cuerpos a base de naturalidad y matices. Lo único peligroso de la realidad es no conocerla. Porque cuando la miras fijamente a los ojos, aprendes que bajo un sol brillante es más fácil volverse loco, coger cada una de las piezas que la construyen, lanzarlas al aire y empezar de nuevo. sitkasurfboards.com @SitkaHQ
Stussy\ Mientras unos piensan para no sentir y otros sienten para no pensar, el resto se distrae para olvidar que sienten y piensan. Sólo quiénes han dejado de utilizar la lógica como antídoto a sus instintos, saben que no hay ningún veneno que remediar. Buen ejemplo de ello es Stussy. Su nueva colección se rinde sin reservas al espíritu de la costa oeste norteamericana y apuesta por el arte gráfico del que crea escuela en sus nuevas colaboraciones. El ilustrador japonés Hiroshi Tanabe (Anna Sui, Shiseido o Vogue), siguiendo las líneas del resto de la colección de la firma, capta el espíritu alegre y el clima soleado de California en una tirada especial de camisetas y accesorios para chicas. Las composiciones curvadas, los colores hipersaturados y el surrealista mundo del artista alemán Parra firman las camisetas para chico. La felicidad no reside en el antídoto sino en la ausencia de veneno. Porque el único antídoto a la naturaleza es hacer todo lo posible para que sea libre, cuando has pensado demasiado, estás listo para sentir, sin condiciones. stussy.com @stussy
imperdibles
Grandes decisiones
Los ganadores
Adidas Originals\ Nunca sabes cuál va a ser, hasta que es. Puede ser una o incluso varias. Pero siempre es igual: las grandes decisiones son las que tomamos sin darnos cuenta, porque no son grandes, hasta que suceden. Eligieron la autenticidad y ese fue sólo el principio. Hoy, adidas Originals ha hecho de ella un verdadero estilo de vida que llega a su máxima expresión con la nueva Blue Collection. Una mezcla madura de los estilos y tendencias más frescos que aportan algo más que un granito de arena al universo de la moda urbana. Nuevas siluetas de apparel, modelos de footwear y un par de bolsas. Nos quedamos con la capa W para chica, el Rain Coat amarillo para chico y los detalles geométricos a todo color situados estratégicamente bajo cuellos y en el antebrazo de sus diseños. Además, la firma continúa su línea Originals Denim y la colaboración con el equipo de diseño de adidas en Tokyo para exportar al resto del mundo lo mejor del streetstyle japonés. Porque las grandes decisiones nacen de nuestra convicción en cada una de nuestras pequeñas elecciones, tal vez tomarnos en serio el ir a por lo que nos hace sentir vivos sea la única gran decisión que podamos tomar. adidas.com/originals @adi_originals
Volcom\ Ganar o perder, ¿quién se acuerda de empatar? Queremos averiguar todo, de todos. No es curiosidad, no es aburrimiento. Es la necesidad de medir, de comparar, de saber, de tener al menos una idea aproximada de quiénes somos. Volcom quiso saber más y encontró la respuesta en el arte. Su Featured Artist Series lleva más de diez años acercando a nuestros torsos el talento gráfico de artistas de todo el mundo. Esta temporada es el turno del veterano John Baldessari. Considerado como uno de los artistas emergentes más influyentes de la década de los 60, firma una línea de camisetas en las que deconstruye, yuxtapone y descontextualiza todo tipo de imágenes fotográficas y textos en forma de collage. Una dosis de arte post moderno para el cuerpo. Sepas lo que sepas, no hay mayor fuente de conocimiento que ser honestos con lo que nos pasa por dentro, de lo que nos enorgullecemos y lo que no confesaríamos ni con una pistola en la boca. En las ciudades del siglo XXI, los auténticos sabios son aquellos capaces de pensar sus sentimientos. Porque al final, sólo ellos ganan. volcomeurope.com @europevolcom
imperdibles
Libre o nada
La causa
Element\ Como sucede con el sexo y las grandes cosas de nuestra existencia, con la vida sólo puedes hacer dos cosas: vivirla libremente o no vivirla. Un espíritu que parece tener muy claro el equipo creativo de Element. Su nueva colección para esta temporada nos prepara para practicar la vida al aire libre y hacerlo en serio. Una propuesta madura, de esas que reconoces con facilidad por la calle. Camisas de cuadros, camisetas con nuevos estampados, bermudas, los imprescindibles chinos, además de alguna que otra prenda contagiada de la tendencia militar. La firma se ha decantado por los contrastes usando una paleta de colores sobrios salpicados por tonos más intensos, como el rojo o el amarillo. Aunque nosotros nos quedamos con el tono azul de los Boom denim. Su línea de footwear se simplifica por fuera con diseños limpios y siluetas más depuradas. Porque cuando tratas de respetar demasiadas cosas acabas perdiendo el respeto a todo, tal vez sólo debamos regar las cicatrices que han nacido de las flores de nuestro jardín. elementeurope.com @elementeurope
Brixton\ Si el aquí y ahora, lo que podemos ver y tocar, es lo único seguro que tenemos, los efectos deberían estar por encima de las causas. Lo que nos sucede debería ser más importante que el por qué. En este caso la causa es haber hecho del skate y el surf su estilo de vida. El efecto, una de las mejores colecciones que nos llegan para disfrutar del buen tiempo. El nombre, Brixton. Si la firma californiana ya es una leyenda (que nos creemos con los ojos cerrados) por sus brillantes colecciones de gorras y sombreros, esta temporada traslada su saber hacer a su nueva línea de appareal. Piezas en denim, shorts de cintura alta, tops oversize, camisas, minivestidos… Todo tipo de diseños que juegan con las formas y un uso contenido pero tremendamente acertado y efectivo del color. Una lección de estilo en toda regla que invita a confiar sin reservas, salir ahí fuera y apostar fuerte. Y es que aunque cómo reaccionamos a lo que nos ocurre habla de quiénes somos hoy, es en la causa donde se esconde nuestra oportunidad de ser las personas que queremos ser. brixton.com @brixtonmfg
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Lo desconocido
El tacto
55DSL\ El raciocinio. La herramienta más popular para afrontar el miedo a lo desconocido es a su vez la menos usada cuando el buen tiempo y el cuerpo empieza a pedir emociones fuertes que lo pongan todo patas arriba. Una sensación que experimenta temporada tras temporada el equipo de 55DSL. No podíamos pasar por alto a la estrella de su última (y acertadísima) colección: su nueva línea de camisetas. Diseños con el sabor ácido y el carácter original de la firma. La ironía y el color se mezclan en las fotografías utilizadas en sus camisetas, tratadas para conseguir ese efecto de lavado y desgastado que tan bien sienta al cuerpo cuando de ponerse irreverentemente creativo se trata. Tatuajes, medusas calavera y un buen par de… insinuaciones son sólo algunas de las imágenes que quedarán grabadas en la retina los ojos urbanos con sed de arte fresco. Las ganas de vida ganan el pulso a cualquier miedo y lo intenso, aún desconocido, aún por llegar, es lo único que dibuja una maliciosa media sonrisa en tu mirada. Porque cuando no entendemos, cuando nos quedamos sin palabras, la intuición nos dice, que es la mejor de las señales. 55dsl.com @fiftyfivedsl
Sabre\ Lo practicamos incluso sin ser conscientes de todas las formas en que lo hacemos. El tacto. Tocar. Ser tocados. Todos nuestros sentidos abiertos de par en par esperando ese momento, esperando conectar. Puede que todo fuese más sencillo si nuestro outfit estuviera compuesto únicamente por un buen par de gafas de sol. Es entonces cuando llega la nueva colección de Sabre. Con una de las propuestas más innovadoras, sí, de esas que se salen del molde, la firma californiana suma otro tanto en la evolución de la street culture. Con un profundo respeto por las líneas clásicas de los 50, la contracultura de los 60, el psico-rock de los 70 y el surf y el skate de los 80, todo mezclado con una intuición privilegiada, sus nuevos modelos serán fuente de inspiración para las tendencias que nacerán, crecerán y se reproducirán, bajo el sol. La reacción a la saturación general del mundo de la moda, la respuesta que los amantes del diseño y lo diferente estaban esperando. ¿Un ejemplo? Las Village, sabor vintage con instinto contemporáneo. Tal vez porque es en la piel donde sabemos que la fantasía se ha hecho realidad, cuando el termómetro se dispara, la felicidad empieza donde acaba la ropa. sabre.fm @sabre
imperdibles
Lección de colores Converse\ Muchos creen que nunca dejamos de ser los niños que fuimos en el colegio. Como en toda gran clase, además de maestros, alumnos y lecciones, hay una constante que no podemos evitar: el examen. El momento de demostrar lo aprendido. Por suerte, fuera del aula, no es necesario aprobar o suspender para acceder al siguiente nivel. La lección de Converse los días de sol venideros es muy clara: añade color a tu mundo. Un lema que pone en práctica en su nueva colección de Chuck Taylor All Star reinventadas en ocho nuevos colores. Para celebrar su lanzamiento y asegurarse de que aprendemos bien la lección, Converse cuenta con un maestro de excepción: el street art. La firma ha invitado a ocho street artists de toda Europa a diseñar una obra monocromática de dos dimensiones inspirada en cada uno de sus nuevos colores. Un ejercicio de libertad creativa al estilo Converse en estado puro. El arte multidisciplinar inspirado en las pirámides de Egipto y las formas del Norte de África de MYMO se inspira en la Iris Orchid Chuck. Cualquier manifestación callejera de la relación de simbiosis entre la naturaleza y la humanidad dispara la creatividad de Nelio, que esta vez se deja llevar por la Elephant Skin Chuck. La siempre divertida dosis de geometría y color de Paper Donu, el colectivo francés dirigido por Alexis Facca, ha escogido la Aruba Blue Chuck. Remed, el alter ego street del francés Guilo, ha escogido la Frappe Chuck para dar rienda suelta a la creación por la creación, al margen de influencias, pretensiones o mensajes profundos. La Tomato Chuck ha sido el canvas para que la efectiva simplicidad de los personajes y colores del irlandés Maser dejaran su huella. El graffitero WeLikeMoe presenta la versión más arquitectónica y escultural de The Necarine Chuck. C_T mezcla el espíritu de The Classic Green Chuck con sus juegos de tipos en negrita, ángulos rectos y curvas. Por último, The Dazzling Blue Chuck protagoniza la obra de Graphic Surgery, el dúo artístico compuesto por Erris Huigens y Gysbert Zijlstra, famoso por sus abstractas composiciones fotográficas de la ciudad. Aunque aprender la lección requiere tiempo, las pruebas llegan de forma aleatoria e inesperada, estés listo o no. Cuando de crecer se trata, no valen las recuperaciones. Lo aprendido en este momento se demuestra en el siguiente, porque este momento ya pasó, y esa es la única la oportunidad de hacer nuestro lo que está por venir. converse.com @converseblog
imperdibles
La diferencia Kawasaki\ Nos educan sabiendo que de lo que se siembra se recoge. Para lo que nadie nos prepara es para saber cómo recoger. Cuando tu mundo crece y la magnitud de todo se dispara, aprender a practicar la diferencia entre lo que sucede ahí fuera y lo que ocurre aquí dentro puede ser lo único que nos mantenga a flote. Nombre japonés, origen danés y el calzado más vendido en la historia de Dinamarca. Sí, es Kawasaki. Las que nacieran como unas ligeras, cómodas y resistentes zapatillas de bádminton se han convertido en un auténtico objeto de culto en la cultura urbana actual. Líneas simples y depuradas, loneta de algodón como materia prima, un refuerzo lateral en ante y una suela blanca de goma que no patina y se adhiere al suelo son sus señas de identidad. Empezó fabricándose en la antigua fábrica de Bata en Checoslovaquia y tres décadas después conserva los mismos métodos de producción a base de materiales naturales, sin colas ni pegamentos. Con el estallido de la fiebre por lo vintage, el aire revival de sus diseños concedió a la firma una segunda juventud de la que disfrutan ya desde hace varias temporadas. Sus clásicos modelos como el Basic y Retro o el New Basic Special, entre otros, se visten de verano. Sin perder un ápice de su mítico estilo casual, las nuevas propuestas llegan en un amplio abanico de colores: desde clásicos como el blanco, azul o rojo, hasta nuevas tonalidades como el rosa y el turquesa para looks más frescos. Porque en nuestras manos tenemos el poder de merecer lo que queda a un lado o a otro, sólo los que conocen la diferencia entre el interior y el exterior, aprenden a proteger lo que hay dentro, pase lo que pase fuera. kawasakisko.dk
brixton.com
brixton.com
neweracap.com
obeyclothing.com
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neweracap.com
elementeden.eu
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volcom.com
vans.es
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nixon.com
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il: ĂŠdgar mt (edgaremete.blogspot.com.es)
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1› CANON AE–1. 2› WERLISA GOLD. 3› POLAROID SUPERCOLOR 1000 Y POLATRONIC. 4› MAMIYA 645. 5› MINOX 35GT. 6› IMPERIAL MARK 27. 7› ASAHI PENTAX–67. 8› OLYMPUS PEN. 9› KODAK BROWNIE FIESTA 3. 10› HOLGA TWINLENS AZUL. 11› HOLGA 3D. 12› POLAROID SUPERCOLOR 645CL. 13› LOMO. 14› OLYMPUS SUIKO. 15› POLAROID LIGHTMIXER 630. 16› CAMARA LIBRO VERDE 3. 17› POLLAROID AUTOMATIC 340. 18› LEICA M3. 19› POLAROID INSTANT 1000 DELUXE. 20› HARIKIN. 21› POLLAROID BIG SHOT. 22› POLAROID MINIPORTRAIT. 23› KODAK BROWNIE CRESTA. 24› POLAROID SX 70 CROMADA. 25› SMENA 2. 26› NIKONOS–V (acuatica). 27› SCOTT DEBONAIR. 28› ROLLEIFLEX. 29› BOLEX 155. Estas cámaras las puedes encontrar en chandal.tv: ›2 ›3 ›4 ›6 ›8 ›9 ›10 ›11 ›12 ›14 ›15 ›16 ›17 ›19 ›20 ›21 ›22 ›23 ›24 ›25 ›27 ›28
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light All you need is
Fotografía: Karina Eibatova Modelo: Aida Domínguez de Miah Managament Total look: Franklin & Marshall franklinandmarshall.com Gorro: Obey obeyclothing.com
arte
t: víctor cardona
\ Andrew Myers \ El arte
de transgredir las fronteras A veces los límites entre disciplinas pierden opacidad y el libre albedrío se convierte en soberano, entonces nace una nueva especialidad artística. Es por ello que el Screw Art se enmarca, definitivamente, como hijo de dos géneros tradicionales -escultura y pinturapero con pretensiones transgresoras. Nacido en Alemania, criado en España y formado en los Estados Unidos, Andrew Myers se ha consolidado como uno de los referentes en escultura innovadora y moderna del panorama artístico internacional. Opino que una característica importante para ser artista es innovar e ir cambiando para mejorar lo que ya se ha hecho. Si dirijo la vista atrás y hago una comparación de las obras actuales con las piezas que hice en el pasado, veo que todas tienen su mérito y además las antiguas me hacen recordar el sentimiento que tenía cuando las realicé. Aún así, siempre estoy pensando en cambiar. No pienso mucho en lo que hice en el pasado, más bien en lo que haré en el futuro, busco siempre la novedad, tanto de materiales como de formas artísticas que no se hayan hecho antes. La colección escultórica con tornillos, Screw Art, nació después de pasarme todo un año con un proyecto de esculturas en relieve de bronce para una iglesia. El material que usaba en un principio era barro, y entonces me di cuenta de que todo se basa en la forma. Si el barro se puede moldear, entonces también cualquier otro tipo de material. Un día me encontraba jugando en mi estudio con tornillos porque estaba aburrido y fue entonces cuando me di cuenta de que si los
colocaba lo suficientemente cerca era posible moverlos para crear formas. Cogí una tabla, dibujé un esbozo, le hice un montón de agujeros y empecé a meter los tornillos a diferentes profundidades para darle relieve. Luego pinté las cabezas de los tornillos con óleo para recrear el retrato una vez más. Así que el screw art nació como un dibujo, luego tomó forma de escultura y ha acabado siendo una obra interdisciplinar. Es muy tradicional en cuanto a escultura y pintura, pero es algo que el público percibe como moderno porque no se ha visto antes. Todo tiene una historia individual y especial. La muestra Screw Art empezó siendo un conjunto de retratos donde usaba estos innovadores materiales, había un campo abierto al libre albedrío. En el resto de esculturas me inspiro en historias que significan algo para mí, en mis vivencias personales. Por ejemplo, en Life’s Deconstruction Phase me baso en retratos de amigos que luego rompemos entre los dos. La razón de esta catarsis es que en la vida siempre llega un momento en que te rompes.
Self Portrait
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Bill (detalle)
Posteriormente, la belleza de la obra es coger las piezas que se han caído al suelo y recomponer el retrato con las mejores, dejando las peores fuera de la obra, como en la vida real. ¡Qué bonito es ver la obra con carencias y sobre todo observar cómo mantiene la esencia de la escultura! La verdad es que de pequeño nunca fui a clases de arte, sólo sabía que me gustaba hacer cosas con las manos. Crecí en Ciudad Real, una urbe que está llena de plazas con esculturas. Estar tan rodeado de arte me llevaba a soñar sobre el origen de éstas: cómo las habrían hecho, el material que habrían usado. Las esculturas acabaron por fascinarme. Ya con 18 años me mudé a California y me inscribí en un instituto de arte donde estuve tres años. Después dejé la escuela para empezar con algunos proyectos. Aunque realmente llevo diez años dedicándome profesionalmente e íntegramente a ello. Los primeros cinco o seis años fueron francamente difíciles, pero poco a poco las cosas cambian y la gente va conociendo todo lo que haces. El arte es una profesión un tanto egoísta. En primer lugar porque haces obras para ti, pero luego obtienes placer cuando la gente se interesa por lo que has hecho. Me gusta dar algo de mí y que a la gente le guste. Aunque lo que realmente me llena es compartir mis conocimientos con aprendices y jóvenes que están empezando. Me gusta tanto la escultura como la pintura, disciplinas a las que me dedico íntegramente. Creo que esta dualidad es necesaria puesto que cuando me encuentro realizando algún proyecto de escultura, la pintura toma el papel de vía de escape, y viceversa. En mi obra Portrait of an Artist corto algunas secciones de un busto en bronce para luego sobreponerlo a la superficie y simbolizar así los trabajos de artistas que, por mucho que ya no estén cerca de él, siempre formarán parte. Si aplicamos esta fórmula a la humanidad, creo que aquello que nunca nos abandona es la capacidad de amar. Lo más importante en la vida es saber que hay gente a tu alrededor a quienes acudir en todo momento. El amor es algo que nunca nos puede faltar. andrewmyersart.com
Bill
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el de portada
t: thaïs planes
\ Scott Marr \
La energía del pigmento
Ya clamaba Cortázar en su día a esa cronofobia profunda, al mirar las agujas del reloj moviéndose a ritmo engañosamente variable. Tal vez ese miedo por el paso del tiempo nos haga acabar recurriendo a la pureza primitiva de lo analógico. Se trata de todo lo excepcional en lo natural, de reaprender los beneficios de la técnica artesanal para lograr el fin último de la singularidad. Huyendo de las convenciones de la era digital, abrimos, desfragmentamos y observamos las profundidades de Scott Marr y su expresión salvaje. Porque en arte también cada aspecto de analógico es sinónimo de fuerza. scottmarr.com
Companion
Upstream
Vivo rodeado de los colores de mi paleta hechos con pigmentos naturales. A través de ella puedo caminar, oler e incluso hasta probar. Hay cierta magia en el trabajo con pigmentos. Cuando preparo uno extraído de un árbol, por ejemplo, siento que todos sus secretos están presentes en mi trabajo. Hay una cierta vibración, cocino los colores y desprenden unos aromas muy poderosos y terrenales. Realmente me siento como el sabio anciano de una tribu, guardando secretos sin desvelar, más antiguos que hasta el propio tiempo. Puede sonar algo infantil y supersticioso, pero realmente creo en la energía de los pigmentos naturales. Recolectarlos es un esfuerzo que me ocupa casi todo el tiempo, los colores están dictados por las estaciones así que soy como una especie de hombre de las cavernas moderno, constantemente a la caza. La naturaleza es muy abundante y generosa: una simple recolección de flores puede durar un año si las cuido. De alguna manera, me hace feliz trabajar así porque me proporciona inspiración y la posibilidad de realizar parte del trabajo al aire libre de modo que, literalmente, estoy sumergido en mi paleta. Trabajo tanto sobre papel como sobre madera y, aunque no prefiero un soporte a otro, debo admitir que la madera me brinda la posibilidad de rascar sobre su superficie mucho más que el papel. Además su olor me reconforta y me recuerda lo ligados que estamos a la naturaleza. Soy de los que creen que nada describe mejor un entorno que sus propios elementos, por eso todos esos detalles me ayudan a la hora de crear. Soy afortunado de vivir en medio de un paisaje brutal, lo que me mantiene en esa conexión constantemente. Hay quienes dicen que el hecho de que mis obras contengan directamente elementos de la naturaleza como flores o frutas del bosque, da personalidad a las creaciones, haciendo que cada una tenga su propia vida. Lo cierto es que los únicos colores que han aguantado verdaderamente el paso del tiempo son los que están creados a partir de pigmentos
naturales, aunque a priori pueda parecer lo contrario. Los colores hechos por el ser humano, los sintéticos, son los mejores durante los primeros 150 años de vida de la obra pero después pierden radicalmente sus características. Desde 2008 tengo una banda de pruebas colgada en la ventana de mi estudio. Los colores que están en ella reciben los rayos UVA del sol a diario y difícilmente sufren algún cambio. Aunque por supuesto todo tiene sus desventajas. Hay un color que aún no he conseguido con mis mezclas y que realmente me gustaría usar. Es lo que yo llamo verde verdadero. Hasta el momento, he estado usando clorofila líquida que tengo que comprar pero recientemente he descubierto un mineral en las altas montañas con el que estoy obteniendo un verde claro. ¡Me estoy acercando! Las mariposas y otros insectos son lo más recurrente en mis piezas. La verdad es que no había descubierto todos estos bichos hasta que conocí a mi compañera, que estudia invertebrados macro acuáticos. Ella me introdujo en el mundo de los insectos a través del microscopio, lo que automáticamente abrió un nuevo mundo para mí. Me gusta mirarlos de cerca, sus camuflajes me parecen fascinantes. Aunque estudio y analizo sus colores y estampados, no los imito con exactitud ya que prefiero mezclarlos para conseguir sujetos con esquemas y características chocantes. ¿Sabías que sin insectos y pájaros los humanos no existiríamos? Por lo que respecta a la figura humana, es gracioso porque mucha gente tiene la sensación de que me inspiro en las tribus aborígenes, en los descendientes de los indios americanos porque los seres que creo tienen algo fantástico y surrealista pero muy anclado a la tierra al mismo tiempo. En realidad no es así, pero si me fijo con mucho respeto en lo mismo que ellos:la naturaleza. De todos los lugares en los que he estado, Flinders Rangers y Blue Mountains, donde vivo en Australia, son los lugares más particularmente inspiradores para mí. Me muevo constantemente en busca de nuevos colores y pigmentos de aquí para allá y aún me quedan infinitos sitios que explorar. De hecho, me interesa cualquier lugar al que pueda ir: Afganistán, India, Sudamerica, Europa. En cualquier lugar podría encontrar algo nuevo. La cuestión es apostar siempre por las técnicas más artesanales, por lo natural, aunque pueda parecer una contradicción en un mundo dominado por la tecnología digital. La realidad es que si no fuera por los minerales, animales, árboles, por el agua, no tendríamos máquinas ni tecnología. Es cierto que por todo ello terminar una obra me cuesta semanas, pero ésta me parece una buena filosofía para algo tan efímeramente libre como es crear.
Arsonist
Radiogram
diseño
t: marina morell
Zim&Zou \
Back to basics Lucie Thomas y Thibult Zimmermann forman Zim&Zou, un estudio de diseño con base en Nancy que prefiere trabajar con las manos y dejar la tecnología para el final. Sus creaciones delatan que son un par de perfeccionistas que derrochan pasión hasta en el último detalle. Cada pieza es cortada cuidadosamente utilizando papel reciclado. Incluso los trozos más pequeños se aprovechan para formar algunos componentes más minúsculos aún. A una estructura perfecta le acompaña siempre una selección de colores que hacen sonreír al niño que llevamos dentro, al que nació en los 80 (o antes!) y tiene muy claro que cortar y pegar es mucho más divertido que CTRL+C, CTRL+V.
Zim&Zou son nuestros nombres de pila. Pensamos cada proyecto juntos, de principio a fin y cuando tenemos una visión distinta respecto a un problema, intentamos discutir y elegir la mejor solución (algunas veces la discusión puede durar mucho tiempo) pero pensamos que es necesario. Tenemos conocimientos diferentes que nos permite ser polivalentes, por ejemplo, es más probable que yo (Zim) esté detrás de la cámara o retocando una foto mientras que ella (Zou) se encarga de diseñar los patterns más complicados. Nuestro ritual de trabajo es siempre parecido. La primera cosa que hacemos cuando llegamos al estudio es tomar café. Después de leer un briefing, empezamos
comentando los conceptos, después ilustramos nuestras ideas para tener un proyecto más concreto, considerando todos los problemas técnicos que conlleva trabajar con materiales reales. Cuando el concepto está elegido, empezamos la creación de las piezas. Es probablemente la parte más larga, dado que nos gusta hacer las cosas a mano. Yo prefiero cortar y ella prefiere colar. Cuando los elementos están acabados los disponemos para la sesión fotográfica. Dependiendo del tipo de instalación que decidamos, este proceso puede durar mucho tiempo también, especialmente si tenemos que colgarlos. Nos encanta crear cosas con las manos. Lo mejor es ver el resultado final, la insta-
lación completa antes del shooting. Si estás satisfecho con tu proyecto es siempre gratificante ver lo que has hecho durante horas y horas de trabajo. Aún tenemos mucho que hacer con el papel pero empezar a trabajar con madera podría ser una continuación lógica. No lo hemos probado porque se necesitan herramientas y técnicas específicas para crear una pieza. El aspecto artesano es muy importante para nosotros. Un proyecto hecho a mano da un aspecto único a la creación. Consideramos el ordenador una herramienta. Lo usamos cada día para muchas cosas pero intentamos trabajar a mano tanto como podemos, sólo usamos software y retoque cuando es necesario. Todas las instalaciones que mostramos en imágenes están muy cerca de la realidad. Sin duda la era digital es una ventaja. Permite a la gente comunicarse con todas las partes del mundo, ¡es increíble! Claro que también tiene inconvenientes, pero pensamos que globalmente es una cosa positiva. ¿La banda sonora de nuestras
creaciones? ‘Move on’ por Hocus Pocus. Somos mucho más “relajados” en nuestra vida cotidiana como compensación por ser tan maniáticos en el trabajo. Aunque tenemos que confesar que el diseño gráfico se extiende por toda nuestra vida. Nuestra atmósfera creativa perfecta es un día soleado con un buen libro, un cuaderno de dibujo y una cerveza. Ahora mismo estamos trabajando para un restaurante que nos ha pedido crear cinco pósters con motivo de su treinta aniversario. A parte hacemos proyectos personales como Z&Z (por ejemplo nuestro ‘Cabinet de Curiosités’) y tenemos otras ideas pero ahora mismo no tenemos tiempo suficiente para desarrollarlas, seguramente en unos años. ¿En el futuro? nos gustaría realizar más exposiciones en todas las partes del mundo, ser más productivos, tener más clientes, montar un overboard y comer hamburguesas coloradas! zimandzou.fr
I N S I G H T: i n s i g h t 51. c o m K AWA S A K I : ka w a s a k i s ko. d k CO N V E R S E : B o n j o u r C o m u n i ca c i 贸 n . 913 19 8 2 4 4 E L E M E N T E D E N : w w w. e l e m e n te d e n . e u V I A L I S: w w w.v i a l i s . e s N I K I TA : w w w. n i k i ta c l ot h i n g . c o m R H Y T H M : w w w. r hy t h m l i v i n . c o m S A B R E : s a b r e. f m
fotografía
t: lara tuner
\ Dimitri Karakostas \
Fotografías que existen \ Lejos de sentir fascinación por lo digital como el resto de miembros de su generación, Dimitri Karakostas (Toronto, 1988) se interesa por ese plus de realidad que le aporta la fotografía analógica. Skate, graffiti, amigos y diversión desenfrenada son algunos ingredientes recurrentes en el imaginario de este inquieto fotógrafo canadiense. Imágenes, según él, sinceras que nos introducen en un universo donde las gamberradas infantiles dejan de serlo, descubriéndonos la intimidad de unos jóvenes que, en cierto modo, no quieren abandonar su estatus de adolescentes. dimitrikarakostas.com tobehonestiexpectedmore.com bloodoftheyoungzine.com @dimitristress
Probablemente mi primer contacto con el mundo de la fotografía fue a los 13 o 14 años. Una época en la que solamente quería copiar todas y cada una de las fotografías que aparecían en la revista Thrasher. Lo hacía con una Polaroid 600, la primera cámara que tuve y llevaba a todas partes. Salía y fotografiaba a mis colegas con su skate, mientras hacíamos las típicas cosas malas que haces cuando eres un chaval o cualquier otra trastada que sirviera para fanfarronear al día siguiente en la escuela. Creo que, a pesar de los años, en esto no he cambiado demasiado. En realidad, me sigue gustando hacer aquello que me apetece. Y aunque ahora la mayor parte de los días prefiero una vida tranquila, ¿quién soy yo para rechazar una fiesta? Por eso, los temas habituales de mis fotografías no han variado excesivamente: el skateboard, el graffiti, los errores fotográficos, el universo biker, mi mujer, los colegas... Creo que todo es un poco lo mismo, supongo que en el fondo fotografío aquello que más amo. Así es más fácil conseguir que tus fotografías sean sinceras. Y si mis imágenes destacan por algo es precisamente por eso, por ser muy sinceras. Esta manera de ser hace que mi proceso de trabajo dependa un poco de lo que quiero ese día. Utilizo la fotogra-
fía en color para poder provocar errores, mientras que el blanco y negro lo reservo para tener un control total del producto final. Mi única rutina se basa en explorar tanto como puedo para finalmente encontrar aquello que se supone que quiero fotografiar, así es como todo empieza y acaba. En lo que me mantengo firme es en el trabajo con la fotografía analógica. Lo analógico es la base de todo lo que hago, cualquier cosa tangible es mi medio. Considero que la imagen analógica es más especial que la digital por el hecho de que es real. Es tan simple como que la foto realmente existe y la puedes sostener en tu mano. ¿Por qué renunciar a esto? Aunque, por otra parte, me confieso culpable de ser un Instagramer. Las imágenes tomadas con un smartphone y modificadas mediante aplicaciones fotográficas son un nuevo fenómeno pero siguen siendo fotografía. Creo que sólo se trata de una forma diferente de expresar lo mismo. Entre los artistas y fotógrafos que me inspiran se encuentran Ed Templeton, The Gonz, Neckface, Scott Pommier, O'Dell,...y podría seguir y seguir. La obra de algunos de ellos me impulsó a iniciarme en esto de la fotografía. De hecho, Patrick O'Dell era uno de los que admiraba y en muchos momentos deseé tener su trabajo y
su vida. Ahora mismo lo que más me inspira es mi proyectolibro Sometimes I Think of You Everyday que nos llevará, a mí y a mi mujer Sonia, a viajar por Europa realizando exposiciones e instalaciones de diversa índole para espacios específicos. A finales de mayo estaremos en Barcelona y luego viajaremos a Valencia, Cádiz, Tarifa, Tánger, Casablanca, El Cairo y Santorini para terminar esta especie de "world tour" a finales de junio en Atenas. Sonia y yo queremos aprovechar el tiempo al máximo y esperamos tomar muchas fotografías nuevas mientras estemos en España, encontrar algunos lugares para realizar instalaciones divertidas y también practicar un poco de skate. A pesar de que he expuesto mis fotografías en galerías de Londres, Tokyo, Houston o Nueva York, todavía no he logrado hacerlo en la ciudad de Barcelona. No he tenido suerte hasta ahora, quizás por la barrera del idioma. Espero que en esta ocasión podamos hacer que algo interesante suceda mientras estemos en la ciudad. Y sobre los planes de futuro, sólo puedo decir que este libro centra actualmente toda nuestra atención ya que hemos empleado muchos meses, más de los que me gustaría admitir, teorizando sobre el proyecto y ahora sólo nos queda desarrollar
aquello que queremos. También le dedico tiempo a Blood of the Young Zine, una editorial independiente que fundé junto con T. Reilly Hodgson en 2008 y de la cual soy director creativo. Trabajamos tanto con artistas emergentes como consolidados y producimos libros de artista hechos a mano, revistas y series de impresiones. Nuestro objetivo es volver a las raíces tangibles de la fotografía y al lema que guía todo nuestro trabajo: "Si disparas en digital, realmente tus fotografías no existen". El año pasado nos diversificamos bastante. Creamos una línea completa de ropa que se vendió en un abrir y cerrar de ojos. Mientras, continuábamos promocionando nuestra revistas en ferias de arte. Ahora estamos a punto de celebrar el lanzamiento de nuestra revista número 75, será el próximo mes de abril. Al margen de lo que es estrictamente trabajo, ahora mismo en lo único que puedo pensar es en dejar Toronto (Canadá) y mudarme con Sonia a algún sitio con un clima agradable donde podamos tener un cachorro con el que dar paseos todo el año y reír muchísimo, que es algo que me encanta. ¿Por qué la web donde presento mis fotografías lleva el título To Be Honest, I Expected More? Pues porque siempre espero más de todo. Y porque lo quiero ya.
fotografía
t: eva villazala / f: © mark sink
MARK \ SINK \
Fiel a sí mismo, como lo analógico La vida es algo mágico que nos regala aquello que deseamos con todas nuestras fuerzas. Nadie dijo que fuera fácil, pero eso es parte del encanto. Mark Sink tiene una historia fascinante y sus lecciones de vida son suaves, como sus fotografías realizadas con la técnica de colidión húmedo. Vivió en el Chelsea mientras trabajaba para Andy Warhol en la revista Interview. Fumó, bebió, cenó, rió y compartió aventuras de mil tonalidades con Jean Michael Basquiat, Fred Hughes, Mike Jagger, Chris Makos y Peter Wise, una crew que marcó una época de su vida. Tras dejar atrás la gran ciudad volvió a Denver con el objetivo de realizar otro de sus sueños: convertir una parte peligrosa de su pueblo en una pequeña “meca” del arte. También lo consiguió. Fundó un Museo de Arte Contemporáneo en su jardín que hoy es una institución de primera categoría. Porque la vida se compone de propósitos y para nosotros Mark Sink es un ejemplo a seguir de metas que fluyen hacia adelante porque se sueñan con elegancia. gallerysink.com/marksink
La fotografía es cualquier cosa que captura la luz. Un reflejo en una charca o una ventana abierta. La fotografía te obliga a mirar. Todo es luz. Ha sido mi vida desde que soy adulto. Vengo de una familia con una gran historia, mi antepasado fue Finley Breese Morse, el inventor del telégrafo y el código Morse y mi bisabuelo, James Lawrence Breese, el padre de la fotografía americana. Aún así fui consciente de los detalles de la historia fotográfica de mi familia de forma tardía. Me ha gustado la fotografía desde que era un niño. Mis padres son artistas y en mi casa siempre hubo un cuarto oscuro. En la escuela de arte estudié técnicas de impresión y fotografía artística con Ruth ThorneThomsen. Me emocionó comprobar que se podía emplear la fotografía como una herramienta para experimentar y crear un arte increíble. En el momento en que empecé a florecer y tener éxito con mis fotos, me introdujeron en la vida de mi bisabuelo. Una de mis tías me llevó a su sótano y abrió un baúl con sus obras y recortes de prensa, otra tía me envió sus negativos de vidrio, y todas ellas me han ido mostrando su mundo desde entonces. Me he convertido en el “archivista” familiar. Podríamos decir que he abierto el cajón de miles de imágenes e historias locas que sin duda darían para un libro muy divertido o un documental, ojalá pudiera desdoblarme y realizar esos proyectos. También me gustaría que alguien escaneara mis antiguas diapositivas y contactos de la época que pasé en NY con Andy Warhol, Basquiat, Jagger, está en mi “Things To Do List”. Me cuesta asimilar que las fotografías de celebridades sean tan importantes, que se muestren en galerías de arte y museos. Personalmente he empezado a enseñar esa parte de mi trabajo porque mis representantes me lo piden, vivimos en un mundo
obsesionado con los famosos. No lo entiendo, pero da dinero. A mí me gustaría más editar un libro con esas imágenes. Me siento más cómodo con ese formato. Ciertamente conocer a Warhol fue un deseo hecho realidad, es gracioso porque Andy entró en mi vida varias veces de una forma u otra. Los deseos son fundamentaales y me enfado conmigo mismo cuando los uso para cosas que no son importantes, ya que siento que todos tenemos un cierto número de deseos destinados a convertirse en realidad y no deberíamos desperdiciarlos en cosas triviales. ndr - Mark Sink siempre admiró el trabajo de Andy Warhol. Una de sus tías, Frances Breese Miller, vivía junto a la playa en Bridgehampton, en una casa modernista de 1920 llamada The Sand Box, donde acogía residencias de artistas. En el funeral de Frances, Mark encontró la firma de Andy y Edie Sedgwick estampada en el libro de visitas. Más adelante, cuando Mark y Andy se conocieron, Warhol negó rotundamente haber estado allí y Mark siempre se quedó con la curiosidad de saber por qué se empeñaba en negarlo. Su encuentro con Warhol se produjo a través de su amigo Craig Scott, quien lo había conocido previamente tras una carrera de bicicletas en la que Craig participaba. En esa época Mark estaba conociendo las actividades de Factory a través de sus clases de historia del arte, donde visionaron varias películas de Warhol. Se enamoró de la revista Interview y soñó con hacer retratos como los que ahí se publicaban para ilustrar sus páginas. Las coincidencias de la vida y el destino hicieron que así fuera y Mark vivió una de las épocas más intensas de su vida trabajando para Interview y viviendo en el Chelsea, formando parte de una generación legendaria -
“Photograph anything and everything around you”. Ese fue el consejo que me dió Andy para que me convirtiera en un gran fotógrafo y es el que yo doy ahora a mis alumnos. Tras esa época que pasé en NY volví a Denver, francamente emocionado con mi vuelta. Compré un precioso edificio modernista de 1880 por muy poco dinero en la parte más peligrosa del pueblo y me convertí en un activista del arte. Reuní a un grupo de artistas y fundamos el Museo de Arte Contemporáneo en mi jardín. Ahora, diez años después, se ha convertido en un museo de primera categoría y mi pueblo en un lugar muy deseable. También formé un grupo de fotógrafos excelentes llamado Salón de Denver. Hicimos muestras en NY y expusimos en museos. Compré una pequeña casita vieja por muy, muy poco dinero y eso me permitió abrir una galería. Nunca podría haber hecho todas estas cosas en NY. Actualmente soy el coordinador de Month of the Photographer y doy apoyo a un gran número de artistas emergentes. Para mí un buen artista debe tener una voz individual, crear un nuevo concepto de arte nunca visto. Respecto a mi obra actual, estoy profundamente interesado en la técnica del colidión húmedo. La razón principal de que me guste tanto es porque se parece a mi amada Polaroid. Mis cosas preferidas -el azar, la belleza, el arte- aparecen como algo mágico. Y sin usar electricidad. Me gusta la fotografía manual, no puedo sentir lo mismo ante la inyección de tinta de una impresora que revelando en el cuarto oscuro. Pienso que la fotografía analógica es más pura y honesta, fiel a su medio. Hay gente que hace cosas buenísimas con la digital, una larga lista de fotógrafos que desarrollan una obra digital que no podrían hacer mejor con una analógica. Lo que no me gusta es que se falsifique digitalmente un medio como el collodion o el platinium. Defiendo todo lo que es fiel a sí mismo. La belleza es mi pasión. Soy un romántico sentimental. Me gusta pensar en mi trabajo sin enmarcarlo en un tiempo concreto, sólo porque el proceso es el mismo que en los inicios de la fotografía. Evito el tema de la recreación del pasado. Mi trabajo nunca cambiará el curso de la historia del arte ni probablemente será recordado. Lo hago porque me hace feliz y aumenta las palpitaciones de mi corazón. Cuando consigo una imagen maravillosa empiezo a bailar y a gritar de excitación. No
hay nada mejor en la vida. ¿Te parece que tengo una sensibilidad especial para la fotografía de desnudos? Te lo agradezco. Ciertamente es difícil. Camino por una línea delicada y soy la peor pesadilla de algunas curadoras. Una mujer puede hacer imágenes eróticas de desnudos de otra mujer, pero no un hombre. Y lo acepto. Algunos hombres son unos cerdos. Yo me enorgullezco de mi sensibilidad femenina. Poso ante las modelos para mostrarles lo que quiero y ellas se ríen de mí. ¡A menudo lo hago mejor que ellas! Muchas de las modelos son amigas o familiares. Es mucho mejor conocerlas bien para conseguir buenas fotos. Últimamente estoy obsesionado con el street art. Me encanta el “wheat pasting”. Con harina, agua, azúcar y una fotocopiadora puedes realizar un trabajo en la calle que se verá durante años. De hecho, la gente que ha descubierto la autoría de la obra me ha contactado para restaurarla y quitarle de encima el paso del tiempo. Encontré una imagen grandísima en blanco y negro a 4000 píxels comprimida en alrededor de 2MG. Minúscula, que se puede enviar fácilmente por mail. Hemos creado una red de artistas de todas partes del mundo, llamada The Big Picture, ellos envían su obra para que sea impresa y pegada en Denver, asimismo los artistas de Denver mandan sus archivos para que sean impresos y pegados en otras ciudades del mundo. Realizamos este proyecto por primera vez en marzo de 2011 y fue muy emocionante (podéis consultarlo en esta página blurb.com/ books/3063443). Estamos intentando hacerlo de nuevo en marzo de 2013. Espero que quién lea esto considere interesante intercambiar sus imágenes. Mis próximos proyectos son casarme en julio con el amor de mi vida, Kristen Hatigo, con quien he compartido mi arte y mi vida durante ocho años. Ella me enseña a ser fotógrafo y mejor persona. El único problema es que ella es una fotógrafa increíble y estoy un poco celoso de su talento. En marzo y abril de 2013 vuelve The Month of Photography y estoy organizando alrededor de doce exposiciones. Una de ellas se llama FAKE. Vivimos en un mundo muy falso. Cuerpos falsos, sueldos falsos, materiales de construcción falsos… y puedo seguir con la lista. Tengo muchos proyectos que estoy esperando a realizar, pero necesito ayuda para sacarlos adelante y no tengo suficiente dinero para pagar
a alguien que lo haga por mí. Es muy frustrante porque son muchos. Como ya he dicho me gustaría escanear un millar de imágenes analógicas, una a una e introducir su correspondiente título meta tag, eso será mi plan de jubilación. También quiero publicar un libro sobre mi bisabuelo James L. Breese y otro llamado The Tin Room, esa pared mágica con un techo de estaño en NY donde ponía los retratos polaroid de cientos de artistas en los 80. Algunos se convirtieron en iconos como Jean Michel Basquiat. Y un libro sobre Andy Warhol, tengo millones de fotos que
nadie ha visto aún. También quiero empezar la web de un viejo grupo de performance al que pertenezco llamado The Denver Mud People, hemos salido en varias revistas pero aún no estamos en internet. También me gustaría construir un estudio contiguo a mi casa y desenterrar un largo y profundo sótano. Por último, tengo el deseo de compartir nuestro excedente de energía con los vecinos y crear una comunidad más sostenible. gallerysink.com/marksink
Lamentas: no haber cuidado mejor de mis dientes. Un presentimiento: las cosas buenas ocurren a las personas buenas y las cosas malas ocurren a las personas malas. El pasado: ojalá hubiese podido pasar algún tiempo con mi bisabuelo. El presente: quiero que sea sencillo y feliz. El futuro: salud y felicidad con Kristen. Man Ray: mi héroe. Francesca Woodman: fue mi héroe. Nació el mismo año que yo en Denver. Encontrar su trabajo cambió mi vida. Ahora pienso que está sobrevalorada. Sólo era una niña explorando. La fuerza femenina: es un hecho que los hombres están en declive. Ha llegado el tiempo de que las mujeres se hagan cargo, ellas harán un trabajo mucho mejor. Una ilusión: que los humanos estarán más tiempo en este planeta. Un sueño recurrente: me caigo por un acantilado.
fotografĂa
t: antonella sonza
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lamono / núm. 81 / abril ’12
\ The Impossible Project \
El futuro es analógico En la era de Instagram, creemos que lo instantáneo es sinónimo de digital. Pero echando la vista atrás, hay que mencionar un gran precedente. Parecía imposible salvar de la extinción a uno de los pilares de la fotografía analógica instantánea y todo un objeto de culto: la Polaroid. Pero gracias a la unión de un grupo de personas, ciertamente románticas, que defendían la autenticidad de lo analógico, la Polaroid sigue más viva que nunca, haciendo posible lo imposible. Hablamos con Ángeles Ramos de Impossible Project, el nombre de este proyecto que ha hecho renacer la Polaroid y que tiene sucursal en el Borne (Tantarantana, 16) desde hace unos meses. 1 › Las Coleccionistas 2 › Roman Ynan 3+4 › Tim Mantoani
Impossible Project surgió hace tres años cuando Polaroid decidió cesar la producción de película instantánea. A pesar de que las ventas de película habían caído estrepitosamente, su utilización en el sector creativo y artístico seguía siendo muy fuerte. A este sector pertenece Florian Kaps (Doc), la mente detrás de Impossible Project. En la fiesta de clausura de la fábrica de Polaroid en Enschede (Holanda), Florian conoció a André Bosman, el que había sido hasta entonces director de la planta y juntos se dieron cuenta de que podían presentarle una propuesta a Polaroid para quedarse con la fábrica y seguir con la producción de película instantánea. La gente de Polaroid, inversionistas que sólo saben leer ventas y beneficios no entendieron lo que ese par de locos querían hacer pero finalmente, horas antes de que se destruyera la maquinaria, accedieron y les vendieron la fábrica. A partir de ese momento todo ha sido un proceso, a veces difícil, pero muy emocionante ya que la película se tuvo que rediseñar desde cero debido a que algunos de sus componentes están prohibidos actualmente en la Comunidad Europea y otra parte se dejó de fabricar tiempo antes de que Polaroid anunciara el cese de la producción. Hoy se puede decir que hemos llegado a un punto en el que la película es estable y los resultados muy satisfactorios. Después de superar la revolución tan radical que sufrió la fotografía con la tecnología digital, creemos que se ha llegado a un punto en el que la fotografía analógica ha encontrado su lugar. Es una posición mucho más discreta pero tiene bastante fuerza, y no sólo desde un punto de vista artístico sino también de consumo amateur. Lo más positivo de esta revisión de la fotografía analógica es el volver a pensar la foto antes de disparar, tomarse un respiro, mirar la luz, analizar las posibilidades de la cámara o el formato y entonces hacerla. Sobretodo, en el caso de la fotografía instantánea, el original es único, no puedes retocarlo o arreglarlo a posteriori y eso le da un valor. El principal objetivo de nuestra tienda Imposible Project es que la gente disfrute de la fotografía instantánea, que acudan a nosotros si tienen interés en probar y profundizar en la utilización de este formato. Aparte de las exposiciones, hacemos dos workshops cada mes (gratuitos) y distintas actividades puntuales. Colaboramos con universidades, escuelas de fotografía y un gran número de iniciativas relacionadas con la fotografía instantánea. También tenemos un servicio gratis de préstamo de cámaras. Los primeros meses de la tienda han sido espectaculares, la acogida ha sido buenísima, pero no es
una sorpresa ya que desde que surgió Impossible Project, la expectación y el apoyo en Barcelona han sido claves. El producto más exitoso es la cámara tipo 600 fabricada en los ochenta, con el típico arco iris en el frontal. Es el modelo más práctico y fácil de usar con un diseño que la mayoría tenemos en mente cuando pensamos en Polaroid. Aunque nuestra favorita es la cámara SX70, un prodigio del diseño industrial que ha enganchado a los fotógrafos más importantes del siglo XX y a todo aquel que le pone las manos encima. Os recomendamos buscar el documental que hicieron los Eames acerca de esta cámara, te deja con la boca abierta. El perfil de comprador es de lo más variado, quizá lo que más ilusión nos hace es la gente joven que nunca antes había experimentado el formato y que terminan volviéndose muy entusiastas, y ¡estoy hablando de gente de 13 años! Polaroid fue una revolución en el mundo de la fotografía similar a lo que ha sido para nosotros la fotografía digital. A lo largo de su historia Polaroid llegó a fabricar más de 300 millones de cámaras que se utilizaron en todos los ámbitos; profesionales, industriales y amateurs. El hecho de que estén tan presentes en nuestro inconsciente colectivo también tiene que ver con que fueron pioneros en conceptos como imagen de marca, innovación y calidad. Tanto Edwin Land, el inventor y fundador de Polaroid como Paul Giambarba, el director artístico de sus años dorados, realizaron un trabajo sorprendente que sigue resultando espectacular sesenta años después. Uno de los proyectos más bonitos que llevó a cabo Polaroid en sus tres décadas de gloria fue el programa de soporte artístico. Consistía en que Polaroid daba material, tanto cámaras como película, a los artistas más destacados de la época para que experimentaran y dieran su opinión acerca de los productos, ellos a cambio donaban fotografías para la Colección Polaroid. El programa se hizo cada vez más exitoso y popular y la colección se hizo enorme. La parte europea de la colección fue adquirida en colaboración con Impossible y se puede visitar en el museo Westlich de Viena. Esto hizo que se consolidara su vinculación con el mundo artístico más vanguardista y se convirtiera en ícono de la cultura pop. La fotografía analógica ofrece un objeto único y tangible mientras que la fotografía digital “no existe” si no tienes el aparato para reproducirla, no es una imagen en sí misma, es la posibilidad de una imagen. the-impossible-project.com @ImpossibleUSA
lamono / núm. 81 / abril ’12
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1+2 › Ben Shuster 3 › Dustin Yager 4 › Brandon Long
proyecto social
t: marta rosella / fotografías realizadas con la colaboración de Fujifilm
thepolaroadproject.com
Las mejores sonrisas son aquellas que salen sin forzar. Cuando las comisuras de los labios se columpian hasta caer rendidas. Aquellas que vienen sin preparación, las voluntarias. Y, precisamente, de esto va “The Polaroad Project. Un viaje a través de África”; de sacar las sonrisas de los niños y niñas más desfavorecidos. Aquellos que nunca han visto una fotografía, la tendrán al momento en sus manos. Miles de reproducciones de pequeños instantes de felicidad. Con las donaciones, además, se pretende abastecer de agua potable a cerca de mil personas en Senegal. Un sueño que se hará realidad gracias a varias Instax de Fujifilm y muchas, muchas ganas cargadas en una mochila dispuesta a recorrer kilómetros.
\ The Polaroad Project \
Sonrisas analógicas
lamono / núm. 81 / abril ’12
Con “The Polaroad Project. Un viaje a través de África” nos hemos marcado el objetivo de cruzar todo el continente africano atravesando un total de 16 países. De momento hemos pasado por varias ciudades de Marruecos, Mauritania, Senegal, y muy pronto, vamos a entrar en Mali. La experiencia ha sido increíble en cada uno de los lugares por los que hemos pasado, y lo mejor de todo es saber que todavía queda mucho viaje por recorrer. Vamos a llegar hasta Burkina Faso, Togo, Benín, Nigeria, Camerún, Gabón, República Popular del Congo, República Democrática del Congo, Angola, Namibia, Botswana y Sudáfrica. El objetivo principal de The Polaroad Project es compartir por primera vez la magia de la fotografía instantánea con niños y niñas de diferentes zonas de África que nunca antes han visto un momento de sus vidas capturado en una imagen. Al mismo tiempo, esperamos financiar a través de las donaciones y colaboraciones la creación de un proyecto de agua en Senegal para abastecer, aproximadamente, a mil personas. Sin duda alguna, The Polaroad Project simboliza la unión entre la pasión por la fotografía instantánea y la voluntad de querer colaborar con África. En el poblado de Ivol, donde estuvimos la tercera semana de marzo, realizamos la visita con el equipo que se encargó de la construcción de los mecanismos necesarios para el desarrollo del pozo de agua. Me gustaría recordar que el 100% de las donaciones va directamente a financiar la creación de este proyecto, y que, por cada donación que se realiza, se da una recompensa. El viaje a través de África es la plataforma ideal para llevar a cabo The Polaroad Project, pero de ninguna forma se utiliza para financiar el viaje. Esta aventura representa un sueño hecho realidad por parte de mi padre, Lluís, y está absolutamente financiado por nosotros. ¿Las reacciones de los niños y niñas al ver, por primera vez, una fotografía? Cuesta describirlo con palabras.
Salir de la increíble ciudad de Barcelona y llegar hasta Ciudad del Cabo representa un reto muy especial para nosotros: haber cruzado el continente africano de norte a sur, y sin duda alguna, alcanzar Ciudad del Cabo, es el símbolo de haberlo conseguido. Gracias a la colaboración de muchas personas, y al esfuerzo de un gran equipo, a día de hoy The Polaroad Project ha recaudado más de 7.000 euros. Donaciones que van, poco a poco, en aumento gracias la difusión "little by little" de la iniciativa a través de diferentes medios. Estamos muy ilusionados de ver la gran aceptación y el increíble apoyo que ha recibido el proyecto, y esperamos que siga así de ahora en adelante. Todavía queda mucho por hacer y por conseguir, pero estamos seguros de que, juntos, lo vamos a lograr. La idea es poder recaudar un total de 15.000 euros, necesarios para el desarrollo del proyecto de agua en Senegal. Muy pronto, vamos a ampliar la colección de camisetas en forma de recompensas gracias a la colaboración de la diseñadora e ilustradora Mapi Bg, la creadora de toda la imagen de The Polaroad Project, y tenemos pensadas varias acciones para poder recaudar el total necesario. Además, vamos a presentar el proyecto a través de la Fundación Europamundo y, si sale elegido, esto puede darle un nuevo impulso. Al regresar a casa, la intención es editar un libro con las mejores imágenes del viaje realizadas con las cámaras Instax de Fujifilm, junto con diferentes ilustraciones de situaciones y paisajes africanos. Ojalá The Polaroad Project no termine al acabar el viaje y que, de alguna manera, nuevos amantes del mundo y de la fotografía puedan unirse a esta idea tan simple, pero a la vez, tan potente, de compartir por primera vez la magia de la fotografía instantánea a través del mundo, ¡y que The Polaroad Project sea conocido en todo el mundo! Este sería un objetivo genial. Y se puede conseguir.
FotografĂas del archivo de Joan Granell
t: eva villazala
Una historia de sk8 \
\ DIGGING
El pasado miércoles 7 de marzo Nike SB nos llevó a Arenys de Munt para presentarnos oficialmente Digging: el emotivo proyecto de desentierro del primer skatepark de España, construido a finales de los 70 y rescatado del olvido por un grupo de skaters que han dedicado a ello más de un año y medio, con jornadas inacabables de duro trabajo. Allí nos encontramos con una generación cruzada de skaters (los nuevos y los veteranos) que han decidido devolver a la vida un skatepark que además de su condición de ser el primero en nuestro país, guarda mucha historia recorrida y patinada en su snake run, su bowl y su halfpipe. Nos adentramos en la maravilla de un proyecto tan emocionante como este para hacer una parábola de tiempo pasado, presente y futuro.
La historia de Digging es de las que cala profundo, porque habla de una pasión compartida y de un capricho generacional de tiempo y memorias. Por un lado la pasión de un grupo de skaters, algunos veteranos y otros más jóvenes, que se lanzaron de lleno a una meta con el apoyo de Nike SB: desenterrar a base de pico, pala y martillo el primer skatepark de España y por otro, la que nos lleva a un pasado donde todo era principio. Empezamos nuestra crónica por aquí, rescatando esas fotos en blanco y negro y sepia que hablan por sí mismas. Para saber todo lo que pasó en ese spot rodeado de naturaleza nos infiltramos en la reunión que hicieron los veteranos Joan Granell, Pere Barbena, Àngels Borrell y Mercedes Resino, que quedaron el sábado después de la presentación de Digging para grabar un documental con 40sk8 y rememorar una etapa de sus vidas que llevan pegada en la piel. La historia es esta: En 1978 un empresario catalán llamado Joaquim Roig, inspirado por la fiebre del skate que se vivía en los Estados Unidos, decidió fundar el primer club de skateboard con sede en Barcelona al que llamó Skate Club Catalunya. Poco tiempo después tuvo la iniciativa de construir el primer skatepark de España en la localidad de Arenys de Munt en unos terrenos que eran propiedad de la misma familia Roig y que estaban ubicados en plena montaña; donde se respiraba una sensación de libertad y de magia que sigue vigente en la actualidad. Motivadísimo por la idea, Joaquim Roig, se dedicó a fondo en realizar el sueño de su vida, construyendo en una hectárea de terreno una pista de Freestyle para los más inexpertos, dos Bowls conectados entre sí, un Snake Run que era la sensación, un Half-pipe y un pista de asfalto para practicar la modalidad de Slalom tan de moda en aquellos tiempos. A esta infraestructura se le sumaban un bar-restaurante, vestuarios y bungalows que acogían a todos los que se desplazaban al skatepark durante las competiciones. El skateboarding era una novedad en España, pero llegaban noticias de California, que avanzaban en la investigación de materiales y cada vez tenían mejores ruedas, tablas y ejes y se podían hacer muchos más trucos. Aquí todo se hacía a base de pasión y constancia. En ese skatepark se formó el primer team local. Gente de Madrid, el País Vasco y de todas las partes del mundo llegaban al spot durante los encuentros, acampaban en la zona y disfrutaban de su pasión común. En esa época grandes nombres como Paco Gabas y Gabi Berdala, entre muchos otros, dejaron allí su sudor, alegrías y encuen-
tros. También dos chicas, Àngels Borrell y Mercedes Resino. Uno de los protagonistas de aquella época fue el canadiense John McDonald, que pasó una larga temporada viviendo en Barcelona en casa de los Roig, gracias a él se dieron a conocer muchos trucos que los locales intentaban imitar hasta el más mínimo detalle. La época de esplendor capitaneada por dicho empresario pasó a una desmotivación por parte del mismo porque el skatepark no dejaba el beneficio económico que había calculado. Por ese motivo, con un contrato de palabra, cedió la gestión a una pareja de hippies llamados Juli y Joana que llegaron a la zona con una ilusión nueva y arrasadora. Ellos consiguieron levantar el negocio, dándole todo el cariño y el amor que necesitaba. Tras un tiempo, el propietario, celoso, quiso volver al skatepark con su familia y la pareja tuvo que marcharse. A partir de ahí comenzó el declive, los skaters se cabrearon, haciéndole varias trastadas a Quim, y éste decidió enterrarlo y olvidarlo en 1984. Este es el pasado y ahora comienza el presente. Hace poco más de dos años un grupo de skaters veteranos comenzaron a acondicionar la zona de Freestyle, que se encontraba parcialmente enterrada. Después de ese primer movimiento, pasión e historia se compincharon. Y ya nadie pudo parar las máquinas (en este caso en sentido figurado, porque todo se ha hecho de forma manual!). Como toda historia de este calibre, el proceso de desentierro ha pasado por varias fases. Jordi Llamas fue uno de los primeros en cuestionarse la posibilidad de recuperar el bowl, después de consultar por internet el plano que en su momento había confeccionado John McDonald. Introdujeron una varilla en la zona que calculaban y en efecto, encontraron mortero. El primero en comenzar la sesión de trabajo, a base de pico y pala fue Jordi Llamas con un equipo de amigos, a los que pronto se sumó José Noro y su crew. Siguieron el radio del coping y dejaron una parte al descubierto. Y aquí empieza la historia de Digging, que se une a la historia del lugar a base de ilusión, esfuerzo y constancia. En octubre del 2010 J. Roura (rider de Nike SB), recibió una llamada que le informó de que una crew se había puesto a trabajar en la locura de desenterrar el bowl del skatepark de Arenys de Munt. Inmediatamente se unió al grupo, no sin antes solicitar el apoyo de Nike SB para que se implicara en un proyecto que habla de pasión e historia del patín. No se lo pensaron y, como el resto de implicados, se unieron aportando equipo, herramientas y la misma ilusión que sus protagonistas.
Desenterramiento del skatepark. F: Enric Tejerina
Durante más de un año y medio, el equipo final, formado por unas quince personas, se concentró a fondo para sacar cemento, tierra y todo lo que se encontraron a base de pico, pala y dinamita, hiciera frío, lloviera o bajo un sol justiciero. A principios de marzo pudimos ver el resultado de este duro trabajo. Sus propios protagonistas nos lo presentaron, contando con varios invitados de honor para la ocasión, la propia Àngels Borrell, que agradece en lo más profundo de su alma que este grupo de jóvenes skaters le haya brindado la posibilidad de revivir algo tan importante y mágico en su vida, los veteranos Joan Granell, Pere Barbena y el legendario skater Lance Mountain, que invitado por Nike para la ocasión, estaba maravillado con el lugar, la historia y todo lo que ha rodeado al proceso. Él mismo acabó patinando el bowl junto al resto de la crew, orgulloso de formar parte de algo tan emotivo. El proyecto Digging se ha recogido en un documental dirigido por Enrique Mayor y en una serie de fotografías en blanco y negro realizadas por Enric Tejerina, que Nike SB expondrá durante un año por distintas tiendas de la marca, además de publicarlas en un libro con el mismo nombre. La presentación de todo ello
tuvo lugar el jueves 8 de marzo por la noche en la Antigua Fábrica Damm de Barcelona (con concierto-sorpresa de Subterranean Kids incluído), donde reinaron los nervios, la emoción y el orgullo. Dos generaciones con más de 30 años de separación en el tiempo, se han encontrado en una celebración común: la pasión por el patín. Y nos olemos que esto es sólo el inicio de algo mucho más grande. nikeskateboarding.com
review
Jägermeister by Finerats / Sagrada unión en Sidecar Cuando se reúnen en un mismo ring cara a cara y sin protección, por un lado, Jägermeister y, por el otro, el arte urbano lowbrow más reconocido que viene de la mano de la revista Finerats, el que gana acaba siendo la fiesta, la que se montó en la sala Sidecar para celebrar por todo lo alto esta unión. En esa relación feliz, moderna y abierta –matrimonio suena duro, admitámoslo– la fiesta fue mítica. Las ilustraciones las ponían Edjinn, Rotor y Grito, las tres mentes pensantes y manos ejecutoras de los stickers. El resto, corría –y vaya si corría– a cargo de Jägermeister. Pero, como no sólo de la caza vive el hombre, los punks garageros gerundenses Aliment ponían la fiesta en el escenario con temas como Half Man Half Octopus. Siguió DJ Nenazza haciendo deshonor a su nombre. Así que reímos y bailamos a discreción, mientras los chupitos helados iban pasando de boca en boca, en tubos en forma de probeta. Pero no había experimento alguno. La teoría estaba aceptada y el éxito garantizado. Las ilustraciones de los artistas Finerats se habían apoderado de todo el ancho y largo de la sala Sidecar. Aunque a Edjinn ya lo conocíamos porque fue el protagonista de la primera entrega de stickers Jägermeister by Finerats. La segunda entrega de stickers, con el arte de Grito, la tendrás ahora mismo en tu poder, pues habrás vuelto a hallarla encartada en las primeras páginas de lamono. Los stickers del ciervo han empezado a colonizar territorio humano y eso es motivo de celebración. jagermeister.com @JAGERMEISTER finerats.com @Fineratsmag
lamono / núm. 81 / abril ’12
postits
El Ultimo colectivoa / El fin del mundo La proximidad del fin del mundo provoca una ola de inquietud en todos nosotros. Los seres humanos somos los únicos que vivimos con el miedo de que nuestro mundo desaparezca un día de estos. Durante siglos han sido muchos los que han ido profetizando el fin del mundo. Evidentemente todos erraron, sin embargo, los mayas ya nos tienen avisados, el próximo 21 de diciembre comenzará una nueva era y la humanidad no estará presente, al menos tal como estamos ahora. Pero esto no es lo peor, El Ultimo Colectivoa ha lanzado un comunicado que desvela su intención de acabar con el mundo antes de lo previsto. Diez artistas internacionales serán quienes ocasionen esta destrucción repentina a través de una obra única y original con la esencia de cada artista y creada exclusivamente para el evento. La destructiva exposición, El fin del mundo, se celebrará el viernes 13 de abril en Monkey Garden, Madrid. Pero no os alarméis, aún estamos a tiempo de pararles los pies. Si tienes alguna información sobre el paradero de estos apocalípticos artistas llama al siguiente teléfono: 918 921 459. Ellos son: Angel El Hombre de La Camara , Blas, Dourone, Eduardo Bertone, J. Carbeni, Miguel Lush, Mog, Rafa Bertone, Santiago Rodriguez Del Hoyo, Seann Brackin, Sonrie aKa A79, y Yatusabes. El Ultimo colectivoa invita a toda la población a asistir a este evento maquiavélico e irónico, aunque siempre puedes optar por huir de la ciudad para salvarte. T: María Aranda Olivares MONKEY GARDEN. Inauguración 13 de abril. Barco, 38 . Madrid.
lamono / núm. 81 / abril ’12
ANIMAL IN ME / Inteligencia animal Ojalá fuéramos más inconscientes de lo que hacemos. Cuántas veces hemos pedido este deseo en voz bajita, o lo hemos gritado a los cuatro vientos (aunque fuera en la ducha). Volver al origen, a nuestra parte animal, encajar sin maquillaje con la naturaleza. Aunque también poder hacer uso del camuflaje natural en algunas ocasiones. Como el resto de los animales. Ya lo dijo el filósofo Sartre: los humanos somos criaturas mal hechas. La galería Ikara de Barcelona acogerá en los próximos días Animal in me, una exposición de Oscar Delmar, el gran artista canario amante de las reactualizaciones, de las reinterpretaciones. Su amplia producción creativa de estos últimos años gira alrededor de un viaje de ida y vuelta entre el diseño, la escultura, la instalación, el street art, la pintura y la ilustración, presentando un conjunto de obra coherente en cuanto contenidos pero ecléctica en su realización, adaptándose así inconscientemente al discurso post-moderno. Su forma de trabajo es siempre la misma: a partir de una técnica tradicional, artesanal incluso (cartón, cables, bombillas, tinta china, acuarela, lápiz, tijeras, pegamento, cuter, rotulador, etc.), produce una obra tamizada tecnológicamente (cámaras digitales, escáner, programas de diseño, etc.). Su muestra golpea nuestras retinas educadas y nos las abre para enfocar nuestras reacciones más primitivas. Porque, al fin y al cabo, lo que nos impide ser unos salvajes es la inteligencia. Delmar nos decapita y nos devuelve la vida. Ikara Gallery. Inauguración 12 de abril a las 20h. Hasta el 8 de mayo. Urgell, 82. Barcelona. ikarabcn.com
Marina Abramovic. Rhythm 4 (Detalle)
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MARINA ABRAMOVIC / Viviendo el dolor Marina Abramovic no conoce límites para lo humano. O tal vez sea la única que llegue hasta el final al explorarlos. El miedo es controlado, encapsulado y detonado en sus performances, para convertirlo en medio artístico. Es precisamente esa búsqueda de los límites de lo físico y lo moral, y cómo participa el público en ella, lo que se rememora en La Fábrica Galería. Mediante fotografías y vídeos, la galería madrileña presenta Selected Early Works, repasando sus más famosos –y escandalosos– espectáculos. Desde Rhythm 10 (1975) a Relation in Time (1977), dos de sus extremas performances. En la primera, lleva su cuerpo al dolor, con un juego de 20 cuchillos, jugando a hacerlos saltar entre los huecos de sus dedos, en una acción que repite una y otra vez para tratar de unir pasado y presente. En Relation in Time, se volvió todavía más inseparable a su clásico compañero, Ulay. Él y Abramovic estuvieron sentados de espaldas 17 horas, con su pelo recogido en coletas, atadas una la otra. Sin hablar, buscaban la armonía de cuerpo y mente y la conexión entre lo masculino y lo femenino. Subvirtiendo la naturalidad del cuerpo, sobrepasando el límite del dolor y experimentando qué siente el público cuando lo sitúas ante lo extremo. La Fábrica Galería reproduce el dolor, el miedo, lo humano y lo inhumano. En paralelo, y bien cerca, en el Teatro Real se representa la ópera Vida y muerte de Marina Abramovic. Con el escritor y actor Willem Dafoe, el director Bob Wilson, Antony and the Johnsons y la propia Marina sobre el escenario. Abramovic se apodera de Madrid. La Fábrica Galería. Del 10 de abril al 2 de junio. Calle Verónica, 13. Madrid. lafabrica.com
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Electrónica en abril / Cacharrería de primera generación El mes de la analogía nos brinda una cita obligada para todos los amantes de la música electrónica. Así que saca papel, boli y apunta los nombres: Keith Fullerton Whitman, Koreless, Nate Young, Philadelphia Blues Control junto con Laraaji, Ekoclef, (una colaboración entre Nick Edwards y el trombonista y productor Ralph Cumbres), Heatsick que actuará por primera vez con el saxofonista André Vida, Roly Porter, Dj Rashad y Dj Spinn, entre muchos otros. Todos ellos participarán en el festival que se ha consolidado ya como el espacio para la electrónica más detallista y personal. El punto especial de esta tercera edición es que hace suya la riqueza analógica como contra-metáfora de la era digital. Y es que durante estas jornadas sólo se podrán usar instrumentos que evoquen el concepto de analogía: cables, pedales, circuitos, teclados de primera generación, guitarras, baterías, sitar y cacharrerías varias. Sala B del Espai Cultural Caja Madrid y Music Hall. Del 19 al 21 de abril. Barcelona. lacasaencendida.es
Igloo / Gira emocional En su momento, asumir que el interior de un lugar hecho de hielo podía ser más cálido que el exterior supuso un auténtico desafío a nuestra lógica. Unos años después y con la lección aprendida, la sorpresa se repite al descubrir que ese mismo espacio es además un refugio para nuestras emociones. Eso es Igloo. La banda gallega tocó la fibra sensible a Bench y se ganó el apoyo incondicional de la firma. El pasado marzo estrenaba en Barcelona su gira de conciertos que llevará a los de Vigo por distintos puntos de nuestra geografía para presentar en directo su tercer y último álbum, ∞3, el más personal hasta la fecha. Más tristeza y desesperanza bañada con la serenidad que da el asumir todos los pedazos (incluso los rotos) de un universo que, como ellos mismos afirman, no por ser más conocido resulta menos extraño. Esta vez, su pop-rock fresco y ligero con sabor melancólico se desprende de lo superfluo y da un paso más adentro, incorporando incluso por primera vez en su discografía una guitarra acústica. Desde su debut homónimo en 2005, Igloo no ha dejado de practicar la magia de desnudarse en sus letras y melodías, demostrando que cuando son de verdad, los sentimientos son infinitos y el frío, un buen mecanismo de conservación. myspace.com/iglooeskimos @iglooband
t: carles suñé / il: ali gulec (aligulec.carbonmade.com)
La era digital nos ha conducido a una inmaterialización de los contenidos. Todo se traduce en bits, en un complejo código binario de unos y ceros. Nada es tangible, a no ser que sea impreso o grabado sobre una superficie determinada. Todo es etéreo. La originalidad se ve ultrajada por la facilidad de la copia, de la reproducción exacta, calcada. La unicidad es un valor en estado de rigor mortis. Los acérrimos de lo analógico leerán estas palabras reconfortados. Porque si algo había antes, eso era unicidad. Productos genuinos, para gente genuina. Nada de producción en serie. Ediciones limitadas, exclusivas, artesanales. Y el cassette era y es genuino. El orden de los temas parecen narrar una historia. Colocarlo del revés por la cara B es casi un ritual, igual que rebobinar la cinta magnética con un lápiz o un boli. Y pese a que el sonido suene sucio, suena deliciosamente sucio, como si la música saliera de un cántaro. "Cuando apareció el medio digital como el "otro", como el sonido de un cyborg, lo analógico parecía respirar, pero con un sonido raspado". Así lo definió el afamado crítico musical en su ensayo The Hallucinatory Life of Tape ("La alucinante vida de un cassette"), en el año 2007. Bien sea por romanticismo, en el sentido más bohemio y menos cursi de la palabra, o por la incandescente modernez que impregna nuestros días, el cassette se resiste a dar sus días por finiquitados. En las retinas de muchos están aquellos expositores giratorios, tan típicos de las gasolineras de las carreteras españolas, en los que brillaban perlas como Camela o Caribe Mix 3. Una popularización de dudoso criterio de un soporte musical que, ahora, solo es apto para melomanos o sibaritas de lo retro. Siendo un producto casi "delicatessen", sólo pueden adquirirse en tiendas musicales especializadas. Por tal de reconocer la encomiable gesta de vender cassettes, discos y vinilos en una época en que todo se puede piratear, el próximo 21 de abril se celebra en todo el mundo la Record Store Day. Este año, es la primera vez que se hará en Barcelona, y cuenta con el apoyo de varias tiendas, como B-Core, Luchador Records, Discos Paradiso, Wah-Wah, Surco, entre otras, y de diferentes sellos musicales, como Discos La Gàbia, Snap!Clap! Recs, Bankrobber, Buenritmo, Foehn, Discos de Kirlian, Discos de Paseo, etc. Como no podía ser de otra manera, tendrán lugar varios showcases, entre los que podríamos destacar los de Balago (Foehn) o Evripidis and his Tragedies (Snap! Clap! Recs). Para saber más: recordstoredaybarcelona.tumblr.com. Varias formaciones musicales no han querido desaprovechar las bondades del cassette, con todo lo que ello acarrea, para promocionar sus creaciones. Así, por ejemplo el grupo de psicodelia
Ocellot (Discos La Gàbia), editaran en cassette su primer EP. Otro grupo que en el pasado se decidieron a probar, fueron Dinosaur Jr., quienes realizaron una reedición limitada (500 unidades) de sus tres primeros álbumes. Se vendieron todos. Y en otro nivel, podemos hablar de la asturiana Lorena Álvarez y su banda municipal, que en un fantástico pack llamado La cinta, incluye un cassette con libreto de acordes para aprender a tocar sus canciones, un walkman para oírlas y un bolsito de diseño. Pura originalidad. Este tipo de iniciativas son una plataforma ideal para reivindicar el lugar que le corresponde a los formatos analógicos, y sobretodo, una excelente ocasión para fomentar el consumo de productos musicalmente manufacturados. Creaciones originales fruto de mentes originales. A nivel internacional, muchos músicos emergentes como Little Dragon, Neon Indian o ToroY Moi han lanzado cassettes con sus producciones. En una entrevista realizada en 2009, el guitarra y vocalista de los Sonic Youth, Thurston Moore, declaró que solo escucha cassettes. Varios sellos musicales independientes editan el trabajo de sus artistas también en cassette, y existen un montón de sellos que producen exclusivamente en cinta magnética, como American Tapes y Night People. Como decía, el cassette nunca murió y continúa navegando entre los mares de la vanguardia y de la música experimental, pero su popularidad cayó en picado con la aparición de nuevos formatos. Las ventas alcanzaron su punto más bajo a mediados de los noventa, aunque los datos indican que las ventas de cintas en blanco y las grabaciones en cassette están aumentando de nuevo. A pesar de que son difíciles de encontrar, y que su desaparición parece inevitable, la creciente y renovada popularidad de los cassettes es un indicativo del deseo, de parte de la sociedad, de poseer elementos tangibles en la era digital. Es posible que su supervivencia sólo pueda producirse cuando la blogosfera y el acceso a Internet garanticen la existencia y difusión de un nicho de mercado consolidado que reclama este tipo de soporte. Y aunque nunca se puede alcanzar de nuevo el auge que vivió el cassette en los años 90, antes de que los CD le robaran el protagonismo, las cintas son el primer eslabón en la progresión de las grabaciones. Que a nadie se le olvide.
Cassette,
多romanticismo o modernez?
música
t: marta rossella
\ ANALOGIC
MELODÍAS MANIPULATIVAS
lamono / núm. 81 / abril ’12
Analogic suena muy digital, ¿no? En realidad el nombre viene de nuestro amor por el vinilo y el sonido vintage. En cuanto a nuestra música, utilizamos muchos sintetizadores analógicos, no usamos samplers ni pedales de efectos. De momento digamos que es todo muy manipulativo, si queremos un sonido nos la ingeniamos para conseguirlo así. Las dos características diferenciadoras del grupo son, por un lado, que no llevamos bajo y tocamos los sintes de graves en directo y, por otro, que cantamos los cuatro casi por igual. En la mayoría de piezas usamos sintetizadores en lugar de bajos. Excepto en Need, para la que cambiamos de formación. Somos bastante variados en cuanto a estilo, ya que hacemos lo que nos gusta sin preocuparnos mucho en este sentido, pensamos que con el tiempo el conjunto de todo lo que hacemos nos definirá. No nos gusta ponernos etiquetas en este sentido. Bebemos de influencias de Estados Unidos, sobre todo sureñas, de la teatralidad de Bowie, del post punk revival inglés, del pop, del punk en general, del rock de los noventa, de los sixties y de toda la escena independiente actual. ¿Nuestro talón de Aquiles? Quizás cuando más sufrimos es cuando, por las cuestiones que sean, no nos escuchamos bien en el escenario, aunque eso es el punto débil de todo músico. El directo a veces nos beneficia, otras no. Incluso cuando las condiciones son las adecuadas, está a años luz del disco por muchos factores. Uno de ellos es esa sensación de estar viendo delante de ti a la banda que te gusta, cómo ejecutan, las emociones de los músicos, también el sonido es mucho mejor en un directo que el que puedes tener en casa o en el mp3. Además no hay dos conciertos iguales del mismo grupo. Digamos que en un disco el artista transmite y en un directo no solamente hay transmisión sino que hay comunicación. Todas nuestras canciones son buenas ¿no? (risas) Para mí -Julio, teclista- Red Room ha quedado impresionante. Lo de las canciones favoritas va por épocas, ahora mismo me encantan Desert, Spanish eyes o American Drea, que estarán en el segundo álbum que ya estamos componiendo. Hay varios temas en nuestro primer trabajo que nos hacen reflexionar, como Wish there was a heaven. Pero me voy a quedar con el single, Gliese 581c, que habla del destino al que estamos abocados si la humanidad, individuo por individuo, no cambia su actitud con respecto a la explotación de
Analogic nace con la idea de pasarlo bien, aseguran sus componentes. Su ópera prima, de título homónimo, es un compendio de creatividad, personalidad y aplomo que sorprenden en una banda tan joven. Los poderosos riffs de guitarra de Andrés Monge, los golpes de batería de Alberto Botías, el dominio de los sintetizadores y teclados de Julio Hidalgo y las voces de Juan Abellán, todo perfectamente orquestado, nos acercan a una fiesta desbocada, a un baile hipnótico con ritmos que te levantan de la silla, a un cabaret alternativo o a una evocación nostálgica con tintes psicodélicos y sureños. Son jóvenes pero tienen mucho que cantar. Gliese 581C es su primer single. la tierra. Todo esto claro, desde un punto de vista muy carpe diem. ¿La más alocada? Try to hide es divertidísima.¿Qué grupos tenemos enfrascados en los antiguos formatos de audio? Los cassettes nos pillaron muy jóvenes, y los vinilos, que nos cogieron aún más pequeños, más que conservarlos los hemos ido adquiriendo ya adultos. Alberto es dj de garaje en vinilo y tendrá cientos, yo (Julio) tengo unos cuantos, pero de música actual como los Arcade Fire, por poner un ejemplo. También tengo alguna primera edición inglesa de Pink Floyd, que es uno de mis grupos fetiche. Nuestro público potencial es... todo. Lo queremos todo. Pensamos que nuestra música puede gustarle a la mayor parte de la sociedad y quien no nos crea que nos visite en analogic.es. Nos gustaría que en un futuro la gente quisiese parecerse a nosotros. Así que cualquier banda que haya marcado época nos resulta interesante. A corto plazo, tenemos gira programada, a la que seguro añadiremos alguna fecha más. También algunos festivales como SOS 4.8 o Sonorama 2012. Y a largo plazo, aunque intentaremos que sea durante este año, grabar nuestro segundo disco. Nos encantaría tocar en millones de sitios, somos muy jóvenes aún. Si hay que decir uno, me quedo con el FIB, y en cuanto a sala nos encantaría visitar Razzmatazz. También nos volvemos locos por salir al extranjero, salir de Europa y tocar en los EE.UU. De momento, son sueños. analogic.es
música
t: víctor cardona
Ya se empieza a sentir ese olor familiar de que algo nuevo se cuece en la cocina de The Wave Pictures. Su quinto álbum de estudio, Long Black Cars, huele a letras cargadas de ironía condimentadas con detalles de la vida cotidiana y presentadas en bandeja de plata con la voz y la guitarra desenfadada de Tattersall, el enfático bajo de Franic Rozycki y la contundente batería de Jonny Helm. Cocina musical británica que llegará este mes a nuestro país dentro del ciclo Heineken Music Selector. Lo bueno está por llegar. Notas y melodías actuales enmarcadas en una oleada de sonidos retrospectivos. Para nosotros hay tres razones principales que explican por qué usamos tecnología lo-fi y nos decantamos por las grabaciones analógicas y no por las digitales. La primera es que nuestros métodos son una reacción que se posiciona en contra de aquello que percibimos como exceso innecesario de la corriente comercial en la música -esto se traduce en innumerable cantidad de tiempo y dinero que se desperdician en la producción de música sin alma. La segunda razón es que preferimos este sonido genuino: la música de las grabaciones realizadas entre 1955 i 1975 -hablando bastamente- es un ideal que aspiramos simular. La tercera razón es que no nos podemos permitir más tiempo del necesario en el estudio del que ya pasamos, usamos los estudios de grabación lo mínimo, no podemos permitirnos estar semanas haciendo el capullo con sintetizadores. Tampoco es que estemos asegurando que seamos personas esencialmente románticas y mucho menos todo lo contrario. Podemos ser completamente pragmáticos también. ¡Todo en su moderada medida! No consideramos que el modo a través del cual grabamos nuestros temas haya nacido a partir de una decisión romántica. Más bien es una cuestión de gusto personal. No se debería estar de acuerdo necesariamente en lo que todo el mundo tiende o acostumbra a hacer. Lo que tampoco significa uno siempre se deba posicionar en contra todo el tiempo. Quizá si hubiéramos decidido tomar el camino de grabar con sonido digital seríamos más populares de lo que ahora somos. Probablemente tendríamos temas en spots publicitarios y apariciones en programas de televisión, obtendríamos más actuaciones en festivales, tocaríamos en la radio mucho más y todo eso. Sin embargo, hubiéramos tenido que sacrificar una gran parte de nosotros mismos, por eso queremos mantenernos en nuestros trece y hacer el tipo de grabaciones que queremos -y deseamoshacer. Suena como un cliché, pero es verdad. La sociedad parece que también está recuperando la tecnología del
pasado como gramófonos o cámaras analógicas, pero creemos que todos estos comportamientos son modas. Tenemos que confesar que no estamos ni remotamente interesados en objetos vintage. No somos unos chicos retro. Ni un poquito. Estamos felices de usar equipos de grabación modernos, o equipos viejos; cosas lo-fi baratas, o muy caras. Todo lo que nos permita obtener el tipo de sonido que nos gusta oír. De pequeños teníamos un montón de cassetes, como algunos EP de John Lee Hooker, Howlin’ Wolf, Muddy Waters, Bo Diddley. Este tipo de grupos. De alguna forma todavía siguen siendo nuestras referencias hoy en día. Pero de todas formas también encontramos un millón de estímulos diferentes que pueden inspirarnos a tomar la guitarra y empezar a componer. Algunos de las bandas actuales que nos interesan son Half Japanese, Let’s Wrestle y Jason Molina. Además, todos hemos estado escuchando durante horas interminables a Django Reinhardt en la camioneta del tour mientras conducíamos. De todas formas, no creemos en la existencia de un referente claro e inmutable, como una musa. Más bien nos divertimos haciendo lo que hacemos. Disfrutamos escribiendo canciones y tocándolas. Siempre estamos pensando en nuevas líneas a seguir, nuevos ángulos, porque estamos muy interesados en ello. Cuando la gente habla sobre una musa siempre pensamos: “Vaya gilipollez”. Es una falacia flagrante que aparece con la religión -y debemos confesar que somos orgullosamente ateos- para intentar hacernos pensar que el proceso creativo procede de algo misterioso y mágico. Si fuera así, sería maravilloso que nuestra música sirviera para que de alguna manera se pudiera destruir la monarquía inglesa y reducir la pobreza mundial. Con todo, si pudiéramos volver atrás en la historia con una máquina del tiempo, nos gustaría vivir en la década de los 60 y formar una garage band. thewavepictures.com
The \ Wave Pictures
Reminiscencias de rock genuino
música
\ soledad VÉLEZ \
DESGARRANDO FOLK soledadvelez.bandcamp.com
t: david vidal lópez / f: juan limousine
lamono / núm. 81 / abril ’12
Chilena enraizada en Valencia, pone su maravillosa voz a disposición del folk, con letras cortas que repite mientras las desgarra y reinventa. Tras un año repleto de conciertos con su inseparable Jesús de Santos y con dos EPs a sus espaldas, lanza Wild Fishing, un largo con el que llegar a las entrañas. Creo que he recogido un poco la tradición musical de mi padre, que desde joven quiso dedicarse a la música, pero no pudo. Yo estudiaba arquitectura en Chile, sólo porque mi padre quería que lo hiciera. Lo que realmente quería era estudiar música, pero él no me dejó. Me dijo: ‘en mi techo vas a estudiar lo que se dice aquí’. Así que dediqué un año a la arquitectura y ya no pude más: dejé la carrera y me puse a trabajar, a ahorrar para irme a estudiar música a Argentina. Y mientras estaba en eso, conocí a un músico español, Juan. Componíamos a distancia y teníamos un proyecto musical juntos. Estuvimos así un año, hasta que llegó el día en que me tenía que ir a Buenos Aires, que fue cuando me propuso venirme a Valencia. Él creía en mi proyecto, me dijo que podía funcionar. Cuando llegué empecé a tocar con él, que hace más jazz. Surgieron algunas diferencias musicales y al final nos disolvimos. Me busqué otros proyectos y caí en un cuarteto de jazz, tocábamos standards, ahí me di cuenta de que yo quería hacer mis canciones. Desde pequeña escuchaba mucho jazz y blues, lo tengo dentro de mí desde siempre. Le pedía a mi padre que me enseñara a cantar y a tocar la guitarra, él siempre me decía que no. Así que escuchaba a cantantes de estos espectaculares y los imitaba, queriendo cantar mejor… Lo del jazz fue sólo para ese cuarteto: dejé de cantar standards muy temprano y seguí con la rama del folk, que es lo que siempre he hecho. Conocí a Jesús de Santos a finales de 2010, cuando se puso en contacto conmigo para participar en un concierto conjunto con artistas valencianos. Él había escuchado mi primer EP y empezamos a conversar. Le pregunté a qué se dedicaba, porque no sabía quién era él y me enseñó lo que tocaba su banda. Me gustaba mucho cómo tocaba la guitarra y le propuse intentar hacer algo juntos. Así que un día quedamos en mi casa, empezamos a tocar, improvisó sobre las canciones que yo le enseñaba y fue como ¡amor a primera vista! El año pasado hicimos una barbaridad de conciertos juntos y ahora ya somos inseparables. Telonear a Nacho Vegas, a Manel, a José Luis Santiago es genial. Tocar con gente que tiene una enorme trayectoria detrás es una gran suerte. Aprendes mucho de ellos. Normalmente evitas
hablar mucho para no molestarlos. Y Nacho Vegas me sorprendió, porque me dijeron que me estaba esperando en el camerino para saludarme ¡Majísimo! Yo flipé. Hicimos unas risas, estuvimos con la banda todos juntos; súper majos, en plan colegas. Al final ves la calidad de las personas. Cuando estábamos grabando el EP Black Light in the Forest yo estaba componiendo la canción que lleva ese nombre. Justo la acabé poco después de terminar de grabar. Estaba muy ligada a mi estado emocional de entonces, y es por eso que el EP se llamó así. El tema Wild Fishing lo empecé a componer en Chile, hace cuatro o cinco años. Me gustaba, tenía algo tormentoso y atractivo que me despertaba mucho interés. En Valencia continué con ella. Me pilló en el verano del año pasado, en una época emocional difícil, que reflejé completamente en esa canción. Se volvió muy importante para mí, por eso le da título al disco. El resto de canciones las compuse el año pasado o son temas que ya había tocado en directos años anteriores. Me siento cómoda con la etiqueta de folk. Todo lo que hago parte de ahí. En algunas canciones de este disco igual hay más ruido, pero todas mis bases beben del folk. El momento de componer me recuerda que cuando tenía 17 años me gustaba mucho el blues y componía canciones de blues en castellano. Lo que me gustaba era que los compositores escribían tres líneas y las repetían en toda la canción, una y otra vez. Me cautivaba eso de que nunca cantaran la frase de la misma forma. Escribo letras cortas porque es como me siento cómoda, simplemente paro cuando veo que una canción está terminada sin necesidad de decir nada más. Hay veces en que menos es más. Hubo un punto en que probé con el castellano, pero no estaba diciendo exactamente lo que quería. Desde muy pequeña oía solo música en inglés, por mi padre. Lo quieras o no, fonéticamente lo coges y lo haces tuyo en el momento de cantar, pese a no ser tu lengua materna. Creo que soy más sincera cantando en inglés que en castellano. Me gusta más decir “te quiero” en inglés. Es algo raro y loco, pero es puramente por el sonido. Wild Fishing está editado por Absolut Beginners Records.
cd´s
t: andrea jarales
/ VADOINMESSICO / Archaeology of the future
/ BONOBO / Black Sands Remixed
(Outcaste) Vadoinmessico es un juguete londinense formado por cinco piezas procedentes de medio mundo que ha salido de fábrica como un artefacto surreal y cálido llamado Archaeology of the future. México, Italia, Inglaterra y Austria deberían sentirse orgullosos. Su sonido pop-folk-psicodélico de baterías orquestales se funde con palmas y ritmos sencillos, donde los instrumentos de cuerda participan como otra percusión más y las voces nostálgicas, plagadas de ecos, se entremezclan con un exotismo multi-instrumental y sonoro enérgicamente inocente. Un grupo increíblemente apátrida y global, de trazos mediterráneos, alegres y soleados. Muy recomendado.
(Ninja Tune) Este chimpancé sobredesarrollado nos hace viajar por sonidos acuáticos y celestes, de tierras y horizontes lejanos con mágicas dubbeadas y ritmos downtempo. Flotando cosmoemocionalmente, nos adentramos en el mundo de este productor, que reutiliza Black Sands y lo revaloriza con un popurri de hip-hop, soul, jazz y pop de cámara bañándolo en un océano digital, que convierte la isla de Black Sands en un archipiélago. Delicattessen electrónica.
/ FEBRERO / Altos vuelos
(La Produktiva) Para los eternos amantes Planeteros, aquí está vuestra salvación. Todos sabemos que a los granadinos nadie les llega ni a la suela de las Converse, pero lo evidente es que gracias a ellos hubo un sobrecargo indie muy fuerte y de ahí despegan Febrero. Con algunos años de retraso llega Altos vuelos, segundo disco para estos tarraconenses al que el pop les ha nublado algo el viaje. Aún así nos presentan un jugo de melancolía exprimida desde el vacile, con canciones ingeniosas y pegadizas, porque ya se sabe que cuando ¡uno hace pop ya no hay stop!
/ THE JEZABELS / Prisioner
(Pias) Grupo de Sydney que presenta su primer álbum tras haber editado una triada de Ep´s difíciles de clasificar. Nos ayudan autoidentificándose como “Intensindie”. A partir de aquí se puede comenzar a entender su música: baladas de rock alternativo que rozan unos ochenta cuasi comerciales con ritmos disco-pop de época. Una cascada de sonido de otra era, más oscura y difícil de revisar. Voz emotiva, muy a la americana, con guitarra rasgueada y una batería de sonido ochentero junto con unos imprescindibles teclados consiguen lo que quieren y sonar a lo que son.
lamono / núm. 81 / abril ’12
/ Notic Nastic / Fulls green
/ Amatria / Hoy van a salirte alas
(Shitkatapult) Si quieres montar una fiesta donde retumbar todo oído y desarticular los huesos de tus invitados, este es el disco que te hace falta. Remasterizado con lo último en sonido, disco digital a más no poder. El neón te atrapa con unas sintonías que llevan a la oscuridad pop gracias a la enérgica voz de la artista. Bases que se repiten, pero siempre con ese toque ochentero actual que tanto gusta a cualquier sala alocada. Agitación y entretenimiento asegurado.
(Pias) Desde que su maqueta quedara finalista en los Levi's Unfamous Music Awards del 2009, Amatria ha dado mucho de que hablar y no es para menos. Composición, grabación y producción corren a cargo del protagonista de este proyecto, Joni Antequera. Un álbum a todo color, donde las letras nos desvelan sentimientos y experiencias del propio autor que sin miedo, nos regala un trozo de su propia vida. Disco independiente donde los haya.
/ Balthazar / Applause
/ Roberto Fonseca / Yo
(Pias) Llega la primavera y con ella, el estado de incertidumbre temporal constante. Subidas y bajadas de presión que te incitan a escuchar álbums como este. Balthazar son los predecesores de la música europea que empezó a sonar a finales de los 90. Una mezcla entre Arctic Monkeys, Blur y Gorillaz, así es Applause. Algo repetitivos pero a conciencia, el álbum sigue una misma sintonía con cambios acertados y hechos a medida. Gracias a la voz sensual y rota del cantante, hace que Balthazar sea un grupo personal y que no pase inadvertido.
(Jazz Village/Harmonia Mundi) Modernizar tus raíces, trabajo apto sólo para valientes. Roberto Fonseca sabe de valentía y le sobran tablas. Fusiona a su tierra cubana mezclando instrumentos tradicionales y elementos electrónicos, con una delicadeza que muchos ya quisieran. Sus dedos espirituales se funden en una colección de pianos electro-acústicos que no hacen perder su esencia en sólo un momento, todo esto acompañado de una magnífica banda que te envuelve y te lleva a un mundo nuevo, donde todo vale pero siempre con clase. La portada no hace honor a lo que nos deparan los altavoces.
conciertos & sesiones
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1-ELECTROPUTAS Tan inclasificables como siempre, los Electroputas aprovecharán el marco del Caníbal Sound System para grabar su nuevo disco, que llevará por nombre Dragon Sessions y que recopilará dos horas de directo. Además, como acostumbran, se podrán descargar gratuitamente de internet. Sala Apolo. Miércoles 11 de abril. BCN. 2-ENSEMBLE ECONOMIQUE + BRADIEN Los intrigantes sonidos de Bryan Pyle y su Ensemble Economique, con psicodelias artificiales y percusiones predominantes iluminarán (oscurizarán, mejor dicho) Barcelona. Lo harán junto a los locales Bradien, grupo instrumental más colorista y con alma de banda sonora. Sala Miscelánea. Miércoles 11 de abril. 21 h. 5-6€. BCN. 3-MINA TINDLE Justo después de publicar su primer LP en solitario (Taranta), la parisina Pauline de Lassus llega a Barcelona por primera vez. Lo hace bajo el nombre de Mina Tindle, para presentar su indie pop con toques folk y hasta jazz en el Barcelona: Vive La Musique, de la mano de Vueling y Scanner FM. Su tranquilidad animosa y su voz cálida buscan sitio en el panorama musical después de formar parte de bandas francesas como Toy Fight o The Limes. Antiga Fàbrica Damm. Jueves 12 de abril. 20h. BCN.
4-AUTUMN COMETS Actúan por última vez en Madrid, su ciudad, antes de retirarse al estudio para parir su tercer disco. Mientras tanto, siguen exprimiendo A Perfect Trampoline Jump, que les ha llevado a girar por toda España, a sonar por televisión y a que digan que suenan parecido a Wilco, Death Cab for Cutie o Arcade Fire. Palabras mayores. Sala Siroco. Jueves 12 de abril. 21h. 8€. MAD. 5-AND SO I WATCH YOU FROM AFAR El contundente directo de la banda de Belfast dobla en Barcelona (con Atleta) y Madrid (con Jardín de la Croix). Música instrumental, con guitarras por doquier y solos que lucen, energía musical para desbocar toda una sala de conciertos a base de su post-rock con algo de hardcore y mucha mucha fuerza. Sala BeCool. Sábado 14 de abril. 20.30h. 15-18 €. BCN. Sala Moby Dick. Domingo 15 de abril. 21h. 15-18€. MAD. 6-LIVE SESSIONS DAY El encanto de las pequeñas salas, donde la relación entre público y artista es íntima, es lo que busca explotar este nuevo festival, que se inaugura este mes de abril. La irreverente Bebe, los ritmos facilones de Sidonie, la underground Maika Makovski o los discotequeros Fundación Tony Manero actúan como cabezas de cartel de un festival repartido entre cinco (íntimas) salas de Lleida. Salas Cotton Club, La Boite, Les Paul, Stones y Cafè del Teatre. Del 12 al 15 de abril. Lleida.
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7-THE WAVE PICTURE Llevan más de una docena de años componiendo, aunque lo de dar el salto al panorama nacional británico les llevó un tiempo. Lo de salir al extranjero, aún más. Ahora, pasan por Madrid de la mano del Heineken Music Selector para extender su sentido del humor reñido con la devoción por el trabajo bien hecho, y una producción musical extensa y variopinta. Sala El Sol. Lunes 16 de abril. 22.30h. 12-16€. MAD. 8-KILLING JOKE Los fans de la mítica banda tendrán una sola oportunidad de ver a los londinenses en España, que llevan pegándole duro desde hace más de tres décadas. Lo harán en Barcelona –teloneados por The Crying Spell y The Icarus Line–, donde repasarán sus grandes clásicos y presentarán temas de su nuevo disco (MMXII), a la venta el 2 de abril. Sala Music Hall. Martes 17 de abril. 19.30h. 27€. BCN. 9-TEMPLETON Están de vuelta para presentar su segundo disco, El Murmullo, con el que buscan dar el verdadero salto adelante en el panorama musical nacional. Cántabros afincados en Madrid, se presentaron en 2009 con Exposición Universal y, con su nuevo trabajo, consolidan su particular estilo de la mano del famoso productor Paco Loco. Sala Apolo-La2. Sábado 21 de abril. 21h. 8-10€. BCN.
10-MIGUEL POVEDA El incomparable marco del Palau de la Música acoge el flamenco de Miguel Poveda, uno de los cantaores contemporáneos más reconocidos. Sin desligarse del todo el peso de la tradición, Poveda ha dejado que el cante se influenciara por la modernidad sin perder ni un ápice de sentimiento ni de espectadores. Palau de la Música. Lunes 23 de abril. 21h. 18-54€. BCN. 11-SILVERSTEIN Se han hecho mayores y sus influencias han cambiado, reconocen. De ahí que su Rescue, último disco, suene diferente a lo que han publicado anteriormente. Como un renacimiento o una reformulación de la banda, con una década ya a sus espaldas, y que quiere seguir su evolución natural sin tener que rendir cuentas. Sala Caracol. Jueves 26 de abril. 20h. 18-23€. MAD. Sala Razz 3. Viernes 27 de abril. 20 h. 18-23€. BCN. 12-WE ARE SCIENTISTS Ya veteranos del post-punk, regresan a España para dejar sus canciones de baile en Madrid y seguir paseando sus letras chistosas (aunque con mensaje). Californianos establecidos en Nueva York, de escasas pretensiones, siempre cumplen cuando de montar una fiesta se trata. Darle potencia para arrancar el baile del público; eso es lo suyo. Sala Sol. Jueves 3 de mayo. 22.30h. 20-25€. MAD.
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