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Intenso es tener o mostrar un rasgo distintivo en grado extremo. Como consecuencia del calentamiento global, los problemas financieros y las guerras, vivir hoy es intenso. Lo intenso está en todas partes, no sólo en los problemas del mundo, sino también en el arte, la música, el cine, y los deportes. Para mí, ahora mismo, viajar sin un seguro de viaje es intenso. Estoy en Bali, llevo aquí menos de dos semanas y, de momento, me he hecho algunos rasguños mientras comía montado en una moto y un perro me ha mordido en la cara. Pensé que iba a contraer la rabia, por lo que debía ir al hospital para recibir una inyección contra el tetanus. La vacuna costaba 2.500 dólares, así que tuve que encontrar a la dueña del perro y pedirle que lo llevara a hacerse pruebas, mientras yo estaba en Desert Point, donde no hay hospitales. Por suerte, el perro no tenía la rabia, pero mientras esperaba los resultados, pasaron por mi mente y mi cuerpo sentimientos verdaderamente intensos. Además, la otra noche, salí con unos amigos y cuando regresamos traté de abrir una puerta de vidrio de tres metros que estaba cerrada y se rompió delante de mí. Otro momento intenso, pero de nuevo, por suerte no resulté herido. Básicamente, la vida es intensa, hay buenas y malas intensidades, pero eso es lo que la hace una palabra tan fuerte, porque es extrema. Sin intensidad, la vida sería algo mucho más aburrida. Intense is possessing or displaying a distinctive feature to an extreme degree. Living today is intense, with the global warming, financial problems and wars breaking out in the world. Intense is everywhere not just in world problems but also in art, music, film and sports. For me at the moment traveling without travel insurance is intense. I’m in Bali, have been here under two weeks, so far I’ve ate it on a motor bike and got some scratches and got bit in the face by a dog. I thought I was going to get rabies so I had to go to the hospital and get a tetanus shot. The vaccine was 2,500 USD so I had to find the dog owner and have her get the dog tested, while I was in Desert Point, where there is no hospital. Luckily the dog didn’t have rabies, but while I was waiting for the results it was definitely intense feelings going through my mind and body. Plus the other night I went out with some friends and when we got back I tried to open a 10ft glass door that was locked and it shattered in front of me. Another intense moment but again luckily I was not injured. Basically life is intense, there is good intense and bad but that what makes it such a strong word because it’s extreme. Without intensity life would be a lot more boring.
˜ M AY JU NE 2013 ˜
BY
L JA R ED * ME
L
Carhartt WIP x Vans Syndicate
Light in the dark
carhartt-wip.com @carharttwip vanssyndicatezine.com @vanssyndicate
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Solo hay una cosa mejor que contemplar la imagen de una carretera totalmente desierta por la noche: imaginar que la recorres. Y solo hay una cosa mejor que imaginarlo: hacerlo. Y así, hasta… ¿el infinito? No, así hasta lo nuevo de Carhartt WIP y Vans Syndicate. Tras seis años de colaboraciones nos presentan la que es sin duda su obra maestra: la Era Tab “S”. Una versión de la que fuera la primera zapatilla de skate del mundo, diseñada por Tony Alva allá por 1976. A su mítica suela vulcanizada se incorporan materiales reflectantes en los laterales (sí, brillan en la oscuridad), costuras reforzadas en zigzag, una pieza de lona en el talón, el logo de Carhartt en piel y cuatro nuevos (y refrescantes) colores: negro, azul brillante, naranja y amarillo. La nuevas Era Tab “S” están disponibles en tiendas Carthartt WIP y en puntos online seleccionados, y nos jugamos un par a que para cuando estéis leyendo estas líneas, ya se habrán convertido en un clásico eterno del universo del patín. No todos lo saben. Es un secreto conocido solo por quienes se deslizan sobre el alquitrán yendo a alguna parte. En la ciudad, los sueños no se encuentran donde acaba el arcoíris sino al final de un camino de asfalto.
There’s only one thing better than contemplating the image of a completely deserted road at night: imagine that you are walking the road. And there’s only one thing better than imag ining it: doing it. And so, to... infinity? Not, until the new of Carhartt WIP andVans Syndicate. After six years of collaboration, they present to us undoubtedly his masterpiece: the Era Tab “S”. A version of the first ever skate shoe in the world, designed by Tony Alva in 1976. Now, his legendary vulcanized sole incorporates ref lective materials on the sides (yes, they glow in the dark), reinforced zigzag seams, a piece of canvas in the heel, leather Carhartt logo and fo ur new (and refreshing) colors: black, bright blue, orange, and yellow. The New Era Tab “S” are available in Carthartt WIP stores and on selected online points and we are sure that while you are reading these lines they have already become an eternal classic in the skateboarding universe. Not everyone knows it. It’s a secret known only by those who slide the tar. In the city dreams are not where the rainbow ends but at the end of an asphalt road.
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protest×total× look www.protest.eu alpargatas paez · www.laspaez.com.ar PHOTO: LARA ALEGRE · www.laraalegre.com MODELS: CORA · CYMAGE · www.cymage-models.com MAKE UP: INES SCHULT
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globe×total× look www.globe.tv PHOTO: LARA ALEGRE · www.laraalegre.com MODEL: TOBIAS · EQ MODELS · www.eqmodels.com MAKE UP: INES SCHULT
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RHYTHM ×total× look www.rhythmlivin.com PHOTO: LARA ALEGRE · www.laraalegre.com MODELS: KATHI STEIL · MODELWERK · www.modelwerk.de PAWEL · M4 MODELS · www.m4models.de MAKE UP: KARINA BERG
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volcom ×total× look www.volcomeurope.com PHOTO: LARA ALEGRE · www.laraalegre.com MODELS: DINO & JULIA EPP · M4 MODELS ·www.m4models.de MAKE UP: KARINA BERG
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Nuria: Hat Brixton · Shirt Obey MALCOM: Snapback Brixton · Jacket The Hundreds · Pant The Critical Slide Society · Socks Stance · Shoes DVS Photo: Sara Sani · www.cargocollective.com/sarasani
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According to the definition ‘the legend’ is about human beings who represent archetypes (human original models), like the hero or the wise old man. Koston is not an old man but he is wise and a hero of heroes. This year is the twentieth anniversary since Koston first got on the skateboard. Twenty years on and the diameter of his cerebral hemisphere reserved to skateboarding hasn’t stopped growing - the rest is taken up by golf and family. Nike SB presents to the world the consolidation of a legend.
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@nikesb
Según definición, la leyenda se ocupa de seres humanos que representan arquetipos (tipos humanos característicos), como el del héroe o el anciano sabio. Koston no es un anciano pero sí es sabio y un héroe para muchos héroes. Este año se cumple el vigésimo aniversario de Koston sobre el patín, veinte años en los que ese diámetro de su hemisferio cerebral reservado al skateboarding no ha dejado de crecer. El resto lo ocupa el golf y la familia. Nike SB presenta al mundo la consolidación de una leyenda.
KOSTON 2 #thelegendgrows www.nike.com
Ya nos lo adelantó el propio Eric cuando estuvimos charlando con él en NY, donde fuimos el pasado octubre con motivo de la presentación de la Koston 2: el lanzamiento de su segunda signature model iba a dar qué hablar. Tanto él como Shawn Carboy (diseñador de Nike SB) se ponían pícaros y no soltaban prenda de las acciones que acompañarían la presentación de la Koston 2 al mundo. Poco a poco se han ido desvelando y todas respiran la originalidad y creatividad del propio rider, que busca el lado humorístico en todo lo que hace, siguiendo una filosofía de vida en la que lo liviano no está reñido con la rigurosidad. La primera parte de este lanzamiento la protagonizaron otros riders como Sean Malto y Cory Kennedy, que mediante vídeos y entrevistas explican su relación con Eric. La segunda se ha presentado mediante un divertido vídeo en el que personalidades del mundo del skate, del golf y del arte comentan las hazañas de Koston a raíz de un rumor en el que se comenta que ha planchado un truco. Dirigido por Jon Humphries con la música de Ottis Redding destacan las apariciones estelares de los skaters Sean Malto, Ishod Wair, Justin Brock, Paul Rodriguez, Wieger Van Wageningen y Alex Olson, del editor de Thrasher Magazine Jake Phelps, del golfista Tiger Woods, el artista Neckface y la medallista olímpica Alyson Felix, entre otros. Todo un desfile de emociones y de sentimientos por parte de la industria hacia la figura de Koston, que ha creado la leyenda a base de una forma de patinar progresiva y un estilo con la superación como lema. Porque para llegar a ser el Michael Jordan del mundo del skate se necesita, como en el baloncesto, constancia y valentía, además de la suficiente creatividad como para construirte un universo propio alrededor del patín. Asignaturas todas ellas que Koston superó sin tener que esforzarse demasiado, ya que la técnica forma parte de su adn. Esa misma técnica es la que ha aplicado a la nueva Koston 2, una versión mejorada de la Koston 1, con un diseño limpio donde destaca la estructura de un solo panel, una mayor elasticidad, el mantenimiento de la amortiguación Lunar en su suela (Drop-Inlunarlon), perforaciones laterales que implican una mejor ventilación y refuerzos en la estructura. Tal como nos él mismo nos dijo “un buen zapato es el que se adapta como un guante, es importante que el pie se apoye en las áreas correctas. Para hacer mejores trucos tienes que tener el control y no pensar en tus pies mientras patinas, si lo haces es que hay un problema”.
He premiered the shoe to us when we talked with him in NY last October at the presentation of Koston 2: the launching of his second signature model that was going to give people something to talk about. Him and Shawn Carboy (Nike SB designer) were keeping schtum, not saying a word about what was going to go down for the worldwide presentation of Koston 2. Though little by little they revealed snippets. They all breathe the originality and the creativity of the rider himself, who looks for the humorous side in everything that he does, following a philosophy of life where the light is not at odds with accuracy. The first part of this launch starred other riders like Sean Malto and Cory Kennedy, who, with videos and interviews, explain their relation with Eric. The second part has been presented with a lot of godfathers in an amusing video where skate, golf, and art personalities talk about Eric’s achievements as a result of a rumor that says that he has performed a ledge trick. Directed by Jon Humphries with the music of Ottis Redding, it enhances the stellar shows of skaters Sean Malto, IshodWair, Justin Brock, Paul Rodriguez, Wieger Van Wageningen, and Alex Olson, the Trasher Magazine editor Jake Phelps, the golfer Tiger Woods, the artist Neckface, and the Olympic medalist Alyson Felix, among others. A full parade of emotions and feelings are expressed from the industry in regards to Koston who has created a legend with his progressive way of skating and a style which holds improvement as its motto. Because to become the Michael Jordan of the skateboarding world it’s necessary, as in basketball, to be constant and brave - plus to have enough creativity to build your own universe around the skateboard and your own style. Areas that Koston exceeded in with much effort; technique was part of his DNA. These technics is the same that he applied to the new Koston 2, an improved version of Koston 1, with a clean design, one panel structure standing out, a greater elasticity, with the original Lunar cushioning of the sole (DropInlunarlon), lateral perforations for a better ventilation, and reinforcements in the structure. As he told us “a good shoe is one that adapts like a glove, it’s important that the foot rests on the correct areas. To do better tricks you have to have the control and not to think of your feet while you are skating, if you do this there is a problem”.
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ph Dupuis & Martins www.dupuisandmartins.com location phillipines club. www.grupoandilana.com
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Accidental Identity MIKE BRODIE mikebrodie.net
© Mike Brodie
tX Inés Troytiño
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Š Mike Brodie
Š Mike Brodie
Seamos un niño, un niño que se pierde y da igual donde sea; en un bosque, en su casa o en sus sueños, se pierde. Le gusta perderse, siempre ha estado ahí, ni se ha encontrado ni se ha echado de menos, ha estado y punto. Pensemos en maneras de perderse, perderse con un tren, entre las sábanas o perderse en los deseos. Perderse en Florida, en Miami, en Alabama. Perderse en los EEUU. Y, una vez pensado todo esto, parece que siempre llega ese dichoso momento en el que hay algo que nos lleva y no nos deja decidir, pero ¿Y si nos da igual? ¿Y si simplemente todos somos niños que buscamos rebeldía? ¿Y si el camino habitual no es la decisión más adecuada? ¿Y si no nos conformamos con ser personas precocinadas para saber igual que los demás con unos minutos de microondas? ¿Y si es la pérdida la que nos controla a nosotros en lugar de controlarnos nosotros de nuestra propia pérdida? Tal vez exista una búsqueda o deseo de perdernos, de desampararnos a tal nivel que nos sintamos obligados a plantearnos de nuevo qué rumbo debemos tomar, si somos nosotros quiénes debemos cogerlo o si es el destino o la propia historia de nuestras vidas la que decide por nosotros. ¿Y si simplemente tenemos fe en encontrar aquello que merma en nosotros? ¿Y qué? ¿Qué pasa si tenemos esperanza en encontrar algo que no sabemos aún lo que es pero que, sin embargo, conocemos la sensación que nos produce al reencontrarnos con ello? Entonces ¿qué? Mike se equivocó de tren, de rumbo; hasta que el propio tren y el propio rumbo fueron quienes cogieron las riendas de su vida. Predestinado a salir de su casa a los diecisiete años con lo justo y pillar la Polaroid que le había regalado su colega. Predestinado a vivir ciertas cosas que ni él mismo hubiera imaginado. Predestinado a encontrarse con personas inesperadas, con lo que para él era su hogar, ahora sería un país desconocido y, por último, predestinado a vivir su propia búsqueda de identidad, la búsqueda de identidad de los demás y fotografiarlo todo. Predestinado a volver a Oakland con un BAUM bajo el brazo y predestinado a mantenerse al margen de los demás para seguir perdiéndose, al margen de su fama, dentro de sus sueños. Como un niño, jugando con los trenes. Enseñando una vida normal dentro de la de un fotógrafo reconocido pero ¿es posible volver a aquello después de causar tantísimo revuelo? Let’s be a child, a child who gets lost and no matter where; in a forest, at his home or in his dreams, he gets lost. He likes getting lost, he always has been there, he hasn’t found himself nor has missed himself, he has been, period. Let’s think of ways to get lost, get lost with a train, between the sheets or get lost in desires. Get lost in Florida, in Miami, in Alabama... Get lost in the U.S. And, once you’ve thought of all this, it seems thatthe moment when there is something that takes us and doesn’t let us decide, always come, but what if we don’t care? What if we are all just children who seek rebellion? What if the usual way is not the rightest decision? What if we are not satisfied with being precooked people and taste like the others after a few microwave minutes? What if it’s our loss that controls us rather than we control our loss? Perhaps there is a quest or desire to get lost, toforsake ourselves to such a level that we feel compelled to rethink what direction we should take, if we are the ones who must choose it or if the destination or the history of our lives decides for us. What if we just have faith in finding something that decrease inside of us? So what? What if we hope to find somethingthat westill don’t knowwhatis,but that, however, we know the feeling we have to rediscover it? So what? Mike took the wrong train, the wrong path, until the train and the path themselves took the reins of his life. He was predestined to leave home at seventeen with nothing and catch the Polaroid that his pal had given him as a present. He was fated to live certain things that he couldn’t even imagine. He was predestined to meet unexpected people and predestined to meet the place that once was his home, now converted in an unknown country, and finally, he was destined to live his own search for identity, the others’ search for identity and shoot photos of everything. Predestined to come back to Oakland with a BAUM under his arm and predestined to stay out of the others to keep getting lost, outside of his fame, inside of his dreams. Like a child playing with trains. Showing a normal life within a recognized photographer, but is it possible to return to that after causing so much excitement? tX Inés Troytiño
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Š Mike Brodie
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© Mike Brodie
Mike Brodie, ¿una persona curiosa o un fotógrafo accidental?
de una realidad extraña, en términos de un país estereotipado por los medios.
Curiosa.
Bien dicho, supongo que las fotografías y la historia recogida en mi libro de verdad representa una realidad externa, que solo existe cuando estás borracho, y de repente se te pasa el ciego y piensas: “un momento, ¡no puedo vivir así!”.
¿Cuánto afecta el azar a la construcción de tu vida? Según he leído, la vida en tren y los viajeros por América te inspiraron hasta tal punto de que, en lugar de acabar tu viaje en Mobile, Alabama, cogiste uno hacia Jacksonville. ¿Cuál fue la revelación?
No estoy seguro, no creo en la mala suerte, por lo tanto tampoco puedo creer en el azar. Todo lo que ocurre es porque subconscientemente tú has hecho que pase. No tuve ninguna revelación, me subí en el primer tren que pasó, iba hacia el este. Si hubiera ido hacia el oeste, también me hubiera subido. Solo en el último mes, han muerto tres personas que viajaban hacia Mobile, muy triste. Polaroids de 35mm y motores diesel. ¿Tu interés por lo analógico en tiempos en los que la vida toma sentido digital nos muestran tu preocupación por conocer lo que somos a través de cómo hemos sido y cómo empezamos a ser así?
Claro, a todo el mundo le gusta lo analógico pero no tenemos más opción que aceptar las nuevas tecnologías en nuestra vida y usarlas para sacar el máximo provecho de ellas. Incluso actualmente los motores diesel son de alta tecnología, no tienen nada que ver con los de los 90s. Los microprocesadores controlan el mecanismo y hacen que funcione mejor. El hecho de que hayas viajado en tren a través de los Estados Unidos revela una búsqueda, la persecución
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En tu trabajo podemos deducir un poco de historia. La identidad de los Estados Unidos y su auge ha dependido mucho de la comunicación de sus estados vía tren y coche. ¿Has querido reflejar con tu fotografía que América, después de tantas crisis y especialmente después del 11S, busca de nuevo reencontrarse con esa identidad?
Sí, por supuesto. América necesita una nueva identidad, porque ahora mismo está perdida. ¿Quiénes somos? ¿Quién soy yo? Muchas veces ni lo sé, ni quién soy o en qué creo. Me cuesta llegar a una cultura que es mía. ¡Vamos a traer a América de vuelta! ¡Wooo! Hace poco vi la zona cero por primera vez. Es algo que nadie olvidaría. Desde la equivocación de destino en Pensacola, Florida, al Polaroid Kidd. ¿Qué te hace querer explicar todo lo que has visto y fotografiado de forma analógica mediante algo tan digital como Internet?
Se trata de lo que sé. No sabía cómo revelar en un cuarto oscuro, pero he aprendido a usar Internet. Me hice una web para compartir imágenes con gente de todo el mundo. Internet ayuda en ese proceso. Si viviéramos en los 80s no podría compartir mis fotos de la misma forma y que fueran reconocidas, eso me llevaría años.
© Mike Brodie
La humanidad y la máquina. Construimos máquinas y las usamos para alcanzar nuestros objetivos, personales o en comunidad. En tu caso, como muchos otros, es la máquina quién te ha usado. ¿Piensas que lo ha hecho con algún tipo de objetivo?
¿La cámara? Sí, me gusta mucho tu pregunta. Usé una cámara como la máquina para conseguir mis objetivos. Aunque en realidad no tenía objetivos, era más bien una visión, y fui a por ello. Finalmente se manifestó. Llámame loco.
America necesita una nueva identidad porque ahora está perdida.
Es extraña tu decisión de escapar del mundo viajando a pesar de la fama (merecida!) que te proporcionó el premio BAUM como mejor fotógrafo revelación. ¿Pánico, escape o valores diferentes? ¿Qué nos puedes decir de esto?
Tenía que crecer. No quiero saltar a un vagón de tren con un montón de artistas hambrientos y músicos. Prefiero convertirme en un mecánico hambriento (risas). ¡Escape! Para acabar, ¿es verdad lo que dice la gente por ahí de que no vas a seguir haciendo fotos y que vas a encerrarte en tu garaje de Oakland para alejarte de la fama?
Le sigo el ritmo a la fama, estoy contestando a tus preguntas ¿no? Desgraciadamente, sigo en ello porque en lo único que pienso es en conseguir un trabajo. ¿Qué significa para ti la palabra Intenso?
Es lo que hace la gente cuando va de camping. Nunca dormí en una tienda cuando viajé en tren.
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Mike Brodie, a curious person or an accidental photographer?
Curious. How far do you think “chance” affects to the construction of our life? From what I have read, train life and American travelers started to inspire you when, instead of ending up in Mobile, AL. you took a train to Jacksonville. What was the revelation?
Not sure, I don’t really believe in “bad luck” so I guess I can’t believe in chance. I believe what goes around comes around so when something coincidental happens it’s because you subconsciously made it happen. I had no revelation, the first train the came was an east bound, so I hopped on. If it was a westbound to Mobile I would have got on that. 3 train riders died last month in Mobile, very sad. 35mm Polaroid and diesel engines. Your interest for analogical in times where life begins to take digital sense show your concern for knowing what we are by knowing what we were and how we started to be like this. Is this true?
America does need a new identity, because right now it’s lost. Mankind and the machine. We build machines and use them to reach our aims, either personals or community. In your case, as many others, was the machine which used you. Do you think that it did it with some kind of goal?
Sure, everyone loves analog but we have no choice but to embrace technology and use it to our advantage. Even the diesel engine is high tech now, since the 90s. Microprocessors manage the engine and make it run better.
The camera machine? Yeah, I really like your question. I used a camera machine to reach my aims. I had no goal I just had a vision and I went for it and it manifested itself eventually. Call me crazy.
The fact you travelled by train through the US describes a search; the pursuit of a foreign reality in terms of a country stereotyped by the media.
It’s really strange your decision of escaping to the world of travelling and to the engine world from a known (and deserved )fame with a BAUM to the best revelation photographer. ¿Panic, escape or different values? What can you tell us from all that?
Well said, I suppose the book really does represent a foreign reality, a reality that exists only when your drunk, then you sober up and your like, “wait, I can’t live like this!!” hahah. In your work we can deduce a spark of history. The identity of the USA and its rise has depended, in a very close way, on the communication of its states by railway and car. Have you wanted to reflect with your photography that America that, after lots of crisis and especially after 11S seeks to meet again with that identity?
Yes! For sure. America does need a new identity, because right now it’s lost. Who are we? Who am I? I don’t even know sometimes, who I am or what I believe, I’m struggling to grab hold of something, a culture that is mine, something to believe. Let’s bring America back! Wooo!!! I just saw ground zero for the first time, wow. Nobody will ever forget that. From the direction mistake from Pensacola, FL. to the Polaroid Kidd. What made you want to explain everything what you had seen and analogically photographed, with something totally digital like WWW?
It’s what I knew, I didn’t know how to use a darkroom, but I had taught myself how to use the Internet. So I made a website and could share the images with people all over the world, the Internet expedited the process, if it was the 80’s the photos would still become just as recognized it would have just taken many more years.
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Gotta grow up. I don’t want to jump on the band wagon with all the other starving artists and musicians. I’ d rather be a starving mechanic, hahahah! Escape. Finally, is it true what people are telling around about you not taking pictures anymore and going on with your garage in Oakland keeping away from fame?
I keep up with the fame, I mean I’m answering these questions right? Unfortunately I’m rushing through it because all I can think about is getting a job. And I need to rush up town to troubleshoot homebody’s Volvo that wont start. What’s the full meaning of the word INTENSE for you?
AIt’s what people do when they go camping. I never slept in a tent when I rode the rails.
MIKE BRODIE, A Period of Juvenile Prosperity published by Twin Palms Publishers. www.twinpalms.com
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Š Mike Brodie
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tX Lorena Pedre
So intense as the reality DAN WITZ www.danwitz.com
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Dan Witz es uno de los pioneros del street art. Comenzó su carrera a finales de los 70 con artistas tan míticos como Basquiat o Haring, pero él nunca ha abandonado la calle. Es lo que le apasiona, el medio que le da la dosis de adrenalina, descontrol y desafío que su arte necesita. Pero no es el único, porque la pintura también le aporta la acción y el desenfreno que Dan tanto ama, y sobre todo cuando su trabajo se desarrolla en grandes lienzos, como sucede en Mosh Pits. Una serie que ha desarrollado durante más de diez años en la que retrata, como su nombre indica, este baile-ritual típico de conciertos punk y hardcore, pero desde la experiencia. El resultado son óleos figurativos hiperrealistas tratados con tanta maestría que logran transmitir toda la presión, el dolor y el gozo de las etapas del mosh con una intensidad sorprendentemente real.
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Dan Witz is one of the pioneers of street art. He began his career in the late ‘70s with such legendary artists as Basquiat or Haring, but he has never left the street. It is his passion, the means that gives him the dose of adrenaline, chaos and challenge that his art needs. But all that is not the only thing, because the painting also brings the action and debauchery that Dan loves so much, especially when hiswork is done on large canvases, as in Mosh Pits. A series that he has developed over more than ten years, in which he portrays, as the name suggests, this ritual-dance typical from punk and hardcore concerts, but from experience. The result is ultra-realistic figurative oil paintings treated with such mastery that manage to transmit all the pressure, pain and joy of mosh stage with amazingly realistic intensity.
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Eres el único artista callejero de finales de los 70 que nunca ha abandonado la calle, ¿qué es lo que no te deja marcharte?
Si me hubieras preguntado hace treinta años si pensaba que a los 55 seguiría haciendo street art, probablemente me hubiera reído de ti. Para la mayoría de artistas que empezaron con Basquiat, Haring y demás grafiteros de la época, el street art era una fase rebelde que atravesaron en su camino hacia otras cosas, y yo, honestamente, también asumí que así era como debía de ser. Quiero decir, es una transición bastante estándar en el desarrollo de nuestra carrera. No es sólo que el graffity y el street art sean tradicionalmente una técnica utilizada por personas jóvenes, también es un trabajo duro, peligroso y, hoy en día, bastante competitivo. Si no es la policía u otra gente desagradable la que te persigue o molesta, o si la baja o nula compensación no consiguen que te vengas abajo, entonces siempre está ahí la triste realidad de que tu trabajo es increíblemente vulnerable, instantáneamente perecedero. Sin embargo, es un medio fértil en muchos sentidos. No es necesario un estudio, uno no tiene que ser encantador o conocer a la gente adecuada para trabajar. Sinceramente creo que ésa es la verdadera razón por la que todavía hago street art, simplemente porque me gusta. Así que sí, dentro de diez años probablemente estaré todavía en la calle. ¿Cuál crees que ha sido el mayor cambio del street art desde que comenzaste hasta ahora?
Para mí es extraño y a la vez totalmente comprensible cómo se explotó el arte en todo el mundo. Me recuerdo
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claramente, allá por los 80’s-90’s, reflexionando sobre por qué no había más gente interesada. Y ahora pienso: está tan fuera de control, es tan interesante y casi siempre la energía es tan positiva, que estoy sorprendido. En cuanto a aquellos que se dedican hoy en día al street art, supongo que hay una multitud de paso, como siempre, pero creo que también hay un grupo sano de artistas que están sinceramente interesados en desarrollar un auténtico estilo de arte para la gente de la calle. ¿Cómo ha influido evitar a la policía en tu trabajo?
La gentrificación y el consiguiente aumento de la presencia policial en la ciudad de Nueva York ha sido probablemente la influencia más importante en mi trabajo. Cada año, como el valor inmobiliario sube y la policía es más agresiva, tengo que ajustar mis estrategias de instalación y pasar menos tiempo expuesto. Esto me hace pensar en nuevas fórmulas. Es un gran reto que me ha mantenido evolucionando e innovando año tras año. A finales de los 70’s solía pasar dos o tres horas sentado fuera pintando en un solo lugar. Los policías se enrollaban y hablábamos y, por lo general, me dejaban terminar lo que estaba haciendo. Hoy, con este clima de obstrucción, para evitar la detención y el encarcelamiento, no puedo ser visto ni siquiera pegando algo en la pared, así que trato de estar expuesto durante el menor tiempo posible, normalmente me lleva sólo unos segundos. Esta necesidad de velocidad me ha obligado a desarrollar nuevas técnicas e irónicamente me ha permitido llevar a cabo mucho más trabajo que antes. Si la policía me hubiera dejado tranquilo, probablemente me hubiera aburrido y lo hubiera dejado hace años.
Si la policía “ me hubiera dejado tranquilo, probablemente me hubiera aburrido y lo hubiera dejado hace años
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Calle vs galerías. ¿Pros y contras?
Casi todos los artistas que admiro han permanecido activos en otros medios además de la pintura. Rembrandt y Goya hicieron grabados, Degas hizo pintura al pastel y esculturas, Warhol hizo películas, y la lista sigue y sigue. En mi proceso de street art estoy tan obsesivamente involucrado con lo que estoy haciendo que al final del verano siento literalmente náuseas por este tipo de trabajo. Añoro los días tranquilos en el estudio, escuchando música y pensando en lo que voy comer a mediodía. Pero después de estar en casa pintando en el caballete durante un mes más o menos, la dificultad de hacer pinturas me empieza a cansar y me muero de ganas de sentir la gratificación instantánea del street art. Me gustaría decir que los dos enfoques me equilibran, pero se puede ver que no lo hacen. ¿Cuándo se te ocurrió pintar Mosh Pits?
Muchos de mis temas provienen de mis primeras experiencias viviendo en el centro de Nueva York y de tocar en bandas de art-punk. Los Mosh Pits definitivamente surgen de ahí y de un interés de toda la vida por las formas de las pinturas barrocas, cómo sorprendentemente en una composición plana de formas y colores se puede evocar tanto ruido y caos, incluso peligro. ¿Cómo has reflejado esa experiencia como miembro de bandas art-punk en Mosh Pits?
Al igual que muchos estudiantes de arte de la época, yo estaba buscando algo más inmediato y relevante para mi vida que colgar mis cuadros en la pared de una galería. En aquel entonces, el talento musical mediocre se percibía como “refrescante” u “honesto”, por lo que lo hice bastante bien. Sin embargo mi corta carrera como músico estaba llegando a su fin, y era consciente de que iba a echar mucho de menos la intensidad física de cada actuación al dedicarme por completo al mundo del arte. Por suerte, durante mis visitas a museos empecé a descubrir que la pintura en realidad tenía muchísimo potencial para descargar la intensidad y la adrenalina que tanto ansiaba, especialmente la épica manierista o las piezas multi-figura barrocas. La acción, sobre todo en las piezas de gran tamaño, puede ser vertiginosa, a veces incluso puede mantener una especie de caos punk rock y una catarsis. Mis favoritas eran las enormes composiciones de Cecil B. DeMille que hacían que todo el mundo estuviese a punto de volverse loco: la
inclinación era llevada hasta su punto máximo, la bola se estremecía en lo más alto y se preparaba para destruir todo el espectáculo provocando un hermoso caos. Como de costumbre, utilizas pintura figurativa hiperrealista en esta serie, ¿cuáles son tus referentes y cómo consigues trabajarla con tanta maestría?
Como muchos artistas yo oscilo libremente a lo largo de la historia del arte, cogiendo lo que necesito para el proyecto en el que estoy involucrado en ese momento. Últimamente me he sentido muy atraído por los pintores flamencos del siglo XV, sus egos sosegados hacen que cuando te acercas a sus cuadros tu primer pensamiento sea acerca de la imagen, la imagen y la narrativa, no sobre quién la pintó. Por un lado todo mi trabajo a lo largo de los años se ha basado en la exploración de lo que la pintura realista puede hacer y que ningún otro medio visual ha conseguido, es decir, lo que es intrínsecamente único en esta forma de pintura. En el pasado he utilizado mis habilidades de representación para crear la ilusión de la luz y el espacio y el movimiento, y todavía trabajo en ello, pero hoy en día me ocupo sobre todo de “La Presencia”, el momento en el que te colocas delante de una obra, dejas tu escepticismo a un lado y te entregas al universo de la pintura. Esto es lo que siempre me ha emocionado de contemplar arte, ese instante en el que sales de tu cuerpo y bajas por la madriguera del artista hacia lugares desconocidos. La luz es muy importante en tus pinturas, es otro personaje más, ¿cómo la utilizas en Mosh Pits?
Desde que creé la serie de altares en conmemoración a las víctimas del 11 de Septiembre en el World Trade Center empecé a interesarme por las diferentes técnicas de los antiguos maestros que pintaban la luz. Fue increíble para mí descubrir cómo ellos no simulaban la luz en sus pinturas, sino que la creaban. Sus lienzos resultan, pues, tan resplandecientes que algunos incluso parecen que producen luz. En las antiguas pinturas occidentales de temática religiosa esta manifestación suele ser la metáfora de la revelación espiritual. Yo quise utilizar dicha metáfora, pero suplantando esa piedad por la ansiedad que me produce el siglo XXI. ¿Te veremos pronto por Barcelona?
Nunca se sabe. 49
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You’re the only graffiti artist from the late 70s who has never left the street, what is the reason for this?
If you’d asked me thirty years ago if I thought that I’d still be doing street art at the age of 55 , I probably would have laughed at you. For most of the artists I started out with (Basquiat, Haring, et al) street art was a rebellious phase they went through on their way to other things, which, honestly, was how I assumed I’d proceed. I mean it’s a pretty standard career transition. It’s not just that graffiti and street art are traditionally a younger person’s game, but also it’s hard work, it’s dangerous, and these days it’s competitive. And if it’s not the cops or other bad guys chasing you that bothers you, or the low to no compensation getting you down, then there’s always the sad reality that your work is so damned vulnerable; it’s so instantly perishable. Also, it’s a fertile medium in so many ways. You don’t need a studio and you don’t have to be charming or know the right people to get your work out. Honestly, I think the real reason why I’m still doing street art is simply because I enjoy it. So yeah, ten years from now, I’ll probably still be at it. What do you think has been the biggest change in street art since you started?
To me it’s both bizarre and totally understandable how it’s exploded into a worldwide art movement. I distinctly remember back in the 80’s and 90’s wondering why more people hadn’t gotten into it. Now though, I mean, it’s so out of control and so passionate, and for the most part the energy is so positive - I’m amazed. As for the people who are doing street art now, I suppose there’s a bandwagon crowd, the usual thing, but there seems to be a healthy group of artists who are sincerely interested in developing a bona-fide art-form for the public commons. How has your work been affected by the fact that you are obliged to avoid the police?
Gentrification and the subsequent increase in police presence in New York city has probably been the single most important influence on my work. Every year, as real estate values climb and the police get more aggressive, I have to adjust my installation strategies so I spend less time exposed, which gets me thinking in new ways. So it’s the challenge that’s kept me evolving and innovating. In the late 70’s I used to spend 2-3 hours sitting outside painting in one spot. The cops would roll up and we’d have a conversation and they’d usually let me finish what I was doing. These days in this locked down climate, to avoid arrest and incarceration, I absolutely cannot be seen hitting a wall so I try to be exposed for the shortest amount of time possible—usually for just a few seconds. This need for speed has forced me to develop new techniques and—I love the irony here—enabled me to produce much more work than before. I probably would have gotten bored and quit years ago if the authorities had left me alone. Street vs. gallery. Pros and cons?
Pretty much all the artists I admire were active in other mediums besides painting. Rembrandt and Goya did etchings; Degas did pastels and sculpture; Warhol did films; the list goes on and on. With my street art process I get so obsessively involved with whatever I’m doing that by the end of the summer I’m literally nauseated by it. I long for quiet days in the studio, listening to music, and wondering what I’m going to have for lunch. But after being home at the easel for a month or so the difficulty of making paintings begins to wear me down and I start missing the instant gratification of street art. I’d like to say the two approaches balance me out but you can see they don’t.
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When did it occur to you to paint Mosh Pits?
A lot of my themes come from my early experiences living in downtown NYC and playing in art-punk bands. The group figure paintings definitely come out of that and a lifelong interest in baroque forms – how astonishing it is that a flat composition of shapes and colors can evoke such noise and chaos, and even danger. Light is very important in your paintings, it is almost another character, how do you use it in Mosh Pits?
From the post 9/11 street art series of World Trade Center shrines I’d become interested in different old master techniques used to paint light. It was amazing to me how they could not just simulate light in paintings, but actually create it. Their canvasses glow, some even seem to produce light. In older western religious painting, this light made manifest is usually a metaphor for spiritual revelation. I want to use this but to supplant the piety with my own 21st century anxiety. As usual, you use hyper figurative painting in this series, what are your referents and how do you work it so masterfully?
Like many artists I range freely through the history of art, taking what I need for whatever project I’m currently involved in. Lately I’ve been very interested in the 15th century flemish painters, their quiet egos, and how when approaching their pictures your first thought is about the picture, the image, and narrative, not who painted it. On one level all my work over the years has been about exploring what realist painting can do that no other visual media can and finding out what’s intrinsically unique about this way of painting. In the past I’ve used my representational skills to create the illusion of light and space and movement, which I’m still into, but these days it’s mostly about The Presence— that moment when you’re there and you suspend disbelief and surrender yourself to the universe of the painting. This is what has always excited me about looking at art; that crazy moment when you leave your body and go down the artist’s rabbit hole to places unknown. How is your experience as a musician in post-punk bands in the New York scene of the 80’s reflected in Mosh Pits?
Like many art students at that time I was searching for something more immediate and relevant to my life than paintings on a gallery wall. Back then poor musicianship was seen as ‘refreshing’ or ‘honest’ so I did pretty well. But as my brief career as a musician was coming to a close I knew that the physical intensity of performing was something I would really miss when I went back to making art full time. Luckily I began to discover, in my museum wanderings and especially in the epic mannerist or baroque multi-figure pieces, that painting actually had plenty of potential for the intensity and adrenalin I craved. The action, especially in the large set pieces, can be dizzying. Sometimes it even manages to sustain a kind of almost punk rock chaos and catharsis. My favorites were the massive Cecil B. Demille compositions with everyone on the verge of really cutting loose: the bow is drawn to its quivering maximum, the (compositional) wrecking ball is teetering at its high point about to plunge the whole show back into beautiful mayhem. We’ll see you soon in Barcelona?
You never know.
the police had left me alone, “ IfI probably would have bored and would have left years ago �
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Vivir la vida intensamente
por
Miguel Trillo
Es vivir en la intensidad, convertir la energía en creación y en ricuras. Es no dejar escapar la alegría por nada del tiempo, que ya vendrá a peor. Es mezclar la realidad con la ficción, porque todo es asumible y aprovechable. El cuerpo entero nos pertenece, desde el sencillo parpadeo al pensamiento más complejo. Por eso hay quienes viven la piel a sus dos velocidades y con conocimiento de causa. Sus apariencias no engañan. Al no haber diseñadores para la vida interior (el cerebro está demasiado adentro y encima a oscuras) todo queda afortunadamente a la vista. Para ser convertido en un diario visual. Y la cámara fotográfica, que nació como una prótesis de la mirada, se ha convertido en el chupete favorito de los ojos. Está ya en todos lados y nos la llevamos a la cara como si fuera otra forma de besar, otra forma de sentir la vida en su inmensidad, o sea, en su intensidad. Miguel Trillo fue uno de los artistas invitados a la acción Get Dirty Sessions de Converse, donde ha expuesto, junto a otras, estas tres fotografías que pertenecen a la movida madrileña de los 80.
Living life intensely
by
Miguel Trillo
It’s living intensely; converting energy into creation or lavishness. It’s not letting happiness escape for anything weather oriented, which will eventually get worse. It’s mixing reality with fiction because everything is affordable and usable. Our entire bodies belong to us: from the simple batting of the eyes, down to the most complex of thoughts. This is why there are those who love their skin at both speeds and with the knowledge of the cause (I don’t know what this means?‘both speeds’? and what cause?. Their appearances don’t lie. There are no designers for the inner self (the brain is far too deep and totally in the dark). Everything, unfortunately, is on show for all to see, to be converted into a visual diary. The photographic camera, which was born to serve as prosthetic sight, has been converted into the eye’s favorite pacifier. The camera is everywhere and we bring it up to our faces as if it were another form of kissing, a different way of feeling life in it’s grandeur, in it’s intensity. Miguel Trujillo, amongst others, was one of the artists invited to the Get Dirty Sessions by Converse where he has exhibited these three photos which cover the madrileña movement from the 80’s.
SILENT THOUGHTS TX Sami Seppala PH ‘Antagonism’ Dara Scully (http://cargocollective.com/darascully)
We get in the car and drive down to the park in an unreal abstract mood. Get out of the carinto the evening freeze. Ricardo Paterno and Zev van Sluysdam greet us. There are a few people about who know about the news already. The word travels fast in the time of social media.
// Lewis Kristian Marnell was born in Melbourne, Australia, in 1982. He passed away on January 18th 2013. Six weeks after his 30th birthday and seven weeks after his wedding.
We walk into the park. There is no point explaining the situation. Shake some hands and get on with it. And try to get a moment of space and a deep breath before hitting the wall of screaming kids, autograph hunters, skatepark personnel. Adoring crowd inspecting and judging your every move. Your skating, your body language, your behavior.
At that moment some of his team mates and skateboarding family were touring in freezing North Europe.
Public is still hyped. But knowing the level that Youness and Willow and Haslam normally skate, we are nothing but confused bodies rolling around. Sometimes retreating to the back room for a tear, for a beer, or just a moment of space. Home country hero Willow signs a thousand autographs. Somehow you sensesomber, confused news spreading through the audience.
This is the first hand account of what went down during some of the most intense weeks of our skate lives. // The news hit us like a bomb!Outside the snow is falling. Temperature has dropped below zero.We are hovering somewhere above North Germany. Paralyzed in an empty hotel in a small remote snow covered town. A few kilometers away nearly a thousand screaming kids are waiting for us in an indoor skate park with their parents. Telephone rings. Unsuspecting hyped up skatepark owneris calling. “Hey! Where are you? The place is packed” I don’t know what to say.The words get stuck in my throat. I mumble something in the way of “There has been bad news…I don’t know if…” “OK. Don’t take too long. The place is going mad. I have never seen so many people here.” Well they are not going to leave even if we take a few moments. Luis has brought the news. Quietly. Dumbfounded: “it’s gonna be a tough demo, if there is gonna be a demo at all. Lewis has passed away.” What? Lewis Marnell - insulin dependent Type 1 diabetic - has died of a massive hypoglycaemic reaction. His wife of seven weeks – Nami – has found him dead in their home in Australia. I remember how lovingly Lewis spoke of her. Just a few months ago in the sunshine of California. Now his body would grow cold.
In this moment and the coming days, everybody showtheir true character. Hardly ever seen a team, group of people, growing so close. Family of big hearts. Big soul. Willow and Halsam are solid humble soldiers. Youness has the biggest heart. Luis, originally from Puerto Rico, shows a lot of emotion. Keeps everything in control. His life has just been split into three different dimensions: family in California, Lewis in Australia, and we here in the freeze. Our photographer and driver Gentch is calm dynamite. Ricardo helps us out for the coming days. Zyk is the right calm man to have behind the camera. German flow rider Tom is the quiet outsider, smoking a cigarette after a cigarette. It’s the strangest situation we have been thrown into. What makes the trip nearly unbearable is the demo commitments and the contrast that lies between our sorrow and the excitement of people attending the demos. There is a strange somber, yet ecstatic atmosphere awaiting us in each of the halls. No one would ever insist on riders skating the demos. Yet we do. It is like an unspoken commitment not to let the people down, not to let the team down, and not to let Lewis down. Lewis started to skate at the age of ten in Sweden. His mom Janet was Australian. His dad Jan was a Swede. He travelled a lot between the two countries. From an early age it was clear he would choose his own path. In Holland we get pressure to kick the things off as the snowstorm is gathering pace. The amateurism is a blessing and a curse of the skate business.Especially in Europe. The fact that you have to warm up after you have been driving across a snowstorm for three hours to get there is ignored. Blown fuse means no heat in the rider room. Freezing building, crisps, pizza.
Paralyzed. I lay on the bed. Thinking that his body doesn’t live. And the phone rings again. The world doesn’t stop.
We’ve had to park our car a block away from the entrance. In a snowstorm. Fuse is starting to burn.
I walk to another room where the team has gathered.
It’s showtime. Haslam is the warrior. He gets the pumped up crowd going.
Haslam, Youness, Willow, Luis, Tom, Gentschsit in dumbfounded silence. One of us is down. On the other side of the world. There are no answers. Only questions. Some tears. Hugs. It doesn’t sink in.
It’s all a blur. Lewis was well into his studies in Rastafarianism. I wonder what he would have made of it all. We finally get to a hotel in Rotterdam that serves as an oasis.
We are supposed to do the biggest demo north Germany has seen for some time. No one is going to ask anyone to skate. But somehow, though no one says it, we feel Lewis would have wanted us to skate. Set the night alive. Not to let the kids or the parents down.
After masses of strangers it is nice to see familiar faces, be amongst friends. No words are needed. Youness’s brother and the whole gang rock up from Belgium. Marcel lives around the corner. Tim rolls a joint size of a baseball bat.I down a bottle of red and smoke a small one in the bath just to knock myself out.
Tom has fallen asleep. I’m floating in my thoughts. There are no doors to the bathrooms in this hotel. On tour you can forget your own life completely. Especially when managing it all. There is no privacy. It’s all on your face. There is no break. Internal pressure grows. Future dates, cars, calendar, logistics have to be figured out.The world doesn’t stop. Every moment creates a new question. You deal with it. xxx We walk around the Belgian town of Gent. It feels like in“In Bruges”, the movie. As surreal and dream like. The winter sun reflects from the canal. Belgium, Youness’s home. It’s been tough for the young man. He is showing what a strong brave man he is. Jacques Doetsch is one of the biggest hearted distributors and people I know. It’s the best place to come to finish the continental leg of the tour. We are edging closer to home.
Lewis was an original thinker. A true man whose flow, good spirit and aura shall not vanish.
Holland and Belgium pass in a blur. The death. Young people dealing with death. The last demo is painful. Youness does his ankle. Haslam hits his back in a silly collision with a kid. Surely it is all over. Please get us out of here! Willow kills it. The night is long and heavy. We are about to hit London and the spirit. This is how far we have been able to push it. Youness is at home and broken. We leave him here to rest and recover. Willow takes a train back to his young family. Gentsch and Tom turn the tour van back to Germany. Luis and Haslam join myself to London to catch a flight back to the States. Coming to west London seems like a fitting place to finish the trip. Lewis spent a lot of time in these London quarters of Portobello. Nobody has nothing but warm memories and good things to say of the man. He has spread his aura far and deep. Impressing everyone on the way. We cancel the pro demo, instead we are gonna have an Almost jam.As we open the gates for people to skate free, hundreds of excited kids rush in. Life goes on. In a freezing temperature Nai Sukanant lands switch hardflip down the big five and wins Almost boards for a year. We drink beer. I shout nonsense at the mic with Ben Powell. Life goes on. We sit on a last night dinner. “What the fuck just happened?” I see Luis and Haslam off. That night there is a concert of my dear friend. There it all hits me hard. Intense pressure of the last week is bubbling to the surface. It all comes out on the local bus on the way home. I break down. And cry. // The effect of a living loving person goes way beyond our understanding and estimation What is left of us? The energy? The world we were part of. Direct or indirect. The world and interaction. Our deeds. Lewis was an original thinker. A true man whose flow, good spirit and aura shall not vanish. // 61
DAEWON. SONG. tX Erika Leiva
determination & responsability Esa visión de dos caminos, uno a la derecha y otro a la izquierda, separados por una eternidad en el medio que los hace diametralmente diferentes; se planta ante nuestros ojos atónitos al menos una vez en la vida. En la Daewon Song ha ocurrido unas cuantas veces, pero sobretodo hubo un momento, un punto de inflexión antes del siguiente movimiento de la balanza. Y su decisión fue la acertada. Eligió volver a patinar. A partir de ahí el resto de aciertos fueron consecuencia del primero. En estos momentos está en Brasil, participando en los XGames. En un número dedicado a la intensidad, Daewon Song, fundador junto a Rodney Mullen de Almost, es padre espiritual para nosotros, los pecadores. Lo que no te mata te hace más fuerte y a DaewonSong le hizo fuerte la intensidad de una infancia difícil con una madre estricta, la separación de sus padres, su contacto demasiado cercano con bandas callejeras en su barrio y varios acontecimientos más para los que nunca se estápreparado, todo ello hizo que la configuración de su disco duro pasara por un momento decisivo: O la banda, los coches y las chicas o volver a patinar. Rodney Mullen, su apoyo indispensable en ese momento, le ayudó a decidir: lo cogió por las orejas y le dio la respuesta. Volvió a patinar y el skateboarding, tal como él explica, se convirtió en el balance de su vida y su motivación. Tiene 38 años y sus hazañas sobre el patín son de sobras conocidas. Junto a Rodney, es señalado como uno de los padres del Street skate técnico, facultad que surge de su necesidad constante por experimentar siempre cosas nuevas, aplicando a fondo la facultad creativa con la que él relaciona el skate. La misma que aplica en la gestión de sus marcas Almost, Matix y DVS, todas ellas con una dirección de arte cuidada en la que se involucra todo el equipo y un riderteam que está en pleno proceso de cambio. Así transcurre la vida intensa de DaewonSong, subido al patín (y con intención de no bajarse nunca), compartiendo con su familia, viajando a tope y gestionando sus marcas para que sigan creciendo respondiendo al corazón y el empeño que ha puesto en ellas. Cuando le preguntamos qué haría si no patinara nos responde que pescar y comer docenas de donuts (su madre se los prohibía y ahora está enganchado).
A vision of two ways, one on the right and the other on the left, separate by eternity in the middle making it totally opposites and different. We see it once in a lifetime. In Daewon Song´s has occurred several times, but mainly there was a moment, the inflexion point before the next movement in the balance, and his decision was the correct one. He decides to start skating again. From there all the others good decision has follow the first one. In this moment he is at the XGames in Brazil. In and issue dedicated to the intensity, Daewon Song, owner of Almost Skateboards together with Rodney Mullen, is the spiritual dad of us, the sinners. What doesn’t kill you make you stronger and to Daewon Song the intensity makes him stronger. A difficult childhood with a strict mother, his parent divorce, his near contact with his neighborhood street gang and others situations where you are never prepare makes him pass through a decisive moment in his life. The gang, the cars, the babes or skate again. Rodney Mullen his mentor and support at that moment help him decide. He starts riding again and the skateboarding, how he explains become the balance of his life and motivation. He is 38 year old and how he rides under the skate is well known. Together with Rodney, he is pointed as one of the daddies of the street skate technique, faculty that arises from his constant need of experimenting new things, always applying the creative vein related to the skate. The same one that he applies in the management of the brands Almost, Matix and DVS, all guided by a clean art direction in which he involucrate the whole team and the team riders that are in the middle of a change process. So that’s how the intense life of Daewon Song goes, under a skateboard (and with no intention of letting it go), sharing with his family, nonstop traveling and managing his brands with the heart and persistence to make them grow. When we ask him what would he do if he doesn’t skate, he answered fishing and eats dozens of donuts (as his mother prohibit and now he can).
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Magdalena Wosinska. www.magdalenawosinska.com
Magdalena Wosinska www.magdalenawosinska.com
Now OR never tX Antonella Sonza
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Las fotos de Magdalena Wosinska son pura vida. Una especie de catálogo existencial de lo que todos quisiéramos vivir alguna vez. La pura definición de intenso, vivir como si solo existiera el presente, libre, incansable, desnudo, bello. Lo que nos puede parecer una utopía, para esta fotógrafa, polaca de nacimiento, son simples situaciones cotidianas. Rodeada de músicos, modelos y skaters, la particularidad de su trabajo es que ella forma parte de todos esos mundos, no es una simple observadora, es una más. De gira con su propio grupo, en el jardín de su casa de Los Ángeles, en un skatepark, o en una noche de fiesta, su cámara congela su realidad justo en el momento adecuado, cuando la crudeza es más cruda aún. Teniendo una vida así, llevar siempre encima una cámara es casi una obligación. Cuero, cerveza, paisajes increíbles, barbas, tatuajes, guitarras o erotismo son solo unos pocos elementos que verás en sus fotografías. American Way of Life puro y duro. Descubrí la fotografía cuando me di cuenta a los 14 años, de manera inconsciente, de que con ella era capaz de capturar momentos que nunca se volverán a repetir. Eso me fascinó durante mucho tiempo. Definiría mi estilo como libre, independiente, divertido, real y que bebe del presente, del ahora. Vivir en Los Ángeles ha influido en la estética de mi trabajo, por supuesto, ¡me encanta el buen tiempo que tenemos aquí y el sol! Cuando me trasladé a Arizona a principios de los 90s, empecé a patinar y a adentrarme en ese mundo. Siempre he sido un poco masculina. Utilizo fotografía digital solo para encargos de clientes, en mis trabajos personales uso exclusivamente la fotografía analógica. Lo prefiero así porque me tomo el acto de hacer una fotografía de forma más seria. Pago por las fotos, por lo que cada una que saco tiene un valor aún mayor. Parece que todas las personas a la que fotografío tengan una vida muy intensa , pero son únicamente situaciones de las que yo también formo parte. Siempre llevo la cámara encima, siempre, y por eso intento captar estos instantes que gritan “Ahora”. Suelo retratar a mis amigos, aunque muchas veces ellos trabajan de modelos, son músicos, riders, etc. Ellos son la gente con la que suelo viajar, muchas veces les acompaño de gira. Mi trabajo tiene un componente erótico porque creo que la ropa te enmarca en una era temporal, en cambio, la desnudez es atemporal, y sentirse sexy es lo que más confianza da a uno mismo. Trabajar con Converse en su última campaña fue una gran experiencia, son un equipo increíble.
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Siempre están forzando los límites e inyectando locura positiva a las cosas. Además es interesante porque sus campañas no son posadas, son momentos reales. Tengo una gran colección de vinilos, me encanta la música, sobre todo el rock y el metal. Hay muchos grupos que serían una banda sonora fantástica para mis fotografías, pero me quedo con Pink Floyd, encajan con cualquiera de mis estados de ánimo y a cualquier hora del día, lo mismo que Metallica. Yo misma tengo una banda, es mi vida, que a la vez reflejo en mis fotografías, todo se retroalimenta. Ir de gira y tocar música en directo me ha ayudado a forjar mi personalidad, además de formarme como fotógrafa. Mi grupo se llama Green And Wood, si alguien tiene ganas de escuchar unos buenos riffs, que nos busquen en nuestra página web. Lo más imprescindible en mi vida son mis mejores amigos, mi familia, viajar sin parar y una casa limpia. Vivo el presente lo máximo que puedo, no me gusta pensar en el futuro seriamente, pero en diez años me veo haciendo lo mismo aunque con más experiencia y siendo más sabia, e incluso, quizás, formando una familia. Hace poco, la editorial Taschen publicó el libro Erotic Book Part 2, del que formo parte. Voy a exponer en solitario y acabaré de preparar un proyecto más pequeño: la creación de un fanzine. Tengo muchísimas cosas entre manos, pero parecen tan lejanas... Me entretengo tanto haciendo fotos para proyectos personales en los que parece que estoy jugando. Solo me queda decir: no os olvidéis de respirar y de mirar siempre adelante.
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Magdalena Wosinska’s photos are pure life. They are like an existential catalogue of our wishes in life. The pure definition of forceful, living each moment to the fullest, free, tireless, naked, and beautiful. Situations that we might consider utopian become her everyday life for this photographer, born in Poland. Surrounded by musicians, models and skaters, the particularity of her work is that she is part of all of them, she is not a mere observer. Either if it’s touring with her own band, in the garden of her house in Los Angeles, at a skatepark, or partying, her camera freezes her reality just in the right moment, when the rawness is at its highest. With a lifestyle like hers, carrying a camera becomes, almost, an obligation. Leather, beer, guitars, incredible scenery, beards, tattoos or eroticism are just a few items you’ll see on her pictures. The American Way of Life in its splendour. I discovered photography, when at age 14 I unconsciously realized, that I was able to capture moments that will never recur. This fascinated me for a long time. I define my style as free, independent, fun, real, which feeds from the present and the moment. Living in Los Angeles has influenced the aesthetics part of my work of course, I love the weather we have here and the sun! In the early 90s, when I moved to Arizona, I started skating and I got into that world. I’ve always been a bit masculine. I only shoot digital for commissioned work, and when it comes down to my personal work I use analogue. I prefer it that way, because I take photography more seriously. I have paid for every picture, so each one of them has even more value. It seems that all the people I photograph have a very intense life, but they are situations in which I am involved. I always carry a camera with me, always, that way I can try and capture the moments that are screaming “now”. I normally portrait my friends, which often work are models, musicians, riders, etc… They are the people who I usually travel with I tour with them often. My work has an erotic component because I think clothes can frame you in time, however, nudity is timeless, and feeling sexy is what gives you more confidence. Working with Converse in their last campaign was a great experience; they are an amazing team. They are always pushing the limits and
injecting crazy positivity into things. It is also interesting because their campaigns are not posed they are real moments. I have a large vinyl collection; I love music, especially rock and metal. There are many groups that would be great soundtracks for my photographs, but I stick to Pink Floyd, they fit any of my moods at anytime of the day, just like Metallica. I have a band myself it means the world to me, which is also reflect in my photographs, everything is combined. Touring and playing live music has helped me build my personality, and my carrier as a photographer. My group is named Wood Green, and if anyone wants to hear some good riffs, check out our website. The most essential things in my life are my best friends, my family, travelling nonstop and a clean house. I live the present at its fullest, I do not like to think about the future, but in ten years time I see myself doing the same thing but with more experience and been wiser, and perhaps, even having a family of my own. Recently, Taschen published the Erotic Book Part 2, which I’m part of. I’m having a solo exhibition and I’ll finish preparing a smaller project: the creation of a fanzine. I have so many things going on, but they seem so far away ... I have so much fun taking pictures for my personal projects in which it seem like I’m just playing. I only have to say: do not forget to breathe and always look forward.
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JIM MORRISON BY ZORAN NOVA Hay cosas que no cambian. Que permanecen inmutables en el tiempo porque se quedaron marcadas en la historia, como si no tuvieran pasado ni futuro, como si hubieran existido siempre. Nos acompañan en todas las épocas, porque conforman una parte de nosotros. Ray-Ban explora este año el concepto Envision invitándonos a lanzarnos, a ser nosotros mismos y hacer realidad nuestras ideas sin miedo -www.ray-ban.com/spain/neverhide/envision- porque lo diferente es motor de vida y de creatividad. Estrellas del rock como Jim Morrison representan a la perfección este concepto porque fueron fieles a su propia visión y siguieron su propio camino con una luz propia. Ese brillo permanece a través del tiempo, todas las generaciones lo reconocen porque traspasó la barrera del tiempo. Nuestra portada, realizada por el artista australiano Zoran Nova para Ray-Ban, es un tributo a la estela que el vocalista de The Doors dejó tras de sí, como poeta, compositor, músico y persona Envision. There are things that don’t change. They remain unchanged through time because they were marked in history; as if they had no past or future, as if they had always existed. They have accompanied us at all times because they are part of us. This year Ray-Ban explores the concept of Envision inviting us to head for adventure, to be ourselves, and to carry out our ideas without fear -www.ray-ban.com/spain/neverhide/envision- because difference is the driving force of life and creativity. Rock stars like Jim Morrison perfectly represent this concept because they were faithful to their own vision and lighted their own way. This brightness remains through time with all generations recognizing it because it has broken through the barrier of time. Our cover, made by the Australian artist Zoran Nova for Ray-Ban, is a tribute to the wake that the singer of The Doors left behind as a poet, composer, musician, and Envision person.
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tX Bรกrbara Esteban Romero
A Quiet Man ZORAN NOVA www.zorannova.com.au
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Dicen que la fotografía es una mirada propia de la realidad, una inmortalización de un momento que jamás volverá a suceder, cuyo elemento más importante no se puede definir.
ZORAN NOVA NO ES FOTÓGRAFO, pero sus ilustraciones navegan entre el realismo captado por un objetivo y el detalle de la misma realidad. A caballo entre el diseño y la ilustración, consigue, a través de trazos que rozan la perfección, resucitar a iconos de la cultura pop, representar el vacío de una sociedad o simplemente, mostrar la belleza intrínseca del arte. Creció en los suburbios del interior de Sydney, lo que acabó convirtiéndolo en alguien único por méritos propios, rompiendo con lo establecido e imponiendo su propia bandera artística. Su innata creatividad le ha valido un reconocimiento tanto en la escena del diseño como en la ilustración y es que el verdadero talento no necesita de grandes medios:
la simplicidad de un lápiz y un lienzo blanco son suficientes para él.
They say photography is a particular view of reality, the immortalization of an instant out of time that will never happen again, which most important element can’t be defined.
Zoran Nova is not a photographer, but his illustrations navigate between the realism captured by an objective and the detailed reality. On the borderline between design and illustration, he achieves through almost perfect strokes to revive pop culture icons, represents the vacuum of society or simply shows the intrinsic beauty of art. Growing up in Sydney’s inner suburbs was the driving force at an early age to be unique in his own right, breaking away from the mould and asserting his own flare to the artistic world. His innate creativity has put him in good stead as an up coming artist designer and illustrator, with Zoran you can discover true talent doesn’t need extravagances,
the simplicity of a pencil and a blank canvas, are enough for him.
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Empecé a dibujar desde muy pequeño, me encantaba coger un lápiz o cualquier cosa que pudiera tener en mis manos y hacer garabatos, dibujaba personajes de Disney y otros dibujos animados. El deseo de crecer y ser mejor cada día es el núcleo de mi motivación. Hay muchas cosas que me inspiran: las películas de los años 80, gente famosa, la naturaleza y los detalles al azar, la vida es una bola gigante de inspiración, está en todas partes. También visito con frecuencia muchas webs y blogs de diseño. Para ser honesto, tengo una necesidad innata de crear así que si no fuera ilustrador hubiese encontrado otra forma de llevar a cabo mis ideas. La mayoría de mis piezas están hechas a lápiz porque me encanta su textura, me atrae este medio por la sensación que transmite. Estoy cómodo porque es lo que siempre he utilizado. Me gusta esa simplicidad, no necesito nada especial, simplemente un lápiz y un papel y ¡qué empiece el show! La mayoría de mis obras son en blanco y negro, creo que su contraste hace más intensas las ilustraciones. El mayor desafío es saber cuándo dejar de trabajar en una pieza, trato de conseguir la perfección constantemente y es difícil porque nada es perfecto. La paciencia es otro reto, mantener la atención mucho rato se me hace eterno. Una de las cosas que más me gusta es retratar a gente, sobre todo a gente famosa. Dependiendo de la pieza sí hay un mensaje conceptual, pero algunas de mis obras son simplemente bonitas de ver; no hay mucho más misterio. En el proyecto About My Brain sí que se podría considerar que hay algo más detrás de los trazos, es un intento de mejorar el conocimiento del cerebro en la comunidad, creo que hemos olvidado cómo utilizar la mente, en términos generales. Por poner un ejemplo, la mayoría cuando se genera una duda de conocimiento buscan la respuesta en Internet, no ejercitamos el cerebro y eso es un problema. Tal vez sea consecuencia de la falta de creatividad que hay en la sociedad, para mí la creatividad es una forma distinta de pensar, fuera de lo convencional. Hay una cita de Albert Einstein que me encanta: “La creatividad es inteligencia que se divierte”. Me atrevería a decir que a través del arte la sociedad puede despertar, pero no creo que esté preparada todavía. Demasiado distraída por todo lo nuevo y reluciente, lo cual encuentro lamentable. ¿Qué me transmite la palabra intenso? Pasión, aunque realmente soy una persona bastante relajada y trato de no dejar que las cosas se intensifiquen demasiado para mí. No obstante, a veces los acontecimientos se escapan de mi control, ¡supongo que así es la vida! ¿Objetivos a alcanzar? Estoy preparando una muestra con mi hermano gemelo, que es artista también, es nuestra primera exposición conjunta, así que estoy muy entusiasmado, tengo muchas ganas de trabajar con él. Mi objetivo general, del día a día, es conseguir que mi trabajo pase a un siguiente nivel, crecer cada día un poquito más. Y mi sueño de siempre ha sido ilustrar un par de zapatillas Chucks Converse. Estoy obsesionado con ellas (tengo 16 pares). ¡Sería un sueño trabajar para esta marca que me vuelve loco!
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I have been drawing since I was a little kid, drawing Disney characters and other cartoons, it’s something that I have always been doing and loved to just grab a pencil or whatever I could get my hands on and just doodle. The desire to grow and become better is at the core of what drives me and there are so many things that inspire me, 80’s movies, famous people, nature, random little things. Everywhere; Life is one giant ball of inspiration that makes my brain click. I also frequently visit lots of design/ inspiration websites and blogs. To be honest, I have an urge to create, if I wasn’t illustrating I would find another way to get my ideas out. Most of my works are done in pencil because I love the way it looks on paper, the texture and feel of it is what attracts me. I guess I’m just comfortable with a pencil in my hand. It’s what I have always used the most. I love the simplicity of it, you don’t need anything fancy, just grab a pencil and some paper and you’re ready to rock. Also, black and white make illustrations more intense, maybe because of the color contrast. The most challenging I find in my work is knowing when to stop working on a piece, constantly trying to make it perfect is hard because nothing is ever perfect, being patient is a challenge too, it can take a lot to keep focus on one particular piece for such a strenuous time. Portraits are a very important part in my work collection, I find representing famous people a little more interesting than those who are ordinary, as famous people fascinate me, and depending on which work there is a conceptual message behind it, but some of them just look pretty. In About my brain there is a specific message, to enhance brain awareness in the community, I think society has forgotten how to use their brains, generally speaking, most people look up an answer in the internet before even thinking about anything. Maybe it’s due to a lack of creativity, which I consider a different way of thinking, there is a quote by Albert Ein Stein that I love “Creativity is intelligence having fun”. Maybe, through art society can start to awaken but I don’t think they are ready just yet. They are too distracted by everything new and shiny, which is unfortunate. What does intense transmits me? Passion, but I am actually a pretty laid back person and I try not letting things get too intense for me, although sometimes things get out of hand, but I guess that’s life! Goals to achieve? I have a show I am getting ready for with my twin brother who also creates, it is our first joint show so I’m really looking forward to it. My goal is generally to get my work to the next level. A dream of mine has always been to illustrate a pair of Chucks Converse. I am obsessed with them (I own 16 pairs) and it would be a fulfilled dream working for the brand, those sneakers drive me crazy!
stevie wonder
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say hello
A travĂŠs del arte
la sociedad puede despertar Through art
society can start to awaken
Ei, ¿cómo va, dónde estás ahora mismo y que estás haciendo?
Tu madre es de Guatemala, ¿vas alguna vez allí, cómo es el surf?
Estoy en Bali, tumbado en la cama con Otis mirando gilipolleces divertidas. ¡Oh, cómo nos estamos riendo!
Solo he estado una vez desde que empecé a surfear. Me encantaría volver. El país es increíble y los mejores meses para surfear son los de marzo, abril y mayo. Echo de menos a mi familia allí, me encantaría volver a verlos.
¿Cómo te sientes con el título de ‘Pro surfer’?
¿Qué prevés para el futuro?
Realmente enfermo (risas), es muy divertido conocer gente increíble y nuevas culturas alrededor del mundo. Pero como no soy un top pro, no gano demasiado dinero y eso es duro a veces. Aunque es dulce; me encanta surfear todo el día con mis amigos.
Una familia surfer que vaya creciendo con otras posibilidades de diversión, con mis amigos y mi familia.
¿Cómo fue el momento de tu contratación con Insight? ¿No eras demasiado joven en ese momento?
Sí, tenía solo 18 años y acababa de salir del instituto. Insight buscaba patrocinar a alguien y contactaron con dos amigos míos que estaban, y siguen estando, blindados por sus sponsors así que me pasaron la oportunidad a mí. Me reuní con Jesse Faen, quien llevaba Insight en América en ese momento. Nos fuimos a hacer surf a la playa de Malibú y pasamos un fin de semana genial. Ese fue básicamente el comienzo del patrocinio y de una increíble amistad con Jesse. Él es EL hombre y ripea de forma realmente increíble. Explícanos un poco de tu relación con Alex Knost.
Alex es como el hermano que nunca tuve. Me ha ayudado muchísimo, en todo, le debo un montón. Es genuino y agradable; una persona increíble. Adora ver a sus amigos, hacer cosas alucinantes y ayudarlos en todo lo que puede. Le encanta pasarlo bien y sacar el máximo de cada situación, es muy positivo y siempre te arranca una sonrisa. Además, resulta de gran inspiración, tanto por el surf como por su forma de vivir. Compartíamos casa hasta hace un par de meses y nos divertíamos a tope. Surfeábamos por la mañana, almorzábamos con los amigos y después él iba a arreglar algunas tablas o bien nos acercábamos a tiendas de segunda mano. Volvíamos a surfear de nuevo, comíamos con otros amigos y parábamos en casa un rato. Por la noche íbamos de conciertos. Con él he vivido infinitas aventuras y he conocido a muchísima gente maravillosa. ¿Cómo es formar parte de un equipo de surf: tienes una segunda familia o lo vives de una forma individual?
En parte es como tener una segunda familia pero no vivimos juntos así que cuando conseguimos reunirnos es para diversión infinita: bromeamos constantemente, surfeamos todo el día y bailamos por la noche, ¡especialmente si Warren está con nosotros… hurra! Tu vida como surfero californiano suena bastante agradable, ¿hay algo que cambiarías?
No, California es increíble. Si pudiera haría que el agua estuviera un poco más caliente, eso sí, para no tener que ponerme neopreno la mayor parte del año. Cuando viajas, volver a tu casa en California es maravilloso, la echo de menos cuando me voy. He visto un par de fotos en las que luces un esmalte de uñas de color chillón, ¿ha llegado un punto en el que te sientes un poco desnudo sin un poco de color?
No, absolutamente no. Es solamente algo divertido que hacemos con mis amigas. Otras chicas que no conozco suelen preguntarme por ello, las chicas son guays. Viendo las entradas en el blog de Insight ‘Where in the World is Jared Mell?’, comprobamos que viajas bastante. ¿Cuál ha sido el lugar más interesante que has visitado?
¡Cualquier sitio es el más interesante! Por eso la gente viaja: para experimentar el mundo y todo lo que contiene. No tengo un lugar favorito, todos los que he visitado han sido especiales y guardan un lugar especial en mi corazón.
Finalmente, cuéntanos algo que no sepamos de Jared Mell.
Sé como enrollar sushi mejor que nadie gracias a Colin Whitbread. Hey, how’s it going? Where are you right now and what are you doing?
I’m in Bali, lying in bed with Otis watching funny shit. Oh how we laugh. How does it feel having the occupational title of ‘Pro surfer’?
Fucking sick (laughing), it’s so much fun meeting amazing people and experiencing different cultures around the world. But since I’m not a top pro I don’t make a lot of money and that can be hard at times. It’s sweet though; I love surfing all day with friends. How did your signing with Insight come about? Weren’t you pretty young at the time?
Yeah, I was 18 just out of high school. Insight was looking to sponsor someone and they contacted two of my friends who were, and still are, locked in with their sponsors so they passed the opportunity my way. I met Jesse Faen who was running Insight in America at the time. We went surfing at Malibu beach and had a really fun weekend together and that was pretty much the start of my sponsorship and a really amazing friendship with Jesse… he’s the man and he rips incredibly amazing. Tell us a little about your relationship with Alex Knost.
Alex is like the brother I never had. He has helped me out so much in every way, I owe a lot to Alex. He is so genuine, nice and just an amazing person all around. He loves seeing his friends do amazing things and helps them out as much as he can. He loves having fun and making the most of every situation, he is a really positive person to be around and puts a smile on your face. Plus he is a real inspiration in surfing and the way he lives. I used to live with him until a couple months ago, but when we did it was non stop fun. Surfing every morning then going out to breakfast with a bunch friends. Afterwards he might shape some boards or we’ll go to some thrift stores. Try and surf again, go to lunch with some more friends, then go back to the house for a bit. At night we usually go to shows and see friend’s bands play, it’s kind of the best times hanging out with him with endless adventures and meeting great people. How does being on a surf team work? Is it like having a second family or is surfing more of a solo activity?
It’s like having a second family kind of but we don’t live with each other so when we get to hang out it’s nothing but endless fun: cracking jokes and surfing all day and dancing at night, especially if Warren is around… hooray!!! Your life as a Californian surfer sounds pretty sweet, is there anything you’d change?
Not really, California is amazing. Maybe I would make the water warmer so we would not have to wear wetsuits most of the year. Getting to travel and having to come home to California is not a bad thing at all though and it makes me miss it that much more when I leave. I’ve seen a couple photos of you with some “jazzy” nail polish on, has it got to the point where you feel a slightly naked without a little colour?
No not at all, it’s just something fun to do with my girl friends. Other girls I don’t know tend to ask me about it so that’s nice. Girls are rad. You do your fair bit of traveling, hence Insight’s ‘Where in the World is Jared Mell?’ blog entries. Where has been the most interesting place you’ve visited?
Everywhere is the most interesting, that’s why people travel: to experience the world and everything in it. I don’t have a favourite spot, everywhere I’ve been is special and holds a special spot in my heart. Would you ever consider making the migration move out of California?
Totally, everywhere I’ve been to I’ve thought about moving to. Like right now I’m in Bali, it’s amazing and people here are super cool. Plus it’s really warm and the waves are incredible. Also, there is unbelievably great tasting food just about all over the island. With your mum being from Guatemala do you ever travel back to Central America? How is the surf there?
I’ve only been there once after I started surfing. I would love to go back. The country is amazing and the surf there is also great during March, April, and May. Plus I miss my family down there, it would be great to see them again.
¿En algún momento considerarías marcharte de California?
What do you see for the future?
Por supuesto, he pensado en trasladarme a todos los lugares que he visitado. Como ahora mismo que estoy en Bali, aquí la gente es genial, hace calor y las olas son increíbles. Además me encanta la comida.
And finally, tell us something we don’t know about Jared Mell.
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A growing surfing family with other possibilities of fun with my friends and family. I know how to roll sushi like no other thanks to Colin Whitbread.
JARED MELL
Gallivanting Globetrotter tX Roberta Phillips PH Dane Peterson www.danepetersonphotography.com
No hay duda de que este joven hedonista está viviendo la fantasía de muchos chicos y chicas. Con una carrera que empezó con solo 18 años, se ha forjado un camino gracias a su habilidad innata para el surf que le permite pasar el día en el agua y pagarse sus gastos. No creemos que en este sentido vaya a tener muchos problemas para seguir haciéndolo. Con un poco de envidia por su estilo de vida como semi-prosurfer, nos encontramos con él para realizar esta entrevista mientras se relaja en Bali. Vive una interesante vida surfeando, saliendo con amigos y pasando gran parte del tiempo bajo el sol: ¿se puede pedir algo más a parte de que quizá el agua esté un poco más caliente? Bajo el ala de Insight y reconocido por su estilo old school, es sin duda alguna, uno de los personajes a los que hay que seguir durante este verano. Y como parece que está en todas partes, quizá puedas verle fácilmente. Mantén tus ojos bien abiertos y tus orejas pegadas al suelo o simplemente pregúntate ‘Where in the World is Jared Mell?’. There is no doubt that this hedonistic young guy is living out a fantasy of many boys and girls. Signed at just 18 he is cruising his way to using his slick surfing ability to keep his head above water and pay the way. But we don’t think he’ll have much trouble in that area. A little jealous of this fresh-faced semipro surfer’s life we caught up with him whilst he kicked back in Bali. An appealing life of surfing, hanging out with friends, and generally having a great time in the sun, could one ask for much more – apart from maybe making the water a little warmer? Under the wing of Insight and recognised for his old school surf style, he is no doubt one to watch this coming summer, and as he seems to be popping up everywhere, maybe you just might. Keep your eyes peeled and your ear to the ground. Or just check out ‘Where in the World is Jared Mell?’
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Dylan Gordon dylangordon.com
˜ the
power of what is real
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El firme arraigo del individuo con su entorno, la pasión, la determinación y la fuerza de la naturaleza son los temas que el “periodista visual” -como él mismo se define- Dylan Gordon aborda en cada uno de sus trabajos. Y todos esos adjetivos son él mismo, pues lo definen a la perfección. Esforzarse al máximo haciendo lo que uno ama, aunque en ese camino haya que luchar contra los elementos para conseguir el éxito, es la máxima de Gordon. La suya y la de todos aquellos que quieren vivir de forma sincera, comprometida y coherente. The firm rooting of the individual with his environment, the passion, the determination and the strength of nature are the topics that the “visual journalist” –as he describes himself- Dylan Gordon approaches in each one of his works. And all those adjectives are himself, as they define him perfectly. Do your best making what you love, although in the way you have to struggle agains the elements to achieve success. This is Gordon’s maxim and the one of everyone that wants to live in a sincere, commited and in a coherent way. tX Katie Gatens
Tus fotografías son realmente increíbles, siempre en proceso de cambio. Captan una fracción de segundo en la vida de un sujeto y de la naturaleza, ¿qué quieres mostrar?
¡Gracias! Creo que lo más importante para mí es captar un verdadero sentido de lugar y emoción utilizando cualquiera de mis medios. Le doy un enorme valor al enfoque periodístico, ese aspecto es lo que verdaderamente me atrae de lo que hago y por eso me encanta. Hay personas increíbles que hacen cosas fantásticas solo porque se expresan naturalmente y eso es muy inspirador. Quiero compartir eso. ¿Cuál es la relación entre la naturaleza y el deporte en tus fotos?
Trato de involucrar el medio ambiente en mis fotos tanto como sea posible, especialmente en la fotografía de surf, ya que sobretodo en este caso es fácil distraerse con el momento de la acción, olvidándonos por completo del entorno. Creo que este tipo de imágenes tienen un impacto más duradero si se capta también “el dónde y el cómo”. ¿Cuál es tu cámara favorita y qué objetivos prefieres usar? ¿Qué aconsejas a aquellos que quieren dedicarse a la fotografía deportiva?
Mi opción varía dependiendo de la situación. Cuando salgo utilizo un objetivo de 50mm. Prefiero realizar sesiones de la forma más simple posible, todo lo que añades a lo fácil distrae la atención del momento y de aquello que buscabas captar en primera instancia. Me encanta la película. Hay algo real y crudo en la estética que proporciona. Es realmente especial el hecho de tener una documentación tangible. Además, la sensación que proporcionan los retratos hechos con película me fascina. Aconsejo comenzar de forma sencilla y trabajar con lo que tienes. Al principio solo disponía de un cuerpo de cámara que ya tenía cinco años (1dmkII) y un 50mm, y con eso disparaba a todo. Con el tiempo invertí en nuevos equipos y amplié mi material. Tuve suerte en varios concursos y workshops que me ayudaron mucho. Pero lo más importante es tomarte tu tiempo y trabajar tu ojo
fotográfico. La tecnología de hoy en día es tan buena y barata que es fácil hacerte con un buen equipo sin enloquecer por el plástico. ¿Qué te inspira para pensar en cosas nuevas e involucrarte en proyectos?
La inspiración me llega de lo que sucede a mi alrededor. La música, el arte, el cine y los amigos ejercen un gran impacto en mi forma de pensar y sentir. Cualquier cosa que vea u oiga puede motivar una idea o concepto. La mayor parte del tiempo simplemente me inspira estar ahí en el momento justo y documentar las cosas tal y como se desarrollan, por eso muchos de mis proyectos son fotos casuales que acaban convirtiéndose en un film o en un zine. ¿Cómo empezaste con la fotografía, en qué momento supiste que te gustaría dedicarte a tiempo completo?
Cuando era más joven viajaba mucho participando en las competiciones de skateboarding y todo eso. Estaba obsesionado con explorar lugares, ver cosas nuevas y conocer gente. Siempre he tenido una especie de afinidad para tomar fotos durante mis viajes, pero nunca me lo planteé en serio, simplemente me gustaba captar lo que pasaba a mi alrededor. Cuando crecí un poco fui a un colegio comunitario, arrastrándome a no hacer nada especial. Ahí me di cuenta de lo mucho que odiaba estar sin motivación, así que me concentré en averiguar cómo podía seguir haciendo lo que amaba sin sacrificar mi integridad y mi cordura en alguna prisión estatal. Entonces me obcequé en que la fotografía era el medio perfecto para desarrollar mi vida y la verdad es que no podría haber elegido mejor. Opté a un par de escuelas y finalmente acabé yendo al Brooks Institute de Ventura. Ahí todo encajó. ¿Qué piensas de las Go-Pro en el deporte? Cualquiera puede ser ahora un fotógrafo.
Tengo una relación de amor/odio con las Go-Pro. Por un lado es de las cosas más cool que se han inventado desde las rodajas de pan y por otro, de lo más asqueroso que un niño de nueve años con una scooter puede llegar a tener en sus manos. No obstante, en realidad, es como cualquier nueva tecnología, utilizada bien puede llegar a ser lo más.
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Haz lo que amas y hazlo lo mejor que puedas
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Do what you love and do it the best you can
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Creo, como digo, que bien utilizadas, han abierto puertas y han potenciado mucha creatividad. Pasa lo mismo que con los Iphones, ahora todo el mundo tiene la oportunidad de convertirse en fotógrafo. Cualquier persona puede tomar una foto, subirla a Instagram y en sólo dos minutos enviarla a revistas, webs o lo que sea. Es maravilloso que todos puedan documentar lo que pasa a su alrededor y compartirlo fácilmente. Ofrece muchas oportunidades y eso inspira a la colaboración y a crear comunidad. Eso es realmente lo importante. Definitivamente Instagram, que es maravilloso, ha cambiado mi forma de compartir fotos e interactuar con la gente. Te describes a ti mismo como un “periodista visual”, ¿Cuentan tus fotos una historia?
Me describo como periodista visual porque es un resumen muy amplio de lo que hago. No quiero limitarme a una descripción de mi mismo como un fotógrafo o fotoperiodista porque no engloba todo lo que me gusta hacer. Me encanta filmar y diseñar, ¡con lo que más disfruto es teniendo la capacidad de involucrarme en cualquier proyecto creativo que se cruce en mi camino! Siento que es
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sumamente importante que mis fotos cuenten una historia. Quiero captar con cada imagen tanto el trasfondo, como la personalidad y la historia. Hay mucho valor en eso. ¿Practicas algún deporte?
La mayoría de los deportes que fotografío forman parte de mí mismo. Solía patinar de forma muy competitiva, crecí haciendo surf y soy un ávido escalador. Fotografiar estos deportes nunca es suficiente para mí realmente, quiero participar en ellos. ¡Tengo que hacerlo! Me vuelvo un poco loco si SOLAMENTE saco fotos, es importante formar parte, esa pasión y comprensión me permite disparar de forma diferente. Tengo la seguridad de que muchas veces, mientras patino, veré algo que me inspirará a disparar. Has trabajado en entornos diferentes, desde el mar a la montaña o en skateparks, ¿cómo te adaptas a cada situación?
Estoy todavía tratando de descubrir en qué soy mejor. Sé que mi corazón está en el aspecto periodístico, ya que poder aplicarlo donde sea que esté es importante para mí. Todos los entornos me inspiran de manera diferente y se inspiran mutuamente también. El mar y las montañas son
lugares irremplazables en mi corazón y no puedo imaginarme sacrificando uno por el otro, es un equilibrio y eso es una de las partes más bellas del lugar en el que vivo. Estoy a un paso de la playa y a 10 minutos en coche de las montañas. Es imposible no encontrar la inspiración así. ¿Cuál es el proyecto del que estás más orgulloso o el que ha tenido más éxito?
Mis proyectos favoritos son los relacionados con los zines, cualquiera de los que he hecho justo después de un viaje respondiendo a un momento random de inspiración y creatividad. Los edito super rápido y luego gasto hasta el último penique que tengo en el banco en imprimirlos. Después los pongo en circulación de forma gratuita, encantado de tener un registro tangible de esas aventuras. Es realmente cool ver una representación física de tu trabajo. Me encanta ir a casa de amigos y descubrir alguno de mis proyectos encima de la mesa o en una estantería. Es lo más. ¿A qué fotógrafos / skaters / surfistas admiras?
¿Por dónde empezar? Me inspiro constantemente en otros fotógrafos y en atletas, en qué hacen y cómo viven. Tipos como Ed Templeton o Steve Sherman son épicos, me encantan las fotos que hacen y cómo viven sus vidas. Tienen un estilo documental y desarrollan una mirada introspectiva increíble en la vida de sus fotografiados. Hay muchos fotógrafos épicos por ahí, siempre estoy buscando viejas revistas y revisando blogs que me sorprenden. Hay fotógrafos que me fascinan como Pete Taras, Chris Burkard, Glaser Todd, Stoner Ron, Jimmy Chin, Acosta Anthony, podría seguir con una lista interminable. También me inspiran surfers como Ozzie Wright. Viven con una personalidad tan característica y creativa que es imposible que no resulte inspirador. ¿Crees que la relación del skater y el surfer con su entorno es importante? ¿Cómo se manifiesta en tus fotos?
Creo que esta compenetración con el medio ambiente es la parte más cool de los deportes al aire libre. Hacer un roadtrip a un spot épico o simplemente surfear cerca de donde vives es inspirador en el sentido en que te tomas un minuto de tiempo para darte cuenta de quién eres. Me gusta involucrar el paisaje y el medio ambiente en mis fotos tanto como sea posible. La mejor parte de fotografiar muchas olas es lo que las envuelve, ya sea un paisaje desierto o montañas enormes. ¡Sería un desperdicio que eso no se mostrara! Una vez has tomado la foto, ¿qué proceso sigues, las editas?
Por lo general después de seleccionar las fotos las trabajo en photoshop, más que nada para aplicarles un balance de color y adecuarlo al sentimiento de la escena que quiero transmitir. Algunas las toco más que otras, pero siempre desde un sentido periodístico, no las manipulo. ¿Cuál es el mejor consejo que has recibido?
Haz lo que amas y hazlo lo mejor que puedas. Mis padres me criaron para poner el 150% en todo lo que hago, y creo que es lo más valioso que he aprendido. ¿Qué es lo próximo que te gustaría hacer y aún no has tenido la oportunidad?
Probar base jumping sería maravilloso.
Your photographs are truly amazing, I love how they are constantly in flux, capturing a split second in the life of nature and the subject, what is it that you want to convey?
Thank you! I think that the most important thing to me is portraying a true sense of place and emotion using any of my mediums. With my work, I place huge value on having a journalistic approach; that aspect is what truly attracts me to what I do and why I love it. There are so many incredible people out there who do such fantastic things by simply expressing themselves. Naturally, that alone can have much inspirational impact. I just want to share that. What is the relationship between nature and sports in your photos?
I try to involve the environment into my photos as much as possible, especially with surf photography. With surfing it’s so easy to get distracted by the stickers or the moment of the action while completely forgetting where we are. I think with surfing what interests me most is not simply what we are doing - it’s where we are and how I feel. That kind of imagery will have a much longer-lasting impact. What is your favourite camera to use and what are your preferred lens types? What do you suggest to people who want to take up sports photography?
My camera / lens choices really vary depending on the situation. Most of the time if I pull my camera out there’s going be a 50mm on it. I prefer to keep my setups simple, the more you add the easier it is to get distracted from the moment and what you were actually looking to capture in the first place. I absolutely love film. There is something so true and raw about the aesthetic of it, and I think there’s something truly special about having tangible documentation. I love shooting portraits on film as they have such a great feeling. Honestly, starting out simple and working with what you’ve got is all you really need. For my first few years all I had was a used 5 year old body (1dmkII) and a 50mm and I would just shoot the shit out of everything. Over time I kept slowly investing in new gear and expanding what I had. I had a couple lucky breaks along the way with contests and workshops which helped out a ton in retrospect. But just taking your time and working on your eye is probably the most important thing. The technology today is so good and inexpensive that it’s so easy to get good equipment without going nuts with the plastic. What inspires you to think of new things to do and get involved in?
I really just look to get inspired by what’s happening around me. Music, art, movies, and friends especially have a huge impact on how I think and feel. If I hear or see something somewhere some small aspect can totally trigger an idea or a concept. A lot of the time I’m just inspired by being in the moment and documenting things as they unfold. This is how a lot of my projects tend to evolve from simply being random photos to being a short film or a magazine. How did you first get into photography and when did you know that you wanted to do it full time?
When I was younger I traveled a ton because of downhill skateboarding contests and such. So from a young age I
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What do you think about Go-Pros in sport? Anyone can be a photographer now.
I have a love/hate relationship with them. On the one hand they’re the coolest things since sliced bread, on the other they’re the nastiest things any 9 year old with a scooter has ever gotten their hands on. But in reality, they’re just like any new technology: used right they’re the raddest things ever. I think they open so many doors and allow for so much creativity, you just have to use them right. It’s the same with iPhones, everyone has the opportunity and access to be a photographer. Anyone can take a shot, upload it to Instagram and within 2 minutes of taking that shot send it off to magazines or websites or what have you. I think it’s pretty awesome that everyone can document what’s going on around them and share it so easily. It allows for so much opportunity and inspires collaboration and community. I think that’s really important. Definitely Instagram, it’s great. It totally changed my approach to sharing photos and interacting with people. You describe yourself as a ‘visual journalist’, do your photos tell a story?
I say ‘visual journalist’ because I feel it’s a very open ended summary of what I do. I don’t want to be limited by calling myself exclusively a‘Photographer’ or ‘Photojournalist’ because that’s not the be all and end all of what I enjoy doing. I love filming and design as well; one of my favourite things about doing what I do is being able to jump into any kind of creative project that comes my way! I feel it’s incredibly important that my photos tell a story, I want to portray as much background, personality, and story with every image. I think there is a lot of value in that. Do you practice any sports?
Most of the sports I shoot I take part in myself. I used to skate super competitively. I grew up surfing and I am an avid climber. Taking photos of sports is never really enough for me. I love taking part - I kind of have to. I go a little crazy sometimes if I’m ONLY shooting, I think that it’s important to be a part of the sports that I shoot; it gives me an understanding and passion for them and allows me to shoot them a little differently. A lot of time I’ll be out skating or something and see something which inspires me to shoot. You work in different environments, from the sea, to mountains and skate parks. How do you adapt to each environment?
I’m still figuring out what I’m best at. I know that the journalistic aspect is where my heart’s at so being able to apply that to where ever I am is important to me. They all inspire me differently and inspire each other as well. The sea and the mountains both have irreplaceable places in my heart and I cannot imagine sacrificing one for the other. It’s all a balance and that’s really the most beautiful part about where I live. I live a block from the beach or a 10 min drive to the mountains. It’s hard to be uninspired around here. What is the project that you’re proudest of or which has been the most successful?
I think any of my Zine projects are my favourite. Any that I’ve made have been just after some trip and are made in a random flash of creativity and inspiration. I’ll crank them out super fast and then spend every last penny I have in my bank account to have them printed. Then I’ll give them away for free, be just as broke but super psyched on having a tangible record of some adventure. It’s cool to see a physical representation of your work. I love going to a friend’s house and randomly seeing one of my projects hanging out on a table or on a book shelf. That’s the coolest thing ever. What photographers / skaters / surfers do you look up?
Where to start? I’m constantly drawing inspiration from other photographers and even athletes and how they live. Guys like Ed Templeton or Steve Sherman are so epic. I love how they shoot and live their lives. They have such a documentary style and are constantly producing this incredible introspective look at the lives of their subjects. There are so many epic photographers out there and I’m constantly going through old magazines or cruising blogs to just get stoked. Photographers like Pete Taras, Chris Burkard, Todd Glaser, Ron Stoner, Jimmy Chin, Anthony Acosta… Damn it I could go on for way too long on that list. But also surfers like Ozzie Wright are so inspiring. They live with such raw personality and creativity, there’s no way you can’t be inspired by that. Do you think a surfer / skater’s relationship to their environment is important, how does this come across in your photos?
had the travel bug bad; all I wanted to do was explore places, see new things, and meet people. I always kind of had an affinity for taking photos while traveling but never put any value behind it. I just liked capturing where I was and what was going on around me. But when I was a little older I was going to a little community college just kind of dragging my feet and not doing anything special. It made me realize how much I hated being unmotivated so I put a lot of thought into trying to figure out how I could keep doing all of the things I love while not sacrificing my sanity at some 9-5 prison. It was more or less on a whim that I felt photography was the perfect medium for my life, and honestly, I couldn’t have picked anything better. I applied to a couple of schools and ended up going to Brooks Institute in Ventura, California and it just clicked.
I think embracing the environment that you’re in is the coolest part about these outdoor sports. Taking a road trip to some epic spot or even just cruising out to surf in your back yard is so inspiring once you take a minute to realize where you are. I like to involve landscape and environment into my photos as much as possible. The raddest part about a lot of waves is just what they’re surrounded by: whether it is complete deserted isolation or huge mountains. What a waste if you don’t show that! What is the process once you’ve taken a photo, do you use any photo editing software?
Generally I’ll ingest, pull selects, then take selects into Photoshop to work on colour balance and play with making the feeling match the scene properly. Some images I’ll tone more than others but always very journalistically; I do not manipulate photos. What is the best advice you’ve ever received?
Do what you love and do it the best you can. My parents raised me to put 150% into everything I do and I think that is the most valuable thing I’ve ever learned. What would you love to try next but haven’t had a chance to as of yet?
Base jumping would be sweet.
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Ethan Murrow www.bigpaperairplane.com Intensidad es misterio. Intensidad es pulsión. Intensidad es fascinación. Intensidad es obsesión. De todas estas intensidades está compuesta la obra del exquisito artista norteamericano Ethan Murrow. A través de sus dibujos en lápiz y papel, sus videos y sus instalaciones expuestas internacionalmente, Ethan Murrow crea audaces narrativas de un Realismo Mágico. Con la locura como energía y el fracaso como impulso, sus extravagantes personajes, retratos de una filosa autocrítica, experimentan en mundos paralelos sin olvidarse nunca de seguir al conejo blanco. Ethan Murrow refuta la premisa de que todas las cosas quieren preservar en su ser, para transformar y re-significar los símbolos. En sus trabajos, la lógica se fuga para hacer una rutina perfecta de malabares donde la ciencia, el arte y la metafísica son bolas de diferentes tamaños que convergen en equilibrio como cuerpos celestes en el espacio. Fascinado por la intensidad de la vida interior y la forma en que nuestros cerebros tienen aquél poder que está más allá del control consciente, Ethan Murrow bucea en un viaje profundo a ese sitio extraño, atractivo y melancólico donde lo posible es infinitamente grande o infinitamente pequeño. Intensity is mystery. Intensity is instinct. Intensity is fascination. Intensity is obsession. Out of these intensities the exquisite work of the American artist Ethan Murrow is composed. Through his graphite drawings, videos, and installations, which are exhibited internationally, Ethan Murrow makes bold narratives of Magical Realism. With madness as energy and failure as drive, his quirky characters and self critical portraits live in parallel worlds, never forgetting to follow the white rabbit. Ethan Murrow refutes the premise that says that everything wants to preserve its state. In his work the logic escapes to make a perfect routine of juggling, where science, art, and metaphysics are balls of different sizes which converge to a state of equilibrium as celestial bodies in space. Fascinated by the intensity of inner life and the way our brains have a power which is beyond conscious control, Ethan Murrow dives deep into a journey to that strange, attractive, and melancholy place where both the infinitely large or infinitely small is possible. tX María Luján Torralba
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¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?
Estoy particularmente interesado en la turbia línea entre el hecho histórico y la ficción. La historia es un método de narración y en su interior subyace el curso, la tendencia y la estrategia por parte del autor o documentalista. Es una tarea necesaria, pero imperfecta. Necesitamos registros y cuentos para entender quiénes fuimos, somos y seremos otra vez. Trato de recordar que si nos tomamos a nosotros mismos demasiado en serio, si creemos que hemos descubierto la realidad o revelado una genialidad o contamos la historia a la perfección, entonces estamos realmente engañados. En la búsqueda de la cima o de lo que es demasiado abundante o demasiado lejos, nos definimos a nosotros como imperfectos pero pretenciosos incluso cuando la razón nos dice que debemos regresar. Admiro este ánimo humano, incluso cuando es una idiotez. Me siento inspirado por las historias, personas e ideas que tienen que ver con estas idas y vueltas desordenadas de la humanidad, donde el deseo se reúne con el fracaso y, sin embargo, algo inesperado, pero positivo, crece a partir de este desmoronamiento. Para mí, un explorador como (Ernest) Shackleton, que fracasó en su objetivo declarado, pero tuvo éxito en la protección de la vida contra todo pronóstico, es el mejor ejemplo de estas ideas. ¿Qué artistas te han influenciado a lo largo de su carrera?
Charlie Chaplin podría ser el primero por su uso del humor y autodesprecio para contar una historia más grande e importante. El artista sudafricano William Kentridge es un héroe personal, sobre todo por su dedicación a contar historias con valentía y conciencia de sí mismo. Marlene Dumas ha sido muy influyente por las mismas razones. Ahora mismo estoy particularmente interesado en el pintor belga Michael Borremans y el alemán Neo Rauch. Miro mucho detrás de mi para aprender a dónde podría ir. Recurro a Van Eyck, Hans Holbein, Manet, Corot y otros. Eso en relación al arte occidental tradicional. Los artistas tal vez más influyentes son personas comunes como los fotógrafos que documentaron la vida a su alrededor por necesidad, alguien como Mike Disfarmer en Arkansas. He aprendido lo máximo sobre arte estudiando lo que es menos familiar para mi, como el arte de los Yoruba en África occidental o a escritores como Henning Mankell, reconocido por sus novelas negras. Me resulta fácil referirme a un pintor contemporáneo, pero es mucho más difícil conectar mi cerebro con alguien con quien tengo menos relación cultural o con lo que comprendo menos. Agradezco ese reto y el lugar en el que me mantiene.
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En tu trabajo, las pseudociencias y los experimentos científicos con diversos instrumentos fantásticos son temas muy presentes. ¿Por qué tienes especial interés en estos temas?
Tengo un profundo respeto por la ciencia, por lo que nos ha permitido entender acerca de nuestro mundo y de nosotros mismos. Dicho esto, creo que todos podemos recordar momentos en los cuales ha sido mal utilizada o interpretada en perjuicio de la sociedad. Es otro tema delicado porque sé que la invención proviene de errores: prueba, torpeza y esfuerzo son necesarios, pero a menudo se paga caro cuando esas pruebas se expanden más allá del individuo. Tus personajes viven aventuras extraordinarias que suelen terminar en fracaso. ¿Qué mensaje deseas transmitir? ¿Por qué nunca pueden alcanzar el éxito?
Tenía un amigo que me dijo una vez que pretendo contar historias sobre el fracaso y, sin embargo, nunca se ve que mis personajes fracasen. Eso es cierto. Rara vez, si acaso, muestro las consecuencias horribles, me quedo en el momento antes de la explosión. Este es mi mensaje esperanzador, supongo. Quiero que estos personajes sean exitosos incluso aunque sospeche que no lo serán. Esta ida y vuelta es la esencia de mi trabajo. Creo que el fracaso es necesario, pero le temo tanto como cualquier persona. ¿Cómo vienen a tu mente las historias fantásticas que cuentan tus obras?
Vengo de una familia de narradores, escritores, farsantes y luchadores. Este tipo de extravagancia está en mi sangre y ayuda a alimentar mi amor por la ridiculez romántica de la vida humana. También procedo de una familia de obsesivos racionales y lógicos. Así se hacen las dos mitades de la fruta. ¿Cuánto de real tienen tus personajes?
Algunos están basados en la realidad. Las narrativas Pinto Brothers están destinadas a ser la otra cara de los hermanos Wright, anti-héroes de ficción de los genios aeronáuticos reales. Todos los personajes tienen su origen en algún tipo de realidad, algunos de forma más específica que otros. Muchas de las historias surgen de sueños de mi infancia y de mis fantasías. He leído mucha ficción y eso impulsa gran parte de la obra. Me encanta tomar una pizca de la realidad, deformarla y hacerla mutar sin fin.
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Tus personajes bordean una delgada línea entre el mundo real y el mundo onírico, están situados en paisajes de realidades paralelas. ¿Qué es la realidad para ti? ¿Cuál es el límite entre lo que llamamos realidad y otras realidades? ¿Cuán intensos son los juegos de la mente?
Una gran parte de mi obra está destinada a funcionar como un diálogo interior, son imágenes de ficción que están inmersas en el mundo real, siendo realmente imposibles. Todos ponemos reglas acerca de lo que estamos dispuestos a aceptar como real o no real, creo que eludo el comprometerme. Mi mente lógica dice que hay cosas que no son posibles, y mi parte romántica insiste en que lo hermoso de la vida es que nunca se sabe. Nuestro monotema es INTENSE. ¿En qué área artística profundizas más tu intensidad?
Creo que todos mis personajes caminan por un lado obsesivo. Los protagonistas de mi obra son retratos de una autocrítica de mí mismo, y en parte, una discusión sobre la manía y el vehículo que se necesita para lograr dicha autocrítica, algo a lo que estoy muy acostumbrado gracias a mi práctica y a mi mente. Creo en la obsesión y la repetición, en el rigor y la costumbre (sabiendo que es peligroso creer en todas estas cosas), gracias a ellas se puede ser bueno en algo e inventar de formas diferentes, aunque esto es una pendiente con dos caras. Tus obras, especialmente las de las series Narcissistic Excess, Thinking Freud y Doppler Doppelganger, parecen representar diferentes niveles de la consciencia humana. Metáforas de los extraños y complejos mundos interiores. ¿Cómo haces para indagar en la intensidad de la mente?
Supongo que mis comentarios anteriores sobre el diálogo interior hablan un poco de esto. Cuando era más joven solía volver a discutir cada ligera pérdida percibida en un encuentro entre mi hermano y yo. Poco sabía él que yo estaba elaborando el perfecto “come-back”, para no ser utilizado nunca. Todavía estoy fascinado por la intensidad de la vida interior y la forma en que nuestros cerebros tienen el poder y un diseño que está más allá del control consciente. ¿De qué manera puedes relacionar las experiencias intensas con la locura?
La locura es real, y en mi opinión, es una parte de todos nosotros. Puede inclinar a alguien hacia lo correcto o lo incorrecto muy fácilmente y esta inclinación puede irse por otro camino por las circunstancias, el medio ambiente, el azar, etcétera. La locura es también impulso y energía. Es un espectro, no un interruptor blanco o negro.
¿Cuál es tu obra más intensa según tu criterio?
Espero que mi próximo proyecto sea el más intenso. Tengo una exposición individual que se realizará en septiembre de 2013 en La Galerie Particuliere de París donde incluyo el dibujo “No Parley” -grafito sobre papel 30x60, 2013- que es un relato cínico de la historia americana. Tengo la intención de que esta labor sea mordaz, divertida y esté llena de mis propios sentimientos encontrados acerca de mi propio país. En mi opinión, esta obra tiene un núcleo más oscuro que algunos de mis proyectos anteriores. Los astros son objetos que se repiten en tus obras, ¿qué significan para ti?
Son una manera de hacer referencia al más allá, lo distante como un símbolo de posibilidad, de lo desconocido. Quiero manifestar que hay peligro y sospecha. Es mucho mejor ser divertido, cuidadoso, curioso y cuestionador. Se llamó “Bombardeo Intenso Tardío” a los frecuentes impactos de asteroides de gran tamaño que causaron los cráteres en la Luna. ¿Qué cosas causan un “bombardeo intenso” en ti?
Dos cosas. Mi encantadora esposa, que me recuerda que no soy tan inteligente como creo que soy, y mis dos hijos -de 4 años y 8 meses-, que me recuerdan que no estoy aquí sólo para hablar y hacer ruido, también para hacer algo que valga la pena. ¿Cómo describirías tu pasión por el vuelo y los cuerpos en movimiento?
Todo mi trabajo trata de vivir indirectamente a través de mis personajes. En una parte de mi cerebro tengo el profundo deseo de lanzarme en paracaídas desde un avión. En otra parte estoy pensando: “¡Cállate imbécil!”. Ahí está el problema. ¿Cómo te sientes trabajando con tu esposa, cómo describes esa experiencia?
Ha sido una manera muy satisfactoria, humilde y difícil de trabajar. Ahora, con los niños, trabajamos más separados que en los últimos años, pero todavía estamos comprometidos en colaborar y en encontrar lo que nos obliga a ser claros acerca de nuestras ideas y opiniones. Nuestra mejor colaboración es, probablemente, Dust, la película que hicimos con Harvest Films en 2007/08. Ampliar la colaboración más allá de nuestro dúo fue gratificante y estamos continuando con este tipo de proyectos, ya que nos ayuda a mantener el trabajo entorno a un relato de héroes y anti-héroes, pero abriéndolo a algo que tiene más cambio y mutación.
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What are your sources of inspiration?
I am particularly interested in the shady line between historical fact and fiction. History is a method of storytelling and within it lays bias, tilt, and strategy on the part of the author or documenter. It is a necessary but flawed endeavour. We need records and we need tales to understand who we were, are, and will be again. I try to remember that if we take ourselves too seriously - if we believe that we have found fact or discovered genius or told the tale with perfection - then we are truly deluded. In seeking out the peak or that which is too much or too far, we define ourselves as imperfect but aspirational even when sense tells us to turn back. I admire this human spunk even when it is idiotic. I am inspired by stories, individuals, and ideas which deal with this messy back and forth of humanity; where desire meets failure and yet something unexpected but positive grows from this crumbling. For me an explorer like (Ernest) Shackleton, who failed in his declared goal but succeeded in protecting life against all odds, best exemplifies these ideas. Which artists have influenced you throughout your career?
Charlie Chaplin would have to be the first for his use of humour and self deprecation to tell a larger more important story. South African artist William Kentridge is a personal hero, primarily for his dedication to telling a story with gritty reality and self awareness. Marlene Dumas has been very influential for the same reasons. Right now I am particularly interested in the Belgian painter Borremans and the German painter Neo Rauch. I look behind me a lot to learn where I might go. I turn to Van Eyck, Holbein, Manet, Corot, and others. But that is all with the traditional western art world. Artists who are perhaps more influential are common everyday photographers who documented life around them because they had need to, someone such as Mike Disfarmer in Arkansas. I have learned the most from studying art that is much less familiar to me, such as art from the Yoruba in Western Africa or writers like Henning Mankell of noir and gripping Scandinavian mystery fame. It is easy for me to relate to a contemporary painter, much harder to wrap my brain around someone I have less cultural connection with or understanding of. I have a deep appreciation for that challenge and the place it keeps me in. In your work, the pseudo sciences and scientific experiments with various fantastic instruments are very present subjects. Why are you particularly interested in these issues?
I have a deep respect for science and what it has allowed us to understand about our world and ourselves. That said I think we can all recall event after event when science has been misused or misinterpreted to the detriment
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of society. It’s another tricky issue because I know that invention comes from mistakes. So testing, bumbling, and striving is necessary but there is often a cost when those tests expand beyond the individual. Your characters live extraordinary adventures that tend to end in failure. What message do you want to convey? Why can’t they ever succeed?
I had a friend who said to me once that I claim to tell stories about failure and yet you never SEE my characters fail. This is true. I rarely, if ever, show the horrific aftermath, only the moment before the explosion. This is my hopeful game I suppose. I want these characters to succeed even though I suspect they won’t. This back and forth is the essence of my work. I believe failure is necessary but I fear as much as the next person. How do the fantastic stories of your works come to your mind?
I come from a family of storytellers, writers, bullshitters, and strivers. This kind of ridiculousness is in my blood and it helps feed my love of the romantic ridiculousness of human life. I also come from a family of rational, logical obsessives. Thus the two halves of a fruit are made. How many of your characters are real?
Some are based on reality. The Pinto Brothers narratives are intended to be the flip side of the Wright Brothers; the fictional anti heroes to the actual aeronautical geniuses. All the characters are rooted in some kind of reality but some more specifically than others. Many of the storylines arise from boyhood dreams and fantasies. I read a lot of fiction and this drives much of the work. I love that I can take a shred of reality and warp and mutate it endlessly. Your characters walk a thin line between the real world and a dream world, located in landscapes of parallel realities. What is reality to you? What is the line between what we call reality and other realities? How intense are the mind games?
A lot of the work is intended to function as if it is interior dialogue, images of fiction that are steeped in the real but actually impossible. I think we all make rules about what we are willing to accept as real and not real, I think I just hedge on the side of not wanting to commit. My logical mind says things are not possible, the romantic in me says that the beautiful thing about life is that you never really know. This edition’s theme is INTENSE. In what artistic area do you think lies your deepest intensity?
I think all of my characters tread upon a term like ‘obsessive’. The protagonists in my work are all self critical self portraits and are in part a discussion on the mania and drive it takes to achieve - something I am very aware of
My logical mind says things are not possible, 路 the romantic in me 路
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roller coaster
within my own practice and mind. I believe in obsession and repetition, I believe in rigour and habit (knowing these are all dangerous things to believe in). That is how we get good at something, how we invent anew, but it is also a slope that has another side. Your works, especially the series Narcissistic Excess, Thinking Freud, and Doppelganger Doppler, seem to be representations of different levels of human consciousness. Metaphors of strange and complex inner worlds. How do you look into the intensity of the mind?
I guess my comments above about interior dialogue speak to this some. When I was younger I used to re-argue every perceived slight and loss in a game between myself and my brother. Little did he know I was crafting the perfect comeback, never to be used. I am still fascinated by the intensity of this interior life and the ways in which our brains have power and design that is beyond conscious control. How can you relate intense experiences with madness?
Madness is real, and in my view, a part of all of us. I see that it can tilt someone towards the right or the wrong very easily and that this tilt can almost always have gone another way for some other circumstance, environment, chance, etc. Madness is also drive and energy as much as it is total insanity. It is a spectrum, not a black and white switch. In your opinion, which is your most intense piece of work?
I hope that the most recent body of work comes closest to being the most intense. I have an upcoming solo show in September 2013 at La Galerie Particuliere in Paris where I will be the drawing “No Parley”- graphite on paper 30”x60” 2013-, deals with a cynical retelling of American History. I intend this work to be biting, funny, and filled with my own mixed feelings about my own country. In my view this work has a darker underbelly than some of my past projects.
The celestial bodies are objects that are repeated throughout your work, what do they mean to you?
They are a way to refer to the beyond, the distant as a symbol of possibility, of the unknown. I want to state that there is danger and suspicion in fact. It’s much better to be amused, wary, curious, and questioning. The “Late Heavy Bombardment” was called to frequent large asteroid impacts that caused craters on the moon. What things cause a “heavy bombardment” in you?
Two things, my lovely wife, who reminds me that I am not so smart as I think I am and my two kids (4 and 8 months) who remind me that I am not here just to talk and make noise but to do something worthwhile. How would you describe your passion for flying and bodies in movement?
All my work is about living vicariously through my characters. In one part of my brain I have a deep desire to parachute out of a plane. In another part of my brain I am thinking “shut up fool!” Therein lies the problem. How do you feel working with your wife? How can you describe that experience?
It has been a deeply satisfying, humbling, and challenging way to work. Now, with kids, we work together somewhat less than we did in years past, but we still are committed to collaboration and find that it forces us to be clear about our ideas and opinions. In a way we don’t have to be on our own. Our finest collaboration is probably “Dust”, the film we made with Harvest Films in 2007/08. Extending the collaboration beyond our duo was rewarding and we are continuing these kinds of projects because they help keep the work from rotating exclusively around a narrative that deals with heroes and anti-heroes and towards work that has more shift and mutation.
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over the edge Photography: Sara Sani www.cargocollective.com/sarasani Make up & hair: Caro Martorana www.caromartorana.com Models: Russy & Marta @ Uno Models
Russy: T-shirt Vans, Pants Obey 路 Marta: Shirt Nikita, Shorts Element
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Marta: Body Lacoste L!ve, Skirt Roxy, Shoes Reebok Russy: Dress 108 obey, Shoes Reebok
Marta: Jacket Lacoste L!ve, Dress Quiksilver, Shoes Reebok Russy: Shirt RVCA, Bustier Obey, Pants and Shoes Vans Majkel: Shirt & pants The Critical Slide Society
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Marta: Jacket Lacoste L!ve, Dress Quiksilver, Shoes Reebok
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Los viejos tambiĂŠn juegan Old people play too
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The Boxer
Jason Bard Yarmosky www.jasonyarmosky.com tX VĂctor Cardona
Hi Rollers
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Por mucho que pase el tiempo, que nos salgan arrugas por aquí y por allá, que se nos empiecen a caer los pechos y que nos curvemos cual rosa mustia, la vejez puede ser algo muy bonito. ¡Y si no que se lo digan a mi abuela! No cabe la menor duda, vivir intensamente cada época de nuestras vidas es mucho más que una actitud o una elección, puesto que si miramos más allá, puede llegar a ser un modo de vida. Jason Bard Yarmosky nos lo deja bien claro en sus pinturas, y aunque sólo tenga 25 años, se sirve de dos de sus referentes más importantes: sus abuelos. Ellos son el ejemplo de que en cualquier mente adulta hay un niño con ganas de jugar, todo ha cambiado, el escenario y el personaje, pero la vida sigue golpeando con la misma intensidad. De hecho, como si del retrato de Dorian Gray se tratara, no dejamos de ser un lienzo que trazo tras trazo nos vamos (auto)modelando con el carboncillo de los años. Y, a pesar de que el miedo nos pueda abrumar, siempre podremos reírnos de nosotros mismos, porque no hay nada mejor que ver cómo la vida pasa entre carcajada y carcajada para que, una vez con ochenta años, al fin nos meemos de la risa.
Though time goes by - wrinkles everywhere, breasts going down and bowing like a withered rose - old age can be really nice. Tell that to my grandmother! There is no doubt that living intensely every day of our lives is more than an attitude or a choice, because if we look beyond, it can become a way of life. At only 25 years old, Jason Bard Yarmosky expresses just that in his paintings. He uses two of life’s most important figures: his grandparents. They are the example who show that in any adult mind there is a child who is wanting to play. Though everything has changed: the background and the character, life goes on beating inside of us with the same intensity. In fact, like the portrait of Dorian Gray, we are the canvas that, stroke after stroke, is moulded over the years. Furthermore, despite the fact that fear can overwhelm us, we can always laugh at ourselves - because there is nothing better than seeing how life goes from one laugh to the next. Eventually, once in our eighties, we piss ourselves of laughter.
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Horse Feathers
wondering woman
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Ancianos jugando como niños, ¿debería ser esta la manera de vivir nuestros últimos días?
¿Por qué hiperrealismo y por qué figuras iluminadas sobre fondos oscuros?
¿Por qué no? Las personas a menudo estamos limitadas por los convencionalismos de la sociedad sobre cómo debería ser la tercera edad. Parte de la respuesta es que no valoramos esta etapa de la vida de la misma manera que celebramos la juventud. Se presupone que la gente mayor debe vivir dentro de los límites que la sociedad les marca. Mis pinturas examinan la relación entre las limitaciones de las normas sociales y la libertad a explorar, particularmente la yuxtaposición entre la juventud y la vejez. La sociedad a veces se siente incómoda cuando la gente mayor se permite esa libertad. Recuerda, los sueños de juventud, muchas veces sublimados por los años, nunca desaparecen. Como Madeleine L’Engle dijo una vez: “Lo mejor de hacerse mayor es que nunca perderás todos esos años ya vividos”.
He elegido pintar las imágenes con fondos oscuros para que el contenido esencial no sea ignorado. Las imágenes son atrevidas y con suerte enganchan al espectador de manera directa.
¿En tu opinión, qué significa envejecer?
Siempre he pensado en la falta de permanencia y en lo inevitable que es hacerse mayor. Las personas, sin embargo, pueden elegir cómo responder ante ese proceso. El envejecimiento no sólo tiene que estar relacionado con el deterioro corporal. Debería también tener una conexión directa con la sabiduría que se gana a lo largo de la vida. Mis abuelos me han permitido abrir una ventana hacia su propio viaje. Lo imparable de envejecer es evidente en sus cuerpos cambiantes, incluso cuando su visión del mundo ha continuado expandiéndose. Verles aprovechar la vida con euforia, humor y un poco de travesura ha sido algo que he querido explorar y también homenajear. A medida que crecemos, nuestros cuerpos empequeñecen y nuestros músculos se vuelven flácidos. Nada es lo mismo que antaño. ¿Nos afecta en todos los sentidos de nuestras vidas?
Definitivamente tiene efecto en todo porque sólo tienes que mirar tu reflejo en el espejo para ver los cambios. Para algunos es un proceso más rápido que para otros, pero demostrado este hecho catastrófico, una persona puede elegir cómo responder ante estos cambios físicos. Cuando alguien mira tus trabajos puede sentirse inspirado u optimista, así como un poco turbado. ¿Es esa tu intención?
No hay duda de que mis pinturas provocan muchas reacciones. Aunque la respuesta más arrolladora de la gente (de todas las edades) ha sido positiva. Las personas de edad avanzada han conectado con mi trabajo. Una vez di una conferencia sobre mis obras, y conseguí una ovación general. ¡Realmente lo comprendieron! Los niños y la gente mayor reconocen la inherente libertad de ser ellos mismos. Creo que los detractores [de mi obra] proyectan una infelicidad causada por su propio envejecimiento. ¿Es ésta tu batalla personal contra las convenciones sociales sobre el envejecimiento?
No es tanto una batalla personal, más bien una exploración personal sobre el ciclo de la vida. No hay duda, sin embargo, de que las convenciones sociales a menudo influencian los comportamientos de las personas de forma restrictiva. ¿En tu opinión, cómo nos debemos preparar para observar tus pinturas y entender todo su significado?
Con una actitud receptiva, estando abierto a la idea de que envejecer no extingue nuestro deseo de una vida plena. Tener a mis modelos posando en esta actitud provocativa hace que sea más difícil para el espectador ignorar el tema. También me gustaría que la gente viera el humor de las piezas. Es bastante interesante cómo la audiencia de mayor edad se ve reflejada en las composiciones y realmente se divierten.
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¿Y qué parte del cuerpo es la más difícil de pintar?
Para ser franco, disfruto pintando todas ellas. ¿Si tuvieras que pintar a Jason Bard Yarmosky octogenario, qué disfraz y juguetes llevaría?
Muy buena pregunta. Tendré una buena respuesta en cincuenta y cinco años. Háblame sobre el proceso que sigues al pintar…
Tengo la suerte de poder disfrutar de un estudio abierto que me permite trabajar múltiples piezas a la vez. Uso la fotografía como referencia para planear cada obra. Me permite extraer la mejor la información porque a menudo dibujo en vivo. Pintar y dibujar para mí es como esculpir en una superficie de doble dimensión. La luz es el factor más importante. Sin luz, no seríamos capaces de ver nada. La única manera con la que que uno puede dibujar o pintar una forma se basa en la actuación de la luz. Soy muy exigente a la hora de iluminar a mis personajes. ¿Cuál es el próximo paso después de Elder Kinder?
Ahora mismo estoy muy ocupado preparando mi próxima exposición individual en Nueva York, en el Bertrand Delacroix Gallery. El show se inaugurará en octubre. ¡Estad atentos!
Old men playing like kids. Is this how we should be living our last days?
Why not? People are often limited by society’s conventions about what old age should look like. Part of the answer is that we don’t value older people in the same way that we celebrate youth. Older people are expected to live within the boundaries that society draws for them. My paintings examine the relationship between the limitations of social norms and the freedom to explore, particularly the juxtaposition between the young and old. People sometimes get uncomfortable when older people allow themselves that freedom. Remember, the dreams of the young, often sublimated by the years, never really disappear. As Madeleine L’Engle once said, “The great thing about getting older is that you don’t lose all the other ages you’ve been.” In your opinion, what does aging mean?
The lack of permanence and the inevitability of aging have always been on my mind growing up. People, however, can choose how to respond to getting older. Aging doesn’t have to be only about the body’s decline. It should also be about the wisdom that is gained during a long life. My grandparents have allowed me a window into their journey. The inescapability of their aging is evident in their changing bodies, even as their view of the world has continued to expand. Seeing them approach life with exuberance, humor, and a little bit of mischief was something I wanted to explore and pay homage to. As we grow up, our bodies age and our muscles get flaccid. Nothing is as it was years ago. Does this affect every aspect of our life?
It certainly has an effect because a person only has to look at their reflection in a mirror to see the incremental changes taking place. For some it’s faster than for others,
Se presupone que la gente mayor debe vivir dentro de los límites que la sociedad les marca
Tight End
Older people are expected to live within the boundaries that society draws for them Blame Elaine
life is important. Having my models pose in these provocative poses makes it harder for the viewer to ignore the issue. I would also want viewers to see the humor in the pieces. Interestingly enough, older viewers seem to relate to the compositions and really enjoy the humor. Why hyperrealism and why light figures on dark backgrounds?
but baring a catastrophic occurrence, a person can choose how to respond to those physical changes. When someone looks at your work, they can feel inspired/ optimistic as well as (or) a bit humiliated. Is this your intention?
There is no question that my paintings have elicited a wide range of reactions. The overwhelming response from people of all ages has been positive. Older people have really connected to my work. I once gave a talk to an auditorium of senior citizens along with a slideshow of my work and I got a standing ovation. They really got it! Children and older people recognize the inherent freedom of just being themselves. I believe that the naysayers are projecting their unhappiness with their own aging. Is this your personal battle against social conventions about aging?
It is not so much a personal battle as a personal exploration of the life cycle. There is no doubt, however, that social conventions often influence people’s behaviour in a restrictive way. In your opinion, how should we get psychologically prepared to view your paintings and to figure out their meanings?
Openness. I think being open to the idea that getting older doesn’t extinguish our desire for a continued meaningful
I have chosen to paint the images with dark backgrounds so that the content cannot be ignored. The images are bold and hopefully engage the viewer in a very direct way. And which part of the body is the most difficult to paint?
To be honest, I enjoy it all. If you had to paint it, which costume would eighty-year-old Jason Bard Yarmosky wear and what toys would he have?
That’s a good question. I’ll have a good answer in fiftyfive years. Tell me about the process you follow when painting...
I am lucky enough to have a large open studio which allows me to work on multiple pieces at a time. I use photographic references in planning for each piece. Because I often draw from life, it allows me to extract the good information from my photographs. Painting and drawing to me is like sculpting on a two dimensional surface. Light is the most important factor. Without light, we wouldn’t be able to see anything. The only way one can draw or paint a form is based on the way the light hits it. I am very particular with how I light my subjects. What is the next step after Elder Kinder?
Right now I am busy preparing for my next solo show in New York at Bertrand Delacroix Gallery. The show will open this October. Stay tuned.
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Chad sin miedo CHAD MOORE
www.chad-moore.com Chad Moore nos escribe desde Amsterdam, donde acaba de inaugurar una exposición junto a Pete Voelker. Disfruta de la ciudad mientras responde a nuestro cuestionario a través del móvil. Chad vive sin miedo. Tiene claro que esta época de juventud es perecedera y quiere vivirla al límite. El tiempo de las agallas, de las despreocupación de un desnudo improvisado y del placer sin normas de futuro es caduco y no va a permitirse a sí mismo una recriminación de tiempo perdido. Sus fotos transpiran una intensidad de nivel 8 en la escala de Richter. Sería divertido vivir esas aventuras con él. Chad Moore writes to us from Amsterdam where he has just inaugurated an exhibition with Pete Voelker. He enjoys the city while he answers our questions via his mobile. Chad lives without fear. He clearly knows that this age of youth is perishable and he wants to live it on the edge. The time of guts, the disregard of an improvised nude, and the pleasure of not complying to future standards – these things are ephemeral and Chad doesn’t allow himself to regret having lost time. His photos transpire an intensity that measures 8 on the Richter scale. It would be fun to live these adventures with him.
tX Ane Pujol
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¿Cuál es la receta para una vida intensa?
No estoy seguro de que mi vida sea intensa, quizás solo un poco más emocionante que la de mucha otra gente. Creo que se trata de correr riesgos, aunque a menudo intento que sean mínimamente calculados. Lo más importante es no tener miedo a que las cosas no acaben bien. Cuéntanos cómo empezaste con la fotografía.
Siempre he estado sacando fotos, de una manera u otra, aunque nunca me lo tomé en serio hasta que conocí a mi amigo Ryan Bailey. Los dos montábamos en BMX, yo lo hacía para algunas marcas y Ryan siempre me fotografiaba para publicidad. Creo que ahí fue cuando me interesé realmente por la fotografía, aunque no me preocupaba mucho por los temas técnicos de iluminación, simplemente empecé a documentar nuestras aventuras con cámaras sencillas y de usar y tirar. ¿Qué o quién es la inspiración para tu trabajo?
La mayor inspiración en mi trabajo es encontrar gente increíble y obsesionarme con fotografiarlos. Puedes aprenderlo todo sobre alguien simplemente fotografiándolo/a mucho. A veces me imagino qué es lo que me gustaría que sucediera entre nosotros y recreo esa idea en la foto. Hay tanta inspiración en cualquier parte de Nueva York… su ritmo constante me hace pensar en nuevas ideas y proyectos. Háblanos de las personas que aparecen en tus fotografías, ¿son tus amigos?
Sí, todos los que aparecen son amigos míos. Me cuesta mucho interesarme en fotografiar a completos extraños. Puedes ver en los ojos de la gente cuando hay una conexión, es como si la cámara no estuviera ahí. ¿Planificas las sesiones de fotos o llevas tu cámara a todas partes?
Las dos cosas. Siempre llevo una cámara encima, pero sobretodo últimamente he empezado a fotografiar a gente en mi estudio. Son los mismos sujetos, pero en un entorno diferente, más controlado. ¿Estás siempre preparado para una foto, o has perdido alguna vez un disparo genial?
No siempre estoy preparado para disparar, pero puedo anticiparme a las acciones de la gente bastante bien. No se me ocurre especialmente un momento mágico que haya perdido, aunque el año pasado un amigo me llamó para decirme que Taylor Swift (soy bastante fan) estaba en su trabajo. Así que fui corriendo a decir hola y, con la emoción, se me olvidó la cámara, cosa que nunca me pasa. Acabé haciéndome una foto junto a ella con el iPhone. También está bien. ¿Cuáles son tus lugares favoritos o más habituales para tomar fotos?
Hay algunos lugares donde me gusta estar especialmente, como las azoteas de New York o los arroyos de Mississippi, así que supongo que esos son mis spots favoritos para disparar fotos. ¿Cómo describirías tu estilo?
Creo que mi estilo es el retrato, quizás semi-documental hasta cierto grado. Muchas imágenes muestran momentos íntimos de sexo, amor o amistad. Otras, fiestas salvajes. ¿Qué quieres mostrar con tu fotografía?
Siento que mis fotos transmiten la energía de la juventud. Es una de las mejores sensaciones que puedes tener y creo que el hecho de que sea efímera, hace que sea aún más importante capturarla en una imagen. Puede ser en una fiesta o durante la mañana siguiente a la fiesta o simplemente un día normal dando una vuelta. Todo es relevante para mí.
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¿Qué sensación tienes cuando ves fotos que tomaste hace tiempo? ¿Qué te dicen tus amigos de ellas?
Tomar fotos es tan personal que volver atrás al mirarlas me resulta muy divertido. Siempre hay algunas que piensas que no son las mejores, pero me gusta tener esos momentos grabados para siempre. Y creo que mis amigos sienten lo mismo, es un documento de nuestras vidas y aventuras. ¿Cuál es la foto más intensa que has tomado en la vida?
Hay tantos momentos intensos. He vivido montones de aventuras, pero me viene a la mente una historia en particular. Estaba una noche en un bar de las cascadas de Colorado con mis amigos Jonas y Nicky. Cuando el bar cerró empezó a llover. En lugar de correr de vuelta al hotel directamente, nos fuimos por un camino y acabamos subiendo al tejado del bar, que hacía un poco de pendiente. No sé cómo, acabamos desnudos y empezamos a tirarnos por el tejado como si fuera un tobogán. Cuando nos estábamos vistiendo de nuevo vimos unas luces señalando hacia nosotros. Resulta que alguien había llamado a la policía y habían subido al tejado, cogieron a Nicky para asegurarse de que no nos estábamos aprovechando de ella. Yo en seguida me escondí los 2 carretes de fotos que había disparado en el calcetín. Podríamos haber pasado la noche en el calabozo, pero por suerte los dueños del bar no nos denunciaron y dijeron a la policía que nos dejaran ir. Acabé usando una de las fotos de Jonas deslizándose desnudo por el tejado.
W hat are your usual or favorite places to take photographs? What is the recipe for an intense life?
I’m not sure that my life is intense, maybe it is just a bit more exciting than many people’s lives. I think it is about taking risks, although I often try for them to be minimally calculated. The most important thing is not being afraid of things going wrong.
There are certain areas I especially enjoy such as NYC rooftops or Mississippi creeks, so I guess these are my favorite places to take photos. How would you describe your style?
I think my style is portraiture, maybe semi-documentary to some degree.
Tell us… how did you start taking photos?
I’ve always been taking pictures in some form or another though I think I wasn’t really serious about it till I met my friend Ryan Bailey. We both rode BMX bikes, I rode for some brands and Ryan always took photos of me for their ads. I guess I began to take an interest in photography then, but I didn’t really care about the technical illumination problems, I just started documenting all of our adventures with simple single-use cameras.
Many photos show intimate moments of sex, love or friendship. Other photos show wild parties. What do you want to show with your photographs?
I feel like my photos transmit the energy of youth. It’s one of the best feelings you can have and I think that is because it’s ephemeral; that energy is even more important to capture in an image. It could be kids making out at a party or the morning after the party, or just a normal day walking around. It’s all relevant to me.
What or who is the inspiration for your work?
The biggest inspiration is finding amazing people and really becoming obsessed with photographing them. You can learn everything about someone by just photographing them a lot. Sometimes I imagine what I would like to happen between us and then I recreate it in a photo. There’s so much inspiration everywhere in New York City…its constant rhythm drives me to think of new ideas and projects.
How do you feel when you see old photos? What do your friends say about them?
What about the people in the pictures, are they your friends?
What is for you the most intense photograph you’ve ever taken?
Yeah, definitely, everyone in my photos is my friend. I find it very hard to take interest in photographing a complete stranger. You can see in people’s eyes when there is a connection, it’s like the camera wasn’t there. Do you plan your photo sessions or do you just take your camera everywhere and take photos anytime?
Both. I always carry a camera but lately I’ve been shooting in my studio…They are the same subjects just in a different, more controlled, environment. Are you always ready for a shot? Tell me the great shot you once missed.
I’m not always ready for a shot but I can anticipate people’s actions pretty well now. I can’t think of one specific magic moment that I’ve missed, but one time last year a friend called me and said that Taylor Swift (I’m quite a fan) was at his work so I ran to say hey, and with the excitement of the moment I forgot my camera, which never happens to me. I ended up taking a photo with her with an iPhone. It worked ok.
I mean, photographing is so personal to me that looking back at any photos is so much fun. I mean there are some you’ll always think aren’t the best but I just like having that moment recorded forever. I think my friends feel the same, it’s a document of our lives and adventures.
So many intense moments, there have been lots of adventures. One story in particular comes to mind. My friends Jonas and Nicky and I were in Colorado Springs at a bar one night and after the bar closed it started pouring with rain. Instead of running back to our hotel right away we took a detour into an alley where we ended up climbing onto the roof of the bar which was at a slight slant. Somehow everyone ended up naked and we began to use the roof as a slip n’ slide. Right as we were putting our clothes back on we see a bunch of lights pointing at us. Apparently the cops got called and had climbed up on the roof as well. They ended up pulling Nicky aside to make sure we weren’t ‘taking advantage’ of her. I instantly stuck the 2 rolls of film that I had shot into my sock. We would have probably ended up spending the night in jail if the bar owner had decided to press charges, but apparently we had been such good patrons that she told the cops to let us go. I ended up using one of the photos of Jonas sliding naked down the roof.
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Lo mรกs importante es no tener miedo a que las cosas no acaben bien.
The most important thing is not being afraid of things going wrong. 128
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CHEYENNE cargocollective.com/cheyenneillustration
ELEMENT EDEN NEW Advocate tX Lara Tuner
Sus ilustraciones son el resultado de un motor de vida donde el núcleo es el sueño, la naturaleza, los contrastes, la superación y una inmensa fuerza femenina. Una filosofía de sentimiento que encaja a la perfección con el concepto “Live, Learn and Grow” de Element Eden. El pasado mes de abril pusimos en marcha a través de nuestra web un concurso de ilustración con el objetivo de encontrar a la próxima embajadora de Element Eden. De entre más de 150 candidatas, Cheyenne es la ganadora. Esta joven artista de 24 años es la elegida para recibir el apoyo de la marca en su carrera artística, apoyo que se va a materializar desde ya mediante el diseño de una colección exclusiva realizada en algodón orgánico que ella misma presentará en el próximo Bright tradeshow (Berlin) y un próximo viaje a Los Angeles con toda la familia Element Eden. Eso sin contar que será la máxima protagonista de la presentación exclusiva que realizaremos en Barcelona el próximo viernes 10 de mayo junto a otras embajadoras de Element Eden como Kareena Zerefos, Crista Leonard, Miya Ando y Sarah Larnach. Totalmente agradecida y entregada a este nuevo camino que se abre en su carrera artística, hablamos con ella para que nos cuente un poco más sobre su obra, sus sentimientos y cómo vive la experiencia de ser nombrada nueva embajadora de una marca que es el reflejo de su propia mirada. Her illustrations are a result of a driving force based on dreams, nature, contrasts, overcoming obstacles and an immense feminine strengt. A philosophy which fits perfectly with the concept “Live, Learn and Grow” by Element Eden. Last April we launched an illustration contest in our website in order to find the next Element Eden ambassador. Out of more than 150 candidates, Cheyenne is the winner. This young artist of 24 years has been chosen to receive the support of the brand during her artistic career, a support that starts right now by designing an exclusive collection made of organic cotton which she will present at the upcoming Bright tradeshow (Berlin) and a trip to Los Angeles with the whole Element Eden family. And obviously, she will be the top star of the exclusive presentation that will take place in Barcelona on Friday 10th of May with other ambassadors of Element Eden such as Kareena Zerefos, Crista Leonard, Miya Ando and Sarah Larnach. Very grateful and dedicated to this new opened road in her career, we’ve been chatting with her to know a little more about her work, her feelings and how she feels about the experience of being named new ambassador of a brand that is a reflection of her-self.
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Cheyenne es tu nombre artístico. ¿Qué historia se esconde detrás de él?
Explícanos, ¿qué técnicas y procesos creativos sueles utilizar para crear tus trabajos y definir tu estilo?
Hace un par de años quise crear una identidad reservada para mis trabajos de ilustración. Volví a mi infancia donde la cultura nativa americana siempre había tenido un peso importante. Apreciaba el nombre de “Cheyenne” así que la decisión de elegirlo era evidente. Además, creo que encaja totalmente con mi personalidad.
Anoto en mi cuaderno todas las palabras que me vienen a la cabeza sobre aquello que me gustaría expresar. Entonces busco los significados (animales, colores, expresiones) y comienzo a hacer un primer bosquejo rápido en el mismo cuaderno. Cuando la composición me satisface uso fotografías para desarrollar el realismo y la fineza en mi dibujo final. Para todo ello, sólo utilizo herramientas finas como el criterion 0.3 o el bolígrafo.
Eres muy joven, 24 años. ¿Cuál fue tu primer contacto con el mundo de la ilustración?
Me gradué en la Escuela de Arte y coincidió que una nueva revista de mi ciudad (Strasbourg, Francia) buscaba grafistas. Ellos me ofrecieron mi primer trabajo y quedaron muy satisfechos con mis creaciones artísticas. Me empujaron a desarrollar mis ilustraciones al ofrecerme la posibilidad de que fueran publicadas. Les debo mucho. ¿Cómo te sientes tras ganar el concurso Element Eden Art Drops?
Al principio no me lo acababa de creer, después las sensaciones vinieron gradualmente: feliz, excitada, conmovida. Ahora mismo estoy muy impaciente por empezar a trabajar con el equipo de Element Eden.
¿Esta será tu primera experiencia en el mundo de la moda?¿Cuáles son tus expectativas?
Tuve la oportunidad de crear un visual para una pequeña marca de camisetas, pero esto no se puede comparar. ¿Mis expectativas? ¡Una experiencia grande y hermosa que me dará la oportunidad de ir más lejos en este negocio que tanto amo! Diseñarás una colección especial de camisetas elaboradas en algodón orgánico para Element Eden. ¿Qué tipo de mujeres crees que van a vestir estas camisetas?
Mujeres libres, soñadoras, sensibles y fuertes a la vez y, por supuesto, que aman la naturaleza.
¿Qué similitudes existen entre tu universo artístico y la filosofía “Live, Learn, Grow” de Element Eden?
¿Y qué tipo de mujer es Cheyenne?
Creo que tengo exactamente la misma filosofía. Vivo para desarrollar mi trabajo, basándome en aprender cada día de todo lo que me rodea y utilizándolo para crecer.
¿Qué te gusta hacer cuando no estás trabajando?
El concurso buscaba una ilustradora que bebiera del romanticismo de las estaciones, la naturaleza, los bosques... ¿En qué te inspiraste para participar en el concurso?
Reconocí mis ilustraciones en la descripción del concurso. Todos estos elementos están siempre presentes en mi trabajo, así que esto me inspiró de una forma muy natural. Dices que te gusta jugar con contradicciones basadas principalmente en los retratos de seres humanos y animales. ¿Cuáles son estas contradicciones?
Soy una contradicción en mí misma, siempre dividida entre dos emociones. Mi trabajo me permite expresarlo, es un poco como una terapia. Los animales muestran generalmente la emoción más fuerte. Combinar lo más alto y lo más bajo, la suavidad en el tormento, o transformar una sensación dura en una imagen más suave.
Cheyenne es justo este tipo de mujer. Me encanta practicar deportes, especialmente de tiro, longboarding y running. También viajar y disfrutar del sol en una terraza con amigos. ¿Qué supondrá para ti y para tu carrera artística formar parte de la gran familia de mujeres Element Eden?
Supondrá una evolución, un gran aliento para ir más allá, el reconocimiento, la oportunidad para expresar mi respeto por la gran familia de Element Eden y compartirlo con un gran número de mujeres que se pueden reconocer en mi trabajo. Y después de esto, ¿cuál será tu siguiente paso?
Continuar en este camino, vivir plenamente en mi arte, viajar y compartir. Un sueño actual…
Vivo mi sueño todos los días, aunque tal vez estaría aún más perfecto con un taller agradable bajo el sol y cerca del mar.
¿Por qué sueles dibujar mujeres sin rostro o que esconden sus ojos? ¿Tienen miedo de mirar algo?
Cheyenne is an artistic name. What story is hidden behind this name?
Generalmente estas ilustraciones son autorretratos. Las mujeres sin rostro no muestran miedo. Son un reflejo de mi personalidad discreta. En realidad, me escondo detrás de las emociones que necesito expresar.
Two years ago I initially wanted to create an identity reserved for my illustration work. I went back to my childhood where native american culture was important. I always appreciated the name ‘Cheyenne’ it came as a obviousness. Moreover this name totally suits my personality.
Para ti, ¿qué es el romanticismo?¿Puede exisitir entre humanos y animales? ¿Es un sentimiento exclusivamente femenino?
Pienso que el romanticismo está por todas partes, a menudo asociado con las mujeres, pero quien dice romanticismo dice sensibilidad, emociones, y en ese sentido todos los animales pueden expresar sus visiones del romanticismo. ¿Qué otros sentimientos transmiten tus ilustraciones?
Cada ilustración tiene sus propios sentimientos, pero siempre se mueven alrededor del sueño, la poesía y finalmente el espíritu libre. El tema central de la revista para este mes es “Intense”. ¿En qué sentido crees que este concepto puede definir tu trabajo artístico?
El concepto me encaja bien. Miro mis ilustraciones y veo que cada una de ellas representa un sentimiento o una experiencia intensa. Ilustraciones realistas elaboradas con líneas simples.
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You’re very young, 24 year old. What was your first contact with the world of illustration?
When I graduated from Art school, a new magazine in my town ((Strasbourg, France) sought for graphists. Those offered me my first job and where very pleased with my artworks. They push me further to develop my illustrations by offering me the chance of being published. I owe them much. How do you feel after winning the Element Eden’s Art Drops contest?
At first I didn’t believed it, after it came gradually: happy, exited, affected. I’m now very impatient to work with the team of Element Eden. What similarities are between your artistic universe and the “Live, Learn, Grow” philosophy of Element Eden?
I feel like I have the same philosophy. I live to develop my work on a daily basis by learning about everything that surrounds me and use it to grow.
The contest was looking for an illustrator who drinks from the romanticism of the seasons, nature, forests... What did you inspire to take part in the competition?
I recognized my artworks in the description of the contest. All elements are always present in my work. This naturally inspired me. You say that you like to play with contradictions mostly based on humans and animals portraits. Which are these contradictions?
I am a contradiction to me all alone, always torn between two emotions. My job allows me to express it, it’s a little bit like therapy. The animals show usually the strongest emotion. Combine the highest to the lowest, the softness in the torment, or turned a hard feeling in a softer image. Why did you usually choose to draw women without face or hidding their eyes? Are they afraid of looking at something?
I note in my notebook all the words going through my head over what I’d like to express. Then I search the significations (animals, colors, expressions), I start small quick sketch still in the same book. When the composition suits me I use photos to develop realism and fineness in my final drawing. I only use fine tools as the criterion 0.3 or ballpoint pen. Will this one be your first experience in the world of fashion? What are your expectations?
I had the opportunity to create a visual for a small t-shirt brand, but this can’t be compared. My expectations? A great and beautiful experience that will give me the opportunity to go further in this business that I love so much! You’re going to design a new Element Eden special collection of shirts made from organic cotton. What kind of women do you believe that will dress these shirts?
Generally these illustrations are self-portraits. The women without face doesn’t show fear, it look like my discrete personality that’s spring in my portraits. I hide behind the emotions I need to express.
Free women, dreamy, sensitive and strong at the same time, and of course that love the nature.
What is romanticism for you? There can be between humans and animals? Is only a feminine feeling?
What do you like to do when you aren’t working?
I think romance is everywhere, often associated with women, but who says romance said sensitivity, emotions, each animals express their visions of romance. What other feelings do your illustrations transmit?
Each illustration has their own, but always around the dream, poetry and finally free spirit. The magazine’s central theme for this month is “Intense”. In what sense do you think this concept could define your artwork?
And... what type of woman is Cheyenne?
Cheyenne is just this kind of woman. I love to practice sports especially the shooting sports, longboarding and running. Traveling and enjoying sunny terrace with friends. What will suppose for you and for your artistic career to be part of the great Element Eden family of women?
An evolution, a great encouragement to go further, recognition, opportunity to express my respect for a large family as Element Eden and share to a large number of women who can recognize in my work. And after that, which will be your following step?
This speaks to me well! I saw each of my illustrations, each represents a feeling or experience intense event.
Continue on this path, live fully in my art, traveling and sharing.
Realistic illustrations elaborated with simple lines. Tell us, what techniques and creative processes do you usually use to create your works and to define your style?
A current dream…
I live my dream is every day, maybe he would be even more perfect with a nice workshop under the sun and near the sea.
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www.blancadoble.es www.braun.com/cruZer www.shaveyourstyle.com
BARBARIE by NOEMÍ ELIAS BASCUÑANA #WELOVEBEARDS
review · 18 de abril en The Secret Room
Review · 18th of april at The Secret Room
Confesamos nuestro amor incondicional a las barbas. De todas las formas y colores. Eso es así. Lo bueno es que, gracias al apoyo de Braun cruZer, el mes pasado hicimos pública esta fijación con tintes obsesivos a través de la exposición Barbarie #WeLoveBeards de Noemí Elias Bascuñana. La fotógrafa lleva más de dos años embarcada en este proyecto que se ha ido haciendo más y más grande. Nosotros, desde lamono, publicamos retratos y entrevistas de algunos de sus barbudos más ilustres como Mario Tarragó, Marc Morro, Natxo Medina, Xarim Aresté, Santos Henarejos, Refree o Gori de Palma, todos ellos fuertemente vinculados a la vida cultural, artística y musical de Barcelona. Tanto los citados como algunos más formaron parte de esta original muestra en The Secret Room, un espacio de Barcelona que es un poco de todo: peluquería, showroom y pop up restaurant. De la experiencia, divertida donde las halla, una cosa nos quedó más que clara: “Donde hay pelo, hay alegría”.
We confess our unconditional love to beards. All shapes and colors. That is so. The good news is that, thanks to the support of Braun cruZer, last month we announced this fixation with obsessive dyes through with Noemí Elias Bascuñana´s exposure Barbarie #WeLoveBeards from. The photographer has been embarked on this project that has been getting bigger and bigger for two year. We, at lamono, have published portraits and interviews of some of her most illustrious bearded as Mario Tarrago, Marc Morro, Natxo Medina, Xarim Aresté, Santos Henarejos, Refree or Gori de Palma, all of them strongly linked to cultural, artistic and musical life of Barcelona. All the previous names and some more were part of this unique exhibition in The Secret Room, an area of Barcelona that is a bit of everything: hair salon, showroom and pop up restaurant. From our experience, one thing became more than clear: “Where there’s hair, there is joy.”
Noemí Elias Bascuñana ha sido la fotógrafa elegida este año para protagonizar nuestra habitual acción especial con Braun cruZer y es que su proyecto Barbarie nos llamó la atención desde que lo vimos. Seguramente porque, como a ella, nos encantan las barbas. “Cuando vi por primera vez Sandokán era muy pequeña y no tengo muy claro que pasó por mi cabeza, pero me marcó”. Eso, unido a su pasión por la fotografía que también arrastra desde la infancia hacía de este proyecto algo predestinado. Los barbudos de Noemí son “de la casa”, los chicos que por razones profesionales o personales han ido apareciendo en el radio vital de la fotógrafa configurándose en su mente como el perfecto barbudo autóctono. “He visto libros y fotos de barbas espectaculares, pero al final para mí era más un rollo cercano, esas barbas con las que estamos familiarizados aquí, esto no es Portland” y además por alguna razón, todos ellos están vinculados a la vida cultural, artística y musical; “La mayoría tienen profesiones liberales. Supongo que será porque no tienen que pasar cuentas a nadie de su aspecto, así están las cosas por aquí”. Tras la exposición son muchas las nuevas ideas que están pasando por la mente de Noemí, viendo que su obsesión barbuda tiene mucho de patología colectiva, quizá lo próximo sea poner en marcha una terapia de choque para superar este desorden hormonal que provoca tanto pelo.
Naomí Elias Bascuñana is the photographer that has been chosen this year to star in our usual special action with Braun cruZer this is because her Barbarie project has caught our attention since we saw it. Probably because, like her, we love beards. “When I first saw Sandokan I was very small and I don´t have very clear what had crossed my mind, but it marked my life”. That, coupled with her passion for photography since childhood, has made this project something predestined. The Naomi´s bearded are “ from home”, the guys that for professional or personal reasons have appeared in her vital radio, also have been configured in her mind as the perfect native bearded. “I’ve seen pictures and books of spectacular beards, but ultimately for me it was more a personal matter, those beards with which we are familiar with here, this is not Portland” and also for some reason, they are all linked to the cultural, art and music life; “Most of them have liberal professions. I guess it’s because they don´t have to go to anyone for their appearance, so it goes around here.” After this exposure, there are many new ideas that are going around Naomi´s mind, noticing that her bearded obsession has a lot of collective pathology, maybe the next thing is to launch a shock therapy to overcome this hormonal disorder that causes so much hair.
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ph Eder Pozo 路 http://anarquiafotografica.wordpress.com
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# 90 · INTENSE · MAY JUNE · 2013 RAY-BAN special COVER by ZORAN NOVA · www.zorannova.com.au
DIRECTOR Eva Villazala eva@lamonomagazine.com Associate Director Julio Amores julio@lamonomagazine.com Marketing Director & Fashion editor Anthya Tirado anthya@lamonomagazine.com 674 005 818 Art & Design Hernán Verdinelli hernan@lamonomagazine.com EDITORS Xavi Ocaña / Victor Cardona / Antonella Sonza / Barbara Esteban Translation Roberta Phillips / Jo Mirallas / María Lujan Torralba / David Ribes Contributors Editors: Ane Pujol / María Lujan Torralba / Lara Tuner / Lorena Pedre / Roberta Phillips Inés Troytiño / Bel Felis / Sami Seppala / Barbara Esteban / Victor Cardona / Katie Gatens Photographers: Sara Sani / Lara Alegre GUEST ARTIST: Jared Mell For circulation customer service please send an email to barbara@lamonomagazine.com For annual subscription please send an email to suscripcion@lamonomagazine.com subscription / 6 issues per year Spain: 40 euros / Europe: 50 euros / Other countries: 70 euros
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